Βιογραφία Franz leghar. Leghar, γαλλικά - ακούστε online, κατεβάστε, παρτιτούρες. Σημαντικά οργανικά έργα

Γεννήθηκε στις 30 Απριλίου 1870 στη σλοβακική πόλη Komárom (τώρα Ουγγαρία) στην οικογένεια ενός στρατιωτικού μπάντα. Το 1882 ο Lehár μπήκε στο Ωδείο της Πράγας, όπου σπούδασε με τους A. Bennewitz (βιολί), J. B. Förster (αρμονία) και A. Dvořák (σύνθεση). Για κάποιο διάστημα εργάστηκε ως βιολονίστας-συνοδός στην ορχήστρα του θεάτρου Barmen-Elberfeld, στη συνέχεια υπηρέτησε στον αυστροουγγρικό στρατό για 10 χρόνια, και έγινε ένας από τους πιο δημοφιλείς bandmasters στρατιωτικών συγκροτημάτων. Εκείνη την εποχή, δημοσιεύτηκαν τα πρώτα έργα του Lehár: κομμάτια για βιολί, τραγούδια, πορείες, βαλς (συμπεριλαμβανομένου του άσβεστου βαλς Gold and Silver, 1899) και η όπερα Κούκος (που ανέβηκε στη Λειψία το 1896). Η ώρα του Lehár χτύπησε όταν ο V. Leon, ο καλύτερος βιεννέζος λιμπρετίστας εκείνη την εποχή, κάλεσε τον συνθέτη να γράψει μουσική για το λιμπρέτο του (The Tinker). Σκηνοθετημένη το 1902, αυτή η οπερέτα χρησίμευσε ως μια καλή δήλωση για το μέλλον. Τρία χρόνια αργότερα, ο Lehar έγινε διάσημος σε όλο τον κόσμο με την οπερέτα The Merry Widow (Die lustige Witwe), ένα έργο που, χάρη στη φρεσκάδα, την εφευρετικότητα και το μεγαλείο της ορχηστρικής παρτιτούρας, άνοιξε μια νέα εποχή στην ιστορία της βιεννέζικης οπερέτας. . Στο Theatre an der Wien, το The Merry Widow έτρεξε για 483 παραστάσεις. Σύμφωνα με ορισμένες εκτιμήσεις, ο αριθμός των παραστάσεων παγκοσμίως έφτασε τις 60.000 τα πρώτα 50 χρόνια σκηνική ζωήεργοστάσιο. Στις τρεις δεκαετίες μετά το The Merry Widow, ο Lehár συνέθεσε 19 οπερέτες, συμπεριλαμβανομένων των The Count of Luxemburg (Der Graf von Luxemburg, 1909), Gypsy Love (Zigeuner Liebe, 1910), Eva (1911), Where the Lark Sings (Wo die Ler). singt, 1918) και Frasquita (Frasquita, 1922· η απολαυστική Σερενάτα από αυτή την οπερέτα έγινε ευρέως γνωστή στη διασκευή του F. Kreisler). Ο Lehár ήταν ήδη πάνω από πενήντα όταν ξεκίνησε η συνεργασία του με τον R. Tauber, τον καλύτερο τενόρο στη Γερμανία. Ως αποτέλεσμα, τόσο επιτυχημένες οπερέτες όπως οι Paganini (1925), Tsarevich (1927), Friederike (1928), Land of Smiles (Das Land des Lchelns, 1929), Πόσο όμορφος κόσμος! (Schn ist die Welt, 1931) και, τέλος, το τελευταίο έργο του Lehár - Giuditta, που ανέβηκε το 1934 Όπερα της Βιέννης. Από τους τέσσερις δεξιοτέχνες της ύστερης βιεννέζικης οπερέτας (μαζί με τους O. Strauss, L. Fall και I. Kalman), ο Lehár ήταν ο πιο λαμπρός: το μελωδικό του ταλέντο είναι πραγματικά ανεξάντλητο, η ρυθμική και αρμονική του γλώσσα ποικίλη και η ορχηστρική του γραφή θεαματικός. Εκτός από τη βιεννέζικη και ουγγρική γεύση, ο Lehar χρησιμοποιεί παριζιάνικα, ρωσικά, ισπανικά, πολωνικά και ακόμη και κινέζικα στοιχεία. Αν και επικρίθηκε επειδή αντικατέστησε την πραγματική μουσική κωμωδία με το μελόδραμα, δηλ. μια απόκλιση από τις παραδόσεις των ιδρυτών του είδους, J. Offenbach και J. Strauss, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι το έργο του Lehár ήταν αυτό που έφερε μεγάλη διεθνή φήμη στη βιεννέζικη οπερέτα.

Ο Lehár πέρασε τα χρόνια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου στην Αυστρία και στη συνέχεια μετακόμισε στην Ελβετία (1946). Δύο χρόνια αργότερα επέστρεψε στο αυστριακό σπίτι του στο Bad Ischl. Ο Lehar πέθανε στο Bad Ischl στις 24 Οκτωβρίου 1948.

Ούγγρος συνθέτης και μαέστρος. Γιος συνθέτη και μαέστρος στρατιωτικής ορχήστρας. Ο Lehár παρακολούθησε το National School of Music στη Βουδαπέστη ως μαθητής γυμνασίου (από το 1880). Το 1882-88 σπούδασε βιολί στο Ωδείο της Πράγας με τον A. Bennewitz και θεωρητικά μαθήματα με τον J. B. Förster. Άρχισε να γράφει μουσική στα φοιτητικά του χρόνια. Τα πρώτα έργα του Lehár κέρδισαν την έγκριση των A. Dvorak και J. Brahms. Από το 1888 εργάστηκε ως βιολονίστας-συνοδός της ορχήστρας των Ηνωμένων Θεάτρων στο Μπάρμεν-Έλμπερφελντ και στη συνέχεια στη Βιέννη. Επιστρέφοντας στην πατρίδα του, από το 1890 εργάστηκε ως μπάντας σε διάφορα στρατιωτικά συγκροτήματα. Έγραψε πολλά τραγούδια, χορούς και πορείες (συμπεριλαμβανομένης της λαϊκής πορείας αφιερωμένης στην πυγμαχία και του βαλς «Χρυσό και Ασήμι»). Κέρδισε φήμη μετά την παραγωγή της όπερας "Κούκος" στη Λειψία το 1896 (που πήρε το όνομά του από τον ήρωα, από τη ρωσική ζωή κατά την εποχή του Νικολάου Α', στη 2η έκδοση - "Τατιάνα"). Από το 1899 ήταν αρχηγός του συντάγματος στη Βιέννη, από το 1902 - δεύτερος μαέστρος του Theatre an der Wien. Η παραγωγή της οπερέτας "Viennese Women" σε αυτό το θέατρο ξεκίνησε το "Viennese" - την κύρια περίοδο του έργου του Lehár.

Έγραψε πάνω από 30 οπερέτες, μεταξύ των οποίων οι μεγαλύτερες επιτυχίες είναι τα «The Merry Widow», «Count of Luxembourg», «Gypsy Love». Τα καλύτερα έργα του Lehár χαρακτηρίζονται από μια επιδέξια συγχώνευση των τονισμών των αυστριακών, σερβικών, σλοβακικών και άλλων τραγουδιών και χορών ("The Basket Weaver" - "Der Rastelbinder", 1902) με τους ρυθμούς των ουγγρικών Czardas, των ουγγρικών και των τιρολέζικων τραγουδιών. Μερικές από τις οπερέτες του Lehár συνδυάζουν σύγχρονους αμερικανικούς χορούς, κανκάν και βιεννέζικα βαλς. σε μια σειρά από οπερέτες, οι μελωδίες χτίζονται στους τόνους των ρουμανικών, ιταλικών, γαλλικών, ισπανικών δημοτικά τραγούδια, καθώς και σε πολωνικούς ρυθμούς χορού ("Blue Mazurka"); Υπάρχουν και άλλοι «σλαβισμοί» (στην όπερα «Κούκος», στους «Χορούς της Γαλάζιας Μαρκησίας», οπερέτες «Η εύθυμη χήρα» και «Τσαρέβιτς»).

Ωστόσο, το έργο του Lehár βασίζεται σε ουγγρικούς τονισμούς και ρυθμούς. Οι μελωδίες του Lehár είναι εύκολο να θυμηθούν, διακρίνονται για την ψυχικότητα τους, χαρακτηρίζονται από «ευαισθησία», αλλά δεν ξεπερνούν τα όρια της καλής γεύσης. Κεντρική τοποθεσίαΣτις οπερέτες του Lehár, το βαλς καταλαμβάνει μια θέση, ωστόσο, σε αντίθεση με τον ελαφρύ λυρισμό των βαλς της κλασικής βιεννέζικης οπερέτας, τα βαλς του Lehár χαρακτηρίζονται από νευρικό παλμό. Ο Lehar βρήκε νέα μέσα έκφρασηςγια τις οπερέτες του, κατέκτησε γρήγορα νέους χορούς (μέχρι τις ημερομηνίες των οπερετών μπορεί κανείς να καθιερώσει την εμφάνιση διάφορων χορών στην Ευρώπη). Ο Lehár επανειλημμένα ξαναδούλεψε πολλές από τις οπερέτες του, ενημέρωσε το λιμπρέτο και μουσική γλώσσα, και προβλήθηκαν σε διαφορετικές χρονιές σε διαφορετικά θέατρα με διαφορετικά ονόματα.

Ο Lehar επισυνάπτεται μεγάλη αξίαενορχήστρωση, που συχνά εισάγεται λαϊκά όργανα, συμπεριλαμβανομένου μπαλαλάικα, μαντολίνο, νταούλι, ταρογκάτο για να τονίσουμε εθνικό χρώμαμουσική. Τα όργανα του είναι αποτελεσματικά, πλούσια και πολύχρωμα. Η επιρροή του G. Puccini, με τον οποίο ο Lehár είχε μεγάλη φιλία, είναι συχνά αισθητή. χαρακτηριστικά παρόμοια με τον βερισμό κ.λπ., εμφανίζονται επίσης στις πλοκές και τους χαρακτήρες ορισμένων ηρωίδων (για παράδειγμα, η Εύα από την οπερέτα "Eva" είναι μια απλή εργάτρια εργοστασίου την οποία ερωτεύεται ο ιδιοκτήτης ενός εργοστασίου γυαλιού).

Το έργο του Lehar καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το ύφος της νέας βιεννέζικης οπερέτας, στην οποία τη θέση του γκροτέσκου σατιρικού μπουφουνισμού πήραν η καθημερινή μουσική κωμωδία και το λυρικό δράμα, με στοιχεία συναισθηματισμού. Σε μια προσπάθεια να φέρει την οπερέτα πιο κοντά στην όπερα, ο Lehár βαθαίνει τις δραματικές συγκρούσεις, αναπτύσσει μουσικά νούμερα σχεδόν σε οπερατικές μορφές και χρησιμοποιεί ευρέως μοτίβα («Επιτέλους, μόνος!» κ.λπ.). Αυτά τα χαρακτηριστικά, που εμφανίστηκαν στο «Gypsy Love», ήταν ιδιαίτερα εμφανή στις οπερέτες «Paganini» (1925, Βιέννη· ο ίδιος ο Lehár τη θεωρούσε ρομαντική), «Tsarevich» (1925), «Frederica» (1928), «Giuditta» ( 1934) Οι σύγχρονοι κριτικοί αποκαλούσαν τις λυρικές οπερέτες του Lehár «legariads». Ο ίδιος ο Lehár αποκάλεσε το «Friederike» του (από τη ζωή του Γκαίτε, με μουσικά νούμερα βασισμένα στα ποιήματά του) ένα singspiel.

S. Kallosh

Ο Ferenc (Franz) Lehár γεννήθηκε στις 30 Απριλίου 1870 στην ουγγρική πόλη Kommorne στην οικογένεια ενός στρατιωτικού αρχηγού μπάντας. Αφού αποφοίτησε από το Ωδείο της Πράγας και εργάστηκε για αρκετά χρόνια ως βιολονίστας και στρατιωτικός μουσικός, έγινε ο μαέστρος του θεάτρου της Βιέννης an der Wien (1902). Από τα φοιτητικά του χρόνια, ο Lehar δεν εγκατέλειψε τη σκέψη να γίνει συνθέτης. Συνθέτει βαλς, εμβατήρια, τραγούδια, σονάτες, κοντσέρτα για βιολί, αλλά κυρίως τον ελκύει το μουσικό θέατρο. Το πρώτο του μουσικό και δραματικό έργο ήταν η όπερα «Κούκος» (1896), βασισμένη σε μια πλοκή από τη ζωή των Ρώσων εξόριστων, που αναπτύχθηκε στο πνεύμα του βεριστικού δράματος. Η μουσική του «Κούκου» με τη μελωδική πρωτοτυπία και τη μελαγχολική σλαβική χροιά τράβηξε την προσοχή του V. Leon, διάσημου σεναριογράφου και σκηνοθέτη του «Karl Theatre» της Βιέννης. Το πρώτο κοινό έργο του Lehar και του Leon - η οπερέτα "Reshetnik" (1902) στον χαρακτήρα της σλοβακικής λαϊκής κωμωδίας και η οπερέτα "Viennese Women" που ανέβηκε σχεδόν ταυτόχρονα με αυτήν - έφερε στον συνθέτη φήμη ως κληρονόμος του Johann Strauss.

