Πίνακες μεγάλης αξίας και επιχρίσματα. Το κύριο πράγμα δεν είναι να τσιγκουνευτείτε τη βαφή. Αυτό είναι ζωγραφική! Το μοναδικό έργο της Kim Dorland. «Black Fire» του Μπάρνετ Νιούμαν - 84,2 εκατομμύρια δολάρια

Αποδοτικότητα Δημόσιες σχέσεις: «Λαμπροί» αλήτες

Αν πιάσω ένα πινέλο και ζωγραφίσω κάποιο τοπίο ή πορτρέτο στον καμβά, τότε οποιοσδήποτε, κοιτάζοντας τη δουλειά μου, μπορεί να πει με ασφάλεια: τι χαζό! Και θα έχει δίκιο, γιατί δεν ξέρω να ζωγραφίζω. Ωστόσο, το ντύσιμό μου θα μπορούσε να πουληθεί για εκατομμύρια δολάρια αν είχα τη φήμη του μεγάλου καλλιτέχνη. Θεωρητικά, είναι δύσκολο να φανταστεί κανείς ότι οι άβαφοι, αλλά όχι λιγότερο τρομακτικοί, πίνακές μου θα μπορούσαν να προωθηθούν ως σπουδαία έργα τέχνης και να πουληθούν για «τρελά λεφτά». Αλλά στην πραγματική ζωή, αυτό συνέβη περισσότερες από μία φορές - το δεύτερο μισό του 19ου αιώνα και ολόκληρος ο 20ός αιώνας ήταν ένας συνεχής θρίαμβος του νταμπλ στην τέχνη.

Από τη στιγμή που γεννήθηκε μοντέρνα ζωγραφική, πατέρας του οποίου θεωρείται ο Ιταλός Giotto di Bondone (1267-1337) και τους επόμενους αιώνες, η ικανότητα του καλλιτέχνη να εμφανίζει την πραγματικότητα σε οποιαδήποτε επιφάνεια κατάλληλη για σχέδιο (καμβάς, τοίχος ή σανίδα) μπήκε στην πρώτη θέση στο αξιολόγηση της εργασίας. Φωτογραφία δεν υπήρχε τότε, αλλά πολλοί ήθελαν να έχουν το δικό τους πορτρέτο ή μια εικόνα των συγγενών τους. Εκτιμήθηκαν επίσης η θέα στα γύρω δάση και τα χωράφια. Εξακολουθούμε να μας αρέσει να κρεμάμε αναπαραγωγές στα διαμερίσματά μας. διαφορετικούς πίνακες ζωγραφικής, και για όσους το επιτρέπουν η οικονομική τους κατάσταση, τότε τα ίδια τα πρωτότυπα. Στο Μεσαίωνα, στους πλούσιους άρεσε επίσης να διακοσμούν τους τοίχους των σπιτιών και των κάστρων με έργα ζωγραφικής, και μερικοί από τους πλούσιους μάζευαν τεράστιες συλλογές. Κάποιοι το έκαναν από αγάπη για τη ζωγραφική, άλλοι - για να βελτιώσουν την κατάστασή τους.

Εκτός από τους πλούσιους, η εκκλησία χρειαζόταν και έργα τέχνης. Η Εκκλησία δεν χρειαζόταν πίνακες που απεικονίζουν την πραγματική ζωή - χρειαζόταν βιβλικές ιστορίεςπου θα φαινόταν αληθινό - σαν φωτογραφίες πραγματικά γεγονότα(αν και δεν είχαν ιδέα για φωτογραφίες τότε). Οι άνθρωποι έπρεπε να πιστεύουν στον Χριστό, τη Μαρία, τους αποστόλους και άλλες θρησκευτικές προσωπικότητες, και για αυτό οι βιβλικοί χαρακτήρες έπρεπε να μοιάζουν με ζωντανούς ανθρώπους.

Όποια και αν ήταν τα αιτήματα των πελατών, τέτοιοι ήταν οι πίνακες. Τρελές ιδέες, σκιαγραφημένες σε καμβά από ένα ανίκανο χέρι, δεν ωφελούσαν κανέναν. Κανείς δεν θα αγόραζε ένα πορτρέτο του εαυτού του που δεν έμοιαζε με το πρωτότυπο, και σίγουρα ούτε ένα που κατ' αρχήν δεν έμοιαζε με την εικόνα ενός ατόμου. Εκείνες τις μέρες, για να ζωγραφίσεις ένα πορτρέτο, χρειαζόσουν έναν καλλιτέχνη που να είχε κατακτήσει την τέχνη του ζωγράφου. Χωρίς να είσαι επαγγελματίας, δεν μπορούσες να πουλάς πίνακες και να βγάλεις τα προς το ζην. Όσοι συνέλεγαν πίνακες δεν χρειάζονταν πλέον απλά εκμαγεία από την πραγματικότητα - ήθελαν να αποκτήσουν αποκλειστικά πράγματα που κανείς δεν θα μπορούσε να επαναλάβει. Δηλαδή, ο καλλιτέχνης έπρεπε να προσθέσει κάτι δικό του στη ρεαλιστική εικόνα - ένα ορισμένο μοναδικό στυλώστε η ζωγραφική του να ξεχωρίζει ανάμεσα στον όγκο των ποιοτικών χειροτεχνιών. Θα μπορούσε να είναι μια μοναδική τεχνική όπως ο Leonardo da Vinci, μια καινοτόμος χρήση του φωτός και της σκιάς όπως ο Van Eyck, φανταστικές εικόνεςόπως η Bosch...

Ο 15ος-17ος αιώνας στην Ευρώπη είναι η ακμή της παγκόσμιας ζωγραφικής. Μέχρι εκείνη τη στιγμή, στις οικονομικά ανεπτυγμένες χώρες της Ευρώπης (Βενετία, Φλωρεντία, Ολλανδία, Φλάνδρα, Γερμανία) είχε εμφανιστεί επαρκής αριθμός πελατών για πίνακες ζωγραφικής - χάρη σε αυτό λάβαμε έναν ολόκληρο γαλαξία εξαιρετικοί καλλιτέχνες, τα έργα του οποίου κοσμούν ακόμη περισσότερο διάσημα μουσείαειρήνη. Μαζί με τέτοιους γενικά αναγνωρισμένους μεγάλους ζωγράφους της Αναγέννησης όπως ο Leonardo da Vinci, ο Raphael και ο Michelangelo Buonarroti, δούλευαν πολλές δεκάδες ακόμη εξίσου εξαιρετικοί καλλιτέχνες: οι Ολλανδοί Robert Campin, Jan Van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel the Elder, Peter. Paul Rubens, Antonis Van Dyck, Jan Vermeer, οι Ιταλοί Giorgione, Titian, Correggio, Caravaggio, οι Γερμανοί Albrecht Durer, Hans Holbein ο νεότερος, ο Ισπανός Diego Velazquez... Όλοι είχαν πρωτότυπο στυλαντανακλάσεις της πραγματικότητας, αλλά ταυτόχρονα τους ένωνε το γεγονός ότι όλοι ζωγράφιζαν εξαιρετικά ρεαλιστικές εικόνες. Ρεαλιστικό όχι στην πλοκή - οι ίδιοι βιβλικοί πίνακες δεν ήταν ποτέ έτσι. Ρεαλιστικό - με βάση την ομοιότητα της εικόνας με πραγματική ζωή. Κανείς δεν σχεδίασε κύβους ή τετράγωνα - υποτίθεται ότι έτσι βλέπει τον κόσμο, αφού τα "αριστουργήματα" σε τέτοιο στυλ δεν θα είχαν βρει τον αγοραστή τους. Οι πελάτες των έργων ζωγραφικής εκείνης της εποχής ήταν απλοί άνθρωποι - όπως ο δικός μας Νικήτα Χρουστσόφ. Υπάρχει μια ιστορία που ρώτησε κάποτε για έναν από τους πίνακες σε μια έκθεση αφηρημένης τέχνης: «Τι γάιδαρος είναι αυτός;» Σημειώνω ότι κανείς δεν είπε ποτέ κάτι τέτοιο για τους πίνακες του Ραφαήλ ή του Κορρέτζιο, συμπεριλαμβανομένου του Χρουστσόφ - όποιος έχει όραμα καταλαβαίνει τι απεικονίζεται σε αυτούς: Μαντόνες με τη μορφή όμορφων γυναικών και όχι κάποια ανατριχιαστικά και ακατανόητα πλάσματα όπως στον Πικάσο πίνακες ζωγραφικής. Κάθε εξαιρετικός καλλιτέχνης ήταν καινοτόμος κατά κάποιο τρόπο, αλλά όλες οι καινοτόμες τεχνικές στη ζωγραφική είχαν νόημα μόνο εάν ο καλλιτέχνης μπορούσε να απεικονίσει επαρκώς τη ζωή σε όλες τις εκφάνσεις της. Η καινοτομία στην εικόνα χρησιμοποιήθηκε για χάρη του ρεαλισμού και όχι από μόνη της. Μπορούμε να πούμε ότι οι ζωγράφοι προσπάθησαν να εργαστούν σαν οικοδόμοι - κάθε σπίτι πρέπει να έχει θεμέλιο, τοίχους και στέγη, και όλα τα πειράματα επιτρέπονταν μόνο μέσα σε αυτά τα πλαίσια.

