Malerier af stor værdi og daub. Det vigtigste er ikke at spare på maling. Det her er maleri! Kim Dorlands unikke værk. "Black Fire" af Barnett Newman - $84,2 millioner

Effektivitet Public Relations: "Strålende" bums

Hvis jeg tager en pensel og maler et eller andet landskab eller portræt på lærredet, så kan enhver person, der ser på mit arbejde, roligt sige: sikke en klat! Og han vil have ret, for jeg ved ikke, hvordan man tegner. Men min daub kunne sælge for millioner af dollars, hvis jeg havde et ry som en stor kunstner. Teoretisk set er det svært at forestille sig, at mine umalede, men ikke mindre forfærdelige, malerier kunne promoveres som store kunstværker og sælges for "gale penge". Men i det virkelige liv skete dette mere end én gang - anden halvdel af det 19. århundrede og hele det 20. århundrede var en uafbrudt triumf i kunsten.

Fra det øjeblik den blev født moderne maleri, hvis far anses for at være italieneren Giotto di Bondone (1267-1337), og i løbet af de næste par århundreder blev kunstnerens dygtighed til at vise virkeligheden på enhver overflade, der er egnet til tegning (lærred, væg eller plade) sat på førstepladsen i vurderer arbejdet. Fotografering fandtes ikke dengang, men mange ville gerne have deres eget portræt eller et billede af deres slægtninge. Udsigten over de omkringliggende skove og marker blev også værdsat. Vi kan stadig godt lide at hænge reproduktioner i vores lejligheder. forskellige malerier, og for dem, hvis økonomiske forhold tillader det, så selve originalerne. I middelalderen kunne rige også godt lide at dekorere væggene i huse og slotte med malerier, og nogle af de rige mennesker samlede store samlinger. Nogle gjorde det af kærlighed til at male, andre - for at forbedre deres status.

Ud over de rige havde kirken også brug for kunstværker. Kirken havde ikke brug for malerier, der skildrede det virkelige liv – de havde brug for det bibelske fortællinger der ville se ægte ud - som fotografier virkelige begivenheder(selvom de ikke havde nogen idé om fotografier dengang). Folk skulle tro på Kristus, Maria, apostlene og andre religiøse personer, og til dette skulle de bibelske personer ligne levende mennesker.

Hvad end kundernes ønsker var, sådan var malerierne. Skøre ideer, skitseret på lærred af en uduelig hånd, var til ingen nytte for nogen. Ingen ville købe et portræt af sig selv, der ikke lignede originalen, og bestemt ikke et, der i princippet ikke lignede billedet af en person. I de dage, for at male et portræt, havde du brug for en kunstner, der havde mestret en malers håndværk. Uden at være professionel kunne man ikke sælge malerier og tjene til livets ophold. De, der samlede på malerier, havde ikke længere brug for kun afstøbninger fra virkeligheden – de ville have eksklusive ting, som ingen kunne gentage. Det vil sige, at kunstneren skulle tilføje noget af sit eget til det realistiske billede – en vis unik stil så hans maleri skiller sig ud blandt hovedparten af ​​kvalitetshåndværk. Det kunne være en unik teknik som Leonardo da Vinci, en innovativ brug af lys og skygge som Van Eyck, fantastiske billeder som Bosch...

Det 15.-17. århundrede i Europa er verdensmaleriets storhedstid. På dette tidspunkt var der i de økonomisk udviklede lande i Europa (Venedig, Firenze, Holland, Flandern, Tyskland) dukket et tilstrækkeligt antal kunder til malerier op - takket være dette modtog vi en hel galakse fremragende kunstnere, hvis værker stadig pryder mest berømte museer fred. Sammen med så almindeligt anerkendte store renæssancemalere som Leonardo da Vinci, Raphael og Michelangelo Buonarroti arbejdede adskillige dusin mere lige fremragende kunstnere på det tidspunkt: hollænderne Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel den ældre, Peter Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, italienerne Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, tyskerne Albrecht Durer, Hans Holbein den Yngre, spanieren Diego Velazquez... De havde alle sammen original stil refleksioner af virkeligheden, men samtidig var de forenet af, at de alle vidunderligt malede udelukkende realistiske malerier. Realistisk ikke i plot - de samme bibelske malerier har aldrig været sådan. Realistisk - baseret på billedets lighed med det virkelige liv. Ingen tegnede nogen terninger eller firkanter - det er angiveligt sådan, han ser verden, da "mesterværker" i en sådan stil ikke ville have fundet deres køber. Kunderne af malerier i de dage var simple mennesker - som vores Nikita Khrushchev. Der er en historie, som han engang spurgte om et af malerierne på en abstrakt kunstudstilling: "Hvad er det for en røv?" Jeg bemærker, at ingen nogensinde har sagt noget lignende om malerierne af Raphael eller Correggio, inklusive Khrusjtjov - enhver med syn forstår, hvad der er afbildet i dem: Madonnaer i form af smukke kvinder, og ikke nogle uhyggelige og uforståelige skabninger som i Picassos malerier. Enhver fremragende kunstner var en fornyer på en eller anden måde, men alle innovative teknikker i maleriet gav kun mening, hvis kunstneren kunne skildre livet i alle dets manifestationer tilstrækkeligt. Nyhed i billedet blev brugt for realismens skyld og ikke i sig selv. Vi kan sige, at malerne forsøgte at arbejde som bygherrer - hvert hus skal have et fundament, vægge og tag, og alle eksperimenter var kun tilladt inden for disse rammer.

Som professionelle nåede renæssancekunstnere maleriets højdepunkt. Og vi kan roligt sige, at det er umuligt at overgå Raphael eller Van Eyck – de kan kun gentages. Eller skab noget helt eget, som er blevet mere og mere komplekst med årene. Allerede i 1600-tallet var der færre fremragende kunstnere end i 1500-tallet, og i 1700-tallet kunne de tælles på én hånd. Det er ekstremt svært at skille sig ud på baggrund af renæssancemestrene - dette er det højeste niveau af færdigheder, som i princippet kun få kan opnå.

Og på en sådan baggrund, når der er mange håndværkere, og der er få fremragende mestre, finder en reel revolution sted i kunstens verden - "store kunstnere" begyndte at blive skabt kunstigt. Dette var svært at gøre i middelalderen- uden midler massemedier PR-teknologier er ineffektive, da information skal overføres gennem rygter, som forvrænger den. Især når det kommer til at formidle information over lange afstande. Kun medierne kan hurtigt og effektivt skabe og introducere i massebevidstheden billedet af ethvert objekt (produkt, brand) som ideelt og nødvendigt i livet. Det er ikke tilfældigt, at når i anden halvdel af det 19. århundrede i livet af stater Vesteuropa, som allerede er trådt ind i den industrielle revolutions æra, begynder pressen at spille en stadig vigtigere rolle, og samtidig begynder "store kunstnere af en ny type" at dukke op. Med andre ord - bastards.

