Μια πόλη στην Ιταλία διάσημη για την όπερα της. Οι καλύτερες ιταλικές όπερες. Sferisterio Opera Festival in Macerata - Sferisterio - Macerata Opera Festival

Γνωστή για αυτήν τραγουδιστές της όπεραςκαι έργα. Αν αγαπάτε την όπερα, προσπαθήστε να παρακολουθήσετε τουλάχιστον μία παράσταση (αγοράστε εισιτήρια εκ των προτέρων). Η σεζόν της όπερας διαρκεί συνήθως από τον Οκτώβριο έως τον Απρίλιο, αλλά το καλοκαίρι μπορείτε να παρακολουθήσετε διάφορες παραστάσεις ύπαιθρο.

Το καλύτερο όπερεςΙταλία και μερικά καλοκαιρινά φεστιβάλ όπερας:

Θέατρο La Scala - Teatro Alla Scala

Διεύθυνση: Piazza Giuseppe Verdi, 10, 43011 Busseto Parma

Teatro Verdi στην Πίζα - Teatro Verdi di Pisa

Διεύθυνση: Piazza Beniamino Gigli, 7, 00187 Roma

Αγορά εισιτηρίων online (Ιταλικά)

Arena di Verona - Arena di Verona

Αν και δεν είναι θέατρο, το Αμφιθέατρο της Βερόνας είναι ένας φανταστικός χώρος για παραστάσεις όπερας. Η σεζόν ξεκινά τον Ιούνιο.

Διεύθυνση: Piazza Bra, 1, 37121 Βερόνα

Αγοράστε εισιτήρια online

Festival Puccini - Festival Pucciniano

Αυτό το φεστιβάλ όπερας πραγματοποιείται στο Torre del Lago Puccini στην Τοσκάνη, το σπίτι του διάσημου συνθέτη όπερας Giacomo Puccini. Χρόνος φεστιβάλ: Ιούλιος-Αύγουστος.

Διεύθυνση: Via delle Torbiere, 55049 Viareggio Lucca

Αγορά εισιτηρίων online (Αγγλικά, Γερμανικά ή Ιταλικά)

Sferisterio Opera Festival in Macerata - Sferisterio - Macerata Opera Festival

Το φεστιβάλ όπερας Sferitério πραγματοποιείται σε εξωτερικούς χώρους σε μια αρένα στην πόλη Macerata στην περιοχή Marche. Οι παραστάσεις πραγματοποιούνται τον Ιούλιο και τον Αύγουστο.

Διεύθυνση: Piazza Giuseppe Mazzini, 10, 62100 Macerata

Αγορά εισιτηρίων online (Αγγλικά ή Ιταλικά)

Το Teatro Olimpico είναι ένα από τα τρία αναγεννησιακά θέατρα που έχουν επιβιώσει μέχρι σήμερα. Το σχέδιό του είναι η παλαιότερη διακόσμηση στον κόσμο. Το θέατρο βρίσκεται στην πόλη Vicenza, στην ιταλική περιφέρεια Veneto. Ιστορία δημιουργίας Η κατασκευή του θεάτρου ξεκίνησε το 1580. Ο αρχιτέκτονας ήταν ένας από τους πιο διάσημους δεξιοτέχνες της Αναγέννησης, ο Andrea Palladio Πριν ξεκινήσει τη δημιουργία του έργου, ο Andrea Palladio μελέτησε τη δομή δεκάδων ρωμαϊκών θεάτρων. Δεν έχει γη για νέο θέατρο...

Το Teatro Massimo είναι ένα από τα μεγαλύτερα θέατρα όπερας όχι μόνο στην Ιταλία, αλλά και σε ολόκληρη την Ευρώπη, διάσημο για την εξαιρετική ακουστική του. ...

Οι περισσότεροι ταξιδιώτες γνωρίζουν εκ των προτέρων ποια αξιοθέατα στην Ιταλία θέλουν να επισκεφτούν. Αν μιλάμε για Μίλαν, τότε ο νούμερο ένα για...

Το Teatro San Carlo στην Ιταλία είναι μια από τις παλαιότερες όπερες στον κόσμο, Μνημείο Παγκόσμιας Κληρονομιάς της UNESCO Διαβάστε επίσης: Οι Ιταλοί προτείνουν να συνεισφέρουν...

Το Teatro Goldoni, που παλαιότερα ονομαζόταν Teatro San Luca και Teatro Vendramin di San Salvatore, είναι ένα από τα κύρια θέατρα στη Βενετία. Το θέατρο βρίσκεται...

Οι πολιτιστικές διακοπές στην Ιταλία, φυσικά, δεν θα είναι ολοκληρωμένες χωρίς να επισκεφθείτε το θέατρο. Προτιμάτε πολιτιστική αναψυχήκαι θα θέλατε να μάθετε περισσότερα για τη ζωή του θεάτρου στην Ιταλία; Ονειρευόσασταν από καιρό να παρακολουθήσετε ιταλική όπερα στη γενέτειρα του είδους, αλλά δεν ξέρετε πώς να την οργανώσετε; Τότε έχετε έρθει στον σωστό ιστότοπο. Στην ενότητα Ιταλικά θέατρα θέτουμε υπόψη σας χρήσιμες πληροφορίεςγια το πρόγραμμα εργασίας και το ρεπερτόριο των ιταλικών θεάτρων. Επίσης εδώ μπορείτε να μάθετε πολλά ενδιαφέροντα στοιχεία για τα θέατρα στην Ιταλία, την ιστορία της κατασκευής τους και τους θρύλους γύρω από διάσημα κτίρια.

Γνωρίζατε ότι ακόμη και τα αρχαία αμφιθέατρα, που έχουν ηλικία άνω των δύο χιλιάδων ετών, μπορούν να λειτουργήσουν ως θεατρικές σκηνές στην Ιταλία; Και το γεγονός ότι οι ιταλικές όπερες όπως η Σκάλα και το Σαν Κάρλο αποκαλούνται δικαιωματικά οι καλύτερες που υπάρχουν στον κόσμο; Ενδιαφέρεστε να μάθετε για την ιστορία της κατασκευής τους; Θα θέλατε να μάθετε για το ρεπερτόριο και το κόστος των εισιτηρίων για τα παγκοσμίου φήμης θέατρα όπερας στην Ιταλία; Στη συνέχεια, αυτή η ενότητα του ιστότοπου δημιουργήθηκε ειδικά για εσάς.

Οι συγγραφείς του δοκιμίου είναι οι L. A. Solovtsova, O. T. Leontyeva

Η γενέτειρα της όπερας είναι η Ιταλία. Καλείται στη ζωή από τα ανθρωπιστικά ιδανικά της εποχής Ιταλική Αναγέννηση, αυτό το είδος προέκυψε στα τέλη του 16ου αιώνα. Στην ενότητα ποίησης, μουσικής και θεάτρου, μια ομάδα φωτισμένων ποιητών και μουσικών της Φλωρεντίας αναζήτησε τρόπους να αναβιώσει το αρχαίο θέατρο, να δημιουργήσει μια συνθετική τέχνη ικανή να εκφράσει αληθινά τα ανθρώπινα συναισθήματα. Οι Φλωρεντινοί διακήρυξαν την κυριαρχία της ποίησης έναντι της μουσικής. Έχοντας εγκαταλείψει τη μεσαιωνική πολυφωνία, προβάλλουν ένα νέο, ομοφωνικό-ρετσιτατικό ύφος. Σύμφωνα με τον B. Asafiev, οι ρετσιτατιβικοί ποιμενικοί των Φλωρεντινών ήταν «ένα είδος προπύλαιας» για την όπερα.

Κατά το πρώτο μισό του 17ου αιώνα. Η όπερα διαμορφώθηκε σταδιακά ως είδος, αποκτώντας μια νέα κατεύθυνση στην ανάπτυξή της: ξεπερνώντας τον στενό κύκλο των ποιητών και μουσικών της Φλωρεντίας, ήρθε σε επαφή με ένα ευρύ κοινό στη Μάντοβα της Ρώμης, στη συνέχεια στη Βενετία, όπου στη δεκαετία του '30. XVII αιώνα Άνοιξε η πρώτη μόνιμη όπερα στον κόσμο. Οι παραστάσεις δωματίου των Φλωρεντινών έδωσαν τη θέση τους σε υπέροχες θεατρικές παραγωγές. Ταυτόχρονα, η μουσική άρχισε να υπερισχύει του κειμένου - το αποκορύφωμα αντικαταστάθηκε σταδιακά από την καντιλένα.

Το υψηλότερο επίτευγμα της ιταλικής όπερας του 17ου αιώνα είναι το έργο δύο αξιόλογων συνθετών: του Claudio Monteverdi (1567-1643) και του Alessandro Scarlatti (1660-1725).

Ο Μοντεβέρντι εργάστηκε στη Μάντοβα και στη συνέχεια στη Βενετία, όπου δημιούργησε τα καλύτερα έργα του. Ήταν ο πρώτος μεγάλος συνθέτης όπερας που ενσάρκωσε θεατρική σκηνή δυνατούς χαρακτήρεςκαι μεγάλα πάθη. Εμπλούτισε την όπερα με μια σειρά από νέα μουσικά και εκφραστικά μέσα. συνδύαζε τη μελωδική απαγγελία με την καντιλένα. υποτάσσει τη μελωδία, την αρμονία και την ορχηστρική γραφή σε μια δραματική έννοια. Πριν από την εποχή του, ο Μοντεβέρντι ακολούθησε το δρόμο της δημιουργίας ενός ρεαλιστικού μουσικού δράματος.

Σε επόμενες παραστάσεις Ιταλοί συνθέτεςτο δραματικό περιεχόμενο σταδιακά έσβησε στο παρασκήνιο. Ταυτόχρονα, ο ρόλος του βιρτουόζου τραγουδιού στη μουσική της όπερας αυξανόταν όλο και περισσότερο.