Ως επαγγελματίες, οι καλλιτέχνες της Αναγέννησης έφτασαν στην κορυφή της ζωγραφικής. Και μπορούμε να πούμε με ασφάλεια ότι είναι αδύνατο να ξεπεράσουμε τον Ραφαέλ ή τον Βαν Άικ - μπορούν μόνο να επαναληφθούν. Ή δημιουργήστε κάτι δικό σας, το οποίο γίνεται όλο και πιο περίπλοκο με τα χρόνια. Ήδη τον 17ο αιώνα, υπήρχαν λιγότεροι εξαιρετικοί καλλιτέχνες από τον 16ο αιώνα, και τον 18ο μπορούσαν να μετρηθούν στο ένα χέρι. Είναι εξαιρετικά δύσκολο να ξεχωρίσεις στο φόντο των δασκάλων της Αναγέννησης - αυτό είναι το υψηλότερο επίπεδο δεξιοτήτων, το οποίο, κατ 'αρχήν, μόνο λίγοι μπορούν να επιτύχουν.

Και σε ένα τέτοιο υπόβαθρο, όταν υπάρχουν πολλοί τεχνίτες και υπάρχουν λίγοι εξαιρετικοί δάσκαλοι, μια πραγματική επανάσταση λαμβάνει χώρα στον κόσμο της τέχνης - οι «μεγάλοι καλλιτέχνες» άρχισαν να δημιουργούνται τεχνητά. Αυτό ήταν δύσκολο να γίνει στον Μεσαίωνα- χωρίς κεφάλαια μέσα μαζικής ενημέρωσηςΟι τεχνολογίες δημοσίων σχέσεων είναι αναποτελεσματικές, καθώς οι πληροφορίες πρέπει να μεταδίδονται μέσω φημών, οι οποίες τις διαστρεβλώνουν. Ειδικά όταν πρόκειται για τη διάδοση πληροφοριών σε μεγάλες αποστάσεις. Μόνο τα ΜΜΕ μπορούν γρήγορα και αποτελεσματικά να δημιουργήσουν και να εισάγουν στη μαζική συνείδηση ​​την εικόνα οποιουδήποτε αντικειμένου (προϊόντος, μάρκας) ως ιδανικό και απαραίτητο στη ζωή. Δεν είναι τυχαίο ότι όταν στο δεύτερο μισό του 19ου αιώνα στη ζωή των κρατών Εσπερία, που έχουν ήδη εισέλθει στην εποχή της βιομηχανικής επανάστασης, ο Τύπος αρχίζει να διαδραματίζει όλο και πιο σημαντικό ρόλο και ταυτόχρονα αρχίζουν να εμφανίζονται «μεγάλοι καλλιτέχνες νέου τύπου». Με άλλα λόγια - καθάρματα.

Ποιος ακριβώς αναπροσανατολίζει τους αγοραστές έργων ζωγραφικής προς την απόλυτη επικάλυψη; Είναι πολλά από αυτά. Βασικά, πρόκειται για ανθρώπους που ασχολούνταν με την κριτική τέχνης στα ΜΜΕ, καθώς και για εκείνους που διοργάνωσαν εκθέσεις. Για παράδειγμα, ο κριτικός Roger Fry «ξέπλυνε» τους μετα-ιμπρεσιονιστές, ο Γάλλος Guillaume Apollinaire βοήθησε στην προώθηση των προϊόντων του Matisse και του Picasso στους καταναλωτές. Αλλά ακόμα πιο σημαντικό για την αγορά ζωγραφικής ήταν το γεγονός ότι όλο και περισσότεροι πλούσιοι συλλέκτες εμφανίζονταν στον κόσμο - ειδικά στο δεύτερο μισό του 20ού αιώνα. Σε ένα περιβάλλον όπου βρίσκονται πραγματικά εξαιρετικά έργα τέχνης κρατικά μουσείαή ανήκουν σε εκκλησίες που δεν πουλάνε τα αριστουργήματά τους για κανένα χρήμα, από τι να γίνουν συλλογές; - Από ό,τι θεωρείται μόδα. Ό,τι έγινε της μόδας αγοράστηκε από τους αγοραστές.

Πώς δημιουργήθηκε η μόδα για αυτόν ή τον άλλον «ζωγράφο»; Βασικά όλα ξεκίνησαν με ένα σκάνδαλο. Στα τέλη του 19ου αιώνα, η απλή επίδειξη μιας τρομερής μπουτονιέρας στο κοινό υπό το πρόσχημα των έργων τέχνης σήμαινε δημόσιο σκάνδαλο. Αυτή ήταν μια πραγματική πρόκληση για την κοινωνία. Οι άνθρωποι, βλέποντας "αυτό", ήταν αγανακτισμένοι, όλα αυτά συζητήθηκαν στον Τύπο και στα μποέμ μέρη, η φήμη του συγγραφέα και των έργων του μεγάλωσε - και έτσι εμφανίστηκε μια μόδα για αυτόν ή τον χαρακτήρα. Πρώτα σε στενούς κύκλους και μετά, αν ήσασταν τυχεροί, το ευρύ κοινό έμαθε για την εμφάνιση ενός νέου «μεγάλου ζωγράφου». «Αν μιλούν για σένα, σημαίνει ότι υπάρχεις» - αυτός είναι ο βασικός κανόνας των δημοσίων σχέσεων Το περιβάλλον συνειδητοποίησε ότι ήταν ένα καυτό εμπόρευμα, οπότε τέτοιοι πίνακες πλημμύρισαν κυριολεκτικά την αγορά στο μέλλον με ρεαλιστικούς πίνακες, αλλά με τον καιρό άλλαξαν κάτι - αρχικά δεν ήξεραν πώς να σχεδιάζουν.

Σε διαφορετικές περιόδους υπήρχε η μόδα για ένα πράγμα καλλιτεχνική διεύθυνση, μετά στο άλλο - ιμπρεσιονισμός, μετα-ιμπρεσιονισμός, αφαιρετικότητα, κυβισμός, εξπρεσιονισμός…. Και η μόδα είναι η κύρια μηχανή του εμπορίου. Από τη στιγμή που ο «καλλιτέχνης» έγινε επωνυμία, από τότε ό,τι παρήχθη με αυτό το εμπορικό σήμα «πουλήθηκε σαν ζεστά κέικ». Δεν είχε σημασία τι ακριβώς ζωγράφισε αυτός ή εκείνος ο "καλλιτέχνης" - η βιομηχανία της μόδας λειτουργεί σύμφωνα με διαφορετικούς νόμους από τη βιομηχανία χειροτεχνίας. Η μόδα για αυτήν ή εκείνη τη μαστίχα, φυσικά, δεν προέκυψε αμέσως και στην αρχή οι «δάφνες» με τη μορφή τεράστιων χρημάτων πήγαν όχι στους ίδιους τους καλλιτέχνες, αλλά στους αγοραστές έργων ζωγραφικής. Τα τρελά χρηματικά ποσά που άρχισαν να ξοδεύονται για μοντέρνες στολές σε δημοπρασίες εμφανίστηκαν μόλις στα τέλη του δεύτερου μισού του 20ού αιώνα. Ένας τεράστιος αριθμός ανθρώπων που έλαβαν εύκολα χρήματα στις παγκόσμιες χρηματοπιστωτικές αγορές, καθώς και από τη λεηλασία της κρατικής περιουσίας στη Ρωσία, απλά δεν ήξεραν πού να το βάλουν - ως αποτέλεσμα, οποιαδήποτε περιττώματα λερωμένα σε καμβά έγιναν ένα εξαιρετικά καυτό εμπόρευμα .