Hvem var det egentlig, der omorienterede købere af malerier i retning af direkte daub? Dem er der mange af. I bund og grund er der tale om personer, der beskæftigede sig med kunstkritik i medierne, såvel som dem, der organiserede udstillinger. For eksempel "vaskede" kritikeren Roger Fry post-impressionisterne, franskmanden Guillaume Apollinaire var med til at promovere Matisses og Picassos produkter til forbrugerne. Men endnu vigtigere for malermarkedet var det, at der dukkede flere og flere velhavende samlere op i verden – især i anden halvdel af det 20. århundrede. I et miljø, hvor der er virkelig fremragende kunstværker statslige museer eller tilhører kirker, der ikke sælger deres mesterværker for nogen penge, hvad skal der samles ind af? - Fra det, der anses for moderigtigt. Det, der blev moderne, blev købt af købere.

Hvordan blev mode til denne eller hin "maler" skabt? Grundlæggende startede det hele med en skandale. I slutningen af ​​det 19. århundrede betød den blotte fremvisning af en forfærdelig klat i offentligheden under dække af kunstværker en offentlig skandale. Dette var en reel udfordring for samfundet. Folk, der så "dette", var indignerede, alt dette blev diskuteret i pressen og boheme steder, forfatterens berømmelse og hans malerier voksede - og så dukkede en mode op for denne eller hin karakter. Først i snævre kredse, og så, hvis du var heldig, lærte den brede offentlighed om fremkomsten af ​​en ny "stor maler." "Hvis de taler om dig, betyder det, at du eksisterer" - dette er den grundlæggende regel for PR. Hvis du bliver berømt, vil i det mindste nogen købe dine malerier - uanset deres kunstneriske værdi miljø indså, at det var en klat - dette er også en varm vare, så sådanne malerier oversvømmede bogstaveligt talt markedet. Mange store malere begyndte i fremtiden med realistiske malerier, men med tiden skiftede de til kruseduller - de vidste i starten ikke, hvordan de skulle tegne.

I forskellige perioder var der mode for én ting kunstnerisk retning, så til en anden - impressionisme, post-impressionisme, abstraktionisme, kubisme, ekspressionisme... Og mode er handelens hovedmotor. Så snart "kunstneren" blev et mærke, blev alt produceret under dette mærke fra da af "solgt som varmt brød". Det var lige meget, hvad præcis den eller den "kunstner" malede - modeindustrien fungerer efter andre love end håndværksindustrien. Moden til denne eller den mastik opstod selvfølgelig ikke med det samme, og først gik "laurbærene" i form af enorme penge ikke til kunstnerne selv, men til købere af malerier. De vanvittige pengebeløb, der begyndte at blive udskudt for moderigtige dupper på auktioner, dukkede først op mod slutningen af ​​anden halvdel af det 20. århundrede. Et stort antal mennesker med nemme penge modtaget på verdens finansielle markeder såvel som fra plyndring af statsejendom i Rusland vidste simpelthen ikke, hvor de skulle placere dem - som et resultat blev enhver afføring smurt på lærred en ekstremt populær vare .

Med hvem begyndte triumfen i kunsten?

Vejen for impressionisterne og kubisterne blev banet af englænderen Joseph Turner, som "skabte" i første halvdel af det 19. århundrede. Hans eneste fortjeneste som kunstner var, at han ikke var særlig god til at male landskaber. Han havde også næsten gode malerier, men han blev kendt for direkte klatringer, som lærredet "Approaching Venice". Hvis Venedig havde været som i hans maleri, så er det usandsynligt, at nogen ville have svømmet til det... Turner chokerede på et tidspunkt simpelthen offentligheden, takket være det blev han berømt. Der er en karikatur af ham - Turner står foran et billede med en pensel (som blev brugt til at male hegn på det tidspunkt) og maler noget...

Den næste, der hentede stafetten var franskmanden Edgar Degas - han vidste, hvordan man tegnede, og nogle gange lykkedes det ham vidunderlige malerier, men af ​​en eller anden grund blev Edgar tiltrukket af at male de grimmeste nøgne kvinder, der gør sig klar til at gå i bad, vasker sig eller lige er færdig med at bade... - For sådanne tegninger bliver de bortvist fra 1. årgang kunstskole på grund af inkompetence, men Degas blev populært i høj grad takket være dem.

I slutningen af ​​det 19. og begyndelsen af ​​det 20. århundrede begyndte antallet af muffins at stige kraftigt.

På dette tidspunkt skabte de "store impressionister" Claude Monet (som ikke må forveksles med den berømte kunstner Edouard Manet) og Auguste Renoir. Renoir vidste, hvordan man tegner, men ligesom Degas faldt han ofte i direkte skriblerier. Først forsøgte Monet også at blive en rigtig kunstner, men indså, at han ikke ville lykkes - som et resultat kan han kaldes en af ​​de lyseste efterfølgere af Joseph Turners arbejde - Monets landskaber er næsten lige så forfærdelige som hans forgænger.

Hans vigtigste "mesterværk" er "Rouen Cathedral, vestfacade i sollys"- typisk børneskøn. Monet nittede mange værker i en lignende "stil", og alle er stadig populære: "Åkander" (uden en titel kan man ikke umiddelbart genkende, at det er liljer på vandet...) gik på auktion for 36,7 millioner dollars ( 2007), "Waterloo Bridge" (billedet nedenfor) solgt for $35,9 millioner (2007),

"Dammen med åkander..." (i sammenligning med "Waterloo Bridge" kan det endda kaldes et maleri) - for 33 millioner dollars (1998). I 2009 gennemførte avisen Times en undersøgelse blandt læserne, baseret på resultaterne, som den bestemte de mest populære kunstnere i det 20. århundrede - Claude Monet tog 4. pladsen!

Ved århundredeskiftet gik postimpressionister også i gang: Vincent Van Gogh, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Hvem af dem var den "største", eller med andre ord, den mere fashionable kunstner i vores tid? Cezanne har mindst et maleri, der kan beskrives som "interessant" - han malede det i en alder af 27. Så gik alt meget værre - uden oplysning, klat efter klat. Ikke desto mindre er han bestemt ikke den "største". Priserne for nogle af hans malerier beløber sig til titusindvis af millioner af dollars (det dyreste af dem, "Still Life with a Jug and Draperie," blev købt for 60,5 millioner dollars (!), men hans værkers popularitet blandt samlere er klart. ringere end Gauguins værkers popularitet, og i endnu højere grad Van Goghs læsere rangerede Cezanne på en andenplads blandt det 20. århundredes kunstnere.