Η ανάπτυξη της ιταλικής όπερας στο δεύτερο μισό του 17ου και 18ου αιώνα. συνδέεται με την υπέροχη άνθηση της φωνητικής τέχνης. Το έργο του A. Scarlatti έθεσε τα θεμέλια για τη διάσημη ναπολιτάνικη σχολή, η οποία στο γύρισμα του 17ου και 18ου αι. κατέλαβε την κυρίαρχη θέση που κατείχε προηγουμένως η βενετική σχολή. Έχοντας υιοθετήσει την εμπειρία των Φλωρεντινών, Ρωμαίων και Βενετοί δάσκαλοι, οι Ναπολιτάνοι χρησιμοποίησαν τα δημιουργικά τους επιτεύγματα.

Στη Νάπολη διαμορφώθηκε τελικά το είδος της ιταλικής όπερας, όπου η μουσική κυριαρχούσε στο κείμενο, όπου καθορίστηκαν τα είδη των φωνητικών μορφών και η τέχνη του τραγουδιού έφτασε στο αποκορύφωμά της. Θαυμάσιος Ιταλοί τραγουδιστέςέγιναν διάσημοι σε όλο τον κόσμο όχι μόνο για τις όμορφες φωνές τους, αλλά και για την υψηλότερη φωνητική τους ικανότητα, που ονομάζεται bel canto. Ωστόσο, σε όλο τον 18ο αι. η τέχνη του bel canto πήρε σταδιακά έναν όλο και πιο εξωτερικό, δεξιοτεχνικό χαρακτήρα. Οι καλύτεροι Ιταλοί τραγουδιστές είχαν το δημιουργικό χάρισμα του αυτοσχεδιασμού. Ενώ ερμήνευαν άριες, τις διαφοροποιούσαν και αυτοσχεδίαζαν ρυθμούς. Προσπαθώντας να μιμηθούν τους διάσημους δεξιοτέχνες του bel canto, οι λιγότερο ταλαντούχοι τραγουδιστές συχνά ξεπερνούσαν τα όρια του καλλιτεχνικά δικαιολογημένου στην ερμηνεία τους.

Το πάθος των τραγουδιστών για τη βιρτουόζικη τεχνική επηρέασε επίσης τη δουλειά των συνθετών. Υποχωρώντας στα γούστα του κοινού και στις συνήθειες των τραγουδιστών, οι συνθέτες συχνά υπερφόρτωσαν τις άριες με βιρτουόζους στολισμούς. Αποκτώντας μια εξωτερική λάμψη, η μουσική έχασε σταδιακά τη συναισθηματική εκφραστικότητα που σημάδεψε το έργο του A. Scarlatti και των στενότερων οπαδών του. Οι βιρτουόζοι τραγουδιστές πήραν την πρώτη θέση στην όπερα, σπρώχνοντας τον συνθέτη και λιμπρετίστα στο βάθος. Κατά τη σύνθεση μιας όπερας, ήταν απαραίτητο, πρώτα απ 'όλα, να παρέχουμε «θεαματικά νούμερα» για τα αγαπημένα του κοινού που έπαιζαν σε αυτήν.

Οι συνθέτες της ναπολιτάνικης σχολής, ακόμη και στην περίοδο της ακμής της, ελάχιστα ασχολήθηκαν με τα θέματα του δράματος. Ο τύπος της λεγόμενης «σοβαρής» όπερας (opera seria) που εμφανίστηκε στη Νάπολη αποτελούνταν κυρίως από μια εναλλαγή άριων και ρετσιτάτιων. τα σύνολα δεν έπαιξαν σημαντικό ρόλο. Δεν υπήρχαν σχεδόν καθόλου χορωδίες. την κύρια θέση κατέλαβαν άριες και ντουέτα που εξέφραζαν τα συναισθήματα των ηρώων. τα ρετσιτάτι περιέγραφαν κυρίως τα γεγονότα και την πορεία του δράματος. Καθώς η δύναμη των βιρτουόζων τραγουδιστών αυξανόταν, η προσοχή στο δραματικό περιεχόμενο εξασθενούσε όλο και περισσότερο. Τα γούστα των θαμώνων στα αυλικά θέατρα είχαν πολύ αρνητικό αντίκτυπο στην ανάπτυξη της σειράς όπερας. Fabulas λιμπρέτα όπεραςσυχνά συνοψίζονται σε ανούσιους έρωτες.

Ηρωικά-ποιμαντικά θέματα, θέματα από τη μυθολογία και τον Μεσαίωνα λειτούργησαν μόνο ως καμβάς, δίνοντας αφορμή για λαμπρές βιρτουόζες άριες. Το πόσο αδιάφοροι ήταν τόσο οι ερμηνευτές όσο και οι ακροατές για τη στιλιστική ενότητα της μουσικής μπορεί να κριθεί από το γεγονός ότι στη δεκαετία του '20. XVIII αιώνα διαδόθηκε το είδος των όπερων στις οποίες όλες οι πράξεις ανήκαν σε διαφορετικούς συνθέτες. Τέτοιες όπερες ονομάζονταν παστίτσιο («πατέ»).

Επανειλημμένα σε όλο τον 18ο αιώνα. και ποιητές και συνθέτες έκαναν προσπάθειες να ενισχύσουν τη δραματουργία της «σοβαρής» όπερας. Σημαντική τιμή γι' αυτό ανήκει στους ποιητές A. Zeno και Pietro Metastasio. Αλλά δεν ξεπέρασαν τον σχηματισμό στην κατασκευή μιας παράστασης όπερας: όπως και οι προκάτοχοί τους, ο Ζήνων και ο Μεταστάσιος προχώρησαν όχι από τις απαιτήσεις της δραματουργίας, αλλά από την καθιερωμένη τάξη στη διανομή των άριων και των ρετσιτάτιων μεταξύ των πράξεων. Μουσική δραματουργίαη όπερα παρέμεινε ουσιαστικά η ίδια. Συγκεκριμένα, τα επεισόδια απαγγελίας είχαν τον χαρακτήρα τυπικών συνδέσεων μεταξύ φωνητικών αριθμών. Κατά τη διάρκεια της παράστασης ρετσιτάτιτ, το κοινό συνήθως μιλούσε δυνατά ή έφευγε από την αίθουσα για να φάει ένα σνακ και να παίξει χαρτιά.

Αυτό δεν σημαίνει ότι «μεταξύ των Ιταλών συνθετών δεν υπήρχαν σοβαροί, στοχαστικοί καλλιτέχνες. Στο δεύτερο μισό του 18ου αιώνα, κατά την εποχή του Ιταλικού Διαφωτισμού, υπήρχε μια αυξανόμενη επιθυμία να ανέβει το καλλιτεχνικό επίπεδο της «σοβαρής» όπερας, αλλά κανένας από τους Ιταλούς συνθέτες εκείνη την εποχή δεν τόλμησε να παρεκκλίνει από τη γενικά αποδεκτή δομή. της όπερας σειράς, να εγκαταλείψει την ανούσια δεξιοτεχνία των αριών.

Ταυτόχρονα με τη «σοβαρή» όπερα, στα σπλάχνα της ίδιας ναπολιτάνικης σχολής εμφανίστηκε και η κωμική όπερα (opera buffa). Έχοντας κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα από τα πρώτα βήματα, εξαπλώθηκε γρήγορα σε όλες τις πόλεις της Ευρώπης, εκτοπίζοντας τη «σοβαρή» όπερα ακόμα και από τις σκηνές των δικαστικών θεάτρων.

Με τις απαρχές της να χρονολογούνται από τον 18ο αιώνα, η ιταλική κωμική όπερα αναπτύχθηκε μέσα από τις κωμικές σκηνές και τα ιντερμέδια που διέσχιζαν τις βενετικές και ναπολιτάνικές όπερες εκείνης της εποχής. Η άλλη πηγή του ήταν οι διαλεκτικές (βασισμένες σε λαϊκές διαλέκτους) κωμωδίες, που συνήθως παίζονταν με απλά τραγούδια. Ως είδος, η κωμική όπερα καθιερώθηκε στα ιντερμέδια του Giovanni Battista Pergolesi (1710-1736). το τελευταίο τέταρτο του αιώνα έφτασε στην κλασική ωριμότητα στα έργα των Giovanni Paisiello (1740-1816) και Domenico Cimorosa (1749-1801). Δημοκρατική στις φιλοδοξίες της, η όπερα μπούφα προέκυψε ως αντίδραση ενάντια στην τέχνη της «σοβαρής» όπερας, διαζευγμένη από τη ζωή, προέκυψε ως απάντηση σε αιτήματα νέα αισθητική, που απαιτούσε η τέχνη να έχει συγκεκριμένη σύνδεση με τη νεωτερικότητα.

Η ιταλική κωμική όπερα παρουσίασε στη σκηνή διασκεδαστικές περιπέτειες από τη ζωή των συγχρόνων της. χλεύαζε τις κακίες και συχνά παρωδούσε το ίδιο το είδος της «σοβαρής» όπερας. Ο μπούφα της όπερας αντιπαραβάλλει το στιλβωμένο πάθος της σειράς της όπερας, τις βιρτουόζες άριες και τα ρετσιτάτιά της που είχαν χάσει την εκφραστικότητα τους με κωμωδία και καθημερινά θέματα, απλούς λαϊκούς και καθημερινούς ρυθμούς, ζωηρούς χορευτικούς ρυθμούς, χαρακτηριστικά ρετσιτάτιτ, τόσο κοντά στο μοτίβο των λαϊκών διαλεκτών κωμωδιών. . Μεγάλη αξίαστην κωμική όπερα απέκτησαν γεμάτα δράση, δυναμικά σύνολα.