Με ποιον ξεκίνησε ο θρίαμβος του νταμπλ στην τέχνη;

Τον δρόμο για τους ιμπρεσιονιστές και τους κυβιστές άνοιξε ο Άγγλος Τζόζεφ Τέρνερ, ο οποίος «δημιούργησε» το πρώτο μισό του 19ου αιώνα. Η μόνη του αξία ως καλλιτέχνης ήταν ότι δεν ήταν πολύ καλός στη ζωγραφική τοπίων. Είχε επίσης σχεδόν καλούς πίνακες, αλλά έγινε γνωστός για τις καθαρές επιχρίσματα, όπως ο καμβάς «Προσεγγίζοντας τη Βενετία». Αν η Βενετία ήταν όπως στη ζωγραφιά του, τότε είναι απίθανο κάποιος να κολυμπήσει σε αυτόν... Ο Τέρνερ κάποτε απλά συγκλόνισε το κοινό, χάρη στην οποία έγινε διάσημος. Υπάρχει μια καρικατούρα του - ο Turner στέκεται μπροστά σε μια εικόνα με ένα πινέλο (που χρησιμοποιήθηκε για να ζωγραφίσει φράχτες εκείνη την εποχή) και ζωγραφίζει κάτι...

Ο επόμενος που πήρε τη σκυτάλη ήταν ο Γάλλος Edgar Degas - ήξερε να σχεδιάζει και μερικές φορές τα κατάφερνε υπέροχοι πίνακες ζωγραφικής, αλλά για κάποιο λόγο ο Έντγκαρ τραβήχτηκε να ζωγραφίζει τις πιο άσχημες γυμνές γυναίκες που ετοιμάζονται να πλυθούν, πλένονται ή μόλις τελείωσαν το μπάνιο τους... - Για τέτοια σχέδια διώχνονται από το 1ο έτος σχολή τέχνηςλόγω ανικανότητας, αλλά ο Ντεγκά έγινε δημοφιλής σε μεγάλο βαθμό χάρη σε αυτούς.

Στα τέλη του 19ου και στις αρχές του 20ου αιώνα, ο αριθμός των μάφιν άρχισε να αυξάνεται κατακόρυφα.

Εκείνη την εποχή δημιουργούσαν οι «μεγάλοι ιμπρεσιονιστές» Claude Monet (που δεν πρέπει να συγχέεται με τον διάσημο καλλιτέχνη Edouard Manet) και ο Auguste Renoir. Ο Ρενουάρ ήξερε πώς να σχεδιάζει, αλλά όπως ο Ντεγκά, συχνά έπεφτε σε καθαρά σκαρίφημα. Στην αρχή, ο Μονέ προσπάθησε επίσης να γίνει πραγματικός καλλιτέχνης, αλλά συνειδητοποίησε ότι δεν θα τα καταφέρει - ως αποτέλεσμα, μπορεί να ονομαστεί ένας από τους λαμπρότερους διαδόχους του έργου του Τζόζεφ Τέρνερ - τα τοπία του Μονέ είναι σχεδόν τόσο τρομερά όσο εκείνα του προκάτοχος.

Το βασικό του «αριστούργημα» είναι ο «Καθεδρικός της Ρουέν, δυτική πρόσοψη ηλιακό φως" - τυπικό παιδικό νταμπλ. Ο Μονέ καθήλωσε πολλά έργα σε παρόμοιο «ύφος» και όλα εξακολουθούν να είναι δημοφιλή: τα «Νούφαρα» (χωρίς τίτλο δεν μπορείτε να αναγνωρίσετε αμέσως ότι πρόκειται για κρίνους στο νερό...) βγήκε σε δημοπρασία για 36,7 εκατομμύρια δολάρια ( 2007 ), «Waterloo Bridge» (φωτογραφία παρακάτω) πωλήθηκε για 35,9 εκατομμύρια δολάρια (2007),

"Λίμνη με νούφαρα..." (σε σύγκριση με τη "Γέφυρα του Βατερλό" μπορεί να ονομαστεί ακόμη και πίνακας) - για 33 εκατομμύρια δολάρια (1998). Το 2009, η εφημερίδα Times διεξήγαγε μια έρευνα μεταξύ των αναγνωστών, με βάση τα αποτελέσματα της οποίας καθόρισε τους πιο δημοφιλείς καλλιτέχνες του 20ου αιώνα - ο Claude Monet πήρε την 4η θέση!

Στην αλλαγή του αιώνα, οι μετα-ιμπρεσιονιστές ασχολήθηκαν επίσης: Βίνσεντ Βαν Γκογκ, Henri Toulouse-Lautrec, Edvard Munch, Paul Cezanne, Paul Gauguin, Gustav Klimt. Ποιος από αυτούς ήταν ο «μεγαλύτερος», ή με άλλα λόγια, ο πιο μοδάτος καλλιτέχνης στην εποχή μας; Ο Σεζάν έχει τουλάχιστον έναν πίνακα που μπορεί να χαρακτηριστεί «ενδιαφέρων» - τον ζωγράφισε σε ηλικία 27 ετών. Έπειτα όλα πήγαν πολύ χειρότερα - χωρίς διαφωτισμό, ταμποναριστά μετά το άλλο. Ωστόσο, σίγουρα δεν είναι ο «μεγαλύτερος». Οι τιμές για μερικούς από τους πίνακές του ανέρχονται σε δεκάδες εκατομμύρια δολάρια (το πιο ακριβό από αυτά, το «Still Life with a Jug and Drapery», αγοράστηκε για 60,5 εκατομμύρια δολάρια (!), αλλά η δημοτικότητα των έργων του μεταξύ των συλλεκτών είναι ξεκάθαρα κατώτερο από τη δημοτικότητα των έργων του Γκογκέν, και ακόμη περισσότερο από τον Βαν Γκογκ, αλλά οι αναγνώστες των Times κατέταξαν τον Σεζάν στη 2η θέση μεταξύ των καλλιτεχνών του 20ού αιώνα!

Ο ψυχικά άρρωστος Βαν Γκογκ ζωγράφιζε σαν ένα άτακτο αγόρι 5-7 ετών που δεν μεγάλωσε ποτέ. Κάποτε νοσηλευόταν σε ψυχιατρική κλινική, αλλά αυτό δεν βοήθησε και σε ηλικία 40 ετών αυτοκτόνησε. Η βιογραφία του μοιάζει περισσότερο με τη βιογραφία ενός «μεγάλου καλλιτέχνη». Αυτό αποδεικνύεται από τις τιμές των έργων του - 40,3 εκατομμύρια δολάρια για ένα ανατριχιαστικό πορτρέτο της Madame Ginoux, 40,5 εκατομμύρια δολάρια για τα «Ηλιοτρόπια», 47,5 εκατομμύρια δολάρια για την «Χωρική με ψάθινο καπέλο», 53, 9 εκατομμύρια δολάρια για το «Irises», 57 εκατομμύρια δολάρια για το «Σιταροχώραφος με Κυπαρίσσια», 71 εκατομμύρια δολάρια για αυτοπροσωπογραφία και 82,5 εκατομμύρια δολάρια για το «Πορτρέτο του Δρ. Γκασέ». Αυτός ο Gachet, παρεμπιπτόντως, φρόντιζε τον Βαν Γκογκ λίγο πριν την αυτοκτονία του - πιθανότατα ο «καλλιτέχνης» αποφάσισε να εκδικηθεί τον γιατρό για το έργο του με το χαρακτηριστικό πορτρέτο του.

Ο εραστής του Βαν Γκογκ, Γκωγκέν, ζωγράφιζε σαν αγόρι λίγο μεγαλύτερο από το αγόρι του Βαν Γκογκ. Αυτό είναι ένα σαφές μειονέκτημα για αυτόν ως «μεγάλο καλλιτέχνη». Επιπλέον, ο Γκωγκέν δεν ήταν τόσο τρελός όσο ο Βαν Γκογκ, αν και υπάρχει ένα υπέροχο επεισόδιο στη βιογραφία του όταν ήρθε να μείνει με τον Βαν Γκογκ και κατέληξε να του κόψει το αυτί - αυτός είναι ένας πραγματικά ισχυρός ισχυρισμός για «μεγαλείο»! Ωστόσο, η ζήτηση για τους πίνακες του Γκογκέν δεν είναι τόσο μεγάλη όσο για τον Βαν Γκογκ – μόνο μερικοί από τους πίνακές του πουλήθηκαν για περισσότερα από 30 εκατομμύρια δολάρια.