Den psykisk syge Van Gogh malede som en utalentet 5-7-årig dreng, der aldrig blev voksen. På et tidspunkt blev han behandlet på en psykiatrisk klinik, men det hjalp ikke, og som 40-årig begik han selvmord. Hans biografi ligner mere biografien om en "stor kunstner." Dette fremgår af priserne på hans malerier - 40,3 millioner dollars for et uhyggeligt portræt af Madame Ginoux, 40,5 millioner dollars for "Solsikker", 47,5 millioner dollars for "Bondekvinde med stråhat", 53, 9 millioner dollars for "Iriser", 57 millioner dollars. for "Wheat Field with Cypress Trees", $71 millioner for et selvportræt og $82,5 millioner for "Portrait of Dr. Gachet." Denne Gachet passede i øvrigt Van Gogh kort før hans selvmord - formentlig besluttede "kunstneren" at hævne sig på lægen for hans arbejde med hans signaturportræt.

Van Goghs elsker Gauguin malede som en dreng lidt ældre end Van Goghs dreng. Dette er en klar ulempe for ham som en "stor kunstner." Desuden var Gauguin ikke så skør som Van Gogh, selvom der er en vidunderlig episode i hans biografi, da han kom for at bo hos Van Gogh og endte med at skære sit øre af - dette er en virkelig kraftfuld påstand om "storhed"! Efterspørgslen efter Gauguins malerier er dog ikke så stor som for Van Gogh – kun få af hans malerier blev solgt for mere end 30 millioner dollars.

Næsten en dværg var Toulouse-Lautrec vild med grimme franske ludere, som han legemliggjorde i sine lige så grimme malerier. Hvis du ser på billedet nedenfor, med kodenavnet "Whores on Examination", vil du have en idé om Toulouse-Lautrecs kreative stil.

Han var mere en mester i at tegne, men nåede aldrig at male et fuldgyldigt billede. Sammenlignet med Gauguin og Van Gogh er Toulouse-Lautrec fuldstændig upopulær, og den norske Munch er tydeligvis ikke op til dem, selvom hans biografi er meget god: han led konstant frygtelig depression og blev flere gange behandlet for psykiske lidelser. Flere af hans malerier optræder på listen over "100 dyreste malerier i historien", men det er omkring det.

Men østrigeren Gustav Klimt er i sandhed den største post-impressionist. Han er ikke mindre populær end Van Gogh, og hans dyreste maleri blev købt for 135 millioner dollars! Og det, der er mest overraskende for det 20. århundredes store kunstner, er, at maleriet forestiller en kvinde med et menneskeligt ansigt! Al den resterende plads optages af typisk dub, men ansigtet viste sig at være realistisk. Og andre malerier af Klimt, hvor mennesker er afbildet, ligner dette billede - de samme ansigter blandt de "post-impressionistiske" pladder.

Folket respekterer også Klimt - 3. pladsen blandt bedste kunstnere 20. århundrede - kun Picasso og Cezanne er foran.

Lad os gå videre til det 20. århundrede. Som Wendy Beckett skrev i sin History of Painting: "To mennesker hersker i det 20. århundredes kunst: Henri Matisse og Pablo Picasso." Det er svært at sige hvorfor disse to, for der var hundredvis af sådanne idioter, men modeens måder er uransagelige. Pablo tog i øvrigt 1. pladsen i Times læserafstemning.

Spanieren Pablo Picasso vidste, hvordan han skulle tegne, men ville ikke. Han var langt fra Da Vinci-niveauet (som ikke tror på det, se på hans tidlige billede "Boy with a Pipe" - ikke dårligt, men ikke fremragende), men simpelthen gode malerier i det 20. århundrede var ikke længere relevante. Daubing blev mere og mere moderigtigt, og Pablo besluttede at svømme efter bølgernes vilje. Og han gjorde det fantastisk!

I 1907 malede han maleriet "Les Demoiselles d'Avignon" - det blev det første værk i den kubistiske genre. Først var kunstneren flov over at vise dette nonsens til fremmede, hvilket generelt er forståeligt: ​​fem helt uhyggelige væsner ser på dig fra billedet, og at vise sådan noget nonsens til andre er det samme som at erklære offentligt: ​​Jeg er skør! Jeg er fuldstændig psykopat! Dog Pablo tog risikoen med at udstille sit "mesterværk" og jeg havde ret. Ingen lagde ham på et hospital, og Picasso fortsatte med at beskadige hans lærreder. Han omsatte den dialektiske materialismes postulat: kvantitet udvikler sig til kvalitet. I dette tilfælde - i omdømme. Picasso malede i omkring 70 år, og det er ikke overraskende, at han er blevet vor tids mest populære maler.

Hans "Portrait of Dora Maar" (købt for $95,2 millioner på auktion i 2006, billedet ovenfor), "Woman Sitting in a Garden" ($49,5 millioner i 1999), "Dream" ($48,4 millioner i 1997), "Nude in a Black Chair” ($45,1 mio. i 1999) - gik ind i det 20. århundredes “gyldne fond” af daubs.

Der var mange herlige daubers i det 20. århundrede - meget mere end store kunstnere i renæssancen, hvilket ikke er overraskende: at bryde er ikke at bygge, at ødelægge lærreder er ikke at male. Vores Vasya Kandinsky og Kazimir Malevich gjorde også deres præg på dette felt - selvom de er enestående, er de ikke store bøvler efter verdensstandarder. Selvfølgelig har russerne deres egen specielle spiritualitet, men det er ikke særlig tydeligt i klatringen. I midten af ​​det 20. århundrede begyndte amerikaneren Pollack og hollænderen de Kooning, "abstrakte ekspressionister", at slå tonen an.

Alt i vores verden er relativt, og på baggrund af Pollack og hans brødre ligner selv Monet eller Gauguin gode kunstnere. Kunstkritikere kaldte denne højeste grad af klat "abstrakt ekspressionisme", og jeg vil sige, at dette er en fuldstændig senil klat! Dens mest fremtrædende repræsentanter var ikke kun de førnævnte Willem de Kooning og Jackson Pollack, men også Mark Rothko, en amerikaner af russisk oprindelse. Disse tre er ganske enkelt toppen af ​​det 20. århundrede!