Στην πορεία, η όπερα μπούφα έχει εξελιχθεί. ορισμένα στοιχεία της «σοβαρής» όπερας εισχώρησαν στο κόμικ και το αντίστροφο. Όμως αυτά τα είδη συνέχισαν να συνυπάρχουν χωριστά ακόμη και τον 19ο αιώνα.

Στην αυγή του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος που συγκλόνισε ολόκληρη την Ιταλία (τις πρώτες δεκαετίες του 19ου αιώνα), ο λογοτεχνικός ρομαντισμός έγινε η αισθητική έκφραση των προοδευτικών ιδεών. Οι πρώτοι Ιταλοί ρομαντικοί, συμμετέχοντες στο επαναστατικό κίνημα των ποιητών Καρμπονάρων, θεωρούσαν ότι το κύριο καθήκον της τέχνης και της λογοτεχνίας είναι η εξυπηρέτηση του λαού. Αγωνίστηκαν για την ανάπτυξη εθνικό πολιτισμό, ζήτησε να μελετηθεί η ζωή των ανθρώπων, οι σκέψεις και οι φιλοδοξίες τους, η ιστορία και η τέχνη.

Ανυψώνοντας την εθνική συνείδηση ​​στον ιταλικό λαό, κάλεσαν τη χώρα να ενωθεί και να ανατρέψει τον ζυγό των υποδούλων.

Το εθνικοαπελευθερωτικό κίνημα αντικατοπτρίστηκε τέχνη της όπερας, αναπνέοντας μέσα του μια ανάσα σύγχρονη ζωή. Μια νέα κατεύθυνση στην όπερα διαμορφώθηκε κάτω από την προοδευτική επίδραση του ιταλικού λογοτεχνικού ρομαντισμού. Απορρίπτοντας τα παραδοσιακά μυθολογικά θέματα, οι Ιταλοί συνθέτες στράφηκαν στον άνθρωπο, στον πνευματικό του κόσμο.

Το έργο του Τζιοακίνο Ροσίνι (1792-1868) ήταν, σαν να λέγαμε, ένας συνδετικός κρίκος στην ανάπτυξη της ιταλικής όπερας, ολοκληρώνοντας το προηγούμενο στάδιο της και θέτοντας τα θεμέλια για μια νέα εθνική σχολή. Στις κωμικές όπερες του συνθέτη (η καλύτερη από αυτές είναι «Ο κουρέας της Σεβίλλης»), με το τολμηρό, επίκαιρο περιεχόμενό τους, το opera buffa έφτασε στο υψηλότερο απόγειό του.

Ο Ροσίνι εμπλούτισε και το πεδίο της «σοβαρής» όπερας, που εκείνη την εποχή βίωνε μια βαθιά ιδεολογική και δραματική κρίση. Είναι αλήθεια ότι στα έργα του παρέμειναν πολλές συμβάσεις που παραβίαζαν τη φυσικότητα της δραματικής εξέλιξης. Αρκεί να πούμε ότι ο Rossini μετέφερε εύκολα κομμάτια μουσικής από τη μια όπερα στην άλλη. Κι όμως, στο είδος της «σοβαρής» όπερας, δημιούργησε μια σειρά από αξιόλογα έργα.

Ο Rossini στράφηκε σε ηρωικά θέματα που ανταποκρίνονται στις ανάγκες της εποχής μας. στις όπερες του άρχισαν να ακούγονται δυνατές χορωδίες, εμφανίστηκαν δυναμικά, ανεπτυγμένα σύνολα και η ορχήστρα έγινε πολύχρωμη και δραματικά εκφραστική. Ο Γουίλιαμ Τελ του Ροσίνι έθεσε τα θεμέλια για ένα νέο είδος ηρωικής-ιστορικής ρομαντικής όπερας.

Το έργο του λαμπρού Rossini και των νεότερων συγχρόνων και οπαδών του - Βιντσέντζο Μπελίνι(1801-1835) και Gaetano Donizetti (1797-1848) - καλύτερα επιτεύγματαΙταλική τέχνη της όπερας στο πρώτο τρίτο του 19ου αιώνα. Αυτοί οι συνθέτες ενημέρωσαν τη μουσική γλώσσα της ιταλικής όπερας, διαποτίζοντάς την με όμορφες μελωδίες, άτονα κοντά στο λαϊκό τραγούδι. Ήξεραν πώς να δημιουργούν μελωδίες που αναδεικνύουν τις καλύτερες πτυχές των ταλέντων των τραγουδιστών. Τα ονόματα των Rossini, Bellini και Donizetti συνδέονται με τις παραστατικές δραστηριότητες σπουδαίων τραγουδιστών όπως οι G. Pasta, G. Rubini, M. Malibran, A. Tamburini, L. Lablache, G. Grisi, οι οποίοι καθιέρωσαν τη δόξα της ιταλικής όπερας. σε όλες τις ευρωπαϊκές σκηνές.

Η ακμή της ιταλικής όπερας ήταν βραχύβια. Μετά τη δημιουργία του William Tell (1829), ο Rossini δεν έγραψε άλλες όπερες. Στα μέσα της δεκαετίας του '30. ο νεαρός Μπελίνι πέθανε. Στις αρχές της δεκαετίας του '40. Το έργο του βαριά άρρωστου Ντονιτσέτι πήγε στον κατήφορο. Η Εθνική Λυρική Σκηνή βίωνε για άλλη μια φορά σοβαρή κρίση. Η ιταλική σκηνή πλημμύρισε από μια ροή μέτριων όπερων που συνέθεταν πολυάριθμοι μιμητές των Rossini, Bellini και Donizetti. Στα έργα, που ως επί το πλείστον δημιουργήθηκαν βιαστικά, για την επόμενη σεζόν, και ξεχάστηκαν αμέσως, δόθηκε εξαιρετικά λίγη προσοχή σε θέματα ιδεολογικού περιεχομένου και προβλήματα δραματουργίας. Οι μελωδίες της όπερας ήταν γεμάτες με εφέ που δεν προέρχονταν από τη φύση των εικόνων, και μερικές φορές ακόμη και σε αντίθεση με το περιεχόμενο. Οι συνθέτες συνέχισαν να γράφουν λιμπρέτα μεταγλωττισμένα σύμφωνα με αποδεκτά στένσιλ. Τα μουσικά νούμερα στις όπερες ακολουθούσαν γνωστά πρότυπα, που δεν συνδέονται οργανικά με δράση.

Η δημιουργία ολοκληρωμένων λιμπρέτων όπερας παρεμποδίστηκε από τη ρουτίνα που βασίλευε στα θέατρα της όπερας. Ακόμη και όταν τα λιμπρέτα γράφτηκαν από τους καλύτερους ποιητές της εποχής -όπως ο διάσημος Felice Romani- όταν οι λιμπρετίστ στράφηκαν στα έργα των κλασικών της παγκόσμιας λογοτεχνίας, ταίριαζαν τις πλοκές σε ένα τυπικό σχήμα, το οποίο αναπόφευκτα τους εξαθλίωση.

Η ιταλική όπερα βγήκε από την ιδεολογική και δραματική κρίση από τον Τζουζέπε Βέρντι (1813-1901), έναν γενναίο καινοτόμο, έναν ένθερμο, πεπεισμένο και συνεπή υπερασπιστή των ρεαλιστικών αρχών της ιταλικής λογοτεχνίας της εποχής του εθνικοαπελευθερωτικού κινήματος.

Αν ο ιδρυτής της εθνικής σχολής όπερας ήταν ο Ροσίνι, τότε στο έργο του Βέρντι έφτασε στην υψηλότερη κορυφή. Η Ιταλία δεν είχε συνθέτη ίσο με τον Βέρντι σε σημασία και δύναμη ταλέντου ούτε κατά τη διάρκεια της ζωής του Βέρντι ούτε μετά τον θάνατό του. Οι πρώτες ηρωικές όπερες του συνθέτη, που εμφανίστηκαν στη δεκαετία του '40, γεννήθηκαν από την αυξανόμενη έξαρση της επανάστασης, όταν όλες οι πολιτιστικές δυνάμεις της χώρας εντάχθηκαν στο απελευθερωτικό κίνημα. Ένας πεπεισμένος δημοκράτης και πατριώτης, ο Βέρντι δημιούργησε τέχνη που ήταν εξαιρετικά ιδεολογική και ταυτόχρονα προσιτή στις πλατιές μάζες. Η μεγαλύτερη αξία του μουσικού είναι ότι από την πρώτη δημιουργικά βήματα, βασιζόμενος στις παραδόσεις της εθνικής όπερας και υπερασπιζόμενος την εθνική ταυτότητα, ακολούθησε τον δρόμο της καινοτομίας, στον δρόμο μιας ακούραστης αναζήτησης της δραματικής αλήθειας.

Ένας οξυδερκής καλλιτέχνης και γεννημένος θεατρικός συγγραφέας, συνειδητοποίησε ότι η επίσημη ρουτίνα και η αδιαφορία για το δραματικό περιεχόμενο είχαν οδηγήσει την ιταλική όπερα σε αδιέξοδο. Συνειδητοποιώντας ότι τα κύρια ελαττώματα των ιταλικών όπερων είχαν τις ρίζες τους στον σχηματισμό της κατασκευής, έκανε έναν ακούραστο αγώνα για να δημιουργήσει δραματικά ολοκληρωμένα λιμπρέτα και επέβλεπε ενεργά το έργο των λιμπρετίστών του.

Ο Βέρντι προσπαθούσε συνεχώς για ρεαλιστική ζωτικότητα χαρακτήρων και δραματικών καταστάσεων. Αναζητούσε νέες δραματικές και αληθινές μορφές. Προσπάθησε να υποτάξει όλα τα εκφραστικά μέσα στην όπερα στον προσδιορισμό της κύριας ιδέας.