Σχεδόν νάνος, ο Τουλούζ-Λωτρέκ τρελαινόταν για άσχημες Γαλλίδες πόρνες, τις οποίες ενσάρκωσε στους εξίσου άσχημους πίνακές του.Αν κοιτάξετε την παρακάτω εικόνα, με την κωδική ονομασία "Whores on Examination", θα έχετε μια ιδέα για το δημιουργικό στυλ του Toulouse-Lautrec.

Ήταν περισσότερο μάστορας στο σκίτσο, αλλά ποτέ δεν κατάφερε να ζωγραφίσει μια ολοκληρωμένη εικόνα. Σε σύγκριση με τον Γκωγκέν και τον Βαν Γκογκ, ο Τουλούζ-Λωτρέκ είναι εντελώς αντιδημοφιλής και ο Νορβηγός Μουνκ σαφώς δεν είναι στο χέρι τους, αν και η βιογραφία του είναι πολύ καλή: υπέφερε συνεχώς τρομερή κατάθλιψηκαι υποβλήθηκε σε θεραπεία πολλές φορές για ψυχικές διαταραχές. Αρκετοί από τους πίνακές του εμφανίζονται στη λίστα με τους «100 πιο ακριβούς πίνακες στην ιστορία», αλλά μέχρι εκεί.

Όμως ο Αυστριακός Γκούσταβ Κλιμτ είναι πραγματικά ο μεγαλύτερος μετα-ιμπρεσιονιστής. Δεν είναι λιγότερο δημοφιλής από τον Βαν Γκογκ και ο πιο ακριβός πίνακας του αγοράστηκε για 135 εκατομμύρια δολάρια! Και αυτό που προκαλεί έκπληξη για τον μεγάλο καλλιτέχνη του 20ου αιώνα είναι ότι ο πίνακας απεικονίζει μια γυναίκα με ανθρώπινο πρόσωπο! Όλος ο υπολειπόμενος χώρος καταλαμβάνεται από τυπικό ντύσιμο, αλλά το πρόσωπο αποδείχθηκε ρεαλιστικό. Και άλλοι πίνακες του Klimt, όπου απεικονίζονται άνθρωποι, είναι παρόμοιοι με αυτήν την εικόνα - τα ίδια πρόσωπα μεταξύ των «μετα-ιμπρεσιονιστών» νταμπλ.

Ο κόσμος σέβεται επίσης τον Klimt - 3η θέση μεταξύ καλύτερους καλλιτέχνες 20ος αιώνας - μόνο ο Πικάσο και ο Σεζάν είναι μπροστά.

Ας περάσουμε στον 20ο αιώνα. Όπως έγραψε η Wendy Beckett στο History of Painting, «Δύο άνθρωποι βασιλεύουν στην τέχνη του 20ου αιώνα: ο Henri Matisse και ο Pablo Picasso». Είναι δύσκολο να πει κανείς γιατί αυτοί οι δύο, γιατί υπήρχαν εκατοντάδες τέτοιοι ηλίθιοι, αλλά οι τρόποι της μόδας είναι ανεξερεύνητοι. Ο Πάμπλο, παρεμπιπτόντως, κατέλαβε την 1η θέση στη δημοσκόπηση των αναγνωστών των Times.

Ο Ισπανός Πάμπλο Πικάσο ήξερε να σχεδιάζει, αλλά δεν ήθελε. Ήταν πολύ μακριά από το επίπεδο του Ντα Βίντσι (που δεν το πιστεύει, κοιτάξτε την πρώιμη φωτογραφία του "Boy with a Pipe" - όχι κακός, αλλά όχι εξαιρετικός), αλλά απλά καλές ζωγραφιέςτον 20ο αιώνα δεν ήταν πλέον σχετικές. Το Daubing γινόταν όλο και πιο μοντέρνο και ο Pablo αποφάσισε να κολυμπήσει κατά βούληση των κυμάτων. Και τα κατάφερε υπέροχα!

Το 1907, ζωγράφισε τον πίνακα "Les Demoiselles d'Avignon" - έγινε το πρώτο έργο στο κυβιστικό είδος. Στην αρχή, ο καλλιτέχνης ντρεπόταν να δείξει αυτή την ανοησία σε αγνώστους, κάτι που, γενικά, είναι κατανοητό: πέντε απολύτως ανατριχιαστικά πλάσματα σε κοιτάζουν από την εικόνα και το να δείχνεις τέτοιες ανοησίες σε άλλους είναι το ίδιο με το να δηλώνεις δημόσια: Είμαι τρελός! Είμαι τελείως ψυχολόγος! Ωστόσο, ο Πάμπλο πήρε το ρίσκο να εκθέσει το «αριστούργημα» τουκαι είχα δίκιο. Κανείς δεν τον έβαλε σε νοσοκομείο και ο Πικάσο συνέχισε να καταστρέφει τους καμβάδες του. Εφάρμοσε στην πράξη το αξίωμα του διαλεκτικού υλισμού: η ποσότητα εξελίσσεται σε ποιότητα. Σε αυτή την περίπτωση - στη φήμη. Ο Πικάσο ζωγράφιζε για περίπου 70 χρόνια και δεν αποτελεί έκπληξη το γεγονός ότι έγινε ο πιο δημοφιλής ζωγράφος της εποχής μας.

Το «Portrait of Dora Maar» (αγοράστηκε για 95,2 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία το 2006, απεικονίζεται παραπάνω), «Woman Sitting in a Garden» (49,5 εκατομμύρια δολάρια το 1999), «Dream» (48,4 εκατομμύρια δολάρια το 1997), «Nude in a Black Chair» (45,1 εκατομμύρια δολάρια το 1999) - μπήκε στο «χρυσό ταμείο» των daubs του 20ου αιώνα.

Υπήρχαν πολλά ένδοξα νταμπλ τον 20ο αιώνα - πολύ περισσότερα από σπουδαίους καλλιτέχνες στην Αναγέννηση, κάτι που δεν προκαλεί έκπληξη: το σπάσιμο δεν είναι χτίσιμο, το να καταστρέφεις καμβάδες δεν είναι ζωγραφική. Ο δικός μας Vasya Kandinsky και Kazimir Malevich άφησαν επίσης το στίγμα τους σε αυτόν τον τομέα - αν και είναι εξαιρετικοί, δεν είναι μεγάλοι μπουφόν για τα παγκόσμια πρότυπα. Φυσικά, οι Ρώσοι έχουν τη δική τους ιδιαίτερη πνευματικότητα, αλλά δεν είναι πολύ εμφανής στο ντύσιμο. Στα μέσα του 20ου αιώνα, ο Αμερικανός Pollack και ο Ολλανδός de Kooning, «αφηρημένοι εξπρεσιονιστές», άρχισαν να δίνουν τον τόνο σε αυτό.

Τα πάντα στον κόσμο μας είναι σχετικά και με φόντο τον Pollack και τα αδέρφια του, ακόμα και ο Monet ή ο Gauguin μοιάζουν με καλοί καλλιτέχνες. Οι κριτικοί τέχνης ονόμασαν αυτόν τον υψηλότερο βαθμό νταμπλ «αφηρημένο εξπρεσιονισμό» και θα έλεγα ότι πρόκειται για μια εντελώς γεροντική ντομάτα! Οι πιο επιφανείς εκπρόσωποί της δεν ήταν μόνο οι προαναφερθέντες Willem de Kooning και Jackson Pollack, αλλά και ο Mark Rothko, Αμερικανός ρωσικής καταγωγής. Αυτά τα τρία είναι απλά το απόγειο του 20ου αιώνα!

Αφηρημένος εξπρεσιονιστής είναι ένα άτομο που, καταρχήν, δεν ζωγραφίζει. Ο Βαν Γκογκ μπορούσε να σχεδιάσει τουλάχιστον στο επίπεδο ενός 5χρονου παιδιού, αλλά ο Πόλακ δεν μπορούσε να φτάσει ούτε σε αυτό το επίπεδο. Για να παραθέσω την «Ιστορία της Ζωγραφικής» της Γουέντι Μπέκετ: «Ο Πόλακ ήταν ο πρώτος που εγκατέλειψε το πινέλο, την παλέτα και όλες τις συμβάσεις του θέματος. Χόρευε εκστασιασμένος στους καμβάδες απλωμένους στο πάτωμα, βυθισμένος εντελώς στη δημιουργικότητα, πιτσιλίζοντας και ρίχνοντας μπογιές υπό απόλυτο έλεγχο. «Η ζωγραφική», είπε, «ζει την ίδια τη ζωή. Προσπαθώ να την αφήσω να το κάνει αυτό». Δεν υπάρχει καν τίποτα να σχολιάσω εδώ - ο άντρας ήταν πολύ, πολύ άρρωστος. Η φωτογραφία του πίνακα του το επιβεβαιώνει.