En abstrakt ekspressionist er en person, der i princippet ikke maler. Van Gogh kunne tegne mindst på niveau med et 5-årigt barn, men Pollack kunne ikke engang nå dette niveau. For at citere "The History of Painting" af Wendy Beckett: "Pollack var den første til at opgive penslen, paletten og alle konventionerne om emnet. Han dansede i ekstase hen over lærrederne spredt på gulvet, fuldstændig fordybet i kreativitet, plaskede og hældte maling under fuld kontrol. "Maleri," sagde han, "liver eget liv. Jeg prøver at lade hende gøre det." Der er ikke engang noget at kommentere her - manden var meget, meget syg. Billedet af hans maleri bekræfter dette.

Mark Rothko er en endnu værre kunstner end Pollack. Du vil sige, at det ikke kan være - jeg sagde jo bare, at Pollack ikke kunne tegne. Måske! Pollacks malerier lignede i hvert fald kaotisk tapet, mens Rothkos blot er lærreder malet med forskellige farver – for eksempel er toppen sort og bunden er grå. Eller et endnu mere "fremragende arbejde" - farven er rød i bunden, en slags mørkegul øverst og hvid i midten.

Maleriet hedder "White Center" og er købt hos Sotheby's i 2007. for 72,8 millioner dollars. - næsten 73 millioner for et lærred beskadiget af maling! Og dette er i øvrigt nummer 12 på listen over de dyreste malerier i verden! Men det dyreste maleri i verden i dag (2010) tilhører Jackson Pollack og hedder "No 5" - solgt i 2006 hos Sotheby's for 140 millioner dollars! Den vestlige verden er ikke kun fyldt med skøre kunstnere – der er kæmpe beløb skøre millionærer. Almindelige mennesker er i øvrigt heller ikke særlig raske i Vesten – i en meningsmåling fra avisen Times indtog Pollack en 7. plads over det 20. århundredes mest populære kunstnere.

Hans, som de siger, "evige rival" Willem de Kooning blev nummer 9 i denne afstemning. Jeg vil kalde ham den sjoveste af alle muffinsene. Koonings dyreste maleri "Woman No. 3" (købt i 2006 for 137,5 millioner dollars!) fra hvem som helst sund person vil forårsage et latteranfald. Endnu sjovere er "Kvinde med en cykel."

Jeg tror, ​​Willem havde nogle problemer med kvinder, så han tog hævn over dem på en sofistikeret måde.

Ved at bruge eksemplerne Pollack, Kooning og Rothko ser vi tydeligt, hvad kunstmarkedet er kommet til i dag. Hvis Khrusjtjov var i live, ville han have sagt: at fuldføre røv!

Så tak magisk kraft Pu blic relationer nogle mentalt abnorme individer er blevet anerkendt fremragende værker maleri og er placeret på samme niveau med malerierne af renæssancens store kunstnere. For første gang blev PR's magt så tydeligt demonstreret i promoveringen af ​​duds. Før 1800-tallet PR kun handlede effektivt i politik (historie og religion tjente også politiske formål og kan ikke betragtes isoleret fra politik). I tilfælde af annonceringen af ​​middelmådige røvhuller geniale kunstnere vi støder på et fænomen når PR beviste sig inden for mode. Og det var så effektivt og varigt, at selv nu, mere end et århundrede efter, at det blev mode med middelmådige psykopater, møder vi mange mennesker, der oprigtigt tror, ​​at Van Gogh er stor kunstner. Endnu flere millioner ved, hvem Van Gogh er. Flere hundrede rige loafers, ikke hvem ved hvor bruger penge, køber moderigtigt daub på auktioner. Alle andre hører om ét millionkøb af daub og derefter om et andet. Nå, de kan ikke betale 30 millioner dollars for eksplicit afføring? - sådan tænker den gennemsnitlige person. - De kan, de kan... Hovedsagen er, at det er på mode.

Når jeg ser på nogle af de malerier, der sælges på auktioner i dag, vil jeg græde. Græd, fordi disse lærreder ligner et barns doodle, men de står som en villa i Miami. Tiden er inde til at præsentere de dyreste absurde mesterværker, der blev solgt på auktion for millioner af dollars.

Maleri "Green and White", Ellsworth Kelly – 1,6 millioner dollars

blogspot

Dette er ikke kun en takket grøn cirkel på en hvid baggrund. Dette er et eksempel på maleri, hvor hovedobjektet er selve farven. Denne kreation blev købt på Christie's auktion i New York i 2008.

Faktisk vil du i resten af ​​kunstnerens malerier ikke finde komplekse mønstre og realistiske landskaber- kun de enkleste figurer på en hvid, sort eller lys baggrund.

"The Blue Fool", Christopher Wool - 5 millioner dollars

pinterest

Maleriet blev auktioneret hos Christie's (New York) i 2010. Den amerikanske nutidige kunstner Christopher Wool gik længere end sine kolleger og begyndte udover "daub" og "doodle" at placere inskriptioner med store bogstaver på lærreder.

Der er ikke ringe ironi i, at en af ​​de mest dyre værker fra denne serie var der et lærred med inskriptionen "FOOL" (Fool).

"Begrebet rum. Venter, Lucio Fontana - 12,8 millioner dollars

kilde: Forbes

Det hvide lærred med slidser blev solgt på Sotheby's London i 2015. Kunstneren Lucio Fontana er kendt for sin "barbariske" holdning til sine lærreder - han skar og gennemborede dem nådesløst. Men han gjorde det på en sådan måde, at han senere kunne vise det "lemlæstede" billede til beskueren.

For mesteren personificerede hans slots selve uendeligheden. “Når jeg sætter mig foran en af ​​mine spalter og begynder at overveje det, føler jeg pludselig, at min ånd er befriet. Jeg føler mig som en person, der er undsluppet materiens lænker, der hører til nutidens og fremtidens endeløse vidder,” sagde Fontana.

Maleri "Due" Den tredje stjerne af Joan Miró 36,9 millioner dollars

karenruimy

En af de dyreste grunde på Sotheby's-auktionen i den britiske hovedstad i 2012. Dette er det første billede på vores liste, hvor det ser ud til, at de forsøgte at tegne noget. Bare hvad?

Maleriet er skabt af den spanske surrealistiske kunstner Joan Miró. På et tidspunkt sultede maleren, hvorfor han ofte så hallucinationer på væggene. Skaberen overførte de billeder, han så, til malerier. Nu sælger hans malerier for millioner af dollars.

"The Sleeping Girl" af Roy Lichtenstein - 44,8 millioner dollars

nytider

"The Sleeping Girl" blev auktioneret i 2012 hos Sotheby's i New York. For værket af Lichtenstein, som engang blev kaldt "den værste kunstner i Amerika", betales der i dag ublu pengebeløb.