Έχοντας ζήσει μια γοητεία με τον «ξέφρενο ρομαντισμό» του Ούγκο και των Ισπανών ρομαντικών κοντά του, και έχοντας κατακτήσει κριτικά τα επιτεύγματα της σύγχρονης δυτικοευρωπαϊκής όπερας, ο Βέρντι στα μεταγενέστερα έργα του - στην Aida, Othello και Falstaff - πέτυχε μια ιδανική συγχώνευση. δράσης, λέξεων και μουσικής, ήρθε να δημιουργήσει ένα γνήσιο ρεαλιστικό μουσικό δράμα.

Στη δεκαετία του 70-80. του περασμένου αιώνα στην ιταλική όπερα, που περνούσε μια περίοδο αναζήτησης και πάλης μεταξύ κατευθύνσεων, οι δύο πόλοι γύρω από τους οποίους συγκεντρώθηκαν οι μουσικές δυνάμεις ήταν τα ονόματα των Βέρντι και Βάγκνερ. Ενθουσιασμός Γερμανοί ρομαντικοί- και ιδιαίτερα ο Βάγκνερ - η επιθυμία να τους μιμηθεί κατέλαβε σημαντικό μέρος της ιταλικής νεολαίας. Αυτό το χόμπι, που συχνά συνέβαινε σε απλή μίμηση, είχε τις θετικές και τις αρνητικές του πλευρές.

Η μελέτη της γερμανικής μουσικής προκάλεσε αυξημένο ενδιαφέρον μεταξύ των Ιταλών συνθετών για την αρμονία, την πολυφωνία και την ορχήστρα. Ταυτόχρονα όμως, ακολούθησαν λάθος δρόμο, παραμερίζοντας τις παραδόσεις της ιταλικής όπερας, απορρίπτοντας την κλασική κληρονομιά της όπερας. Αντιμετώπισαν ακόμη και το έργο του Βέρντι με περιφρόνηση. Ο πιο εξέχων εκπρόσωπος αυτής της τάσης ήταν ο Arrigo Boito (1852-1918), του οποίου η όπερα Mephistopheles γνώρισε μεγάλη επιτυχία εκείνη την εποχή.

Την τελευταία δεκαετία του αιώνα, ο Βαγκνερισμός, ο οποίος εξαπλώθηκε σε όλη την Ιταλία, αντιμετώπισε ένα νέο κίνημα της όπερας - τον βερισμό (από τη λέξη "vero" - αληθινός, αληθινός). Το έδαφος για την εμφάνιση του βερικισμού της όπερας ετοίμασε το ομώνυμο λογοτεχνικό κίνημα της δεκαετίας του '80.

Η πρώτη βεριστική όπερα - το «Honor Rusticana» (1890) του Pietro Mascagni - γράφτηκε με βάση την πλοκή ενός διηγήματος του Giovanni Verga. Τόσο το Honor Rusticana όσο και η συνέχεια του Pagliacci του Ruggero Leoncavallo (1892) ήταν τεράστιες επιτυχίες με το κοινό να έχει κουραστεί από τους ασαφείς συμβολισμούς στις οπερατικές πλοκές των Ιταλών μιμητών του Βάγκνερ.

Η δημιουργική πίστη του βερισμού είναι η αλήθεια της ζωής. Οι βερίστες πήραν τα θέματα των όπερών τους από την καθημερινή ζωή. Οι ήρωές τους δεν είναι εξαιρετικές προσωπικότητες, αλλά απλοί, απλοί άνθρωποι με τα οικεία δράματά τους. Σε αυτό, το ιταλικό βερίσμο είναι κοντά στη γαλλική λυρική όπερα. Η μελωδική γλώσσα των Ιταλών Verists επηρεάστηκε από την ευαίσθητη μελωδία των Gounod, Thomas και Massenet. Τα ρεαλιστικά έργα των Bizet και Verdi κέρδισαν ιδιαίτερη αγάπη μεταξύ των βεριστών. Οι Verists εκτιμούσαν την «Κάρμεν» του Bizet εξίσου με τις όπερες του Verdi, από τον οποίο υιοθέτησαν τον τονισμένο συναισθηματισμό της μουσικής και τη σοβαρότητα των δραματικών καταστάσεων. Αυτά ακριβώς τα χαρακτηριστικά της δημιουργικότητάς τους, καθώς και οι ιδιοσυγκρασιακές, προσιτές μελωδίες, είναι που οι βερίστες έχουν κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα. Ωστόσο, η ερμηνεία πλοκών στις όπερες τους συχνά αποκτούσε μελοδραματικό χαρακτήρα. Θέλοντας να δείξουν την καθημερινή ζωή «χωρίς εξωραϊσμό», οι βερίστες αντικατέστησαν συχνά τη ρεαλιστική αναπαραγωγή της πραγματικότητας με τη «φωτογραφία» της. Και αυτό οδήγησε στη μείωση των χαρακτήρων, ενίοτε σε επιφανειακή παραστατικότητα της μουσικής, σε νατουραλισμό.

Το έργο του πιο εξέχοντος Ιταλού συνθέτη του 20ού αιώνα σχετίζεται επίσης σε μεγάλο βαθμό με τον βερισμό. Ο Τζάκομο Πουτσίνι (1858-1924), που δεν ξέφυγε από την επιρροή του γερμανικού ρομαντισμού στις πρώτες του όπερες. Όσον αφορά τις βασικές δημιουργικές του φιλοδοξίες και τα χαρακτηριστικά γνωρίσματα του στυλ του, ο Πουτσίνι είναι βερίστας, αν και πολλά στη δουλειά του ξεπερνούν τα όρια του βερισμού. Ο Πουτσίνι είναι ο πιο ταλαντούχος και πολύπλευρος ανάμεσα στους συνθέτες αυτού του κινήματος.

Ο βερισμός του Πουτσίνι εκδηλώνεται πρωτίστως στη στάση του απέναντι στην οπερατική πλοκή. Στη συνηθισμένη, χωρίς βερνίκια ζωή, ο Πουτσίνι βρίσκει υλικό για βαθιά συγκινητικό δράμα. Ο μουσικός του λόγος είναι πάντα συναισθηματικά αληθινός. Για πλούτο και φρεσκάδα μουσική γλώσσαο συνθέτης ξεχωρίζει μεταξύ των συγχρόνων του - βεριστών. Και παρόλο που ο Πουτσίνι δεν μπορούσε να ανέβει στο έργο του στα ρεαλιστικά ύψη του Βέρντι, αλλά όσον αφορά τη συναισθηματική αμεσότητα της επίδρασης της μουσικής, στην οργανική καθαρότητα της μελωδίας, στη δύναμη και τη φωτεινότητα του δραματικού του ταλέντου, είναι ο άμεσος κληρονόμος του Βέρντι και ένας αληθινά Ιταλός καλλιτέχνης.

Η καλύτερη κληρονομιά της ιταλικής κλασικής όπερας είναι το έργο των Rossini, Bellini, Donizetti, Puccini και, ειδικά, του Verdi. Τα έργα αυτών των συνθετών περιλαμβάνονται στο ρεπερτόριο των περισσότερων μουσικών θεάτρων και ακούγονται πάντα σε συναυλίες και στο ραδιόφωνο.

Ιταλική κλασική όπερα, με το progressive της ιδεολογικό περιεχόμενο, με ισχυρές εθνικές παραδόσεις, με τη γνήσια «φωνή» του, κατέχει τιμητική θέση στο θησαυροφυλάκιο του παγκόσμιου μουσικού πολιτισμού.

Περαιτέρω, τον 20ο αιώνα. Οι Ιταλοί συνθέτες εμφανίστηκαν πιο ξεκάθαρα στις μορφές της ενόργανης μουσικής. Ωστόσο, η όπερα δεν ξεχνιέται στη σύγχρονη Ιταλία. Συγγραφέας δέκα όπερων, εκ των οποίων η όπερα «Κυριακή», που ανέβηκε το 1904 στο Τορίνο βασισμένη στο μυθιστόρημα του Λ. Τολστόι, γνώρισε ιδιαίτερη επιτυχία, ήταν ο Φράνκο Αλφάνο (1877-1954). Στις αρχές του 20ου αιώνα. μίλησε στο είδος όπερας Ottorino Respighi (1879-1936), εκπρόσωπος του ιταλικού ιμπρεσιονισμού, που γνώρισε επίσης τη σημαντική επιρροή του Rimsky-Korsakov. Οι πρώτες του όπερες ήταν «King Enzio» (1905) και «Semirama» (1910), που ανέβηκαν στη Μπολόνια. Το 1927, η όπερα του «The Sunken Bell» βασισμένη στο ομώνυμο δράμα του Gerhard Hauptmann ανέβηκε στη σκηνή του Θεάτρου του Αμβούργου. ΣΕ όψιμη περίοδοςΣτο έργο του ο Ρεσπίγκι εξελίχθηκε προς τον νεοκλασικισμό. Το αποτέλεσμα αυτής της στροφής ήταν μια ελεύθερη διασκευή της όπερας του Μοντεβέρντι Ορφέας (1935), η οποία έπαιξε σημαντικό ρόλο στην αναβίωση και την εκ νέου ανακάλυψη του οπερατικού έργου αυτού του μεγάλου Ιταλού συνθέτη.