Ο Mark Rothko είναι ακόμα χειρότερος καλλιτέχνης από τον Pollack. Θα πείτε ότι αυτό δεν μπορεί να είναι - εξάλλου, μόλις είπα ότι ο Pollack δεν μπορούσε να ισοφαρίσει. Ισως! Οι πίνακες του Pollack έμοιαζαν τουλάχιστον με χαοτική ταπετσαρία, του Rothko είναι απλώς καμβάδες ζωγραφισμένοι με διαφορετικά χρώματα - για παράδειγμα, το πάνω μέρος είναι μαύρο και το κάτω μέρος είναι γκρι. Ή μια ακόμα πιο «εξαιρετική δουλειά» - το χρώμα είναι βυσσινί στο κάτω μέρος, κάποιο είδος σκούρου κίτρινου στην κορυφή και λευκό στη μέση.

Ο πίνακας ονομάζεται "White Center" και αγοράστηκε από τον Sotheby's το 2007. έναντι 72,8 εκατομμυρίων δολαρίων. - σχεδόν 73 εκατομμύρια για έναν καμβά κατεστραμμένο από μπογιές! Και αυτός, παρεμπιπτόντως, είναι 12ος στη λίστα με τους πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο! Αλλά ο πιο ακριβός πίνακας στον κόσμο σήμερα (2010) ανήκει στον Τζάκσον Πόλακ και ονομάζεται "Νο 5" - πωλήθηκε το 2006 στον οίκο Sotheby's για 140 εκατομμύρια δολάρια! Ο δυτικός κόσμος δεν είναι μόνο γεμάτος με τρελούς καλλιτέχνες - υπάρχουν τεράστιο ποσότρελοί εκατομμυριούχοι. Οι απλοί άνθρωποι, παρεμπιπτόντως, δεν είναι επίσης πολύ υγιείς στη Δύση - σε δημοσκόπηση της εφημερίδας Times, ο Pollack κατέλαβε την 7η θέση μεταξύ των πιο δημοφιλών καλλιτεχνών του 20ου αιώνα.

Ο, όπως λένε, «αιώνιος αντίπαλος» του Βίλεμ ντε Κούνινγκ ήρθε 9ος σε αυτή τη ψηφοφορία. Θα τον έλεγα τον πιο αστείο από όλα τα μάφιν. Ο πιο ακριβός πίνακας του Κούνινγκ «Γυναίκα Νο. 3» (αγοράστηκε το 2006 για 137,5 εκατομμύρια δολάρια!) από οποιονδήποτε υγιές άτομοθα προκαλέσει ξέσπασμα γέλιου. Ακόμα πιο αστείο είναι το «Γυναίκα με ποδήλατο».

Νομίζω ότι ο Willem είχε κάποια προβλήματα με τις γυναίκες, έτσι τις εκδικήθηκε με έναν περίπλοκο τρόπο.

Χρησιμοποιώντας τα παραδείγματα των Pollack, Kooning και Rothko, βλέπουμε ξεκάθαρα σε τι έχει φτάσει η αγορά τέχνης σήμερα. Αν ζούσε ο Χρουστσόφ, θα έλεγε: να ολοκληρώσω τον κώλο!

Λοιπόν, ευχαριστώ μαγική δύναμη Pu blic σχέσεις έχει αναγνωριστεί η επικάλυψη ορισμένων ψυχικά ανώμαλων ατόμων εξαιρετικά έργαζωγραφική και τοποθετείται στο ίδιο επίπεδο με τους πίνακες των μεγάλων καλλιτεχνών της Αναγέννησης. Για πρώτη φορά, η δύναμη του PR αποδείχθηκε τόσο ξεκάθαρα στην προώθηση των duds. Πριν από τον 19ο αιώνα PR έδρασε αποτελεσματικά μόνο στην πολιτική (η ιστορία και η θρησκεία εξυπηρετούσαν επίσης πολιτικούς σκοπούς και δεν μπορούν να θεωρηθούν μεμονωμένα από την πολιτική). Στην περίπτωση της ανακοίνωσης μέτριων μαλάκων λαμπρούς καλλιτέχνεςσυναντάμε ένα φαινόμενο όταν PR αποδείχθηκε στον χώρο της μόδας. Και ήταν τόσο αποτελεσματικό και διαρκές που ακόμη και τώρα, περισσότερο από έναν αιώνα αφότου έγινε της μόδας το χτύπημα των μέτριων ψυχοπαθών, συναντάμε πολλούς ανθρώπους που πιστεύουν ειλικρινά ότι ο Βαν Γκογκ είναι σπουδαίος καλλιτέχνης. Ακόμη περισσότερα εκατομμύρια γνωρίζουν ποιος είναι ο Βαν Γκογκ. Αρκετές εκατοντάδες πλούσια loafers, όχι ποιος ξέρει πούξοδεύει χρήματα, αγοράζει μοντέρνα μπουκάλια σε δημοπρασίες. Όλοι οι άλλοι ακούνε για μια αγορά πολλών εκατομμυρίων δολαρίων νταμπλ και μετά για μια άλλη. Λοιπόν, δεν μπορούν να πληρώσουν 30 εκατομμύρια δολάρια για ρητά περιττώματα; - έτσι σκέφτεται ο μέσος άνθρωπος. - Μπορούν, μπορούν... Το κυριότερο είναι ότι είναι της μόδας.

Βλέποντας μερικούς από τους πίνακες που πωλούνται σε δημοπρασίες σήμερα, θέλω να κλάψω. Κλάψε γιατί αυτοί οι καμβάδες μοιάζουν με παιδικό doodle, αλλά στέκονται σαν βίλα στο Μαϊάμι. Ήρθε η ώρα να παρουσιάσουμε τα πιο ακριβά παράλογα αριστουργήματα που πουλήθηκαν σε δημοπρασία για εκατομμύρια δολάρια.

Πίνακας «Green and White», Ellsworth Kelly – 1,6 εκατομμύρια δολάρια

blogspot

Αυτό δεν είναι απλώς ένας οδοντωτός πράσινος κύκλος σε λευκό φόντο. Αυτό είναι ένα παράδειγμα ζωγραφικής όπου το κύριο αντικείμενο είναι το ίδιο το χρώμα. Αυτή η δημιουργία αγοράστηκε σε δημοπρασία Christie's στη Νέα Υόρκη το 2008.

Στην πραγματικότητα, στους υπόλοιπους πίνακες του καλλιτέχνη δεν θα βρείτε πολύπλοκα μοτίβα και ρεαλιστικά τοπία- μόνο οι πιο απλές φιγούρες σε λευκό, μαύρο ή φωτεινό φόντο.

«The Blue Fool», Christopher Wool - 5 εκατομμύρια δολάρια

pinterest

Ο πίνακας δημοπρατήθηκε στον οίκο Christie's (Νέα Υόρκη) το 2010. Ο σύγχρονος Αμερικανός καλλιτέχνης Christopher Wool προχώρησε περισσότερο από τους συναδέλφους του και, εκτός από το "daub" και το "doodle", άρχισε να τοποθετεί επιγραφές με μεγάλα γράμματα σε καμβάδες.

Δεν υπάρχει μικρή ειρωνεία στο γεγονός ότι ένα από τα πιο ακριβά έργααπό αυτή τη σειρά υπήρχε ένας καμβάς με την επιγραφή "FOOL" (Fool).

«Η έννοια του χώρου. Waiting, Lucio Fontana - 12,8 εκατομμύρια δολάρια

πηγή: Forbes

Ο λευκός καμβάς με σχισμές πουλήθηκε στον οίκο Sotheby's του Λονδίνου το 2015. Ο καλλιτέχνης Lucio Fontana είναι γνωστός για τη «βάρβαρη» στάση του απέναντι στους καμβάδες του - τους έκοψε και τους τρύπησε αλύπητα. Αλλά το έκανε με τέτοιο τρόπο που αργότερα θα μπορούσε να δείξει την «ακρωτηριασμένη» εικόνα στον θεατή.