Roy Lichtenstein er berømt for at skabe malerier baseret på tegneserier: kunstneren tog og gentegnede andres værker og tilføjede noget af sit eget. For dette måtte han tåle angreb fra kritikere, men det var også det, der gjorde ham berømt. Lichtensteins malerier optræder konstant på lister over de dyreste malerier.

Uden titel, Cy Twombly - $69,6 millioner

gazeta

Maleriet blev solgt på New York-auktionen hos Christie's i 2014. Når et barn tegner sådan noget, er det en skribleri. Men når en velpromoveret kunstner gør det, er det et mesterværk, der er værdigt til at skyde skøre penge ud for det. Twomblys andre værker er de samme skriblerier og er lige så uanstændigt dyre.

"Black Fire" af Barnett Newman - 84,2 millioner dollars

bloomberg

Dette mesterværk blev solgt på Christie's auktion i New York i 2014. Signaturtegnet for Barnett Newman er lodrette linjer, som er kaldet "lyn.

Andre malerier af mesteren adskiller sig fra det ovenfor præsenterede, undtagen i farve og bredden af ​​de samme lyn. Priserne på kunstnerens malerier stiger fra auktion til auktion.

"Orange, rød, gul", Marco Rothko - $86,9 millioner

Skandale i amerikanske kunstnerkredse! Dusinvis af malerier, der blev betragtet som nyopdagede mesterværker af abstrakt maleri, viste sig at være forfalskninger. Hvad er dette - en fatal fejl fra eksperter eller svindleres utrolige talent?

Eller er det blot en objektiv bekræftelse af, at originalerne til disse "mesterværker" i virkeligheden blot er et godt omtalt pladder, som simpelthen er nemt at kopiere?

Lukningen af ​​Center for Visuel Kultur på Mogila Akademiet førte ikke kun til heftige polemik i samfundet. Men det fik mig også til at tænke over, hvad alt det, der tilbydes under dække af kunstværker, i virkeligheden er.

Skandale i amerikanske kunstnerkredse! Dusinvis af malerier, der blev betragtet som nyopdagede mesterværker af abstrakt maleri, viste sig at være forfalskninger. Hvad er dette - en fatal fejl fra eksperter eller svindleres utrolige talent? Eller er det blot en objektiv bekræftelse af, at originalerne til disse "mesterværker" i virkeligheden blot er et godt publiceret klat, som simpelthen er nemt at kopiere?

For næsten 17 år siden gik en lidet kendt kunsthandler fra Long Island, New York, Glafira Rosales, ind i de luksuriøse lokaler i Knoedler & Companys galleri med et maleri, der ifølge hende var malet af kunstneren Mark Rothko (en førende repræsentant for kunstbevægelsen).

Hun viste en lille tavle med to mørke skyer på en bleg fersken baggrund til Ann Friedman, den nye præsident for Knoedler, New Yorks ældste kunstgalleri.

"Umiddelbart, ved første øjekast interesserede dette arbejde mig," huskede fru Friedman senere. Hun var så passioneret, at hun endte med at købe jobbet til sig selv.

I løbet af de næste ti år besøgte fru Rosales ofte Knoedler Gallery-palæet med dets overdådigt dekorerede loft, med værker af berømte modernistiske kunstnere: Jackson Pollock, Willem de Kooning og Robert Motherwell.

Alle dukkede op på markedet for første gang. Alt, sagde hun, tilhørte en samler, som fru Rosales nægtede at nævne.

Malerierne blev begejstret modtaget af både Knoedler-galleriet og Ann Friedman: Mindst tyve værker blev videresolgt, hvoraf et gik for 17 millioner dollars.

.

I dag kalder en række eksperter disse værker for forfalskning. En er officielt blevet stemplet som "falsk" af en domstolsafgørelse, mens andre er ved at blive efterforsket af FBI. Knoedler Gallery har efter 165 år i erhvervslivet lukket sine døre og sagsøger en klient, der har købt et af Rosales' malerier (galleriet siger, at lukningen var en forretningsbeslutning i forbindelse med retssagen). Ms. Friedman, som stadig hævder, at malerierne er ægte, er også nævnt i retssagen.

I de seneste år der har været få begivenheder, der har rystet kunstmarkedet så meget som dette mystisk historie om, hvordan en ukendt kunsthandler var i stand til at opdage et forbløffende antal ukendte skatte af maleri skabt af den abstrakte ekspressionismes titaner. Hver af de mulige forklaringer bærer byrden af ​​usandsynlighed med sig.

Hvis malerierne er ægte, hvorfor indeholder malingen på nogle af dem så pigmenter, som endnu ikke var opfundet på tidspunktet for deres skabelse?

Hvis de er falske, hvem er så disse overnaturligt talentfulde falsknere, der var i stand til at vildlede eksperterne?

Og hvis malerierne er ægte, men stjålne, hvorfor kom deres ejere så ikke frem, efter at denne historie blev offentlig?

Desværre, den eneste person hvem kunne løse dette mysterium, fru Rosales, nægter at tale, i det mindste offentligt. Der er dog lækket flere detaljer fra retsdokumenter og interviews med andre deltagere i sagen. Og dem er der nok af til at beskrive, hvad der skete.

Rosales, 55, en karismatisk og uddannet kvinde af mexicansk afstamning, og hendes mand, Jose Carlos Bergantinos Diaz, oprindeligt fra Spanien, drev engang et lille galleri, King Fine Arts, beliggende på Manhattan på West 19th Street. Parret, der havde konti hos førende auktionshuse Sotheby's og Christie's, sagde i retsforklaringen, at de ejede eller solgte malerier af berømte kunstnere, herunder Andy Warhol, som hr. Bergantinos beskrev som en ven.

Baseret på disse data virker det mærkeligt, at fru Rosales kontaktede formidlere som Knoedler-galleriet, hvis kommissioner "tog en bid" af hendes egne kommissioner. En del af svaret på dette kan ligge i afstanden mellem de statusser, som Rosales og Friedman indtog i kunstverdenen.

Ms. Friedman var høj, meget tynd og meget selvsikker og drev et af de mest respekterede gallerier i USA. Hun mødtes til morgenmad med samlere i topklassen, købere, der uden at blinke, punge ud med flere millioner for et lærred. Hun og hendes mand, ejendomsforretningsmanden Robert Friedman, var selv samlere.

De to kvinder blev introduceret af gallerimedarbejder Jayme Andrade, som krydsede veje med fru Rosales ved et cocktailparty. Ifølge Ann Friedman fortalte Rosales hende først, at hun repræsenterede sin vens interesser, som har fast ejendom i Mexico City og Zürich, og hvis navn hun indvilligede i at holde hemmeligt. Dette kom ikke som nogen overraskelse, forklarede Friedman, at private samlere ofte foretrækker at forblive anonyme. Men efterhånden kom flere detaljer om ejeren frem. Rosales fortalte hende, at hun har arvet maleriet fra sin far, som samlede malerierne med hjælp fra David Herbert, en New York-forhandler, der døde i 1995.