Ο μεγαλύτερος εκπρόσωπος της παλαιότερης γενιάς των σύγχρονων Ιταλών συνθετών που εργάζονται στο είδος της όπερας είναι ο Ildebrando Pizzetti (1880-1968). Το συνθετικό του στυλ διαμορφώθηκε στη μελέτη κλασικών και προκλασικών παραδόσεων εθνική τέχνη. Ο Pizzetti συνέθετε συνεχώς όπερες για το διάσημο θέατρο του Μιλάνου La Scala. Ο διάσημος Αρτούρο Τοσκανίνι διηύθυνε τις πρεμιέρες πολλών από αυτές. Η πρώτη ήταν η «Φαίδρα» βασισμένη στο δράμα του Gabriel d'Annunzio (1915). Η όπερα «Fra Gherardo» βασισμένη στην πλοκή ανέβηκε με επιτυχία το 1928 ιστορικό χρονικόΠάρμα XIII αιώνα. Ο Pizzetti, ο οποίος συνέθεσε δεκαπέντε όπερες, δεν μπορεί να χαρακτηριστεί καινοτόμος στο μουσικό θέατρο, αλλά τα έργα του ήταν πάντα τόσο επιτυχημένα ώστε να παραμένουν στο ρεπερτόριο για μεγάλο χρονικό διάστημα. Στα χρόνια μετά τον Δεύτερο Παγκόσμιο Πόλεμο, ο αξιοσέβαστος συνθέτης συνέχισε να εργάζεται εντατικά για το θέατρο. Νέες όπερες του Pizzetti εμφανίστηκαν τακτικά: το 1947 - "Gold", το 1949 - "Bathtub Lupa", το 1950 - "Iphigenia", το 1952 - "Cagliostro". Αυτά τα έργα διατηρούν ορισμένα χαρακτηριστικά του ύστερου ιταλικού βερισμού, σε συνδυασμό με την επιρροή του Ντεμπυσσύ (η εκλεπτυσμένη και μελωδική απαγγελία του «Pelléas et Mélisande» του). Στο δικό τους μεταγενέστερα χρόνιαο παλιός Ιταλός δάσκαλος δεν έχει χάσει την υψηλή του εξουσία στην όπερα. Αξιοσημείωτο είναι ότι οι τρεις τελευταίες του όπερες ήταν οι πιο επιτυχημένες και κέρδισαν την αναγνώριση εκτός Ιταλίας: «Iorio's Daughter» βασισμένο στο κείμενο του G. d'Annunzio (1954), που ανέβηκε στη Νάπολη από τον διάσημο σκηνοθέτη. Roberto Rossellini, «Murder in the Cathedral» (1958) και «Clytemnestra» (1964), μια όπερα που έγινε δεκτή με ιδιαίτερο ενδιαφέρον από το αγγλικό κοινό, γραμμένη πάνω στο ποιητικό κείμενο του δημοφιλούς θεατρικού έργου του σύγχρονου. Ο Άγγλος ποιητής και θεατρικός συγγραφέας T. S. Eliot αφηγείται την ιστορία της ζωής και του θανάτου του Αρχιεπισκόπου του Καντέρμπουρυ, του πρώην καγκελαρίου του Ερρίκου Β' του Μπέκετ, που δικαιολογείται δημαγωγικά από την «ιστορική αναγκαιότητα» - «στο όνομα της απόλυτης εξουσίας του μονάρχη» - και το μαρτύριο που αποδέχτηκε οικειοθελώς ο ήρωας συνδυάζει αρχικά τις μορφές της καθολικής λατρείας και της αρχαίας ελληνικής τραγωδίας με μια σχολιαστική χορωδία.

Όσον αφορά την κλίμακα του δημιουργικού ταλέντου και του ρόλου στο μουσικό θέατρο, δίπλα στον Pizzetti μπορεί να τοποθετηθεί μόνο ο Gian Francesco Malipiero (1882-1973). Όπως πολλοί Ιταλοί συνθέτες του 20ου αιώνα, πέρασε από ένα πάθος για τον ιμπρεσιονισμό, το οποίο αντικατοπτρίστηκε στην ιδιαίτερη προσοχή στην ορχηστρική χρωματικότητα. Αλλά ήδη στη δεκαετία του '20. Αυτός ο συνθέτης στράφηκε σε μια βαθιά μελέτη των Ιταλών δασκάλων του Μπαρόκ και της Αναγέννησης και έγινε οπαδός του ευρέως διαδεδομένου νεοκλασικισμού. Έχοντας αφιερώσει πολύ χρόνο και προσπάθεια στην επεξεργασία και την αποκατάσταση των έργων των Claudio Monteverdi και Antonio Vivaldi, ο ίδιος ο Malipiero επηρεάστηκε έντονα στυλιστικά από αυτούς τους συνθέτες. Μεγάλη σημασία στη διαμόρφωση του ύφους του είχε και η διατονική μελωδία ενός αρχαίου δημοτικού τραγουδιού και το γρηγοριανό άσμα.

Ο Μαλιπιέρο συνέθεσε τουλάχιστον τριάντα διαφορετικά μουσικά και θεατρικά έργα. Από το 1918 έως το 1922, ο συνθέτης εργάστηκε στις τριλογίες της όπερας «Orpheides» και «Goldoniana». Το 1932 ολοκλήρωσε την τρίτη τριλογία, με τίτλο The Venetian Mystery. Μια από τις πιο διάσημες όπερες του Μαλιπιέρο είναι η ιστορία του γιου που αλλάζει (1933), βασισμένη στο έργο του Λουίτζι Πιραντέλλο. Σημειώνουμε επίσης τις όπερες «Callo's Fun» (1942) βασισμένες στην ιστορία του E. T. A. Hoffmann «Princess Brambilla» και «Don Juan» (1964) βασισμένη στον «The Stone Guest» του Πούσκιν.

Μια ανασκόπηση του έργου της όπερας των σύγχρονων Ιταλών συνθετών της παλαιότερης γενιάς θα ήταν ελλιπής χωρίς το όνομα του Alfredo Casella (1883-1947), αν και ο τομέας της ορχηστρικής μουσικής που δεν συνδέθηκε με λέξεις τον προσέλκυσε. μεγάλος δάσκαλοςπολύ περισσότερο από μια όπερα. Στο είδος της όπερας, συνέθεσε τρία έργα: «The Snake Woman» (1931) βασισμένο στο έργο του C. Gozzi (ένα στυλιζάρισμα της παλιάς ιταλικής όπερας buffa), μια μονόπρακτη όπερα δωματίου «Η ιστορία του Ορφέα» ( ανέβηκε το 1932) και μια μονόπρακτη όπερα-μυστήριο «Η έρημος του πειρασμού» (1937), που παρήγγειλε το κράτος σε ψεύτικο «μνημειακό-τελετουργικό» στυλ και αφηγείται την «πολιτιστική-δημιουργική» αποστολή του ιταλικού στρατού που κατέλαβε την Αιθιοπία. Υπό τις συνθήκες της φασιστικής δικτατορίας, οι δημιουργικές προσπάθειες ακόμη και των περισσότερων ταλαντούχους συνθέτεςσυχνά περιορίζεται και διαστρεβλώνεται από δημαγωγικά διεστραμμένα αιτήματα για «εθνογραφία», «ιστορισμό» και εσφαλμένα ερμηνευμένη εθνικότητα και πολιτική συνάφεια. Αυτά τα αιτήματα, σε μια ατμόσφαιρα επαρχιακής απομόνωσης, χαρακτήριζαν τον ψευδοκλασικισμό της «εποχής του Μουσολίνι», που αυτοαποκαλούσε τον εαυτό της με καύχημα «χρυσή εποχή» της τέχνης.

Ο κύριος αντίπαλος του φασισμού και των πολιτικών του στην τέχνη παρέμεινε ο Luigi Dallapiccola (1904-1975), του οποίου το έργο έλαβε επάξια αναγνώριση ήδη στο μεταπολεμικά χρόνια. Στα νιάτα του, ο Dallapiccola ήταν κοντά στο νεοκλασικό κίνημα ευρέως διαδεδομένο στην Ιταλία, αλλά ήδη στα τέλη της δεκαετίας του '30. η μουσική του αποκαλύπτει εξπρεσιονιστικά χαρακτηριστικά. Η δημοτικότητα του Dallapiccola στα μεταπολεμικά χρόνια διευκολύνθηκε πολύ από δύο μονόπρακτες όπερες, που ανέβηκε σε πολλές χώρες ως τηλεοπτικές παραστάσεις. Πρόκειται για το «Night Flight» (1940) βασισμένο στην ιστορία του A. de Saint-Exupéry και το «The Prisoner» (1949) βασισμένο στο διήγημα «Torture by Hope» του V. de Lisle-Adan. Ο Dallapiccola είναι ένας εξέχων εκφραστής των ιδεών της Ιταλικής Αντίστασης μουσική τέχνη. Στην όπερα του «The Prisoner», η δράση μεταφέρεται στην Ισπανία τον 16ο αιώνα. Ένας ανώνυμος Φλαμανδός αγωνιστής της ελευθερίας μαραζώνει σε μια ισπανική φυλακή. Βασανίζεται από ψεύτικες υποσχέσεις ελευθερίας, προκλητικές φήμες για γεγονότα στην πατρίδα του και, τελικά, οδηγείται στην εκτέλεση. Οι ακροατές δεν έχουν καμία αμφιβολία ότι το θέμα της όπερας είναι ο φασιστικός τρόμος και η Αντίσταση, ο αγώνας ενάντια στην πολιτική δικτατορία που καταπατά την ελευθερία του ατόμου και του λαού.

Η μουσική του Dallapiccola είναι βαθιά εκφραστική, αν και η πολυπλοκότητα της μουσικής του γλώσσας μερικές φορές εμποδίζει τις συνθέσεις του να γίνουν εύκολα κατανοητές.