Σύμφωνα με τον Lehar, ήρθε σε ένα νέο είδος για τον εαυτό του χωρίς κανέναν προσανατολισμό σε αυτό. Αλλά η άγνοια μετατράπηκε σε πλεονέκτημα: «Μπορούσα να δημιουργήσω το δικό μου στυλ οπερέτας», είπε ο συνθέτης. Αυτό το στυλ βρέθηκε στο «The Merry Widow» (1905) σε λιμπρέτο των V. Leon και L. Stein βασισμένο στο έργο «Attaché of the Embassy» του A. Melyac. Η καινοτομία του "The Merry Widow" συνδέεται με τη λυρική και δραματική ερμηνεία του είδους, την εμβάθυνση των χαρακτήρων και το ψυχολογικό κίνητρο της δράσης. Ο Lehár δηλώνει: «Νομίζω ότι η χιουμοριστική οπερέτα δεν ενδιαφέρει το σημερινό κοινό...<...>Στόχος μου είναι να τελειοποιήσω την οπερέτα». Νέος ρόλοςστη μουσική δραματουργία αποκτά έναν χορό που μπορεί να αντικαταστήσει μια σόλο δήλωση ή μια σκηνή ντουέτο. Τέλος, νέα στυλιστικά μέσα προσελκύουν την προσοχή - η αισθησιακή γοητεία των μελωδιών, τα πιασάρικα ορχηστρικά εφέ (όπως μια άρπα glissando που διπλασιάζει τη γραμμή των φλάουτων σε τρίτα), τα οποία, σύμφωνα με τους κριτικούς, είναι χαρακτηριστικά της σύγχρονης όπερας και της συμφωνικής, αλλά όχι της μουσικής οπερέτας .

Οι αρχές που καθιερώθηκαν στο The Merry Widow αναπτύσσονται στα επόμενα έργα του Lehár. Από το 1909 έως το 1914, δημιούργησε έργα που αποτελούσαν κλασικά του είδους. Τα πιο σημαντικά είναι τα «The Princely Child» (1909), «The Count of Luxembourg» (1909), «Gypsy Love» (1910), «Eve» (1911), «Alone at Last!» (1914). Στα τρία πρώτα από αυτά παγιώνεται τελικά ο τύπος της νεοβιεννέζικης οπερέτας που δημιούργησε ο Lehár. Ξεκινώντας με τον «Κόμη του Λουξεμβούργου», καθιερώνονται οι ρόλοι των χαρακτήρων και αναπτύσσονται χαρακτηριστικές τεχνικές αντίθεσης σχεδίων μουσικής και δραματουργίας πλοκής - λυρικό-δραματικό, καταρράκτη και φαρσικό. Το θέμα διευρύνεται και μαζί του εμπλουτίζεται η παλέτα τονισμού: «The Prince’s Child», όπου, σύμφωνα με την πλοκή, σκιαγραφείται μια βαλκανική γεύση, περιλαμβάνει και στοιχεία της αμερικανικής μουσικής. η βιεννέζικη-παριζιάνικη ατμόσφαιρα του «The Count of Luxembourg» απορροφά τα σλαβικά χρώματα (μεταξύ των χαρακτήρων είναι Ρώσοι αριστοκράτες). Το «Gypsy Love» είναι η πρώτη «ουγγρική» οπερέτα του Lehár.

Σε δύο έργα αυτών των ετών, σκιαγραφούνται τάσεις που εκφράστηκαν πληρέστερα αργότερα, στην τελευταία περίοδο του έργου του Lehár. Το «Gypsy Love», παρ' όλη την τυπικότητα της μουσικής του δραματουργίας, δίνει μια τόσο διφορούμενη ερμηνεία των χαρακτήρων και των σημείων πλοκής των χαρακτήρων που, ως ένα βαθμό, αλλάζει το μέτρο της σύμβασης που είναι εγγενές στην οπερέτα. Ο Lehar το τονίζει αυτό δίνοντας στη μουσική του έναν ειδικό χαρακτηρισμό είδους - "ρομαντική οπερέτα". Έρχομαι πιο κοντά στην αισθητική ρομαντική όπεραακόμα πιο αισθητά στην οπερέτα «Επιτέλους μόνος!» Οι αποκλίσεις από τους κανόνες του είδους εδώ οδηγούν σε μια άνευ προηγουμένου αλλαγή στην επίσημη δομή: ολόκληρη η δεύτερη πράξη του έργου είναι μια μεγάλη σκηνή ντουέτο, χωρίς γεγονότα, αργή σε ρυθμό εξέλιξης, γεμάτη με ένα λυρικό και στοχαστικό συναίσθημα. Η δράση εκτυλίσσεται με φόντο ένα αλπικό τοπίο και χιονισμένες βουνοκορφές και στη σύνθεση της πράξης, φωνητικά επεισόδια εναλλάσσονται με εικονιστικά και περιγραφικά συμφωνικά θραύσματα. Οι σύγχρονοι κριτικοί του Lehár ονόμασαν αυτό το έργο «Ο Τριστάνος ​​της οπερέτας».

Στα μέσα της δεκαετίας του 1920 ξεκίνησε η τελευταία περίοδος του έργου του συνθέτη, που ολοκληρώθηκε με την Giuditta, που ανέβηκε το 1934. (Στην πραγματικότητα, το τελευταίο μουσικό και θεατρικό έργο του Lehár ήταν η όπερα "The Wandering Singer" - μια επανεπεξεργασία της οπερέτας "Gypsy Love", που πραγματοποιήθηκε το 1943 με εντολή της Όπερας της Βουδαπέστης.)

Οι μεταγενέστερες οπερέτες του Lehár οδηγούν πολύ μακριά από το μοντέλο που δημιούργησε κάποτε. Δεν υπάρχει πια αίσιο τέλος, η κωμική αρχή έχει σχεδόν εξαλειφθεί. Από την ουσία του είδους, δεν πρόκειται για κωμωδίες, αλλά για ρομαντικά λυρικά δράματα. Και μουσικά έλκονται προς τη μελωδική φύση της όπερας. Η πρωτοτυπία αυτών των έργων είναι τόσο μεγάλη που έλαβαν έναν ειδικό χαρακτηρισμό είδους στη λογοτεχνία - "legariads". Αυτά περιλαμβάνουν το "Paganini" (1925), "Tsarevich" (1927) - μια οπερέτα που λέει για την ατυχή μοίρα του γιου του Peter I, Tsarevich Alexei, "Frederick" (1928) - η πλοκή της βασίζεται στην αγάπη του νεαρού Γκαίτε για την κόρη ενός πάστορα του Sesenheim, Friederike Brion, η «κινέζικη» οπερέτα «Land of Smiles» (1929) βασισμένη στο παλαιότερο «Yellow Jacket» του Legar, η «Ισπανική» «Giuditta», ένα μακρινό πρωτότυπο της οποίας θα μπορούσε να είναι η «Carmen». ". Αλλά αν η δραματική φόρμουλα του «The Merry Widow» και των επόμενων έργων του Lehar της δεκαετίας του 1910 έγινε, σύμφωνα με τα λόγια του ιστορικού του είδους B. Grun, «μια συνταγή για την επιτυχία μιας ολόκληρης σκηνικής κουλτούρας», τότε τα μεταγενέστερα πειράματα του Lehar δεν συνεχίστηκαν. . Αποδείχτηκαν κάτι σαν πείραμα. στερούνται εκείνης της αισθητικής ισορροπίας στον συνδυασμό των ανόμοιων στοιχείων που είναι προικισμένα με τις κλασικές του δημιουργίες.

24 Οκτωβρίου 1948

Βραβεία Franz Lehar

Δαχτυλίδι της τιμής της πόλης της Βιέννης

Στέμμα του Κορβίνου

Μετάλλιο Γκαίτε

Το έργο του Franz Lehár

Κατάλογος οπερετών

Μνήμη Franz Lehár

Ονομάστηκε προς τιμήν του Lehár:

Η οικογένεια του Franz Lehár

Μητέρα - Christina Neubrandt.

24.10.1948

Φραντς Λέχαρ
Φραντς Λέχαρ

Ούγγρος και Αυστριακός συνθέτης

Ο Franz Lehár γεννήθηκε στις 30 Απριλίου 1870 στο Komorn της Σλοβακίας. Το αγόρι γεννήθηκε στην οικογένεια ενός στρατιωτικού μπάντα και δασκάλου. Το παιδί αποδείχθηκε πολύ προικισμένο. Ήδη σε ηλικία πέντε ετών ήξερε άριστα τις νότες και έπαιζε καλά πιάνο. Το 1882, ο νεαρός μπήκε στο Ωδείο της Πράγας, όπου σπούδασε με υπέροχους δασκάλους όπως η Antonina Bennewitz, ο Joseph Förster και ο Antonin Dvorak. Χάρη σε αυτούς, μου άρεσε να μελετάω. Έχοντας εκτιμήσει τις δημιουργικές ικανότητες του Franz, ο Dvorak τον συμβούλεψε έντονα να ασχοληθεί με τη σύνθεση.

Μετά την αποφοίτησή του από το Ωδείο της Πράγας, ο Lehár εργάστηκε για κάποιο διάστημα στην ορχήστρα του θεάτρου Barmen-Elberfeld, και στη συνέχεια υπηρέτησε στον Αυστροουγγρικό στρατό ως μπάντας. Ο μουσικός συνθέτει πολλά, κυκλοφορώντας τις πρώτες του συνθέσεις, κομμάτια για βιολί, εμβατήρια και βαλς. Η πρώτη οπερέτα του Lehár: "The Cuckoo" εμφανίστηκε το 1895 και εκτιμήθηκε ιδιαίτερα από το κοινό. Ωστόσο, ο Φραντς περίμενε περισσότερα και ως εκ τούτου δημιούργησε μια νέα έκδοση αυτής της οπερέτας "Tatyana".

Μετά από αυτό, ο μουσικός υπηρέτησε στην ορχήστρα του 87ου συντάγματος για ενάμιση χρόνο. Το 1898, ο πατέρας του πέθανε στη Βουδαπέστη και ο Lehár πήρε τη θέση του, και έγινε ο αρχηγός του 3ου συντάγματος πεζικού της Βοσνίας-Ερζεγοβίνης του Αυστροουγγρικού στρατού. Το 1899, ο Φραντς έλαβε μετάθεση στο 26ο Σύνταγμα Πεζικού, που βρισκόταν στη Βιέννη, ορίζοντας ότι εάν το σύνταγμα έφευγε από τη Βιέννη, ο Lehár δεν θα ήταν υποχρεωμένος να το συνοδεύσει. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο Lehár συνέχισε να συνθέτει βαλς, πόλκες και πορείες. Μερικά από αυτά, όπως το «Χρυσό και Ασήμι», που έγραψε η Πωλίν Μέτερνιχ για το καρναβάλι, έγιναν πολύ δημοφιλή και παίζονται μέχρι και σήμερα. Σύντομα η Βιέννη εκτίμησε τον Lehár και ο συνθέτης έγινε διάσημος.

Από το 1902, ο Franz Lehár ήταν μαέστρος στο Vienna Theatre an der Wien. Τον Νοέμβριο του 1902 παρουσίασε με επιτυχία την πρώτη κωμική οπερέτα «Οι γυναίκες της Βιέννης». Την ίδια χρονιά, ενώ έκανε διακοπές στο Bad Ischl, γνώρισε την 25χρονη Sophie Pashkis, η οποία τότε ήταν παντρεμένη και είχε το επώνυμο Met. Σύντομα συνήψαν πολιτικό γάμο και δεν χώρισαν ποτέ. Η διαδικασία διαζυγίου της Sophie συνεχίστηκε για πολλά ακόμη χρόνια, αφού πριν από την κατάρρευση της Καθολικής Αυστροουγγαρίας ήταν σχεδόν αδύνατο να ληφθεί διαζύγιο εκεί.

Το 1905, ο συνθέτης έγραψε και ανέβασε μια νέα οπερέτα, την Εύθυμη Χήρα, η οποία αναμενόταν να έχει μεγάλη επιτυχία. Χάρη σε αυτήν ο Lehar έγινε διάσημος σε όλο τον κόσμο. Στη συνέχεια εμφανίστηκαν επιτυχημένες οπερέτες: "Count of Luxembourg", "Eve", "Land of Smiles", "Giuditta", αλλά καμία από αυτές δεν πέτυχε την επιτυχία του "The Merry Widow".

Ο Lehár ήταν ήδη πάνω από πενήντα όταν ξεκίνησε η συνεργασία του με τον Richard Tauber, τον καλύτερο τενόρο στη Γερμανία. Ως αποτέλεσμα, εμφανίστηκαν επιτυχημένες οπερέτες όπως "Paganini", "Tsarevich", "Frederica", "Hand of Smiles", "How Beautiful the World!". και Giuditta, που ανέβηκε το 1934 στην Όπερα της Βιέννης. Από τους τέσσερις δεξιοτέχνες της ύστερης βιεννέζικης οπερέτας, μαζί με τους Oscar Strauss, Leo Fall και Imre Kalman, ο Lehár ήταν ο πιο λαμπρός: το μελωδικό του ταλέντο είναι πραγματικά ανεξάντλητο, η ρυθμική και αρμονική του γλώσσα ποικίλη και η ορχηστρική του γραφή είναι εντυπωσιακή.

Εκτός από τη βιεννέζικη και ουγγρική γεύση, ο Lehar χρησιμοποιεί παριζιάνικα, ρωσικά, ισπανικά, πολωνικά και ακόμη και κινέζικα στοιχεία. Αν και επικρίθηκε για την αντικατάσταση της αληθινής μουσικής κωμωδίας με το μελόδραμα, δηλαδή μια απόκλιση από τις παραδόσεις των ιδρυτών του είδους, Jacques Offenbach και Johann Strauss, δεν υπάρχει αμφιβολία ότι ήταν το έργο του Lehár που έφερε μεγάλη διεθνή φήμη στη βιεννέζικη οπερέτα. .

Εκτός από τη μουσική, ο Lehar ασχολήθηκε με τις εκδόσεις και άνοιξε έναν μουσικό εκδοτικό οίκο. Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου έζησε στην Αυστρία και στη συνέχεια μετακόμισε στην Ελβετία.