Herbert havde angiveligt planlagt at skabe baseret på disse værker nyt galleri, som ville blive finansieret af ejeren af ​​samlingen. Men de to stiftere stak af, og til sidst endte malerierne i samlerkælderen, hvor de blev bevaret indtil hans død.

Ms. Rosales har et portræt af Herbert af Ellsworth Kelly, der for nylig var en del af en udstilling på Brooklyn Museum. Hvad hun ikke har, er nogen registrering af ejerskab af de to dusin modernistiske malerier, hun bragte på markedet.

Sælger virker kendt kunstner uden dokumenter, der bekræfter oprindelsen, er dette en sjælden situation. Ved at beskæftige sig med malerier, der ikke havde noget papirarbejde og teoretisk, som en advokat udtrykte det, kunne males "i fru Rosales' garage," sagde Ann Friedman, at hun fokuserede på det, der virkelig betød: kvalitet fungerer som sådan.

Og de var ekstraordinære,” sagde Friedman. Hun inviterede flere eksperter til at teste sine egne indtryk af malerier af Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clyfford Stills og andre - malerier leveret af Rosales' forhandler. Claude Chernushi, som er forfatter til en bog om Pollock, bekræftede ægtheden af ​​det lille maleri "Uden titel, 1950", signeret "J. Pollock." Nationalgalleriet Arts, som har en stærk samling af Rothkos værker på papir, rapporterede, at to af Rothkos malerier var ægte.

Indtil 2000 købte fru Friedman selv tre malerier tilbudt af Rosales: en Rothko fra deres første møde, "Untitled 1959" for 200 tusind dollars, en Pollock for 300 tusind og en Motherwell for 20 tusind. "Hvis Ann Friedman var i tvivl om disse værker, ville hun og hendes mand ikke have investeret hundredtusindvis af dollars i dem," sagde hendes advokat i denne sag.

Skyerne begyndte at samle sig i 2003, da en topchef i investeringsbanken Goldman Sachs ville bekræfte ægtheden af ​​Pollocks (påståede) maleri "Untitled, 1949", som han havde købt fra Knoedler-galleriet. Han donerede Cortina til International Foundation for Artistic Research, en uafhængig non-profit organisation. Og efter analysen nægtede den anonyme kommission at bekræfte maleriets ægthed og satte spørgsmålstegn ved dets stil og oprindelse.

Køber krævede tilbagebetaling. Fru Friedman gav ham uden nogen forsinkelse to millioner dollars og erhvervede selv lærredet, dækket med hvide, sorte og røde pletter - i samarbejde med galleriet og en ven, den canadiske teaterimpresario David Mirvish. Mr. Mirvish, selv en tidligere kunsthandler, sagde, at han ikke var bekymret over de anonyme vurderinger (han og Knoedler investerede også i to andre Pollock-værker, som Rosales leverede).

Men skøn blev også indhentet fra andre kilder. Mirvish bragte i 2006 kunstneren Frank Stella til galleriet, som var en samtid til de abstrakte ekspressionister. Efter at have undersøgt flere malerier, der kom fra Rosales, udtalte Stella: "Hver af dem er for gode til at være rigtige, men når du ser dem i den overordnede kontekst, som en gruppe, indser du, at de er rigtige," - det er i hvert fald det, det siger Ann Friedman vidnede i retten om samtalen.

Det mest imponerende er, at malerierne "af Rosales" har fået bekræftelse på markedet. Friedman vidnede om, at hun solgte 15 eller 16 værker samlet gennem Knoedler-galleriet, for i alt mellem $27 millioner og $37 millioner.

Det dyreste maleri var Untitled 1950, angiveligt af Pollock, som blev erhvervet gennem en mellemmand i 2007 af en London-hedgefondsdirektør ved navn Pierre Lagrange. Galleriet havde sammen med Mr. Mirvish købt maleriet, der forestillede et virvar af sorte, røde og hvide linjer på en lys sølv baggrund, flere år tidligere for 2 millioner dollars. Lagrange betalte 17 mio.

Og dette er en ægte Pollock. Og hvorfor lagde eksperterne ikke straks mærke til, hvor overlegne disse linjer, der er skrevet på lærredet, er i forhold til de linjer, der er skrevet på det falske lærred?

Få dage efter aftalen med Lagrange inviterede Friedman adskillige medarbejdere i den almennyttige Daedalus Foundation, som Robert Motherwell oprettede for at beskytte kunstnerisk arv moderne Hun ville have, at de skulle se hendes sidste Motherwell.

Det var det syvende maleri, som kunsthandler Rosales havde solgt på otte år til enten Friedman eller en anden New York-forhandler, Julian Weissman. Maleriet, med store sorte streger og pletter spredt ud over lærredet, ser ud til at have tilhørt Motherwells fornemme serie kendt som de spanske elegier. Fondens personale har allerede set flere af disse nye "elegier" og anerkendt dem som autentiske.

Men et par uger efter besøget i Knoedler Gallery, under et møde i stiftelsesudvalget, begyndte nogle af dets medlemmer at stille spørgsmålstegn ved ægtheden af ​​signaturerne og stilen af ​​de nyopdagede "elegier". Fondens præsident Jack Flem sagde, at han snart erfarede, at andre Rosales-værker, der tilskrives Pollock og Richard Diebenkorn, blev mødt med skepsis.

Ikke alle i fonden besluttede, at der skulle slås alarm. Joan Banach, Motherwells personlige assistent og en veterantillidsmedarbejder, sagde, at Flem fremsatte ukvalificerede udtalelser om maleriernes ægthed og derved overtrådte trustens malerivurderingsprocedurer. Hun sagsøgte efterfølgende fonden og sagde, at hun blev fyret på grund af sin kritik af hr. Flem (fonden afviser dette).

"Mere sandsynligt ja end nej," er, hvordan fru Banach vurderede ægtheden af ​​Motherwells malerier, som Knoedler-galleriet erhvervede gennem Rosales, i retsdokumenter.

Men formanden for fonden, Jack Flem, var fast besluttet på at bevise, at disse malerier var smedet. Han hyrede en privatdetektiv til at efterforske Rosales og hendes mand og insisterede på en række retsmedicinske undersøgelser.

En kølig januaraften i 2009 mødtes Flem og Friedman for at diskutere resultaterne. De sad i den forkerte sal, hvor der hang to "elegier", hvoraf den ene tilhørte fru Friedman. En retsmediciner konkluderede, at begge indeholdt pigmenter, der blev opfundet ti år efter 1953 og 1955, de datoer, der er angivet på malerierne.