Στις δεκαετίες του '50 και του '60. Ιταλικές όπερες ανέβασαν έργα ορισμένων συνθετών που είχαν προηγουμένως γίνει διάσημοι για την κινηματογραφική μουσική τους. Πρόκειται για τον Νίνο Ρότα (1911-1979) και κυρίως τον Ρέντσο Ροσελίνι (1908-1982), αδελφό του διάσημου σκηνοθέτη. Οι προσπάθειες αυτών των συνθετών σηματοδότησε μια προσπάθεια εκδημοκρατισμού και πραγματοποίησης της σύγχρονης ιταλικής όπερας. Ο Ροσελίνι, στις όπερες του «War» (1956), «Whirlwind» (1958), «Octopus» (1958), «View from the Bridge» (1961), επέλεξε συνειδητά σύγχρονα θέματα και προσπάθησε να απλοποιήσει τη μουσική γλώσσα. μουσική πιο κοντά στη φολκλόρ και στα λαϊκά είδη τραγουδιών.

Μια ακόμη πιο καθοριστική ιταλική εμπειρία ανανέωσης μουσικό θέατροείναι η όπερα «Μισαλλοδοξία» του Λουίτζι Νόνο (1924-1990), η οποία έχει κερδίσει μεγάλη δημοτικότητα εκτός Ιταλίας από το 1961. Με αυτό το έργο, ο συνθέτης σκόπευε να αναβιώσει την παράδοση του πολιτικού, αγκιτάτορα θεάτρου του Μπρεχτ. Το ιδεολογικό και αισθητικό πρόγραμμα του Nono απαιτούσε την επίλυση μιας σειράς σύνθετων προβλημάτων και πρώτα απ 'όλα, ο συνθέτης έπρεπε να συνδυάσει με κάποιο τρόπο τις απαιτήσεις προσβασιμότητας και κατανοητότητας του έργου με νέα, σύγχρονα τεχνικά μέσα σύνθεσης. Ο Nono είναι ένας από τους λίγους εκπροσώπους της μεταπολεμικής «πρωτοπορίας» που αποδέχεται τη μαρξιστική διδασκαλία για το ρόλο της τέχνης στη ζωή της κοινωνίας και αναγνωρίζει την ανάγκη δημιουργίας τέχνης για τους ανθρώπους, τέχνη κατανοητή από το ευρύ κοινό. μάζες ακροατών. Ως εκ τούτου, στην όπερά του ο Nono φροντίζει για την απλότητα και τη μελωδικότητα, εισάγει δημοφιλείς μελωδικές στροφές, χαρακτηριστικούς λαϊκούς χορευτικούς ρυθμούς και χρησιμοποιεί μια ομιλούσα χορωδία για χάρη και άμεσο αντίκτυπο. Οι τραγουδιστικές χορωδίες, προηχογραφημένες σε κασέτα, μεταδίδονται από πολυάριθμα μεγάφωνα. Ο δυνατός «στερεοφωνικός» ήχος τους θα πρέπει να προκαλεί μια ιδέα για τη μνημειακή μουσική των δρόμων και των πλατειών, της μουσικής κάτω από ύπαιθρο. Το λιμπρέτο της όπερας, γραμμένο από τον ίδιο τον συνθέτη, είναι πολύ συνοπτικό και σχηματικό, επιτρέποντας παραλλαγές σε μεμονωμένες καταστάσεις πλοκής προς όφελος της μεγαλύτερης συνάφειας του περιεχομένου. Το κείμενο περιλαμβάνει μοντάζ διαφορετικών ποιητικών στροφών από διαφορετικούς συγγραφείς, αφοριστικές δηλώσεις, συνθήματα, που από τη σκοπιά του συνθέτη εκφράζουν ξεκάθαρα το πνεύμα των καιρών. Η πρώτη εκδοχή της όπερας ονομαζόταν «Μισαλλοδοξία. 1960» και περιείχε μια διαμαρτυρία ενάντια στον πόλεμο στην Αλγερία. Αυτή η όπερα, που σκηνοθετήθηκε αργότερα, γέμισε με άλλα επίκαιρα συνθήματα και αποσπάσματα από πολιτικά σχετικά έγγραφα της εποχής. Η όπερα ξεκίνησε το ταξίδι της στις ευρωπαϊκές σκηνές με ένα πολιτικό σκάνδαλο στο φεστιβάλ της Βενετίας το 1961. Αιτία του σκανδάλου ήταν το θέμα της - αντίσταση στη βία, αδιαλλαξία, προπαγάνδα των ιδεών του σοσιαλιστικού μετασχηματισμού της κοινωνίας. Αυτό το έργο ανέβηκε σε πολλά ευρωπαϊκά θέατρα, παρά τον κάπως «δοκιμαστικό», πειραματικό του χαρακτήρα. Πλέον υπάρχει σε νέα έκδοση με τον τίτλο «Μισαλλοδοξία. 1970», προσαρμοσμένο με νέες σκηνοθετικές τεχνικές, νέες λεπτομέρειες πλοκής, αλλά ο συνθέτης συνεχίζει ακόμα περαιτέρω αναζητήσεις προς αυτή την κατεύθυνση, επιδιώκοντας την πληρέστερη σύνθεση των δραματικών τεχνικών του σύγχρονου πολιτικού θεάτρου με νέα μουσικά και εκφραστικά μέσα.

Παραδόξως, το μεγαλύτερο ευρωπαϊκό θέατροδεν είναι στο Λονδίνο ή ακόμα και στη Βιέννη, αλλά στη Νάπολη. Το Βασιλικό Θέατρο της Νάπολης ή Teatro San Carlo χωράει 3.285 άτομα.

Επιπλέον, είναι το παλαιότερο χειρουργείο στον κόσμο. Η Όπερα του Σαν Κάρλο άνοιξε το 1737 από τον βασιλιά Κάρολο των Βουρβόνων. Πριν από την κατασκευή της Σκάλας στο Μιλάνο, αυτή η όπερα ήταν το πιο διάσημο θέατρο στην Ιταλία.

Πολλές όπερες ανέβηκαν εδώ, μεταξύ των οποίων διάσημα έργαΤζιοακίνο Ροσίνι. Τον εικοστό αιώνα, συνθέτες και μαέστροι όπως ο Τζάκομο Πουτσίνι, ο Πιέτρο Μασκάνι, ο Ρουτζέρο Λεονκαβάλο, ο Ουμβέρτο Τζορντάνο, ο Φραντσέσκο Τσιλέα εργάστηκαν και ανέβασαν τις όπερές τους στο θέατρο.

Teatro alla Scala, Μιλάνο

Παρά το γεγονός ότι το θέατρο La Scala του Μιλάνου δεν μπορεί να καυχηθεί για εξαιρετικά στατιστικά ρεκόρ, είναι ίσως η πιο διάσημη σκηνή στον κόσμο.

Η παγκοσμίως γνωστή όπερα του Μιλάνου Teatro alla Scala χτίστηκε το 1776-1778 στη θέση της εκκλησίας της Santa Maria della Scala, από την οποία προήλθε το όνομα του ίδιου του θεάτρου. Νέος ιστότοποςάνοιξε στις 3 Αυγούστου 1778 με μια παραγωγή της όπερας του Antonio Salieri «Europe Recognized».

Κατά τη διάρκεια του Β' Παγκοσμίου Πολέμου το θέατρο καταστράφηκε. Μετά την αποκατάσταση της αρχικής του εμφάνισης από τον μηχανικό L. Secchi, το θέατρο άνοιξε ξανά το 1946. Τώρα το αμφιθέατρο La Scala αποτελείται από 2.015 θέσεις.

Είναι τιμή για κάθε καλλιτέχνη να παίζει σε αυτό το θέατρο τα καλύτερα από τα καλύτερα έρχονται εδώ από τον 18ο αιώνα. Τα ονόματα πολλών από τους μεγάλους συνθέτες όπερας του κόσμου, συμπεριλαμβανομένων των Rossini, Donizetti και Verdi, συνδέονται στενά με τη Σκάλα.

Η Σκάλα στεγάζει όχι μόνο έναν θίασο όπερας, αλλά και μια χορωδία, μπαλέτο και συμφωνική ορχήστρα. Υπάρχει ένα μουσείο στο φουαγιέ, το οποίο εκθέτει πίνακες ζωγραφικής, γλυπτά, κοστούμια και ιστορικά έγγραφα που σχετίζονται με την ιστορία της όπερας και του θεάτρου.

Παρεμπιπτόντως, όταν επισκέπτεστε το θέατρο, αξίζει να θυμάστε ότι είναι συνηθισμένο να έρθετε στη Σκάλα με μαύρα ρούχα.

(Βασιλικόςμελοδραματικόςθέατρο), Λονδίνο

Λίγοι άνθρωποι μπορούν να διαφωνήσουν με την Ιταλία στην τέχνη της όπερας, αλλά σύγχρονο θέατροαναβίωσε στη Βρετανία.

Το Royal Theatre Covent Garden θεωρείται ένας από τους πιο διάσημους χώρους στον κόσμο. Το πρώτο θέατρο σε αυτή την τοποθεσία χτίστηκε το 1732. Μετά από πυρκαγιές το 1808 και το 1856, το κτίριο καταστράφηκε ολοσχερώς. Το σημερινό κτίριο του θεάτρου χτίστηκε σε σχέδιο του Μπάρι (γιος του αρχιτέκτονα που έχτισε το Κοινοβούλιο) το 1858.

Εδώ το 1892, για πρώτη φορά στη Μεγάλη Βρετανία, παίχτηκε η μεγάλη όπερα του Βάγκνερ «The Ring of the Nibelung» υπό τη διεύθυνση του εξαιρετικός συνθέτηςκαι μαέστρος Gustav Mahler. Το κτίριο λειτουργεί επί του παρόντος ως έδρα της Βασιλικής Όπερας και θίασος μπαλέτου, αν και τα περιοδεύοντα θέατρα όπερας και μπαλέτου από διάφορες χώρες δίνουν συχνά παραστάσεις εκεί.