Για τον πλοίαρχο, οι κουλοχέρηδες του προσωποποιούσαν το ίδιο το άπειρο. «Όταν κάθομαι μπροστά σε μια από τις σχισμές μου και αρχίζω να το συλλογίζομαι, ξαφνικά νιώθω ότι το πνεύμα μου ελευθερώνεται. Νιώθω σαν ένα άτομο που έχει ξεφύγει από τα δεσμά της ύλης, ανήκοντας στην ατελείωτη έκταση του παρόντος και του μέλλοντος», είπε η Fontana.

Ζωγραφική "Περιστέρι" Το Τρίτο Αστέρι του Joan Miró 36,9 εκατομμύρια δολάρια

karenruimy

Μία από τις πιο ακριβές παρτίδες στη δημοπρασία του Sotheby's που πραγματοποιήθηκε στη βρετανική πρωτεύουσα το 2012. Αυτή είναι η πρώτη εικόνα στη λίστα μας στην οποία φαίνεται ότι προσπαθούσαν να σχεδιάσουν κάτι. Τι ακριβώς;

Ο πίνακας δημιουργήθηκε από τον Ισπανό σουρεαλιστή καλλιτέχνη Joan Miró. Κάποια στιγμή, ο ζωγράφος λιμοκτονούσε, γι' αυτό έβλεπε συχνά παραισθήσεις στους τοίχους. Ο δημιουργός μετέφερε τις εικόνες που είδε σε πίνακες. Τώρα οι πίνακές του πωλούνται για εκατομμύρια δολάρια.

«The Sleeping Girl» του Roy Lichtenstein - 44,8 εκατομμύρια δολάρια

nytimes

Το "The Sleeping Girl" δημοπρατήθηκε το 2012 στον οίκο Sotheby's στη Νέα Υόρκη. Για το έργο του Λίχτενσταϊν, που κάποτε αποκαλούνταν «ο χειρότερος καλλιτέχνης στην Αμερική», σήμερα πληρώνονται υπέρογκα χρηματικά ποσά.

Ο Roy Lichtenstein είναι διάσημος για τη δημιουργία πινάκων βασισμένων σε κόμικ: ο καλλιτέχνης απλά πήρε και ξαναζωγράφισε έργα άλλων, προσθέτοντας κάτι δικό του. Για αυτό έπρεπε να υπομείνει τις επιθέσεις των κριτικών, αλλά αυτό τον έκανε και διάσημο. Οι πίνακες του Lichtenstein εμφανίζονται συνεχώς σε λίστες με τους πιο ακριβούς πίνακες.

Χωρίς τίτλο, Cy Twombly - 69,6 εκατομμύρια δολάρια

gazeta

Ο πίνακας πουλήθηκε στη δημοπρασία της Νέας Υόρκης στον οίκο Christie's το 2014. Όταν ένα παιδί ζωγραφίζει κάτι τέτοιο, είναι σκαρίφημα. Αλλά όταν το κάνει ένας καλλιτέχνης με καλή προβολή, είναι ένα αριστούργημα που αξίζει να ξοδέψεις τρελά χρήματα γι' αυτό. Τα άλλα έργα του Twombly είναι τα ίδια σκαριφήματα και είναι εξίσου άσεμνα ακριβά.

«Black Fire» του Μπάρνετ Νιούμαν - 84,2 εκατομμύρια δολάρια

bloomberg

Αυτό το αριστούργημα πουλήθηκε σε δημοπρασία Christie's που πραγματοποιήθηκε στη Νέα Υόρκη το 2014. Το σήμα της υπογραφής του Barnett Newman είναι οι κάθετες γραμμές, οι οποίες έχουν το παρατσούκλι "κεραυνοί".

Άλλοι πίνακες του πλοιάρχου διαφέρουν από αυτόν που παρουσιάζεται παραπάνω, εκτός από το χρώμα και το πλάτος αυτών των ίδιων κεραυνών. Οι τιμές για τους πίνακες του καλλιτέχνη αυξάνονται από δημοπρασία σε δημοπρασία.

«Orange, Red, Yellow», Marco Rothko - 86,9 εκατομμύρια δολάρια

Σκάνδαλο στους καλλιτεχνικούς κύκλους των ΗΠΑ! Δεκάδες πίνακες που θεωρήθηκαν πρόσφατα ανακαλυφθέντα αριστουργήματα της αφηρημένης ζωγραφικής αποδείχθηκαν ψεύτικοι. Τι είναι αυτό - μοιραίο λάθος των ειδικών ή το απίστευτο ταλέντο των απατεώνων;

Ή μήπως είναι απλώς αντικειμενική επιβεβαίωση ότι στην πραγματικότητα τα πρωτότυπα αυτών των «αριστουργημάτων» είναι απλώς ένα διασκεδαστικό ύφος, το οποίο είναι απλά εύκολο να αντιγραφεί;

Το κλείσιμο του Κέντρου Εικαστικού Πολιτισμού στην Ακαδημία Mogila όχι μόνο οδήγησε σε έντονες διαμάχες στην κοινωνία. Αλλά με έκανε επίσης να σκεφτώ τι όλα αυτά προσφέρονται υπό το πρόσχημα έργα τέχνης, στην πραγματικότητα είναι.

Σκάνδαλο στους καλλιτεχνικούς κύκλους των ΗΠΑ! Δεκάδες πίνακες που θεωρήθηκαν πρόσφατα ανακαλυφθέντα αριστουργήματα της αφηρημένης ζωγραφικής αποδείχθηκαν ψεύτικοι. Τι είναι αυτό - μοιραίο λάθος των ειδικών ή το απίστευτο ταλέντο των απατεώνων; Ή μήπως είναι απλώς αντικειμενική επιβεβαίωση ότι στην πραγματικότητα τα πρωτότυπα αυτών των «αριστουργημάτων» είναι απλώς ένα πολυδιαφημισμένο, το οποίο είναι απλά εύκολο να αντιγραφεί;

Πριν από σχεδόν 17 χρόνια, μια ελάχιστα γνωστή έμπορος έργων τέχνης από το Long Island της Νέας Υόρκης, η Glafira Rosales, μπήκε στις πολυτελείς εγκαταστάσεις της γκαλερί Knoedler & Company, κουβαλώντας έναν πίνακα που, σύμφωνα με την ίδια, ζωγράφισε ο καλλιτέχνης Mark Rothko (ένας κορυφαίος εκπρόσωπος του καλλιτεχνικού κινήματος .ν. αφηρημένος εξπρεσιονισμός).

Έδειξε έναν μικρό πίνακα με δύο μαύρα σύννεφα σε φόντο χλωμό ροδακινί στην Αν Φρίντμαν, τη νέα πρόεδρος της Knoedler, της παλαιότερης γκαλερί τέχνης της Νέας Υόρκης.

«Αμέσως, με την πρώτη ματιά, αυτό το έργο με ενδιέφερε», θυμάται αργότερα η κυρία Φρίντμαν. Ήταν τόσο παθιασμένη που κατέληξε να αγοράσει τη δουλειά για τον εαυτό της.

Τα επόμενα δέκα χρόνια, η κ. Rosales επισκεπτόταν συχνά την έπαυλη Knoedler Gallery με την πλούσια διακοσμημένη οροφή της, μεταφέροντας έργα διάσημων μοντερνιστών καλλιτεχνών: Τζάκσον Πόλοκ, Γουίλεμ ντε Κούνινγκ και Ρόμπερτ Μάδεργουελ.

Όλα τους εμφανίστηκαν στην αγορά για πρώτη φορά. Όλα, είπε, ανήκαν σε έναν συλλέκτη τον οποίο η κ. Rosales αρνήθηκε να κατονομάσει.

Οι πίνακες έγιναν δεκτοί με ενθουσιασμό τόσο από την γκαλερί Knoedler όσο και από την Ann Friedman: τουλάχιστον είκοσι έργα μεταπωλήθηκαν, ένα από τα οποία κόστισε 17 εκατομμύρια δολάρια.

.

Σήμερα, αρκετοί ειδικοί αποκαλούν αυτά τα έργα παραποίηση. Το ένα έχει επισήμως σφραγιστεί «ψεύτικο» με δικαστική απόφαση, ενώ άλλοι ερευνώνται από το FBI. Η Knoedler Gallery, μετά από 165 χρόνια λειτουργίας, έκλεισε τις πόρτες της και μηνύει έναν πελάτη που αγόρασε έναν από τους πίνακες της Rosales (η γκαλερί λέει ότι το κλείσιμο ήταν μια επιχειρηματική απόφαση που σχετίζεται με τη μήνυση). Η κυρία Friedman, η οποία εξακολουθεί να ισχυρίζεται ότι οι πίνακες είναι αληθινοί, κατονομάζεται επίσης στη μήνυση.