Ann Friedman var uenig i disse resultater. Kunstnere fik ofte nye pigmenter at eksperimentere med, før de overhovedet blev patenteret og bragt på markedet. Men Daedalus Foundation stod fast: Kunsthandleren Rosales var, som senere bekræftet i retsdokumenter, "nøglepersonen, der bragte en serie på syv falske "spanske elegier" på markedet.

Striden om Motherwells malerier nåede snart FBI, som indledte en undersøgelse. Rosales' advokat erkendte, at hans klient var under undersøgelse og tilføjede, at hun "aldrig bevidst solgte malerierne velvidende, at de var falske."

Ann Friedman modtog en kendelse fra FBI i september 2009, selvom hendes advokat siger, at FBI ikke betragter hende som et mål for efterforskningen. Hun forlod galleriet den følgende måned. Både Friedman og galleriet fastholder, at efterforskningen ikke havde noget at gøre med hendes afskedigelse, hvilket skyldtes Friedmans modvilje mod at slå Knoedler-galleriet sammen med et andet galleri.

Det var dog meget sværere at komme væk fra problemerne med Rosales' malerier. Sidste år blev en af ​​"elegierne" grundlaget for en retssag fra et irsk galleri, som købte dette maleri og efter skandalen krævede tilbagelevering af $650.000.

Daedalus Foundation var involveret i denne retssag, fordi det efter retsmedicinske test var dem, der erklærede alle "elegier" modtaget gennem Rosales for at være falske. Inklusiv dem, som han tidligere uformelt havde anerkendt som ægte - og blandt dem var maleriet, der blev solgt til irerne.

Retssagen blev droppet i oktober. Rosales indvilligede i at betale de fleste af maleriets omkostninger og advokatsalærer, og selve maleriet blev efter anmodning fra Daedalus Fonden stemplet på bagsiden med ordene "Fake" med blæk, der ikke kunne fjernes. Daedalus erklærede engang, at maleriet var ægte, og en anden gang, at det var falsk. På trods af dette hævder den anden side gennem deres advokater stadig, at maleriet er ægte.

Et par uger senere blev et andet billede årsag til en strid. Pierre Lagrange var ved at blive skilt fra sin kone, og de ønskede at sælge "Uden titel, 1950." Men Sotheby's og Christie's auktioner nægtede at beskæftige sig med dette maleri på grund af tvivlen om dets oprindelse og dets fravær i hele kataloget over Pollocks værker. Lagrange krævede, at Knoedler-galleriet skulle tage maleriet tilbage og beordrede sin egen retsmedicinske undersøgelse af maleriet.

Den 29. november ankom resultaterne af analysen: De to gule pigmenter, der blev brugt i maleriet, blev ikke opfundet før Pollocks død i 1956. Konklusionen blev sendt til Knoedler-galleriet. Dagen efter annoncerede den sin lukning.

I december mødtes Rosales og Friedman igen – men denne gang fandt mødet sted i den føderale distriktsdomstol på Manhattan, hvor de blev indkaldt som svar på hr. LaGranges retssag. Han ville have sine 17 millioner tilbage.

Bagsiden af ​​dette Motherwell-maleri er nu permanent stemplet "falsk". Desuden havde den samme kunstfond, som insisterede på udseendet af dette mærke, tidligere bekræftet maleriets ægthed. Foto: Robert Caplin for The New York Times

De to kvinder hilste kort på hinanden, hvorefter Rosales adresserede det femte ændringsforslag til den amerikanske forfatning, som giver en borger ret til ikke at inkriminere sig selv. De har ifølge deres advokater ikke kommunikeret siden da.

Det er nu umuligt at sige, om en domstol eller en strafferetlig efterforskning vil være i stand til at give et overbevisende svar på mysteriet om disse værker.

Ægtheden er svær at bekræfte. Datingpigmenter anses generelt for at være en pålidelig metode, men det er ikke nødvendigvis et afgørende argument. For eksempel erklærede Golden Artist Colors CEO Mark Golden, hvis far Sam skabte eksperimentelle malinger til kunstnere som Pollock, sin tro på, at hans far aldrig lavede gule pigmenter som den i det tvivlsomme maleri. Han bemærkede dog, at individuelle komponenter af disse pigmenter fandtes i slutningen af ​​1940'erne.

I straffesager er barren endnu højere. Anklagemyndigheden skal bevise, at Rosales' værker er falske – og det er når selv eksperter ikke er enige i denne sag. Og hvis de stadig er falske, skal myndighederne bevise, at fru Rosales deltog i svindlen og ikke også blev vildledt.

I mellemtiden indtager maleriet i centrum af den civile retssag, Untitled 1950, ikke længere en ære på hr. LaGranges stuevæg. 15" x 28" brættet er blevet forældreløst i kunstverdenen og befinder sig i en form for kunsthelvede. Og den venter på, at den enten bliver ophøjet til himlen som et mesterværk eller bliver bagvasket som en falsk.

Patricia Cohen, New York Times

Oversættelse fra original til ukrainsk:TEKSTER , original"Velegnet til sagsøg" Af PATRICIA COHEN Udgivet: 22. februar 2012

Har du længe haft lyst til at prøve at male, men kunne du ikke beslutte dig for at tage en pensel og palet op og stå ved staffeliet? Synes alle omkring dig, at din kreative indsats er en patetisk klat? Derfor er du en taber! Det betyder, at et udvalg af malerier af den canadiske kunstner Kim Dorland vil tjene dig som en god trøst. Eller måske også inspiration.

Eksperter kalder Dorlands arbejde " naiv kunst", ondsindede kritikere ser det som en skødesløs klat, og beundrere af hans oprindelige talent mener, at de malerier, som Kim skaber, er psykologisk og stilistisk uventede. Og det er sandt - ingen forventer, i stedet for de lovede landskaber og portrætter, at se en lærred pudset med maling, hvorpå forfatteren i øvrigt ikke efterlod pæne streger og streger, men ru furer, som om en traktor havde kørt gennem en gødet og våd mark...

Princippet, som Kim Dorland tegner hende efter originale malerier, kan karakteriseres på samme måde i en kort sætning: "Det vigtigste er ikke at spare på maling." Når alt kommer til alt, hvis man ser godt efter, er malerierne bogstaveligt talt ridset på et tykt lag olie, som forfatteren gavmildt salver sine lærreder med. Det viser sig, at malerierne ikke er malede, men skulpturerede, som var de skulpturer.