Επιστρέφοντας στο αυστριακό του σπίτι στο Bad Ischl σπουδαίος συνθέτηςΟ Franz Lehár πέθανε 24 Οκτωβρίου 1948. Αυτό το σπίτι στεγάζει το μουσείο του μουσικού.

Βραβεία Franz Lehar

Δαχτυλίδι της τιμής της πόλης της Βιέννης

Στέμμα του Κορβίνου

Μετάλλιο Γκαίτε

Το έργο του Franz Lehár

Διακριτικό χαρακτηριστικόΗ μουσική του Λεγκάροφ είναι ειλικρινής, ρομαντικός λυρισμός, βιρτουόζος μελωδικός πλούτος ενορχήστρωσης. Δεν είναι όλα τα λιμπρέτα των οπερετών του Legare αντάξια της μουσικής του, αν και ο Legare πειραματίστηκε πολύ από αυτή την άποψη, προσπαθώντας να απομακρυνθεί από τη φάρσα. πραγματικό δράμακαι ειλικρινή συναισθήματα.

Κατάλογος οπερετών

Κούκος (Kukuschka) 27 Νοεμβρίου 1896, Stadtheater, Λειψία
Viennese Women (Wiener Frauen), 21 Νοεμβρίου 1902, Theatre an der Wien, Βιέννη
The Reshetnik (Der Rastelbinder, το όνομα μεταφράστηκε επίσης ως «The Basket Weaver» ή «The Tinker»), 20 Δεκεμβρίου 1902, Carltheater, Βιέννη
The Divine Consort (Der Göttergatte), 20 Ιανουαρίου 1904, Carltheater. Φλέβα
The Comic Wedding (Die Juxheirat), 21 Δεκεμβρίου 1904, Theatre an der Wien
The Merry Widow (Die lustige Witwe), 30 Δεκεμβρίου 1905, Theatre an der Wien
The Tripartite (Der Mann mit den drei Frauen), Ιανουάριος 1908, Theatre an der Wien
The Princely Child (Das Fürstenkind), 7 Οκτωβρίου 1909, Θέατρο Johann Strauss, Βιέννη
Count of Luxemburg (Der Graf von Luxemburg), 12 Νοεμβρίου 1909, Theatre an der Wien, Βιέννη
Gypsy Love (Zigeunerliebe), 8 Ιανουαρίου 1910, Carltheater, Βιέννη
Εύα, 24 Νοεμβρίου 1911, Theatre an der Wien, Βιέννη
Μόνος επιτέλους (Endlich allein), 30 Ιανουαρίου 1914, Theatre an der Wien, Βιέννη
The Stargazer (Der sterngucker), 1916
Where the Lark Sings (Wo die Lerche singt), 1 Φεβρουαρίου 1918, Royal Opera, Βουδαπέστη
The Blue Mazurka (Die blaue Mazur), 28 Μαΐου 1920, Theatre an der Wien, Βιέννη
Frasquita, 12 Μαΐου 1922, Theatre an der Wien, Βιέννη
Dance of the Dragonflies (Der Libellentanz), Σεπτέμβριος 1922, Μιλάνο (remake του The Stargazer)
The Yellow Jacket (Die gelbe Jacke), 9 Φεβρουαρίου 1923, Theatre an der Wien, Βιέννη
Clo-clo, 8 Μαρτίου 1924, Bürgertheater, Βιέννη
Paganini, 30 Οκτωβρίου 1925, Θέατρο Johann Strauss, Βιέννη
Tsarevich (Der Zarewitsch), 26 Φεβρουαρίου 1926, Deutsches Künstlertheater, Βερολίνο
Gigolette, 1926 (άλλο ριμέικ του The Stargazer)
Friederike, 4 Οκτωβρίου 1928, Θέατρο Metropol, Βερολίνο
The Land of Smiles (Das Land des Lächelns), 10 Οκτωβρίου 1929, Θέατρο Metropol, Βερολίνο (νέα έκδοση του "The Yellow Jacket")
Πόσο υπέροχος είναι ο κόσμος (Schön ist die Welt), 3 Δεκεμβρίου 1930, Θέατρο Metropol, Βερολίνο (νέα έκδοση της οπερέτας «Επιτέλους μόνος»)
Giuditta, 20 Ιανουαρίου 1934, Βιέννη, Κρατική Όπερα

Σημαντικά οργανικά έργα

Σονάτες για πιάνο σε φα μείζονα και ρε ελάσσονα
Φαντασία για πιάνο (1887-1888)
Κοντσερτίνο για βιολί και ορχήστρα (1888)
Il Guado. Συμφωνικό ποίημαγια πιάνο και ορχήστρα (1894)
Βαλς «Χρυσός και Ασήμι» (Gold und Silber). Εργο. 79 (1902)
Eine Vision. Meine Jugendzeit. Ουβερτούρα για ορχήστρα (1907)
Βαλς «Στον γκρίζο Δούναβη» (An der grauen Donau) (1921)
Ουγγρική φαντασία. Εργο. 45 για βιολί και ορχήστρα (1935)

Μνήμη Franz Lehár

Ονομάστηκε προς τιμήν του Lehár:

θέατρο στο Bad Ischl (Kreuzplatz, κτίριο 16).
δρόμους στο Komarno και άλλες πόλεις στην Αυστρία, τη Γερμανία και την Ολλανδία.
ετήσιος διεθνές φεστιβάλοπερέτες στο Komárno (Αγγλικά: Lehar Days);
αστεροειδής 85317 Lehár (ανακαλύφθηκε το 1995).

Ο Franz Lehar είναι επίτιμος πολίτης των πόλεων της Βιέννης, του Sopron και του Bad Ischl. Υπάρχει ένα μνημείο του Lehár στο πάρκο της πόλης της Βιέννης (Stadtpark). Υπάρχει και το μουσείο-διαμέρισμά του στη Βιέννη (Βιέννης 19, Hackhofergasse 18).

Οι οπερέτες του Lehár έχουν γίνει παγκόσμιες κλασικές και έχουν γυριστεί επανειλημμένα διαφορετικές χώρες. Το Bad Ischl φιλοξενεί τακτικά εκδηλώσεις μνήμης αφιερωμένες στον συνθέτη - για παράδειγμα, το 1978 πραγματοποιήθηκε το επιστημονικό συνέδριο Legar, το 1998 διοργανώθηκε μια εορταστική συναυλία με τη συμμετοχή σημαντικών διασημοτήτων της όπερας.

Ο Lehár απεικονίζεται στα ουγγρικά γραμματόσημο 1970

Η οικογένεια του Franz Lehár

Πατέρας - Franz Lehár Sr., στρατιωτικός μπάντας.
Μητέρα - Christina Neubrandt.

Αδέρφια και αδελφές - Άννα-Μαρία (Marishka), Anton (1876-1962) και Emmy.

Wife - Sofia Met (παντρεμένη από το 1923).

Και πολλοί άλλοι.

Οι οπερέτες του Lehár είναι βαθιά πρωτότυπο μουσικό θέατρο, που χαρακτηρίζεται από τη φωτεινή ατομικότητα του συνθέτη και την «ανεξέλεγκτη λυρική δύναμη» της μουσικής του. Διακριτικό χαρακτηριστικόΟι οπερέτες του Lehár (ιδιαίτερα οι μεταγενέστερες) χαρακτηρίζονται από δραματική πλοκή, εντυπωσιακό μελωδικό λυρισμό, ενότητα μουσικής και δραματικής δράσης, βαθύ, σχεδόν οπερατικό, ψυχολογισμό μουσικά χαρακτηριστικά. Ένα άλλο χαρακτηριστικό είναι η ευρεία χρήση της εθνικής μελωδικής μουσικής, αυστριακής, ουγγρικής και σλαβικής.

Ο πληθυσμός της πόλης ήταν μικτός και από την παιδική του ηλικία ο μελλοντικός συνθέτης περιβαλλόταν από ένα πολύχρωμο μουσικό περιβάλλον ουγγρικής, αυστριακής και σλαβικής μελωδικής μουσικής. Αυτή η συγκυρία καθόρισε σε μεγάλο βαθμό το κοσμοπολίτικο εύρος, την πρωτοτυπία και τη φωτεινότητα της μουσικής του παλέτας. Η ορχήστρα του πατέρα του ταξίδευε συνεχώς σε όλη την Αυστροουγγαρία, ο νεαρός Lehár σπούδασε διαφορετικές γλώσσεςκαι τον πολιτισμό, και αυτό επηρέασε επίσης στη συνέχεια το έργο του: "" . Ο ίδιος ο Lehár παραδέχτηκε: «Έχω περιλάβει μέσα μου τόσο έντονα την ουγγρική, τη σλαβική και τη βιεννέζικη μουσική που ασυναίσθητα επιστρέφω αυτό το μείγμα σε όλα αυτά τα έθνη στη μουσική μου. Αυτή ακριβώς είναι η διαφορά μου».

στα στέφανα φαινόταν σαν στέμμα. Ούγγροι - Ούγγροι, Τσέχοι - Τσέχοι, Πολωνοί και Σλοβάκοι - Πολωνοί και Σλοβάκοι

Ήδη σε ηλικία πέντε ετών, ο Φραντς Τζούνιορ ήξερε νότες, έπαιζε βιολί και αυτοσχεδίαζε έξοχα στο πιάνο. Βασική εκπαίδευσηέλαβε τις σπουδές του στο Γυμνάσιο της Βουδαπέστης, ενώ παράλληλα σπούδασε μουσική υπό τη διεύθυνση του István Tomka. Στη συνέχεια σπούδασε γερμανικά για δύο χρόνια στην Τσεχική Μοραβία. Σε ηλικία 12 ετών, ο Lehár μπήκε στη Bohemian Academy of Music (τώρα το Ωδείο της Πράγας) για να σπουδάσει βιολί, ο δάσκαλός του ήταν ο Antonin Bennewitz. Ολοκλήρωσε τις σπουδές του σε ηλικία 18 ετών (1888). Ο Antonin Dvorak σημείωσε τις πλούσιες δημιουργικές ικανότητες του Lehár και του συνέστησε να αφήσει το βιολί και να ασχοληθεί με τη σύνθεση. Ο Lehár πήρε μαθήματα σύνθεσης από τον Fiebig κρυφά από τον πατέρα του, ο οποίος πίστευε ότι με το να γίνει βιολιστής, ο γιος του θα εξασφάλιζε πραγματικό εισόδημα για τον εαυτό του.

Για αρκετούς μήνες ο Lehár εργάστηκε ως βιολονίστας-συνοδός στο Barmen-Elberfeld (1888), στη συνέχεια έγινε βιολιστής και βοηθός μαέστρος στη στρατιωτική ορχήστρα του πατέρα του, και στη συνέχεια στάθηκε στη Βιέννη. Για να μην πληρώσει πρόστιμο στο θέατρο όταν σπάσει το συμβόλαιο, ο Lehar ζήτησε από τον πατέρα του να κανονίσει να επιστραφεί στο στρατό. Ένας από τους βιολονίστες στην ορχήστρα της Βιέννης ήταν ο νεαρός Λέο Φολ, ο οποίος έγινε φίλος του Λεχάρ. Ο Lehár υπηρέτησε στον αυστριακό στρατό για 14 χρόνια (1888-1902).

Ο Leghar είναι στρατιωτικός μπάντας. Έλαβε το παράγγελμα το 1894 για τη λαμπρή του παράσταση προς τιμήν της επίσκεψης του Γερμανού αυτοκράτορα Γουλιέλμου Β'

Το 1890, ο 20χρονος Lehar άφησε την ορχήστρα του πατέρα του και έγινε στρατιωτικός μπάντας στο Losonets, ο νεότερος bandmaster στην ιστορία της χώρας. Οι πρώτες του συνθέσεις χρονολογούνται από αυτή την εποχή - πορείες, τραγούδια, βαλς (δημοσιεύτηκαν δύο πορείες και το βαλς "Enchantment of Love"). Ταυτόχρονα, ο Lehar δοκίμασε τις δυνάμεις του στη μουσική για το θέατρο. Οι δύο πρώτες όπερες («The Cuirassier» και «Rodrigo») έμειναν ημιτελείς.

Το 1894, ο Lehár μεταγράφηκε στο ναυτικό και έγινε αρχηγός της ναυτικής μπάντας στην πόλη-λιμάνι της Πούλα (τώρα Κροατία). Εδώ το 1895 η πρώτη του όπερα «Κούκος» ( Kukuschka), βασισμένο σε μια πλοκή από τη ρωσική ζωή, το λιμπρέτο βασίστηκε στο βιβλίο με δοκίμια του Αμερικανού δημοσιογράφου George Kennan «Μέσα από τη Σιβηρία». Οι ήρωες - ο πολιτικός εξόριστος Alexey και η αγαπημένη του Τατιάνα - φεύγουν από την εξορία της Σιβηρίας με το ανοιξιάτικο κάλεσμα του κούκου. Η όπερα ανέβηκε από τον Max Stegemann και έκανε πρεμιέρα στο Stadtheater της Λειψίας στις 27 Νοεμβρίου 1896, με συνολικά επτά παραστάσεις. Το κοινό αντέδρασε ευγενικά στην παραγωγή και την χειροκροτούσε στο τέλος. Η όπερα δεν προκάλεσε αίσθηση, αλλά οι εφημερίδες ακόμη και τότε σημείωσαν το «ισχυρό, μοναδικό ταλέντο» του συγγραφέα. Η πρώτη επιτυχία επισκιάστηκε από την είδηση ​​του απροσδόκητου θανάτου της 18χρονης αγαπημένης αδερφής της Marishka. Ο Κούκος ανέβηκε αργότερα, επίσης με μέτρια επιτυχία, στη Βιέννη και στο Königsberg, και στη Βουδαπέστη η όπερα κέρδισε την προσωπική έγκριση του αυτοκράτορα Franz Joseph. Στη συνέχεια, ο Lehár πρότεινε μια νέα έκδοση αυτής της όπερας που ονομάζεται "Tatyana" (1905), αλλά ούτε αυτή τη φορά πέτυχε μεγάλη επιτυχία.