ΣΕ τα τελευταία χρόνιαυπήρξαν ελάχιστα γεγονότα που έχουν κλονίσει την αγορά τέχνης όσο αυτό μυστηριώδης ιστορίαγια το πώς ένας άγνωστος έμπορος τέχνης μπόρεσε να ανακαλύψει έναν εκπληκτικό αριθμό άγνωστων θησαυρών ζωγραφικής που δημιουργήθηκαν από τους τιτάνες του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Κάθε μία από τις πιθανές εξηγήσεις φέρει μαζί της το βάρος του απίθανου.

Εάν οι πίνακες είναι αληθινοί, τότε γιατί η μπογιά σε μερικούς από αυτούς περιέχει χρωστικές ουσίες που δεν είχαν εφευρεθεί ακόμη τη στιγμή της δημιουργίας τους;

Αν είναι ψεύτικα, τότε ποιοι είναι αυτοί οι υπερφυσικά ταλαντούχοι πλαστογράφοι που μπόρεσαν να παραπλανήσουν τους ειδικούς;

Και αν οι πίνακες είναι αληθινοί, αλλά κλεμμένοι, γιατί δεν εμφανίστηκαν οι ιδιοκτήτες τους μετά τη δημοσιοποίηση αυτής της ιστορίας;

Δυστυχώς, ο μόνος άνθρωποςποιος θα μπορούσε να λύσει αυτό το μυστήριο, η κυρία Ροζάλες, αρνείται να μιλήσει, τουλάχιστον δημόσια. Ωστόσο, έχουν διαρρεύσει αρκετές λεπτομέρειες από δικαστικά έγγραφα και συνεντεύξεις με άλλους συμμετέχοντες στην υπόθεση. Και είναι αρκετά για να περιγράψουν αυτό που συνέβη.

Η Rosales, 55, μια χαρισματική και μορφωμένη γυναίκα μεξικανικής καταγωγής, και ο σύζυγός της, Jose Carlos Bergantinos Diaz, με καταγωγή από την Ισπανία, διατηρούσαν κάποτε μια μικρή γκαλερί, King Fine Arts, που βρισκόταν στο Μανχάταν στη West 19th Street. Το ζευγάρι, που είχε λογαριασμούς σε κορυφαίους οίκους δημοπρασιών Sotheby's και Christie's, είπε στη μαρτυρία του δικαστηρίου ότι κατείχε ή πουλούσε πίνακες διάσημων καλλιτεχνών, συμπεριλαμβανομένου του Andy Warhol, τον οποίο ο κ. Bergantinos περιέγραψε ως φίλο.

Με βάση αυτά τα δεδομένα, φαίνεται περίεργο το γεγονός ότι η κα Rosales επικοινώνησε με μεσάζοντες όπως η γκαλερί Knoedler, των οποίων οι προμήθειες «έβγαλαν μια μπουκιά» από τις δικές της προμήθειες. Μέρος της απάντησης σε αυτό μπορεί να βρίσκεται στην απόσταση μεταξύ των καταστάσεων που κατείχαν η Rosales και ο Friedman στον κόσμο της τέχνης.

Ψηλή, πολύ αδύνατη και με μεγάλη αυτοπεποίθηση, η κα Φρίντμαν διηύθυνε μια από τις πιο σεβαστές γκαλερί στις Ηνωμένες Πολιτείες. Συναντήθηκε στα πρωινά με κορυφαίους συλλέκτες, αγοραστές που, χωρίς να ανοιγοκλείσει μάτι, πλήρωσαν αρκετά εκατομμύρια για έναν καμβά. Αυτή και ο σύζυγός της, ο επιχειρηματίας ακινήτων Ρόμπερτ Φρίντμαν, ήταν οι ίδιοι συλλέκτες.

Οι δύο γυναίκες παρουσιάστηκαν από τον υπάλληλο της γκαλερί Jayme Andrade, ο οποίος διασταυρώθηκε με την κυρία Rosales σε ένα κοκτέιλ πάρτι. Σύμφωνα με την Ann Friedman, στην αρχή η Rosales της είπε μόνο ότι εκπροσωπούσε τα συμφέροντα του φίλου της, ο οποίος έχει ακίνητα στην Πόλη του Μεξικού και τη Ζυρίχη, και του οποίου το όνομα συμφώνησε να κρατήσει μυστικό. Αυτό δεν ήταν έκπληξη, εξήγησε ο Friedman, οι ιδιώτες συλλέκτες συχνά προτιμούν να παραμένουν ανώνυμοι. Ωστόσο, με την πάροδο του χρόνου, προέκυψαν περισσότερες λεπτομέρειες για τον ιδιοκτήτη. Η Rosales της είπε ότι κληρονόμησε τον πίνακα από τον πατέρα της, ο οποίος συνέλεξε τους πίνακες με τη βοήθεια του Ντέιβιντ Χέρμπερτ, ενός εμπόρου από τη Νέα Υόρκη που πέθανε το 1995.

Ο Χέρμπερτ φέρεται να σχεδίαζε να δημιουργήσει με βάση αυτά τα έργα νέα γκαλερί, η οποία θα χρηματοδοτούνταν από τον ιδιοκτήτη της συλλογής. Όμως οι δύο ιδρυτές τράπηκαν σε φυγή και, στο τέλος, οι πίνακες κατέληξαν στο υπόγειο του συλλέκτη, όπου διατηρήθηκαν μέχρι το θάνατό του.

Η κ. Rosales έχει πράγματι ένα πορτρέτο του Herbert από τον Ellsworth Kelly που ήταν πρόσφατα μέρος μιας έκθεσης στο Μουσείο του Μπρούκλιν. Αυτό που δεν έχει είναι κανένα αρχείο ιδιοκτησίας των δύο δεκάδων μοντερνιστικών πινάκων που έφερε στην αγορά.

Πώληση έργων διάσημος καλλιτέχνηςχωρίς έγγραφα που επιβεβαιώνουν την προέλευση, αυτή είναι μια σπάνια κατάσταση. Ασχολούμενη με πίνακες για τους οποίους δεν υπήρχαν έγγραφα και οι οποίοι, θεωρητικά, όπως είπε ένας δικηγόρος, θα μπορούσαν να είχαν ζωγραφιστεί «στο γκαράζ της κυρίας Rosales», η Ann Friedman, είπε, εστίασε σε αυτό που πραγματικά είχε σημασία: την ποιότητα των έργων ως τέτοια. .

Και ήταν εξαιρετικοί», είπε ο Φρίντμαν. Κάλεσε αρκετούς ειδικούς να δοκιμάσουν τις δικές της εντυπώσεις από πίνακες των Rothko, Pollock, Barnett Newman, Clyfford Stills και άλλων - πίνακες που παρέχονται από τον έμπορο της Rosales. Ο Claude Chernushi, ο οποίος είναι ο συγγραφέας ενός βιβλίου για τον Pollock, επιβεβαίωσε την αυθεντικότητα του μικρού πίνακα "Untitled, 1950", με την υπογραφή "J. Πόλοκ». Εθνική ΠινακοθήκηΗ Arts, η οποία διαθέτει μια ισχυρή συλλογή έργων του Rothko σε χαρτί, ανέφερε ότι δύο από τους πίνακες του Rothko ήταν αληθινοί.

Μέχρι το 2000, η ​​ίδια η κα Friedman αγόρασε τρεις πίνακες που πρόσφερε η Rosales: έναν Rothko από την πρώτη τους συνάντηση, "Untitled 1959" για 200 χιλιάδες δολάρια, έναν Pollock για 300 χιλιάδες και έναν Motherwell για 20 χιλιάδες. «Αν η Ann Friedman είχε αμφιβολίες για αυτά τα έργα, αυτή και ο σύζυγός της δεν θα είχαν επενδύσει εκατοντάδες χιλιάδες δολάρια σε αυτά», είπε ο δικηγόρος της σε αυτή την υπόθεση.