Og kunstneren stræber ikke efter nøjagtighed og realisme. Han skaber i en særlig stil, en slags barnlig abstraktionisme, uden at bekymre sig om at bevare proportioner eller give volumen til billederne eller lærredernes æstetik. Det ser ud til, at forfatterens hovedopgave er at smide maling på lærredet så afslappet som muligt, med venstre hånd fra under hans højre knæ, for at tilføje klatter - dette er maleri!
Selvom det meget vel kan være, at det kun er for os, almindelige mennesker, at det virker nemt og enkelt at tegne på denne måde. På den ene eller anden måde deltager Kim Dorland ganske ofte i udstillinger, hans malerier præsenteres i gallerier i Toronto, hvor han bor og arbejder, og sælger med stor succes sine værker både i Canada og langt i udlandet.

I dag er der fyldt op mærkelige mennesker giver titusindvis af millioner dollars for hvad til et almindeligt menneske, ligesom jeg, virker som en direkte klat). Under alle omstændigheder foreslår jeg, at du gør dig bekendt med de ti dyreste malerier i verden i øjeblikket!

Nogle mennesker vil kunne lide dem, andre vil ikke forstå sådan kunst, men det faktum, at der var folk, der var villige til at betale en masse penge for dem, er en indiskutabel kendsgerning.

Altså nummer 10 på listen de dyreste malerier vi har Gustav Klimts maleri "Second Portrait of Adele Bloch-Bauer", som gik under hammeren for 89,1 millioner dollars. Lidt historie. I 1912 malede den østrigske kunstner Gustav Klimt et portræt af Adele Bloch-Bauer II, hustru til Ferdinand Bloch-Bauer, en velhavende industrimand på den tid, der sponsorerede forskellige typer kunst, inklusive Gustav Klimt selv) Adele Bloch-Bauer var den eneste model, som Klimt malede to gange - hun optræder også i "First Portrait of Adele Bloch-Bauer". Tilsyneladende sponsorerede Ferdinand kunstneren godt ;)

9. plads - et selvportræt af Vincent Van Gogh, som de betalte $90,1 millioner for på auktion Generelt elskede danskeren Van Gogh at male selvportrætter - og dem alle sammen med de berømte "Solsikker" er populære. og er hans mest berømte malerier. I alt malede han mere end 12 selvportrætter i perioden fra 1886 til 1889

På 8. pladsen ligger maleriet "Dora Maar med en killing" af Pablo Picasso, hvis pris var 97 millioner dollars. Maleriet, malet i 1941, forestiller Picassos kroatiske elskerinde, Dora Maar, siddende på en stol med en killing på skulderen (selvom det mere ser ud som om killingen stadig går på stoleryggen). Da jeg så dette billede, indså jeg pludselig, at Picassos killinger var de bedste))

7. pladsen indtages igen af ​​Van Goghs maleri, men denne gang er det ikke et selvportræt) Køberen skulle betale 97,5 millioner dollars for maleriet "Iriser", men det minder i hvert fald mere eller mindre om maleriet - det ville jeg ikke fortryder 10 dollars for det! Dette er et af Van Goghs første værker, skrevet under hans ophold på St. Paul de Moussol i den franske provins Sanremo et år før sin død i 1890

På 6. linje - igen Picasso) Det ser ud til, at de besluttede at "måle" Van Gogh =) Under alle omstændigheder for maleriet af Pablo Picasso "Boy with a Pipe" fra John Hay Whitneys personlige samling på Sotheby's-auktionen afholdt i New York den 5. maj 2004 gav de 104,1 millioner dollars med en startpris på 70 millioner dollars. Men mange kunsthistorikere mener, at en så ublu pris mere sandsynligt var forbundet med kunstnerens store navn end med den faktiske historiske værdi af hans maleri.

5. pladsen, så at sige, ækvator på listen de dyreste malerier, besat af Pierre-Augustus Renoir med maleriet "Ball in Montmartre". På salgstidspunktet var dette maleri sammen med Van Goghs Portræt af Dr. Gachet det dyreste maleri, der nogensinde er solgt - og begge tilhørte den japanske industrimand Saito. Forbundet med ham interessant historie- faktum er, at Saito testamenterede efter sin død (hvilket skete i 1991), at disse to malerier blev kremeret med ham, hvilket vakte en bølge af forargelse over hele verden. Hans partnere besluttede sig dog for at gøre andet og solgte, stillet over for truslen om konkurs, Renoir hos Sotheby's for 122,8 millioner dollars - køberen ønskede at være anonym, men det antages, at maleriet nu er i Schweiz

På 4. pladsen er Van Gogh igen, med det tidligere nævnte "Portrait of Doctor Gachet". Der er faktisk to versioner af dette maleri, begge malet i 1890, i seneste måneder en kunstners liv - og i begge sidder lægen ved bordet og hviler hovedet på højre hånd, men forskellen mellem dem kan ses selv med det blotte øje. Dette maleri blev solgt for 129,7 millioner dollars.

Vi nævnte allerede maleriet, der er på "bronze", det tredje trin på vores liste, helt i begyndelsen - dette er "Det første portræt af Adele Bloch-Bauer" af Gustav Klimt. Som du kan se, blev dette portræt bedre og dyrere) Det blev malet i 1907 og blev ifølge oplysninger fra specialiserede kilder solgt i 2006 til ejeren af ​​New York-galleriet Neue Galerie Ronald Lauder for 135 millioner dollars, hvilket gjorde maleriet det dyreste nogensinde eller dem, der var til salg på det tidspunkt

På andenpladsen er en fuldstændig uforståelig klat kaldet “Woman 3” af den abstrakte ekspressionist Willem de Kooning, selvom hvis man ser på kunstneren selv og hans andre malerier, kan man i bund og grund sige, at dette er kronen på hans værk))) “ Woman” 3” er et af seks malerier af kunstneren, centralt tema hvori der overraskende er en kvinde) Lærredet, der måler 170 gange 121 cm, blev malet i 1953, og i november 2006 blev det solgt af David Geffen til milliardæren Steven Cohen for 137,5 millioner dollars, hvilket gjorde det til det næstdyreste maleri i verden nogensinde solgt

Altså nummer et på listen “De dyreste malerier i verden” i øjeblikket er "No 5, 1948", skrevet af Jackson Pollock - amerikansk kunstner, der ydede et væsentligt bidrag til den abstrakte ekspressionismebevægelse. Maleriet blev malet på en 2,5 x 1,2 meter plade fiberplade ved at påføre en lille mængde brune og gule stænk ovenpå, hvilket fik maleriet til at ligne en enorm rede. Dette Pollock-mesterværk blev solgt for rekordhøje 142,7 millioner dollars.

lifeglobe.net/entry/1228