Μετά το "Κούκος", ο Lehár υπηρέτησε για ενάμιση χρόνο στην ορχήστρα του 87ου συντάγματος (πρώτη Τεργέστη και μετά η ίδια Πούλα). Το 1898, ο πατέρας του πέθανε στη Βουδαπέστη και ο Lehár πήρε τη θέση του, και έγινε ο αρχηγός του 3ου συντάγματος πεζικού της Βοσνίας-Ερζεγοβίνης του Αυστροουγγρικού στρατού. Το 1899, ο Lehár έλαβε μια μετάθεση στο 26ο Σύνταγμα Πεζικού, που βρίσκεται στη Βιέννη, ορίζοντας στη σύμβαση ότι εάν το σύνταγμα έφευγε από τη Βιέννη, ο Lehár δεν θα ήταν υποχρεωμένος να το συνοδεύσει. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο Lehár συνέχισε να συνθέτει βαλς, πόλκες και πορείες. Μερικοί από αυτούς, για παράδειγμα, Χρυσό και Ασήμι (Χρυσό και ασήμι, 1899), το οποίο έγραψε ο Lehar για το Καρναβάλι Pauline Metternich, έγινε πολύ δημοφιλές και παίζεται ακόμα και σήμερα. Σύντομα η Βιέννη εκτίμησε τον Lehár, έγινε διάσημος συνθέτηςκαι μουσικός.

Μέσα σε λίγο περισσότερο από ένα χρόνο (Αύγουστος 1898 - Δεκέμβριος 1899), τρεις κλασικοί της βιεννέζικης οπερέτας έφυγαν από τη ζωή αμέσως - ο Karl Zeller, ο Johann Strauss και ο Karl Millöcker. Το πιο δημοφιλές είδος βίωνε κρίση και τα μουσικά θέατρα της Βιέννης αναζητούσαν νέους ταλαντούχους συγγραφείς. Το 1901, ο Lehár έκανε δύο προσπάθειες να συνθέσει μια οπερέτα. Και τα δύο σκίτσα παρέμειναν ημιτελή. Ο Lehár χρησιμοποίησε αργότερα αρκετούς επιτυχημένους αριθμούς στην οπερέτα "Viennese Women". Όταν η μουσική του Lehar σε πολλούς θεατρικές παραστάσειςαπέκτησε φήμη, αποσύρθηκε από το στρατό (1902) και προσκλήθηκε ως μαέστρος στο διάσημο βιεννέζικο θέατρο». An der Wien», στην ορχήστρα της οποίας εργαζόταν κάποτε ο πατέρας του, πριν στρατευθεί (1857).

Αμέσως μετά τη μετάβαση στο " An der Wien"Ο Lehar έλαβε δύο παραγγελίες ταυτόχρονα - από" Καρλθέατρο"για την οπερέτα "Ρεσέτνικ" και από το θέατρό του" An der Wien», για την οπερέτα «Γυναίκες της Βιέννης». Η πρώτη που έγινε ήταν η πρεμιέρα της οπερέτας «Οι γυναίκες της Βιέννης», που ήταν αρκετά παραδοσιακή στην πλοκή της, στο « An der Wien«(21 Νοεμβρίου 1902), με πρωταγωνιστή τον διάσημο Alexander Girardi. Η υποδοχή ήταν ενθουσιώδης, η οπερέτα ανέβηκε αργότερα με επιτυχία στο Βερολίνο και τη Λειψία και στη Βουδαπέστη ανέβηκε με τον τίτλο «Γυναίκες της Βουδαπέστης».

Ένα μήνα αργότερα (20 Δεκεμβρίου 1902), η επιτυχία του Lehar εδραίωσε τον θρίαμβο του "Reshetnik" στο Carltheater(Γερμανικός τίτλος αυτής της οπερέτας Ραστελμπίντερμεταφράστηκε και στα ρωσικά Γανωματήςή Brushman). Το λιμπρέτο γράφτηκε από τον Victor Leon, θεατρικό συγγραφέα και επικεφαλής διευθυντής Καρλθέατρο, οι βασικοί χαρακτήρες είναι οι Σλοβάκοι Janku και Susa, καθώς και ο Εβραίος σοφός και αστείος Wolf Behr Pfefferkorn. Η μελωδία της οπερέτας συνδυάζει σλαβικά και αυστριακά μοτίβα (ο Pfefferkorn έχει και εβραϊκά). Τον ρόλο της Σούσα έπαιξε η 23χρονη Mizzi Gunther, η μελλοντική σταρ του The Merry Widow. Οι Βιεννέζοι κριτικοί χαιρέτησαν την παράσταση, καινοτόμα στην πλοκή και τη μουσική, ψύχραιμα - κατά τη γνώμη τους, η οπερέτα ήταν «ψευδώς συναισθηματική» και η σλαβική μουσική που ενέπνευσε τον συγγραφέα αναγνωρίστηκε ως «εξωγήινος στη Βιέννη, ένα δυσάρεστο και αποκρουστικό στοιχείο». Παρόλα αυτά, η οπερέτα κράτησε 225 παραστάσεις στη σειρά, σχεδόν όλοι οι αριθμοί έπρεπε να επαναληφθούν ως encore. Το κοινό εκτίμησε τον ειλικρινή λυρισμό της μουσικής, τη χρωματικότητα των λαϊκών σλαβικών μοτίβων και την εξαιρετική ενορχήστρωση. Το έργο παρέμεινε στο θέατρο μέχρι το καλοκαίρι του 1920, με περίπου 500 παραστάσεις. Το «The Reshetnik» ανέβηκε επίσης στην Αγία Πετρούπολη (1907, με τον τίτλο «Wolf Pfefferkorn») και στη Νέα Υόρκη (1909).

Οι δύο επόμενες οπερέτες του Lehár - η φαρσική "The Divine Souse" (1903) και "The Comic Wedding" (1904) είχαν μέτρια επιτυχία. Το «The Divine Souse» έγινε η πρώτη οπερέτα του Lehár που ανέβηκε στη Ρωσία (1905, με τον τίτλο «Pranks of the Gods»).

Ήδη οι πρώτες οπερέτες του Lehár έδειχναν τις διαφορές μεταξύ του στυλ του συγγραφέα και των καθιερωμένων προτύπων. Σε αντίθεση με τον Franz Suppe, τον Johann Strauss και άλλους ιδρυτές της βιεννέζικης οπερέτας, η μουσική του Lehár, εκτός από τη συνηθισμένη της αισθητικό ρόλο, αποκάλυψε επίσης την ψυχολογία των χαρακτήρων, η οποία κατέστησε δυνατή την περαιτέρω παρακίνηση των πράξεων και των σχέσεών τους. Πριν από τον Lehár, ο δραματικός ψυχολογισμός στη μουσική του θεάτρου ήταν πιο χαρακτηριστικός για την όπερα. Η βιογράφος του Legár, Maria Peteani, γράφει: «Θα μπορούσε να βάλει τον εαυτό του στη θέση του καθενός, σε οποιαδήποτε κατάσταση, διάθεση, τοπίο και να διεισδύσει εντελώς σε κάθε ψυχή... Αυτή είναι η ιδιότητα της φύσης του». Είναι αδύνατο να μην αναφέρουμε τη βιρτουόζικη ενορχήστρωση, την οποία ο Lehár έκανε πάντα προσωπικά. Για να αποκαλύψει το θέμα πιο βαθιά, χρησιμοποίησε πρόθυμα ασυνήθιστα για το θέατρο μουσικά όργανα(άρπα, σελέστα, κιθάρα, ντέφι, νταούλι και άλλα)

Το έργο του Lehár, που παρουσιάστηκε στις 30 Δεκεμβρίου 1905, του έφερε παγκόσμια φήμη. An der Wien«Οπερέτα «Η εύθυμη χήρα». Το λιμπρέτο γράφτηκε από τους Victor Leon και Leo Stein, οι οποίοι ξαναδούλεψαν την πλοκή της πνευματώδης κωμωδίας του Henri Meillac «Attaché from the Embassy». Η μουσική για το The Merry Widow είχε αρχικά ανατεθεί να γραφτεί από έναν άλλο συνθέτη, τον 55χρονο Richard Heuberger, αλλά η πρώτη πράξη που παρουσίασε θεωρήθηκε μη ικανοποιητική και το συμβόλαιο δόθηκε στον Lehár. Ωστόσο, υπήρχαν προβλήματα και με την εκδοχή του. Ο Leghar θυμήθηκε αργότερα:

Έχοντας ακούσει μόνο τις πρώτες μπάρες της μουσικής μου, οι σκηνοθέτες του θεάτρου Karchag και Wallner κάλυψαν τα αυτιά τους και φώναξαν:

Είναι φρικτό! Αυτό δεν είναι μουσική! Είναι το φάντασμα της χρεοκοπίας! Αυτές οι μουσικές καινοτομίες δεν μπορούν να πετύχουν μαζί μας! Πού είναι η Βιέννη; Η τραγουδιστική, γελαστή, ευαίσθητη Βιέννη που το κοινό μας θέλει να δει και να ακούσει σε κάθε οπερέτα;

Κάθισα σαν στα κάρβουνα. «Μάλλον έχουν δίκιο», σκέφτηκα. «Είναι παλιοί ασκούμενοι και εγώ είμαι ένας άπειρος ερασιτέχνης».

Οι σκηνοθέτες είπαν ότι ο Heuberger πρέπει να επιστρέψει, έχει καθαρό κεφάλι, δεν θα κάνει περιττούς πειραματισμούς ή θα τους αφήσει να καλέσουν έναν άλλο συνθέτη, για παράδειγμα, τον Reinhardt ή τον Helmesberger. Αλλά ο Βίκτορ Λεόν ήταν σταθερός. «Δεν καταλαβαίνεις», είπε, «ότι μια οπερέτα με αυτή τη μουσική θα είναι η μεγαλύτερη επιτυχία στην επιχειρηματική σου ζωή;»

Οι μελλοντικοί ερμηνευτές των κύριων ρόλων, Mizzi Gunther και Louis Treuman, επέμειναν επίσης να συνεχίσει ο Lehár να εργάζεται στην οπερέτα. Όλοι οι ηθοποιοί συμφώνησαν να κάνουν πρόβες μετά τις παραστάσεις, το βράδυ. Η διοίκηση αρνήθηκε να πληρώσει για τα σκηνικά και τα κοστούμια. Οι διευθυντές συνέχισαν να αμφιβάλλουν για την επιτυχία και μάλιστα πρόσφεραν στον Lehár 5.000 κορώνες εάν αρνιόταν το συμβόλαιο. Ο Lehár σχεδόν συμφώνησε με τους όρους της διοίκησης, αλλά ο Gunther τον απέτρεψε. Για κάθε ενδεχόμενο, οι κριτικοί θεάτρου δεν επιτρέπονταν στην πρόβα τζενεράλε.

Η οπερέτα έκανε πρεμιέρα στο An der Wien«30 Δεκεμβρίου 1905, υπό τη διεύθυνση του ίδιου του Lehár. Η επιτυχία ήταν τεράστια. Το κοινό κάλεσε σε ένα encore πολλών αριθμών, το κύριο λυρικό βαλς ηχογραφήθηκε τρεις φορές και στο φινάλε έδωσε ένα θορυβώδες, ατελείωτο χειροκρότημα. Η παράσταση εξαντλήθηκε όλο το 1906, η οπερέτα ανέβηκε βιαστικά σε όλο τον κόσμο: Αμβούργο, Βερολίνο, Βουδαπέστη, Παρίσι, Μιλάνο, Λονδίνο, Μαδρίτη... «Η Εύθυμη Χήρα» ανέβηκε στη Ρωσία (εννέα πόλεις σε δύο χρόνια), στις ΗΠΑ, την Αργεντινή, ακόμη και στην Κεϋλάνη και την Ιαπωνία. Πολλοί κριτικοί και γνώστες συνέκριναν τη μουσική του Lehar στις αρχές του 1900 με τις καλύτερες δημιουργίες του Puccini, επαινώντας τον συνθέτη για τον επιτυχημένο συνδυασμό του βιεννέζικου στυλ «με τη σλαβική μελαγχολία και τη γαλλική πικρία». Ο συγγραφέας Felix Salten δήλωσε: «Ο Lehár δεν είναι τόσο Βιεννέζος δάσκαλος όσο, γενικά, σύγχρονος».

Το "The Merry Widow", ακόμη και σε σύγκριση με τις άλλες οπερέτες του Lehar, διακρίνεται για την εξαιρετική ακεραιότητά του - το πολύπλευρο πνεύμα της δυναμικής πλοκής συνδυάζεται στοχαστικά με τη διάθεση και τη διάταξη των μουσικών αριθμών (συμπεριλαμβανομένων ακόμη και των χορών) και το ψυχολογικό βάθος του τα μουσικά χαρακτηριστικά των χαρακτήρων και των καταστάσεων. Σε αυτήν την οπερέτα, τα σλαβικά μοτίβα εξακολουθούν να καταλαμβάνουν περίοπτη θέση - για παράδειγμα, το τραγούδι για τη Βίλα, τους Μαυροβουνικούς χορούς και τον στρογγυλό χορό "κόλο". Ο ίδιος ο Leghar εξήγησε αργότερα:

Με το The Merry Widow βρήκα το στυλ μου, για το οποίο είχα επιδιώξει σε προηγούμενες δουλειές... Νομίζω ότι μια χιουμοριστική οπερέτα δεν ενδιαφέρει το σημερινό κοινό... Δεν θα μπορούσα ποτέ να γίνω συγγραφέας μουσικών κωμωδιών. Στόχος μου είναι να τελειοποιήσω την οπερέτα. Ο θεατής πρέπει να βιώνει, και όχι να βλέπει και να ακούει ξεκάθαρες ανοησίες...