Τον Δεκέμβριο του 1999, το θέατρο άνοιξε ξανά μετά την ανακατασκευή, γεγονός που κατέστησε δυνατή τη σημαντική επέκταση του αμφιθέατρου. Υπάρχει επίσης ένα νέο φουαγιέ στο Flower Hall, όπου πραγματοποιούνται τακτικά συναυλίες. Σε αντίθεση με το Κολοσσαίο του Λονδίνου (Εθνική Όπερα), όπου παίζονται όλες οι όπερες αγγλικός, ανεξάρτητα από το πρωτότυπο, στη Βασιλική Όπερα όλα παίζονται στη γλώσσα στην οποία γράφτηκε η όπερα.

(Όπερα του Παρισιού ή Όπερα Γκαρνιέ), Παρίσι

Η Κρατική Όπερα του Παρισιού είναι η καρδιά της γαλλικής μουσικής και θεατρικής κουλτούρας για πολλά χρόνια. Επί του παρόντος ονομάζεται Εθνική Ακαδημία Μουσικής και Χορού. Το θέατρο άνοιξε στις 5 Ιανουαρίου 1875, στέγαζε και σχολή μπαλέτου, που υπάρχει από το 1713 και θεωρείται η παλαιότερη στην Ευρώπη.

Το κτίριο βρίσκεται στο Palais Garnier στο 9ο διαμέρισμα του Παρισιού, στο τέλος της λεωφόρου της Όπερας, κοντά στον ομώνυμο σταθμό του μετρό. Το κτίριο θεωρείται πρότυπο εκλεκτικής αρχιτεκτονικής στο στυλ Beaux Arts. Χρονολογείται από την εποχή των μεγάλων μετασχηματισμών της πόλης, που εφαρμόστηκαν με επιτυχία από τον Ναπολέοντα Γ' και τον Νομάρχη Haussmann. Το κτίριο της Grand Opera εκπλήσσει με την πολυπλοκότητα της διακόσμησης και την κάπως υπερβολική πολυτέλεια, το ίδιο ισχύει και για το εσωτερικό του θεάτρου.

Το κεντρικό λόμπι της σκάλας είναι ένα από τα πιο διάσημα μέρη της Opera Garnier. Επενδεδυμένο με μάρμαρο διαφόρων χρωμάτων, φιλοξενεί μια διπλή σκάλα που οδηγεί στα φουαγιέ του θεάτρου και στους ορόφους του θεάτρου. Η κύρια σκάλα είναι επίσης ένα θέατρο, η σκηνή όπου το εκλεκτό κοινό παρέλασε τις μέρες των κρινολίνων. Τα τέσσερα μέρη της ζωγραφικής οροφής απεικονίζουν διάφορες μουσικές αλληγορίες. Στο κάτω μέρος της σκάλας υπάρχουν δύο μπρούτζινα φωτιστικά δαπέδου - γυναικείες φιγούρεςκρατώντας μπουκέτα φωτός.

Το μεγάλο φουαγιέ σχεδιάστηκε από τον Garnier στο πρότυπο των κρατικών στοών των παλαιών κάστρων. Το παιχνίδι των καθρεφτών και των παραθύρων δίνει οπτικά στη γκαλερί ακόμη μεγαλύτερη ευρυχωρία. Στο υπέροχο ταβάνι που ζωγράφισε ο Paul Baudry υπάρχουν σκηνές μουσική ιστορία, και το κύριο διακοσμητικό στοιχείο είναι η λύρα.

Το κόκκινο και χρυσό αμφιθέατρο ιταλικού στιλ έχει σχήμα πέταλου. Φωτίζεται από έναν τεράστιο κρυστάλλινο πολυέλαιο και η οροφή ζωγραφίστηκε το 1964 από τον Marc Chagall. Η αίθουσα φιλοξενεί 1.900 θέσεις θεατών, διακοσμημένη με κόκκινο βελούδο. Μια υπέροχη κουρτίνα από βαμμένο ύφασμα μιμείται κόκκινη κουρτίνα με χρυσή πλεξούδα και φούντες.

(Κρατική Όπερα της Βιέννης), Βιέννη

Η Κρατική Όπερα της Βιέννης είναι η κορυφαία εταιρεία όπερας της Αυστρίας. Το ίδιο το κτίριο στο οποίο βρίσκεται τώρα χτίστηκε το 1869, αλλά οι πρώτες παραστάσεις του θιάσου της όπερας δόθηκαν 2 αιώνες νωρίτερα. Έγιναν στα βασιλικά ανάκτορα, καθώς και στη σκηνή άλλων θεάτρων.

Το θέατρο άνοιξε στις 25 Μαΐου με τον Ντον Τζιοβάνι του Βόλφγκανγκ Αμαντέους Μότσαρτ. Το αμφιθέατρο έχει 1.313 θέσεις, αλλά υπάρχουν και 102 όρθιοι.

Η πρόσοψη της Όπερας της Βιέννης είναι πλούσια διακοσμημένη, απεικονίζοντας κομμάτια από την όπερα «Ο Μαγικός Αυλός» που έγραψε ο Μότσαρτ. Η άνθηση του θεάτρου συνδέεται με το όνομα του εξαιρετικού Αυστριακού συνθέτη και μαέστρου Γκούσταβ Μάλερ.

Από το 1964, η όπερα φιλοξενεί παραστάσεις του παγκοσμίου φήμης μπαλέτου " Λίμνη των Κύκνων», κύριο κόμμαστο οποίο για πολλά χρόνιαερμηνεύεται από τον ταλαντούχο χορογράφο Rudolf Nureyev, οι θαυμαστές του οποίου έγιναν πολλοί κάτοικοι και καλεσμένοι της Βιέννης.

Κάθε χρόνο, τον Φεβρουάριο, το κτίριο μεταμορφώνεται εδώ, η πιο διάσημη χοροεσπερίδα στην Αυστρία και τη νύχτα τόσο η σκηνή όσο και το αμφιθέατρο μετατρέπονται σε μια τεράστια πίστα χορού, όπου πολλά ζευγάρια κάνουν βαλς.

, Μόσχα

Το Κρατικό Ακαδημαϊκό Θέατρο Μπολσόι της Ρωσίας (SABT RF), ή απλά το Θέατρο Μπολσόι, είναι ένα από τα μεγαλύτερα στη Ρωσία και ένα από τα σημαντικότερα θέατρα όπερας και μπαλέτου στον κόσμο. Η ιστορία του θεάτρου χρονολογείται από τον Μάρτιο του 1776.

Κατά τη διάρκεια του Ναπολεόντειου Πολέμου, το κτίριο του θεάτρου κάηκε και έτσι το 1821 ξεκίνησε η κατασκευή του θεάτρου στον αρχικό χώρο. Άνοιξε ξανά τρία χρόνια αργότερα στις 20 Αυγούστου 1856.

Η επόμενη ανοικοδόμηση πραγματοποιήθηκε τον 21ο αιώνα. Η Όπερα ξανάρχισε τις εργασίες της το 2012 μετά την ανακατασκευή της. Τα νέα καθίσματα για το αμφιθέατρο επαναλαμβάνουν την εμφάνιση των καθισμάτων της προ-σοβιετικής εποχής και ο αριθμός των θέσεων έχει επίσης επανέλθει στο προηγούμενο μέγεθος. Οι καρέκλες και οι πολυθρόνες έχουν γίνει πιο άνετες και το πλάτος των διαδρόμων έχει αυξηθεί.

Το ντεκόρ του αμφιθέατρου αποκαταστάθηκε όπως το ήθελε αρχικά ο Κάβος. Χρειάστηκαν 4,5 κιλά χρυσού για να επιχρυσωθούν τα καλούπια papier-mâché. Με ειδική παραγγελία για Θέατρο Μπολσόιένα όργανο κατασκευάστηκε και παραδόθηκε από το Βέλγιο.

Ίσως οι πιο διάσημες παραγωγές του θεάτρου είναι τα μπαλέτα «Η Λίμνη των Κύκνων» και «Η Χρυσή Εποχή» που ανέβασε ο Γκριγκόροβιτς.

, Αγία Πετρούπολη

Το θέατρο Mariinsky ανιχνεύει την ιστορία του πίσω στο Θέατρο Μπολσόι που ιδρύθηκε το 1783 με εντολή της Αυτοκράτειρας Αικατερίνης της Μεγάλης. Το ίδιο το θέατρο Μαριίνσκι, που πήρε το όνομά του από τη σύζυγο του Αλέξανδρου Β', αυτοκράτειρα Μαρία Αλεξάντροβνα, άνοιξε στις 2 Οκτωβρίου 1860 με την όπερα του Μιχαήλ Γκλίνκα «Μια ζωή για τον Τσάρο».

Το 1883-1896 πραγματοποιήθηκαν μεγάλης κλίμακας εργασίες αποκατάστασης στο κτίριο του θεάτρου Mariinsky υπό την ηγεσία του αρχιτέκτονα V. Schröter. Ως αποτέλεσμα της εργασίας, οι ακουστικές συνθήκες της σκηνής και του αμφιθέατρο βελτιώθηκαν σημαντικά, ανεγέρθηκαν οι απαραίτητες επεκτάσεις και δημιουργήθηκαν υπέροχοι εσωτερικοί χώροι, που έφεραν στο Θέατρο Mariinsky τη δόξα ενός από τα πιο όμορφα θέατρα όχι μόνο στη Ρωσία. αλλά σε όλο τον κόσμο.