Η εφαρμογή αυτού του προγράμματος δεν ξεκίνησε αμέσως. Το καλοκαίρι του 1906, η μητέρα του Lehar, Christina Neubrandt, πέθανε στο σπίτι του γιου της. Φέτος και το επόμενο έτος, ο Lehár έγραψε δύο συνηθισμένες μονόπρακτες βοντβίλ, και το 1908, τις οπερέτες «The Threesomer» και «The Princely Child», που είχαν μικρή επιτυχία. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου, η βιεννέζικη οπερέτα γνώρισε μια αναβίωση, με έργα δασκάλων όπως ο Leo Fall, ο Oscar Strauss και ο Imre Kalman να αρχίζουν να εμφανίζονται.

Στις 12 Νοεμβρίου 1909, ένα άλλο αριστούργημα του Lehár εμφανίστηκε: η οπερέτα «The Count of Luxembourg», που ολοκληρώθηκε σε μόλις τρεις μήνες. Η πλοκή του λιμπρέτου ήταν αρκετά παραδοσιακή (προσαρμοσμένη από την παλιά οπερέτα του Johann Strauss "Goddess of Reason"), αλλά η γοητεία της ψυχής μουσικής του Lehár, μερικές φορές ειλικρινά δραματική, μερικές φορές χαρούμενα σκανδαλώδη, επέτρεψε σε αυτή την οπερέτα να επαναλάβει σχεδόν την επιτυχία του " Η Εύθυμη Χήρα». Μετά τη θριαμβευτική πρεμιέρα στο An der Wien, ακολούθησαν 300 παραστάσεις στη σειρά, λίγους μήνες αργότερα, η οπερέτα παρουσιάστηκε με μαγευτική επιτυχία στην Αγία Πετρούπολη (η πρώτη ξένη παραγωγή), στο Βερολίνο, στη Ρώμη και στο Λονδίνο, και το 1910 μια βουβή. Η ταινία μάλιστα έγινε βασισμένη σε αυτό στη Γερμανία. Την ορχήστρα του Λονδίνου διηύθυνε ένας ειδικά αφιχθείς Lehár και κατά τη διάρκεια του διαλείμματος τον συνθέτη επισκέφτηκε ο Βρετανός βασιλιάς George V. Η οπερέτα διαδραματίζεται στη Γαλλία. αρκετοί χαρακτήρες είναι Ρώσοι, μεταξύ των γραμμών τους υπάρχουν ακόμη και ρωσικές φράσεις (γραμμένες στα λατινικά). Αντίστοιχα, τα σλαβικά θέματα επανεμφανίζονται στη μουσική, ιδιαίτερα αισθητά στο ντουέτο πόλκα της Ιουλιέτας και του Πρίγκιπα, καθώς και στα δίστιχα της κόμισσας Κοκότσοβα (προστέθηκε το 1937).

Οι πρώτες οπερέτες του Lehár σηματοδότησε την αρχή του λεγόμενου " νεοβιεννέζικοοπερέτα», η μορφή της οποίας αποκρυσταλλώθηκε στη συνέχεια από τον Κάλμαν. Υπήρχε πάντα μια σοβαρή σύγκρουση συμφερόντων στον πυρήνα, αλλά ένα αίσιο τέλος ήταν απαραίτητο. Η δράση συνίστατο σε μια αλλαγή λυρικών και κωμικών επεισοδίων. οι ήρωες, με ενδιαφέροντες και ποικίλους χαρακτήρες, ωστόσο ο καθένας είχε έναν συγκεκριμένο ρόλο. Ο Lehár εισήγαγε έναν χορό που ποτέ πριν δεν είχε τέτοια σημασία στην οπερέτα. πιασάρικες μελωδίες που έγιναν αμέσως δημοφιλείς. Στις οπερέτες του Lehár, εμφανίστηκε και σχηματίστηκε το λεγόμενο «ζεύγος καταρράκτη» - η σουμπρέτα και το απλό, που για μεγάλο χρονικό διάστημα έγιναν το σήμα κατατεθέν του είδους. Ωστόσο, ο ίδιος ο Lehár δεν σταμάτησε εκεί - αφιέρωσε τα επόμενα χρόνια σε νέες αναζητήσεις.

Ο θρίαμβος των οπερετών του Λέγκαρ έφερε στον συγγραφέα τους βιώσιμη οικονομική ευημερία. Το 1910, ο Lehar αγόρασε ένα πολυτελές σπίτι στη Βιέννη (Theobaldgasse 16, η Sophie εγκαταστάθηκε σε ένα σπίτι κοντά). Ακόμη νωρίτερα, ο Lehar είχε αποκτήσει ένα σπίτι στο Bad Ischl για τη μητέρα του και μετά τον θάνατό της (1906) έζησε εκεί για μεγάλο χρονικό διάστημα. Το 1912, αγόρασε ένα τριώροφο σπίτι στο ανάχωμα στο Bad Ischl, που τώρα είναι γνωστό ως "Villa Lehár". Στο σπίτι, αυτός και η Sophie άρχισαν έναν πραγματικό ζωολογικό κήπο, μια γάτα Angora ζούσε εκεί, κουτάβι Yu-Yu, σκίουροι, καναρίνια, παπαγάλοι, ψάρια ενυδρείου, χελώνα.

Η πρώτη προσπάθεια του Lehár να συνδυάσει μια οπερέτα με μια σοβαρή δραματική πλοκή ήταν το «Gypsy Love» (1910, «Karltheater»), έργο στο οποίο πραγματοποιήθηκε ταυτόχρονα με το «The Count of Luxembourg». Άνοιξε μια σειρά έργων που οι κριτικοί αργότερα ονόμασαν αστειευόμενοι «legariads», και ο ίδιος ο Lehar - ρομαντικές οπερέτες. Όλα εδώ ήταν προκλητικά αντισυμβατικά - η μουσική, περισσότερο σαν όπερα, η δραματική πλοκή και (συχνά) η απουσία ενός παραδοσιακού χαρούμενου τέλους. Δεν υπάρχουν ήρωες και κακοί σε αυτές τις οπερέτες ο καθένας έχει δίκιο με τον δικό του τρόπο. Ο Lehár έθεσε τον στόχο του με τη μουσική του να βοηθήσει στη δημιουργία διαρκούς πνευματικής αρμονίας μεταξύ των ακροατών.

Τα μουσικά νούμερα στο «Gypsy Love» δεν υπάρχουν χωριστά το ένα από το άλλο, αλλά αποτελούν μια αναπόσπαστη, συνεχώς αναπτυσσόμενη μουσική και δραματική δράση. Δείχνοντας το εξαιρετικό ταλέντο του ως θεατρικού συγγραφέα, ο Lehár επιμελήθηκε προσωπικά την παρτιτούρα και το λιμπρέτο, περιγράφοντας τις λεπτομέρειες της θεατρικής δράσης και τον συνδυασμό μουσικών και ψυχολογικών χαρακτηριστικών μεμονωμένων σκηνών του έργου. Η A. Vladimirskaya χαρακτηρίζει αυτό το έργο ως «από την άποψη της πολυσημίας και της πολυπλοκότητας της ιδέας, ίσως απαράμιλλη στην ιστορία της οπερέτας». Η μουσική της οπερέτας είναι εξαιρετικά συγκινητική. Αυτή τη φορά η βάση της μελωδίας του «Gypsy Love» ήταν η ουγγρική λαογραφικά κίνητρα; Ο Lehár «αποκάλυψε την πλήρη ουγγρική πλευρά της μουσικής του φύσης». Γενικά, ο Lehár δημιουργούσε πάντα μουσική για ένα συγκεκριμένο επεισόδιο, πετυχαίνοντας την αισθητική τους αμοιβαία ενίσχυση. Σχεδόν ποτέ δεν χρησιμοποίησε θέματα που δεν ήταν προηγουμένως χρήσιμα ή «έτοιμα για μελλοντική χρήση».

Στη συνέχεια ο Leghar συνέχισε αυτή τη γραμμή με διάφορους βαθμούς επιτυχίας. Μετά το Gypsy Love, η οπερέτα Eva (1911), με «πολυτελή μουσική» και ασαφή πλοκή, κέρδισε διεθνή δημοτικότητα. Το επόμενο έτος, 1912, ο Lehár επισκέφτηκε τη Ρωσία για να συμμετάσχει ως μαέστρος στην πρεμιέρα του "Eva" στην Αγία Πετρούπολη (28-31 Ιανουαρίου, στο "Passage"). Στη Μόσχα και την Αγία Πετρούπολη, ο Lehar συναντήθηκε με πολλούς θεατρικές φιγούρεςΗ Ρωσία, μίλησε για την επιθυμία του να γράψει μια άλλη «ρωσική» οπερέτα και την έμαθε για το κοινό Ρωσική λέξη«Ευχαριστώ». Είχε προσκληθεί να έρθει στις ΗΠΑ για πολλά χρόνια, αλλά η περιοδεία δεν έγινε ποτέ.

Το καλοκαίρι του 1914, ο Πουτσίνι ήρθε στη Βιέννη (για την πρεμιέρα της όπερας του «Το κορίτσι από τη Δύση») και απαίτησε να τον συστήσουν στον Λεχάρ, με τον οποίο συχνά τον συγκρίνουν. Η εκκολαπτόμενη φιλία τους διακόπηκε από το ξέσπασμα του πολέμου.

Ο Leghar, αιχμάλωτος από τη γενική στρατιωτική έξαρση, έγραψε πολλά πατριωτικά τραγούδια και πορείες και οργάνωσε συναυλίες για τραυματίες στρατιώτες. Ο αδελφός Άντον τραυματίστηκε σοβαρά στο ρωσικό μέτωπο. Ο Φραντς περνούσε μέρες στο εφημερεύον νοσοκομείο δίπλα στο κρεβάτι του. Ο Άντον επέζησε, επέστρεψε στο μέτωπο, τελείωσε τον πόλεμο ως συνταγματάρχης και βαρόνος και σύντομα έγινε στρατηγός.

Τα θέατρα Οπερέτας, παρά τον πόλεμο, επανέλαβαν τη δουλειά τους το 1915. Η οπερέτα του Kalman "Princess Czardasha" ("Silva") γνώρισε εκπληκτική επιτυχία, η οποία (όπως και οι οπερέτες του Lehár) ανέβηκε ακόμη και στην άλλη πλευρά του μετώπου, στη Ρωσία. Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο Lehár παρήγαγε μόνο την αποτυχημένη οπερέτα "Stargazer", την οποία αργότερα ξαναέφτιαξε δύο φορές ("Dance of the Dragonflies" το 1922, "Gigoletta" το 1926), αλλά χωρίς αποτέλεσμα - το μόνο που απέμεινε από αυτήν την οπερέτα ήταν η περίφημη “Gigoletta Tango.”

Μόνο το 1918 ο Lehár πέτυχε νέα επιτυχία δημιουργώντας την «πιο ουγγρική» οπερέτα του «Where the Lark Sings» με μια έντονα δραματική πλοκή. Η πρεμιέρα της οπερέτας, αντίθετα με το έθιμο, έγινε πρώτα όχι στη Βιέννη, αλλά στη Βουδαπέστη, την 1η Φεβρουαρίου 1918. Και οι δύο παραγωγές διευθύνονταν από τον ίδιο τον Lehár, και οι δύο παραστάσεις είχαν τεράστια επιτυχία. Στη Ρωσία, η οπερέτα ανέβηκε για πρώτη φορά από το Θέατρο της Όπερας Μάλι της Πετρούπολης το 1923. Ο Πουτσίνι, ο οποίος επισκέφτηκε το Lehár το 1920, έδωσε μια ενθουσιώδη κριτική για την τρυφερή και θλιβερή μουσική «Where the Lark Sings». Έγραψε στον Legare από την Ιταλία:

Αγαπητέ μαέστρο! Δεν μπορώ να πω πόσο χαρούμενος είμαι που μπόρεσα να σε γνωρίσω από κοντά και να θαυμάσω την ανθρώπινη καλοσύνη σου καθώς και τις μελωδίες του καθολικού σου διάσημη μουσική... Νιώστε τη φιλική χειραψία του φίλου σας - Πουτσίνι.

Στο τέλος του πολέμου, όταν η Αυστροουγγαρία κατέρρευσε, ο Lehár αποφάσισε να παραμείνει στη Βιέννη. Το 1921, σκέφτηκε την πιθανότητα να γράψει μια οπερέτα βασισμένη στην πλοκή της κωμωδίας Πυγμαλίων του Μπέρναρντ Σο, αλλά ο Σο, εκνευρισμένος από την ασυνήθιστη επανεπεξεργασία του έργου του Όπλα και ο Άνθρωπος στην οπερέτα Ο στρατιώτης σοκολάτας (Όσκαρ Στράους, 1908), έκανε να μην δώσει άδεια.

ΣΕ μεταπολεμικά χρόνιαΟ Lehár συνεχίζει να απομακρύνεται από τους κανόνες της νεοβιεννέζικης οπερέτας και να αναζητά νέες μορφές για ρομαντική μουσικό δράμα. Η επόμενη οπερέτα του, The Blue Mazurka (1920), όπου επέστρεψε ξανά στη σλαβική μελωδική μουσική, κέρδισε διεθνή επιτυχία. Την ίδια στιγμή, θεατές και κριτικοί γιόρτασαν τα 50ά γενέθλια του Lehár και τον αποκάλεσαν «ο μεγαλύτερος Αυστριακός στον κόσμο». Τον Μάρτιο, η οπερέτα ανέβηκε στο Βερολίνο, ένας Γερμανός κριτικός σημείωσε: «Το εξαιρετικό ταλέντο του Lehár, που τον διακρίνει τόσο έντονα από πολλούς ανταγωνιστές, δεν τον ανέβασε πάνω από την οπερέτα... παραμένει με την οπερέτα, καταστρέφοντας κατά λάθος το στυλ της. ”

Η πρώτη παραγωγή της οπερέτας του Lehár στο Σοβιετική Ρωσίαπραγματοποιήθηκε το 1921 - Θέατρο Μουσικής Κωμωδίας της Πετρούπολης, οπερέτα "Stargazer", σκηνοθέτης Νικολάι Εβραϊνόφ. Το 1923, το The Blue Mazurka είχε μεγάλη επιτυχία στη Ρωσία.

Η επόμενη οπερέτα, «The Tango Queen» (ένα ριμέικ του «The Divine Souse», 1921), δεν βρήκε ανταπόκριση από το κοινό. Το «Frasquita» (1922) έγινε επίσης ψύχραιμο, αν και το διάσημο ειδύλλιο του Αρμάν από αυτή την οπερέτα έγινε δημοφιλές. Το εξωτικό "Yellow Jacket" (1923), το μελλοντικό "Land of Smiles", για το οποίο ο Lehár σπούδασε ειδικά και ενσάρκωσε την κινεζική μελωδική μουσική, έγινε δεκτή λίγο καλύτερα.

Από το 1921, ο Lehár άρχισε να συνεργάζεται με τον κορυφαίο τενόρο, τον "Austrian Caruso", Richard Tauber, ειδικά για τον οποίο έγραψε λυρικές άριες, τις λεγόμενες Tauberlied. Ανάμεσα σε αυτές τις άριες είναι η περίφημη «μελωδία του αιώνα» Dein ist mein ganzes Herz"(σε ρωσική μετάφραση, "The Sounds of Your Speeches") από την οπερέτα "Land of Smiles", την οποία ερμηνεύουν πρόθυμα σήμερα οι καλύτεροι τενόροι στον κόσμο. Για να συνεργαστεί με τον Lehár, ο Tauber εγκατέλειψε την οπερατική του καριέρα και αφοσιώθηκε εξ ολοκλήρου στην οπερέτα. Μόνο η συμμετοχή του βοήθησε να διατηρηθεί η δύσκολη παράσταση του «Frasquita» (εκατό παραστάσεις το 1923). ακολουθώντας το παράδειγμα του An der Wien, άλλα θέατρα σε όλο τον κόσμο άρχισαν να προσκαλούν τον Lehar να παίξει σε οπερέτες τραγουδιστές της όπερας.

Το 1923, οι διατυπώσεις διαζυγίου της Sophie ολοκληρώθηκαν και ο Lehár κατάφερε τελικά να επισημοποιήσει τον γάμο του μαζί της. Την ίδια χρονιά, άρχισε να εργάζεται σε μια από τις καλύτερες ρομαντικές οπερέτες του - "Paganini". Το μέρος του Paganini σχεδιάστηκε ειδικά για τον Tauber. Η πρεμιέρα στη Βιέννη έγινε το 1925 με μέτρια επιτυχία, αλλά η παραγωγή του Βερολίνου το 1926 με τον Tauber έγινε θρίαμβος (εκατό sold out). Από εκείνη τη στιγμή (1925-1933), όλες οι παραγωγές πρεμιέρας των οπερετών του Lehár (εκτός από την Giuditta) παίζονταν όχι στη Βιέννη, αλλά στο Βερολίνο το βιεννέζικο κοινό προτιμούσε το στυλ του Kalman.

Το 1924 δημοσιεύτηκε η πρώτη λεπτομερής μονογραφία «Franz Lehár», με συγγραφέα τον Βιεννέζο κριτικό μουσικής Ernst Dechey. Ερνστ Ντέκσεϊ). Ο Legare σχολίασε αυτό το βιβλίο με καλή ειρωνεία:

Χρειαζόμαστε έναν βιογράφο, έναν άνθρωπο που κάνει τον κόπο να μας εξηγήσει - εμάς! Τώρα, φυσικά, ξέρω τι τύπος είναι αυτός ο Franz Lehár, γιατί η ορχήστρα μου αστράφτει, γιατί υπήρχαν γυναίκες, δυστυχισμένες γυναίκες καταδικασμένες στη σιωπή, που με εκτιμούσαν και στα σιωπηλά συναισθήματα των οποίων έδινα φωνή στα βαλς του Lehár. Βλέπω από το βιβλίο ότι οι περιπέτειες της ζωής μου είναι ήδη μια οπερέτα ή μια ταινία. Θεέ μου, εκπλήσσομαι πόσα έχουν συμβεί! Πόση φωτιά, πόση στάχτη...

Η δεύτερη, διευρυμένη έκδοση του βιβλίου του Dechey εμφανίστηκε το 1930 (με την ευκαιρία των 60ών γενεθλίων του Lehár), ταυτόχρονα με το βιβλίο των απομνημονευμάτων του Anton Lehár, αδελφού του συνθέτη. Κατά τη διάρκεια της ζωής του Lehár, δημοσιεύτηκαν περίπου δώδεκα λεπτομερείς μελέτες της ζωής και του έργου του. αργότερα τέτοιες μελέτες δημοσιεύτηκαν στην Αυστρία, την Ουγγαρία, τη Γερμανία, τη Ρωσία, τη Ρουμανία, την Ελβετία, τη Μεγάλη Βρετανία, τη Γαλλία, τις ΗΠΑ, την Ιταλία κ.λπ.

Το 1927, ο Lehár επέστρεψε στα ρωσικά θέματα και έγραψε την οπερέτα "Tsarevich" με μια θλιβερή και συγκινητική ιστορία αγάπης μεταξύ του Tsarevich Alexei και της χορεύτριας Sonya. Το μοτίβο της μουσικής είναι το τραγικό «Τραγούδι του Βόλγα» ( Volgalied), που αργότερα συμπεριέλαβαν στο ρεπερτόριό τους οι Nikolai Gedda, Fritz Wunderlich, Ivan Rebrov και άλλοι ερμηνευτές. Η πρεμιέρα στο Βερολίνο είχε και πάλι θριαμβευτική επιτυχία.

Η επόμενη οπερέτα, Friederike, έτυχε επίσης θετικής υποδοχής το 1928. κύριος χαρακτήραςπου - νεαρός Γκαίτε. Στην πρεμιέρα του Βερολίνου παρευρέθηκε η ελίτ της Δημοκρατίας της Βαϊμάρης, μεταξύ των οποίων ο Άλμπερτ Αϊνστάιν και ο Χάινριχ Μαν. Το κοινό έπαιξε σχεδόν όλα τα νούμερα. Το 1929 εμφανίστηκε το «The Land of Smiles», που συμπληρώθηκε από μια νέα έκδοση του «The Yellow Jacket» και είχε επίσης τεράστια επιτυχία. Οι οπερέτες του Lehár γίνονταν ταινίες σχεδόν κάθε χρόνο, αρχικά βουβό, και μετά το 1929 με μουσική. Η πρώτη ηχητική μεταφορά του Lehár ήταν το "" (1934, σε σκηνοθεσία Karel Lamács), το οποίο έγινε επίσης η πρώτη οπερέτα που μεταδόθηκε στο ραδιόφωνο (Βερολίνο, 1926). Ο Lehár έγραψε επίσης μουσική για τρεις ταινίες: The Big Attraction (1931), A Vienna Romance (1931) και Μεγάλη ΔούκισσαΑλεξάνδρα» (1933).

Τον Νοέμβριο του 1929, μόνο στο Βερολίνο, εννέα οπερέτες Lehár ανέβηκαν σε επτά θέατρα στην Ευρώπη τα Χριστούγεννα, ο αριθμός των παραγωγών ξεπέρασε τις 500. Στις 30 Απριλίου 1930, όλη η Ευρώπη γιόρτασε τα 60ά γενέθλια του Lehár. Αυτό ήταν το απόγειό του παγκόσμια φήμη. Παντού σε όλη την Αυστρία, στα θέατρα και στο ραδιόφωνο, από τις 8 έως τις 9 μ.μ., μόνο η μουσική του παιζόταν ως αναγνώριση των προσόντων του συνθέτη. Την άνοιξη του 1931, ο Lehár άφησε το Βερολίνο και επέστρεψε στη Βιέννη.

Η τελευταία οπερέτα του Lehár ήταν η αρκετά επιτυχημένη Giuditta (1934), που ανέβηκε στην Όπερα της Βιέννης και πολύ κοντά στην όπερα μουσικό στυλ. Ο συγγραφέας χαρακτήρισε αυτό το «πιο τραγικό από τα δημιουργήματα του Lehár» πάνω από όλα τα άλλα. Στη συνέχεια, ο Lehár απομακρύνθηκε από τη σύνθεση και ασχολήθηκε με τη διεύθυνση ορχήστρας και τις εκδόσεις (το 1923 ίδρυσε τον μουσικό εκδοτικό οίκο Glocken-Verlag).

Στα σοβιετικά θέατρα τη δεκαετία του 1930, οι οπερέτες του Lehár ανεβάζονταν πολύ και πρόθυμα, ενώ το λιμπρέτο τους υπόκειτο σε τετριμμένες αλλαγές στο πνεύμα του ιδεολογικού χυδαιισμού. Η τελευταία προπολεμική παραγωγή ήταν η Paganini (Σβερντλόφσκ, Μάρτιος 1941). Ο Lehar έστειλε ένα τηλεγράφημα καλωσορίσματος στο θέατρο του Sverdlovsk: «Είμαι απίστευτα χαρούμενος που η αγαπημένη μου και απορριφθείσα από πολλούς θεατρικούς δημιουργούς είδε το φως της σκηνής σε μια μακρινή πόλη άγνωστη σε εμένα». Στα χρόνια του πολέμου (1941-1945), οι παραστάσεις του Lehar δεν επιτρέπονταν στην ΕΣΣΔ αμέσως μετά τον πόλεμο που ξεκίνησαν, επίσης με μεγάλη παραμόρφωση. Για παράδειγμα, στη μοναδική παραγωγή του «Giuditta» που επιτρεπόταν στην ΕΣΣΔ (1965, ο Πετροζαβόντσκ τον προστάτευε προσωπικά», ο Lehár μετακόμισε στο Bad Ischl. Ο τίτλος του επίτιμου Aryan δεν απάλλαξε τη Sophie από την υποχρέωση να αναφέρεται τακτικά στην αστυνομία και να περιγράφει Η περιουσία της ως Εβραία συνελήφθη και ο Λεχάρ έπρεπε να σώσει τη γυναίκα του με τη βοήθεια του τοπικού Γκαουλάιτερ.

Το 1940, ο Lehár έλαβε μια σειρά από νέα βραβεία και τιμητικές διακρίσεις για την 70η επέτειό του. Είναι σαφές ότι οι οπερέτες του Lehár δεν πληρούσαν καθόλου τα ναζιστικά πρότυπα - περιλάμβαναν Εβραίους ("Reshetnik", "Rozenstock and Edelweiss"), τσιγγάνους ("Gypsy Love", "Frasquita"), Ρώσους ("Cuckoo", "Tsarevich" ) ως θετικούς χαρακτήρες "), τους Κινέζους ("Χώρα των Χαμόγελων"), τους Πολωνούς ("Μπλε Μαζούρκα"). Ως εκ τούτου, οι οπερέτες του Lehár εμφανίστηκαν στην κατεχόμενη από τους Ναζί Ευρώπη με αλλοιωμένη μορφή και χωρίς να αναφέρονται τα ονόματα των Εβραίων συγγραφέων του λιμπρέτου. Για παράδειγμα, το "Gypsy Love" καθαρίστηκε από τσιγγάνους χαρακτήρες και ανέβηκε το 1943 στη Βουδαπέστη με τον τίτλο "The Wandering Student" ( Garabonciás diák) .

Στις αρχές Απριλίου 1945, ο Lehár, στην απελευθερωμένη Βιέννη, συνάντησε Σοβιετικούς στρατιώτες που του μάζεψαν μια σακούλα με κονσέρβες, αλεύρι, λαρδί, ψωμί και ζάχαρη. Ο Lehár γιόρτασε τα 75α γενέθλιά του (30 Απριλίου 1945) στο Bad Ischl (το οποίο έπεσε στην αμερικανική ζώνη κατοχής της Αυστρίας) παρέα με Αμερικανούς στρατιώτες και ξιφομάχους από τη Μεραρχία Rainbow, οι οποίοι του ζήτησαν αυτόγραφα.

Κατά τη διάρκεια της εκστρατείας αποναζοποίησης που ακολούθησε στη Γερμανία και την Αυστρία, οι δραστηριότητες του Lehár υπόκεινται επίσης σε έλεγχο. Ποτέ δεν εξέφρασε την υποστήριξή του για τη ναζιστική ιδεολογία και την πολιτική, έζησε «πάνω από τη μάχη», αλλά κατηγορήθηκε για αρκετά επεισόδια. Στις 20 Απριλίου 1938, ο Lehar, μετά από «φιλική συμβουλή» του υπουργού Εξωτερικών Walter Funk, έστειλε στον Χίτλερ ένα σπάνιο πρόγραμμα «The Merry Widow» από το 1906 με μια μουσική σημειογραφία της αρχής του βαλς. Το 1940, ο Χίτλερ υπέγραψε ένα διάταγμα με το οποίο απονέμει στον Lehár το μετάλλιο Goethe για τα 70α γενέθλιά του. Στις 14 Μαρτίου 1947, ο Λεγκάρε έπρεπε να κάνει επίσημη δήλωση με διευκρινίσεις.