Για περισσότερο από έναν αιώνα, το θέατρο Μαριίνσκι ήταν σύμβολο της ρωσικής θεατρικής κουλτούρας. Τα ονόματα τέτοιων ανθρώπων συνδέονται με το θέατρο Mariinsky διάσημες φιγούρεςΡωσική σκηνή, όπως οι F. Chaliapin, F. Stravinsky, G. Ulanova, A. Pavlova, R. Nureyev, M. Baryshnikov και πολλοί άλλοι.

Οι παγκοσμίου φήμης παραγωγές του θεάτρου Mariinsky, όπως η «Λίμνη των Κύκνων», «Ευγένιος Ονέγκιν», «Ο Καρυοθραύστης», αναγνωρίστηκαν ως κλασικά της παγκόσμιας τέχνης.

Η Ιταλία, που έδωσε στον κόσμο τέτοια μεγαλύτεροι συνθέτες, όπως οι Paganini, Vivaldi, Rossini, Verdi, Puccini, - country κλασσική μουσική. Η Ιταλία ενέπνευσε επίσης πολλούς ξένους: για παράδειγμα, ο Richard Wagner δημιούργησε το "Parsifal" του κατά τη διάρκεια της παραμονής του στο Ravello, το οποίο έφερε αυτή την πόλη, όπου η περίφημη μουσικό φεστιβάλ, διεθνής φήμη. Οι μουσικές σεζόν ανοίγουν, ανάλογα με το θέατρο, από Νοέμβριο έως Δεκέμβριο και είναι σημαντικό γεγονόςΙταλική και διεθνής μουσική ζωή. Η TIO.BY και η Εθνική Υπηρεσία Τουρισμού της Ιταλίας ετοίμασαν μια επιλογή για το ποιο από τα πολλά ιταλικά θέατρα να διαλέξετε. Έχουμε επισυνάψει έναν σύνδεσμο για το πρόγραμμα για κάθε θέατρο.

Teatro La Scala στο Μιλάνο

Ένα από τα πιο διάσημα θέατρα, φυσικά, είναι το θέατρο La Scala του Μιλάνου. Κάθε χρόνο το άνοιγμα της σεζόν του γίνεται ένα υψηλού προφίλ γεγονός με τη συμμετοχή του διάσημα άτομααπό τον κόσμο της πολιτικής, του πολιτισμού και του θεάματος.

Το θέατρο δημιουργήθηκε με τη διαθήκη της Αυστριακής βασίλισσας Μαρίας Θηρεσίας μετά την πυρκαγιά που κατέστρεψε το Βασιλικό Θέατρο της πόλης του Ρέτζιο Ντουκάλε το 1776. Οι εποχές της Σκάλας είναι ένα από τα πιο σημαντικά γεγονότα στην πολιτιστική ζωή του Μιλάνου. Στο πρόγραμμα εναλλάσσονται όπερα και μπαλέτο, καθώς και ονόματα Ιταλών και ξένων συνθετών.

Το πρόγραμμα της σεζόν είναι διαθέσιμο εδώ.

Teatro La Fenice στη Βενετία

Όχι πολύ πίσω από τη Σκάλα βρίσκεται η ενετική όπερα La Fenice, χτισμένη στο Campo San Fantin στη συνοικία San Marco. Μετάφραση από τα ιταλικά, το θέατρο ονομάζεται "Phoenix" - ακριβώς επειδή αναγεννήθηκε δύο φορές μετά από πυρκαγιές, όπως το υπέροχο πουλί phoenix, από τις στάχτες. Η τελευταία αποκατάσταση ολοκληρώθηκε το 2003.

Φιλοξενεί ένα σημαντικό σαλόνι όπερας και Διεθνές Φεστιβάλ σύγχρονη μουσική, καθώς και την ετήσια πρωτοχρονιάτικη συναυλία. Κάθε σεζόν είναι πλούσια και ενδιαφέρουσα και το πρόγραμμά της συνδυάζει έργα από το κλασικό και το σύγχρονο ρεπερτόριο. Πριν επισκεφτείτε, διαβάστε το πρόγραμμα της σεζόν.

Teatro Real στο Τορίνο

Το Βασιλικό Θέατρο του Teatro Reggio στο Τορίνο χτίστηκε με τη διαθήκη του Victor Amadeus της Σαβοΐας. Πρόσοψη κτιρίου XVIII αιώνα, μαζί με άλλες κατοικίες της δυναστείας της Σαβοΐας, αναγνωρίζεται ως μνημείο της UNESCO.

Η σεζόν όπερας και μπαλέτου ξεκινά τον Οκτώβριο και τελειώνει τον Ιούνιο και κάθε χρόνο μπορείτε να βρείτε όλα τα είδη μουσικές εκδηλώσεις: χορωδιακές συναυλίες και συμφωνική μουσική, βραδιές μουσικής δωματίου, παραγωγές στο Teatro Piccolo Reggio, που προορίζονται για νέο κοινό και για οικογενειακή προβολή, καθώς και το φεστιβάλ MITO - Musical September.

Η Ρώμη προσφέρει επίσης στους λάτρεις της όπερας και του μπαλέτου πολλές συναντήσεις με την ομορφιά. Το πιο σημαντικό κέντρο της κλασικής μουσικής είναι η Ρωμαϊκή Όπερα, γνωστή και ως Teatro Costanzi, που πήρε το όνομά της από τον δημιουργό της, Domenico Costanzi. Συχνός καλεσμένος αυτού του θεάτρου, καθώς και καλλιτεχνικός διευθυντήςσεζόν 1909-1910 ήταν ο Pietro Mascagni. Οι λάτρεις του μπαλέτου θα ενδιαφέρονται να μάθουν ότι στις 9 Απριλίου 1917, πραγματοποιήθηκε εδώ η ιταλική πρεμιέρα του μπαλέτου του Ιγκόρ Στραβίνσκι "The Firebird", που ερμηνεύτηκε από μέλη του Ρωσικού Μπαλέτου του Σεργκέι Ντιαγκίλεφ.

Το playbill αυτού του θεάτρου έχει πολλά παραστάσεις όπερας, αλλά μεγάλη προσοχή δίνεται και στο μπαλέτο.
Ενώ οι χειμερινές εποχές της Ρωμαϊκής Όπερας πραγματοποιούνται στο παλιό κτήριο στην Piazza Beniamino Gigli, από το 1937 ο χώρος για τις υπαίθριες καλοκαιρινές σεζόν της είναι το εκπληκτικό αρχαιολογικό συγκρότημα των Λουτρών του Καρακάλλα. . Οι παραστάσεις της όπερας που ανεβαίνουν σε αυτή τη σκηνή έχουν τεράστια επιτυχία στο κοινό, ειδικά στους τουρίστες, οι οποίοι είναι ενθουσιασμένοι από τον συνδυασμό αυτού του υπέροχου τόπου με παραστάσεις όπερας.

Θέατρο San Carlo στη Νάπολη

Το πιο σημαντικό θέατρο στην περιοχή της Καμπανίας είναι, φυσικά, το Teatro San Carlo στη Νάπολη. Χτίστηκε το 1737 με τη θέληση του βασιλιά Καρόλου της δυναστείας των Βουρβόνων, ο οποίος ήθελε να δημιουργήσει ένα νέο θέατρο που αντιπροσωπεύει τη βασιλική εξουσία. Το San Carlo πήρε τη θέση του μικρού θεάτρου του San Bartolomeo και το έργο ανατέθηκε στον αρχιτέκτονα, συνταγματάρχη του Βασιλικού Στρατού Giovanni Antonio Medrano και στον πρώην διευθυντή του θεάτρου του San Bartolomeo Angelo Carazale. Δέκα χρόνια μετά την κατασκευή του θεάτρου, τη νύχτα της 13ης Φεβρουαρίου 1816, το κτίριο καταστράφηκε από πυρκαγιά, η οποία άφησε ανέπαφα μόνο τους εξωτερικούς τοίχους και μια μικρή προέκταση. Αυτό που βλέπουμε σήμερα είναι η ανοικοδόμηση που ακολουθείται από την ανάπλαση.

Αυτό το υπέροχο θέατρο υποδέχεται πάντα τους λάτρεις της όπερας με ένα πολύ πλούσιο πρόγραμμα, που συχνά αντιπροσωπεύει ένα ταξίδι στο Ναπολιτάνικο οπερατική παράδοσηκαι την επιστροφή μεγάλων κλασικών του συμφωνικού ρεπερτορίου, συμπεριλαμβανομένων εκείνων που διαβάζονται μέσα από το πρίσμα μιας νέας αντίληψης και με τη συμμετοχή παγκόσμιων διασημοτήτων. Κάθε σεζόν, λαμπερά ντεμπούτα και υπέροχες επιστροφές λαμβάνουν χώρα στη σκηνή της παλαιότερης όπερας της Ευρώπης.

Φυσικά, είναι απλά αδύνατο να περιγράψει κανείς όλο το μεγαλείο της θεατρικής Ιταλίας. Θέλουμε όμως να σας προτείνουμε μερικά ακόμη θέατρα με προγράμματα που αξίζουν προσοχή.

Φιλαρμονικό Θέατρο στη Βερόνα.πρόγραμμα σεζόν στον σύνδεσμο.

Teatro Comunale στη Μπολόνια;προγράμματα για σεζόν όπερας, μουσικής και μπαλέτου.

Teatro Carlo Felice στη Γένοβα.προγράμματα μουσικής, όπερας και μπαλέτου.

Βασιλικό Θέατρο της Πάρμας; πρόγραμμα της σεζόν εδώ

Teatro Comunale στο Τρεβίζο; πρόγραμμα της σεζόν εδώ

Όπερα Τζουζέπε Βέρντι στην Τεργέστη; πρόγραμμα της σεζόν εδώ

Αίθουσα συναυλιών Αμφιθέατρο στο πάρκο της μουσικής στη Ρώμη; πρόγραμμα της σεζόν