Στις 23 Ιανουαρίου 1946, ο Lehár και η Sophie πήγαν στην Ελβετία για θεραπεία και πέρασαν δύο χρόνια στη Ζυρίχη. Τον Μάιο του 1947, ο Tauber έφτασε εδώ και μαζί έκαναν σχέδια για νέες παραγωγές και ηχογραφήσεις. Τον Αύγουστο, ο Tauber προσκλήθηκε στο Λονδίνο και οι φίλοι χώρισαν - όπως αποδείχθηκε, για πάντα (ο Tauber πέθανε έξι μήνες αργότερα). Επτά χρόνια ναζιστικού τρόμου δεν πέρασαν χωρίς ίχνος για τη Σόφι. Την 1η Σεπτεμβρίου 1947 η καρδιά της απέτυχε. Η αδερφή του Έμμυ, που είχε πρόσφατα χήρα, ήρθε από τη Βουδαπέστη για να βοηθήσει τον Λεχάρ.

Ο Lehár, του οποίου η υγεία είχε επιδεινωθεί πολύ, επέστρεψε στο σπίτι του στο Bad Ischl, όπου έκανε διαθήκη και σύντομα πέθανε (24 Οκτωβρίου 1948), επιζώντας από τη γυναίκα του μόνο ένα χρόνο. Ο τάφος του βρίσκεται εκεί, δίπλα στον τάφο της μητέρας Χριστίνας. Την ημέρα της κηδείας του Lehár, σημαίες πένθους αναρτήθηκαν σε όλη την Αυστρία. Πάνω από τον τάφο, όπως ήθελε ο ίδιος ο συνθέτης, παίχτηκε το «Τραγούδι του Βόλγα» ( Wolgalied) από την οπερέτα «Τσαρέβιτς». και Arnold Schoenberg.

Παρά τις πολιτικές ανατροπές και τη ραγδαία αλλαγή στυλ στο παγκόσμιο μουσικό θέατρο, ο Lehar παρέμεινε ο κύριος θρίαμβος του είδους για περισσότερο από έναν αιώνα. Κατά την κατανόησή του, η οπερέτα αποδείχθηκε ότι ήταν μια ευρύχωρη θεατρική μορφή για την ενσάρκωση των ουμανιστικών αξιών της ανθρωπότητας ακριβώς σε εκείνη την περίοδο κρίσης που είτε απορρίφθηκαν είτε υποβλήθηκαν σε καταστροφή, δοκιμάζοντας την πίεση από νέα καλλιτεχνικά και ιδεολογικά κινήματα.

Είναι επίτιμος δημότης των πόλεων Βιέννης, Σόπρον και Μπαντ Ισλ. Στο πάρκο της πόλης της Βιέννης ( Stadtpark) ανεγέρθηκε ένα μνημείο στο Lehar. Υπάρχει και το μουσείο-διαμέρισμά του στη Βιέννη (Βιέννης 19, Hackhofergasse 18).

Οι οπερέτες του Lehár έχουν γίνει παγκόσμιες κλασικές και έχουν γυριστεί επανειλημμένα σε διάφορες χώρες. Το Bad Ischl φιλοξενεί τακτικά εκδηλώσεις μνήμης αφιερωμένες στον συνθέτη - για παράδειγμα, το 1978 πραγματοποιήθηκε το επιστημονικό συνέδριο Legar, το 1998 διοργανώθηκε μια εορταστική συναυλία με τη συμμετοχή σημαντικών διασημοτήτων της όπερας.

Κατά τη διάρκεια του πολέμου, δεν υπήρχε κανένα εμπόδιο εναντίον του Lehar, για παράδειγμα, στη Νέα Υόρκη το πολεμικό έτος 1943, το "The Merry Widow" ήταν επιτυχία και οι ηχογραφήσεις και οι ταινίες με τη μουσική του Lehar διανεμήθηκαν ελεύθερα στις ΗΠΑ και τη Μεγάλη Βρετανία. Ο Lehár διατήρησε την ουγγρική υπηκοότητα μέχρι το τέλος της ζωής του. Μετά τον πόλεμο, η σχέση του Lehár με τις ναζιστικές αρχές έγινε αντικείμενο έρευνας και συνεχίζει να συζητείται σήμερα. Ορισμένοι συγγραφείς κατηγόρησαν τον συνθέτη για πολλές πράξεις συνεργασίας με το ναζιστικό καθεστώς.

Γερμανός μουσικολόγος Stefan Frey ( Στέφαν Φρέι) το 1999 κυκλοφόρησε το βιβλίο «Τι λες για αυτή την επιτυχία: Ο Franz Lehár και η ελαφριά μουσική του 20ου αιώνα». Αναφέρει το εξής επεισόδιο: το 1934, πριν από την πρεμιέρα της Giuditta, ο Lehár, κατόπιν συμβουλής του δημοσιογράφου Geza Herzog, προσπάθησε να αφιερώσει αυτή την οπερέτα στον Benito Mussolini (αυτός, ωστόσο, αρνήθηκε αμέσως αγανακτισμένος). Ο A.G. Kolesnikov δεν έχει την τάση να δώσει μεγάλη σημασία σε αυτό το επεισόδιο - το 1934, ο Μουσολίνι έγινε αντιληπτός διαφορετικά από αργότερα, μετά την εισβολή στην Αιθιοπία και τη σύναψη συμμαχίας με τον Χίτλερ.

Ολλανδός δημοσιογράφος Johan Bosveld ( Γιόχαν Μπόσβελντ) εξέδωσε το βιβλίο «Ο συνθέτης του Χίτλερ» (ολλανδικά. Συνθέτης van Hitler: Franz Lehar, operette en ontkenning in Wenen). Σε αυτό, εκτός από τις κατηγορίες που ήδη αναφέρθηκαν παραπάνω, σημειώνει την ανακάλυψη μιας καταγγελίας προς τον Gruppenführer των SS Hans Hinkel από το 1938 κατά του Εβραίου Arthur Guthmann, με τον οποίο ο Lehár μήνυσε για συμβιβαστικές φωτογραφίες της Sophie, και κατά του δικηγόρου του Max Eitelberg. μετά γιατί στάλθηκαν σε στρατόπεδα συγκέντρωσης, όπου σκοτώθηκαν (Ο Γκούτμαν τον Νοέμβριο του 1941 κοντά στο Μινσκ και ο Άιτελμπεργκ στο Κάουνας). Το βιβλίο του Bosveld αναφέρει επίσης τη συναυλία του Lehár στο κατεχόμενο Παρίσι το 1941. Μερικές φορές τίθεται το ερώτημα: γιατί ο Lehar δεν προσπάθησε να βοηθήσει τους συλληφθέντες Εβραίους φίλους του; Ο A.G. Kolesnikov θεωρεί αυτά τα ερωτήματα αφελή, ανιστόρητα και προκαλούνται από κακή γνώση των συνθηκών διαβίωσης στην ολοκληρωτικό κράτος; Επιπλέον, δεν πρέπει να ξεχνάμε ότι ο Lehár φοβόταν τα αντίποινα εναντίον της συζύγου του. Ορισμένες πηγές αναφέρουν ότι ο Lehar έκανε μια προσπάθεια να βοηθήσει τον φίλο του, λιμπρετίστα Lochner-Bede, αλλά χωρίς επιτυχία. Αυτή η εκδοχή διαψεύδεται σε άλλες πηγές.

Ένα ξεχωριστό χαρακτηριστικό της μουσικής του Λεγκάροφ είναι ο ειλικρινής, ρομαντικός λυρισμός και ο δεξιοτεχνικός μελωδικός πλούτος της ενορχήστρωσης. Δεν είναι όλα τα λιμπρέτα των οπερετών του Legare αντάξια της μουσικής του, αν και ο Legare πειραματίστηκε πολύ από αυτή την άποψη, προσπαθώντας να απομακρυνθεί από τη φάρσα προς το πραγματικό δράμα και τα ειλικρινή συναισθήματα.

Μέσα σε τρεισήμισι χρόνια από την πρεμιέρα του, το The Merry Widow έχει ξεπεράσει τις 18.000 παραστάσεις σε όλη τη Γερμανία, την Αγγλία και την Αμερική. 20 χρόνια αργότερα, το κοινό ήταν ήδη εκατομμύρια.

Ένας ταξιδιώτης μπορεί να παρακολουθήσει, για παράδειγμα, ένα έργο στη Ροδεσία (τώρα Ζιμπάμπουε) το 1910, και ένα χρόνο αργότερα ένας Ευρωπαίος που επισκέπτονταν την Κίνα, αναζητώντας αυθεντική κινέζικη μουσική, θα συναντούσε μια τοπική ορχήστρα που έπαιζε Βαλς από το The Merry Widow Before ο ήχος των ταινιών έφτασε, τέσσερις κινηματογραφικές εκδοχές της οπερέτας εμφανίστηκαν στην οθόνη!

Ο Franz Lehár επέλεξε το είδος της οπερέτας για τον εαυτό του ως συμβιβασμό. Μάλιστα, στόχευε ψηλότερα - να δημιουργήσει στον χώρο της καθαρής κλασικής μουσικής. Στις μέρες της νιότης του, η οπερέτα απείχε μόνο ένα βήμα από το είδος με το οποίο ξεκίνησε: μουσική για στρατιωτική παρέλαση. Ο Lehár γεννήθηκε το 1870 στην τότε ουγγρική (και τώρα σλοβακική) περιοχή, στην οικογένεια ενός ταγματάρχη τυμπάνων στη συνταγματική ορχήστρα του Αυστροουγγρικού Αυτοκρατορικού Στρατού. Στο Ωδείο της Πράγας σπούδασε βιολί και σύνθεση, αλλά στη συνέχεια ακολούθησε τα βήματα του πατέρα του, διευθύνοντας και συνθέτοντας για στρατιωτική ορχήστρα. Έφυγε είδος όπεραςμετά από μια ανεπιτυχή πρώιμη απόπειρα («Κούκος», 1896) και φαινόταν να βρίσκει ικανοποίηση στο πιο ελαφρύ είδος της οπερέτας.

Ο Lehar ισχυρίστηκε ότι μέχρι την ηλικία των 32 ετών δεν είχε δει ούτε μια οπερέτα, μέχρι που παρακολούθησε την πρεμιέρα της δικής του - "Wreaths". Όσοι επισκέφθηκαν τον μαέστρο στο σπίτι κατά τη δημιουργική του ακμή είδαν το πιάνο του συνθέτη να είναι γεμάτο με κλασικές παρτιτούρες, όπως η Σαλώμη και η Ηλέκτρα.

Είτε ο Lehár ήταν ικανοποιημένος με την καριέρα του ως «ελαφρού» συνθέτη είτε όχι, η οικονομική του επιτυχία ήταν πραγματικά μεγάλη. Αγόρασε μια πολυτελή βίλα (η οποία αργότερα έγινε, σύμφωνα με τη διαθήκη του, «Μουσείο Φραντς Λέχαρ») και απολάμβανε όλες τις απολαύσεις της ζωής, συμπεριλαμβανομένης της κοινωνίας όμορφες γυναίκες. Περίμενε είκοσι χρόνια έως ότου η «επίσημη» παντρεμένη ερωμένη του έγινε χήρα (όλο αυτό το διάστημα νοίκιαζαν διαμερίσματα στη γειτονιά) και μετά την παντρεύτηκε ευτυχώς, χωρίς να αρνηθεί στον εαυτό του περαιτέρω βραχυπρόθεσμες υποθέσεις στο πλάι.

Υπήρχε μια άλλη πηγή αποζημίωσης. Ανεξάρτητα από το πόσο βαρετά και συναισθηματικά ήταν τα λιμπρέτα του (λέγεται ότι όταν τον επέπληξαν μια φορά, αγόρασε όλα τα αντίτυπα της εφημερίδας στη Βιέννη), η μουσική γι 'αυτούς επαινούνταν συνεχώς για την ικανότητά της στην ποικιλία των στυλ και των μοτίβων, καθώς και για την εξαίσια ενορχήστρωσή του. Όσο για τις πλοκές, ο Lehár προσπάθησε επίσης να διευρύνει τα όρια της φόρμουλας της οπερέτας. Οι ήρωες των μεταγενέστερων δημιουργιών του είναι ιστορικοί χαρακτήρες, όπως ο Γκαίτε (Φρεδερίκε), ο Παγκανίνι (στην ομώνυμη οπερέτα) και ο γιος του Μεγάλου Πέτρου (Τσαρέβιτς), καθώς και φανταστικές εξωτικές προσωπικότητες, όπως ο Κινέζος διπλωμάτης Su-Chong-Kuang ("Χώρα των χαμόγελων")

Στα χέρια του Lehar οι λεγόμενοι. Η «ελαφριά μούσα» συνδυάστηκε επιτυχώς με τη διορατικότητα της αγοράς, την οικονομική αποτελεσματικότητα και έναν συγκεκριμένο δημιουργικό κυνισμό. Όλα αυτά λειτουργούν όταν έχετε να αντιμετωπίσετε το υλικό που έχει καθοριστεί περισσότερο γενικό περίγραμμα, που κληρονομήθηκε από την παραδοσιακή όπερα. Τα σημεία της πλοκής στο The Merry Widow δεν είναι δύσκολο να διακριθούν. Ο πομπώδης αλλά ακίνδυνος γέρος απλός βαρόνος Τσέτα, η ελκυστική κληρονόμος και δύο ζευγάρια προσωρινά χωρισμένων εραστών - εδώ έχουμε ήδη εγγραφεί στο γενικό τοπίο της κωμικής όπερας.

Όμως το «The Merry Widow» εξακολουθεί να προσφέρει στον θεατή ένα ελαφρώς αλλαγμένο τοπίο σε αυτό το είδος. Ο κυνισμός που στην κλασική κωμική όπερα απευθύνεται στους παράλογους παλιούς «κακούς» της (για παράδειγμα, τον Μπαρτόλο ή τον Ντον Πασκουάλε) εκτείνεται και εδώ σε νεαρά, ρομαντικά ζευγάρια. Όπως και στις κωμικές όπερες, η ερωτοτροπία είναι στο προσκήνιο της πλοκής, αλλά τώρα έχει ήδη κάποια μοιχικά στοιχεία που είναι πιο χαρακτηριστικά της πλοκής μιας τραγικής όπερας. Έτσι, ο νεαρός στη Χήρα δεν είναι τόσο νέος όσο ο νεαρός στην όπερα μπούφα. Όταν οι παντρεμένες κυρίες μιλούν για «φιλιά» και «βαλς», είναι με ένα γέλιο που τους δίνει ένα πιο πικάντικο νόημα. Οι ερωτευμένοι είναι ερωτευμένοι, αλλά όχι τυφλά, χωρίς ψευδαισθήσεις ο ένας για τον άλλον.

Η μεγαλύτερη κρίσιμη αξία που βρίσκεται στο The Merry Widow είναι η γοητεία που ενυπάρχει σε δύο πράγματα: την πολυτέλεια και τον κυνισμό. Ο Danilo είναι τόσο πλέι μέικερ που αυτό κάνει την τεμπελιά, το μεθύσι και το ροχαλητό του ελκυστικά μόνο στο κοινό. Οι κακές του συνήθειες είναι ένα είδος προνομίου που στερείται το κοινό στην καθημερινότητά του.

Τι θα μπορούσε να είναι πιο αστείο για ένα γερμανικό κοινό από έναν ήρωα που είναι αλλεργικός στη δουλειά και μπορεί να κοιμάται καλά μόνο στο γραφείο του; (Κατά τη διάρκεια του Τρίτου Ράιχ, σε διάφορες παραγωγές της οπερέτας, το σενάριό της ξαναγραφόταν συχνά λόγω ιδεολογικών εκτιμήσεων).

Όσο για τα συναισθήματα και τον ρομαντισμό που εκφράζουν οι χαρακτήρες, προτιμούν να δείχνουν περισσότερη αδιαφορία στους διαλόγους, αφήνοντας τη μουσική να μιλήσει για αυτούς. Στο διάσημο κορυφαίο ντουέτο βαλς, ο Danilo και η Ganna επαινούν τον εαυτό τους για την τέχνη να αφήνουν ανέκφραστα συναισθήματα, ενώ το ίδιο το μουσικό ύφασμα φέρει τη συναισθηματική φόρτιση.

Όπως παραδέχτηκε ο Lehár χρόνια αργότερα, αυτός ο κύριος αριθμός, το "Lippen schweigen" (ή "Waltz from The Merry Widow") δεν ήταν μέρος της παραγωγής παρά μόνο όταν "ο αριθμός ξεπέρασε τις εκατό, στην τρίτη πράξη, η Ganna και ο Danilo τραγούδησαν αρχικά ένα". ντουέτο που ονομάστηκε απροσδόκητα "The Magic of Home Comfort", το οποίο παρέμεινε μέρος της παρτιτούρας, αλλά τώρα προοριζόταν για το ντουέτο των Valencienne και Camille.**

Το βαλς, αντίθετα, υπήρχε με τη μορφή ορχηστρικού θραύσματος. Στις πρώτες παραστάσεις της οπερέτας, το κοινό απαιτούσε συνεχώς την επανάληψη του βαλς και οι δημιουργοί έσπευσαν να γεμίσουν την θέση, το ξαναδούλεψαν σε τραγούδι, ταιριάζουν με τις λέξεις, συναρμολογήθηκαν βιαστικά.

Στην οπερέτα, οι συνθήκες της αγοράς υπαγόρευαν ένα συγκεκριμένο μουσικό μενού: ένα μείγμα χορευτικών μελωδιών - ρομαντικών και φολκλορικών, μαζί με τα γρήγορα κωμικά σύνολα και τα πιασάρικα ερωτικά τραγούδια που χρειάζεται κάθε παράσταση (Ο Lehár και οι λιμπρετίστας του μεταγλωττίζουν τέτοιες επιτυχίες "Tauber numbers" για συντομία - μετά το όνομα ο αγαπημένος του τενόρος, το είδωλο του βιεννέζικου κοινού Richard Tauber). Για παράδειγμα, τη μελωδία της διάσημης άριας του Ganna «Vilia» δανείστηκε από τον Lehar από τη δική του οπερέτα «Wreaths» κατά τη διάρκεια των προβών, αφού οι λιμπρετίστές ζήτησαν μια μελωδία που θα μπορούσε να γίνει επιτυχία.

Φυσικά, οι συνθέτες όπερας θέλουν να σέβονται το κοινό, χωρίς να ξεχνούν την προσωπική τους επιτυχία, αλλά ο πραγματικός στόχος των συγγραφέων της οπερέτας είναι να προσεγγίσουν το μεγαλύτερο κοινό στο συντομότερο δυνατό χρόνο. Είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς κάποια όπερα να παίζεται νύχτα με τη νύχτα, χρόνο με το χρόνο, με σταθερή επιτυχία.

Με την έλευση της οπερέτας, αυτό κατέστη δυνατό, καθώς θέτει μέτριες φωνητικές απαιτήσεις στους ερμηνευτές (αραίωση τραγουδιού με προφορικούς διαλόγους) και περιλαμβάνει ελεύθερη εναλλαγή ρόλων για διάφορους φωνητικούς ρόλους (τενόρος ή βαρύτονος, σοπράνο ή μέτζο). Εκείνες τις μέρες, η δομή της οπερέτας ήταν όσο το δυνατόν πιο επεισοδιακή. Κάθε νούμερο ή τραγούδι που άρεσε στο κοινό μπορούσε να ερμηνευτεί πολλές φορές ως encore. Στη συνέχεια κινήθηκαν ομαλά έξω από το θέατρο, έγιναν επιτυχίες σε καφετέριες, στη σκηνή συναυλιών, στις αίθουσες χορού και, τέλος, σε ηχογραφήσεις γραμμοφώνου.

Στην περίπτωση του The Merry Widow, σχεδόν όλες οι πτυχές του αντικατοπτρίστηκαν καθημερινή ζωή: το αστικό κοινό περπάτησε στους δρόμους με κοστούμια αντιγραμμένα από τα κοψίματα των κύριων χαρακτήρων. τα ήθη των χαρακτήρων μιμήθηκαν και θεωρούνταν ένδειξη επιτήδευσης να διατηρείται η γραμμή συνομιλίας στο πνεύμα των διαλόγων της οπερέτας, παραθέτοντας μεμονωμένες «παραδοσιακές» φράσεις από αυτούς.

Ο Lehár ήταν οραματιστής για το θέατρο, όπως και ο φίλος του Puccini. Έδειξε ότι είναι ένας επιχειρηματίας ικανός να ανταγωνιστεί τον εκδότη Riccordi.

Συνειδητοποίησε από την πρώτη στιγμή ότι ήταν καταδικασμένος να χάσει ένα σημαντικό μερίδιο από τα εισοδήματά του, εφόσον οποιοσδήποτε άλλος εκτός από αυτόν δημοσίευε τις νότες της μουσικής του. Έτσι γεννήθηκε η δική του εκδοτική εταιρεία, η οποία ασχολήθηκε μόνο με τη μουσική του ίδιου του Lehár. Άρχισε να ελέγχει τη βιομηχανία μαζί με τις παραγωγές, με τον ίδιο τρόπο που τα σημερινά στούντιο του Χόλιγουντ διαθέτουν κινηματογραφικές αίθουσες καθώς και ηχητικές σκηνές.

Ένας παραγωγικός συνθέτης με 25 οπερέτες στο χαρτοφυλάκιό του, ο Lehár έχει προσαρμόσει και ξαναδουλέψει ακούραστα τα προηγούμενα έργα του, μετατρέποντας τις πρώιμες αποτυχίες σε τρέχουσες επιτυχημένες πρεμιέρες. Ταξίδευε συνεχώς μεταξύ Ευρώπης και Ηνωμένου Βασιλείου, συντονίζοντας νέες παραγωγές και συχνά διευθύνοντάς τις. Η καθυστέρηση του αντικατοπτρίστηκε μόνο στην επίγνωσή του για τις ευρείες δυνατότητες του κινηματογράφου και των ηχογραφήσεων και αρνήθηκε τις προσκλήσεις να επισκεφτεί την Αμερική. Ακόμη και όταν η Αυστρία προσαρτήθηκε από το Τρίτο Ράιχ το 1938 και πολλοί από τους συναδέλφους του αναγκάστηκαν να μεταναστεύσουν, είτε οικειοθελώς είτε από ανάγκη, ο Lehár δεν μπόρεσε να εγκαταλείψει την πατρίδα του.

Σχόλιο της Alma Mahler-Werfel, η οποία μετακόμισε στις Ηνωμένες Πολιτείες πριν από τον πόλεμο: «Ο Franz Lehár δεν θα μπορούσε να ζήσει εδώ ούτε ένα μήνα, περιμένοντας να κερδίσει όσα είχε συνηθίσει, αφού δεν υπάρχουν θέατρα οπερέτας στην Αμερική. Και για να ταξιδέψει σε μεγάλες περιοδείες δεν είχε πλέον αρκετή δύναμη ή επιθυμία - ήταν πολύ μεγάλος».

Ακόμη και η απειλή αντιποίνων κατά της Εβραϊκής συζύγου του δεν μπορούσε να κλονίσει την απόφασή του να μείνει. Κατάφερε να το αρπάξει από τη μηχανή της ρατσιστικής νομοθεσίας χάρη στην άμεση παρέμβαση του Γκέμπελς και ακόμη και στη μεσολάβηση του ίδιου του Χίτλερ.*** Αυτό, ίσως, μπορεί να δικαιολογήσει την ασυγχώρητη συμπεριφορά του Lehár στα μάτια πολλών, την αφοσίωση του προγράμματός του βιβλιαράκια στον «αγαπητό μου Φύρερ» και τις ετήσιες κάρτες γενεθλίων του στον Χίτλερ και σε άλλα φασίστες αφεντικά. Πολλοί από τους υπαλλήλους του Lehár, λιμπρετιστές, ερμηνευτές και παραγωγούς θεάτρου συνελήφθησαν και απελάθηκαν από τους Ναζί. Κατάφερε να βοηθήσει κάποιους. Κάποτε, η ίδια η Σοφία Λέχαρ συνελήφθη από την Γκεστάπο κατά τη διάρκεια μιας από τις επιδρομές μόνο από θαύμα κατάφερε να τη σώσει εγκαίρως. Στο τέλος του πολέμου, το ζευγάρι μπόρεσε να αναπνεύσει ελεύθερα: η Σοφία μπορούσε επιτέλους να καταστρέψει την κάψουλα κυανίου που κουβαλούσε συνεχώς μαζί της όλα τα χρόνια της καφέ πανώλης.

Η σοπράνο Μάρθα Έγκερτ θυμήθηκε (60 χρόνια αργότερα) πόσο γοητευτικός και σεμνός άνθρωπος ήταν ο Lehár.**** Πρωταγωνίστησε σε αυστριακές ταινίες τη δεκαετία του 1930, δύο από τις οποίες περιλάμβαναν τραγούδια του Lehár.***** Ήταν επίσης στενά συνδεδεμένη με το " The Merry Widow», την οποία ερμήνευσε «δύο χιλιάδες φορές σε έξι γλώσσες».

Αλλά για τον ίδιο τον Lehár, η ευκαιρία να παραμείνει ενεργός σήμαινε ίσως περισσότερα από τη μοίρα των χρημάτων που κέρδισε. Ο φίλος και συναγωνιστής του Imre Kalman, έχοντας μετακομίσει στις Η.Π.Α., δεν τα πήγε και πολύ καλά εκεί.******* Κατά τη διάρκεια των πολεμικών χρόνων, ο Lehár ήταν στη δουλειά, όπως και πριν, διευθύνοντας τα έργα του (τόσο αγαπητό στην καρδιά του Fuhrer), συχνά στο Βερολίνο και σε όλη την κατεχόμενη Ευρώπη, συντονίζοντας τις ανανεώσεις, τις προσαρμογές, τις εκδοτικές δραστηριότητες και τους τραπεζικούς τους λογαριασμούς. Δεν δημιούργησε ούτε ένα νέο σκηνικό έργο από τα τέλη της δεκαετίας του 1930 μέχρι τον θάνατό του το 1948.

Αλλά η μουσική του Lehár εμφανίστηκε κατά τη διάρκεια του πολέμου σε ένα πιο ασυνήθιστο πλαίσιο. Μάλιστα, η μουσική από το The Merry Widow έγινε ένα είδος συμβόλου -και όχι πάντα με θετικό τρόπο- για δύο σπουδαίους συνθέτες που δούλεψαν στις ΗΠΑ και την ΕΣΣΔ. Η Μπέλα Μπαρτόκ στο Κοντσέρτο της για Ορχήστρα (1943) και ο Ντμίτρι Σοστακόβιτς στην Έβδομη Συμφωνία του Λένινγκραντ (1941) παραθέτουν τον Lehár για να μεταφέρουν την επιπόλαιη διάθεση, την ανέμελη ατμόσφαιρα της ζωής μακριά από το μέτωπο. Και οι δύο επέλεξαν για αυτόν τον σκοπό την ίδια μελωδία, η οποία έρχεται σε τόσο δραματική αντίθεση με τις συνθήκες στις οποίες έπρεπε να ζήσουν και να δημιουργήσουν - αυτός ο ύμνος που εξυμνεί την ανευθυνότητα - «Στο Maxim’s». Αν ο Lehár είχε ζήσει περισσότερο στα μεταπολεμικά χρόνια, μπορεί να είχε λάβει δικαιώματα και από τους δύο συναδέλφους του.

Έκδοση και μετάφραση Kirill Gorodetsky
(βασισμένο σε άρθρο του David Baker για το περιοδικό Opera News).