Τα σύννεφα άρχισαν να μαζεύονται το 2003, όταν ένα ανώτερο στέλεχος της επενδυτικής τράπεζας Goldman Sachs θέλησε να επιβεβαιώσει την αυθεντικότητα του (υποτιθέμενου) πίνακα του Pollock «Untitled, 1949», τον οποίο είχε αγοράσει από την γκαλερί Knoedler. Δώρισε την Cortina στο Διεθνές Ίδρυμα Καλλιτεχνικών Ερευνών, ανεξάρτητο μη κερδοσκοπικού οργανισμού. Και μετά την ανάλυση, η ανώνυμη επιτροπή αρνήθηκε να επιβεβαιώσει την αυθεντικότητα του πίνακα, θέτοντας υπό αμφισβήτηση το στυλ και την προέλευσή του.

Ο αγοραστής ζήτησε επιστροφή χρημάτων. Η κυρία Φρίντμαν, χωρίς καμία καθυστέρηση, του έδωσε δύο εκατομμύρια δολάρια και απέκτησε τον καμβά, καλυμμένο με λευκές, μαύρες και κόκκινες κηλίδες, η ίδια - σε συνεργασία με τη γκαλερί και έναν φίλο, τον καναδικό ιμπρεσάριο του θεάτρου Ντέιβιντ Μίρβις. Ο κ. Mirvish, ο ίδιος πρώην έμπορος έργων τέχνης, είπε ότι δεν ανησυχούσε για τις ανώνυμες αξιολογήσεις (αυτός και ο Knoedler επένδυσαν επίσης σε δύο άλλα έργα Pollock που παρείχε η Rosales).

Ωστόσο, εκτιμήσεις ελήφθησαν και από άλλες πηγές. Ο Mirvish το 2006 έφερε στην γκαλερί τον καλλιτέχνη Frank Stella, ο οποίος ήταν σύγχρονος των Αφηρημένων Εξπρεσιονιστών. Αφού εξέτασε αρκετούς πίνακες που προήλθαν από τη Rosales, η Στέλλα δήλωσε: «Καθένας από αυτούς είναι πολύ καλός για να είναι αληθινός, αλλά όταν τους βλέπεις στο γενικό πλαίσιο, ως ομάδα, συνειδητοποιείς ότι είναι αληθινοί», - τουλάχιστον αυτό είναι λέει ότι η Ann Friedman κατέθεσε στο δικαστήριο για τη συνομιλία.

Το πιο εντυπωσιακό είναι ότι οι πίνακες «by Rosales» έχουν λάβει επιβεβαίωση στην αγορά. Η κυρία Friedman κατέθεσε ότι πούλησε συνολικά 15 ή 16 έργα μέσω της γκαλερί Knoedler, συνολικού ύψους μεταξύ 27 και 37 εκατομμυρίων δολαρίων.

Ο πιο ακριβός πίνακας ήταν το Untitled 1950, σύμφωνα με τους ισχυρισμούς του Pollock, ο οποίος αποκτήθηκε μέσω μεσάζοντα το 2007 από έναν διευθυντή hedge fund του Λονδίνου, ονόματι Pierre Lagrange. Η γκαλερί, μαζί με τον κ. Mirvish, είχαν αγοράσει τον πίνακα, που απεικονίζει ένα συνονθύλευμα μαύρων, κόκκινων και λευκών γραμμών σε φωτεινό ασημί φόντο, αρκετά χρόνια νωρίτερα για 2 εκατομμύρια δολάρια. Ο Λαγκράνζ πλήρωσε 17 εκατομμύρια.

Και αυτός είναι ένας γνήσιος Πόλοκ. Και πώς γίνεται οι ειδικοί να μην παρατήρησαν αμέσως πόσο ανώτερες είναι αυτές οι γραμμές που γράφτηκαν στον καμβά από τις γραμμές που γράφτηκαν στον πλαστό καμβά;

Λίγες μέρες μετά τη συμφωνία με τον Lagrange, η κα Friedman κάλεσε αρκετούς υπαλλήλους του μη κερδοσκοπικού ιδρύματος Daedalus, το οποίο δημιούργησε ο Robert Motherwell για να προστατεύσει καλλιτεχνική κληρονομιάσύγχρονος Ήθελε να δουν την τελευταία της Μάδεργουελ.

Ήταν ο έβδομος πίνακας που ο έμπορος έργων τέχνης Rosales πούλησε μέσα σε οκτώ χρόνια είτε στον Friedman είτε σε άλλον έμπορο της Νέας Υόρκης, τον Julian Weissman. Ο πίνακας, με μεγάλες μαύρες πινελιές και κηλίδες διάσπαρτες στον καμβά, φαίνεται ότι ανήκε στη διακεκριμένη σειρά της Μάδεργουελ, γνωστή ως Ισπανικές Ελεγείες. Το προσωπικό του Ιδρύματος έχει ήδη δει αρκετές από αυτές τις νέες «ελεγείες» και τις έχει αναγνωρίσει ως αυθεντικές.

Αλλά λίγες εβδομάδες μετά την επίσκεψη στην γκαλερί Knoedler, κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίασης της επιτροπής του ιδρύματος, μερικά από τα μέλη της άρχισαν να αμφισβητούν την αυθεντικότητα των υπογραφών και του στυλ των πρόσφατα ανακαλυφθέντων «ελεγειών». Ο Πρόεδρος του Ιδρύματος Τζακ Φλεμ είπε ότι σύντομα έμαθε ότι άλλα έργα του Ρόζαλες που αποδίδονται στον Πόλοκ και τον Ρίτσαρντ Ντίμενκορν αντιμετωπίστηκαν με σκεπτικισμό.

Δεν αποφάσισαν όλοι στο ταμείο ότι πρέπει να σηκωθεί ο συναγερμός. Η Joan Banach, προσωπική βοηθός της Motherwell και βετεράνος υπάλληλος καταπιστεύματος, είπε ότι ο Flem έκανε δηλώσεις χωρίς επιφύλαξη σχετικά με την αυθεντικότητα των πινάκων και ως εκ τούτου παραβίασε τις διαδικασίες αξιολόγησης ζωγραφικής του καταπιστεύματος. Στη συνέχεια μήνυσε το ίδρυμα, λέγοντας ότι απολύθηκε λόγω της κριτικής της στον κ. Φλεμ (το ίδρυμα το αρνείται).

«Πιο πιθανό ναι παρά όχι», είναι ο τρόπος με τον οποίο η κ. Μπάναχ εκτίμησε την αυθεντικότητα των πινάκων της Μάδεργουελ, που η γκαλερί Knoedler απέκτησε μέσω της Rosales, σε δικαστικά έγγραφα.

Όμως ο πρόεδρος του ιδρύματος, Τζακ Φλεμ, ήταν αποφασισμένος να αποδείξει ότι αυτοί οι πίνακες ήταν πλαστογραφημένοι. Προσέλαβε έναν ιδιωτικό ντετέκτιβ για να ερευνήσει τη Rosales και τον σύζυγό της και επέμεινε σε μια σειρά ιατροδικαστικών εξετάσεων.

Ένα δροσερό απόγευμα του Ιανουαρίου του 2009, ο Flem και ο Friedman συναντήθηκαν για να συζητήσουν τα αποτελέσματα. Κάθισαν σε λάθος αίθουσα όπου κρέμονταν δύο «ελεγείες», εκ των οποίων η μία ήταν της κυρίας Φρίντμαν. Ένας ιατροδικαστής κατέληξε στο συμπέρασμα ότι και οι δύο περιείχαν χρωστικές ουσίες που εφευρέθηκαν δέκα χρόνια μετά το 1953 και το 1955, οι ημερομηνίες που αναγράφονται στους πίνακες.

Η Ann Friedman διαφώνησε με αυτά τα ευρήματα. Συχνά δόθηκαν στους καλλιτέχνες νέες χρωστικές ουσίες για να πειραματιστούν πριν καν κατοχυρωθούν με δίπλωμα ευρεσιτεχνίας και έρθουν στην αγορά. Αλλά το Ίδρυμα Daedalus στάθηκε στη θέση του: ο έμπορος έργων τέχνης Rosales, όπως επιβεβαιώθηκε αργότερα σε δικαστικά έγγραφα, ήταν «το πρόσωπο-κλειδί που έφερε στην αγορά μια σειρά από επτά πλαστά «Ισπανικά ελεγεία».

Η διαμάχη για τους πίνακες της Μάδεργουελ έφτασε σύντομα στο FBI, το οποίο ξεκίνησε έρευνα. Ο δικηγόρος του Rosales αναγνώρισε ότι η πελάτισσά του ήταν υπό έρευνα και πρόσθεσε ότι «ποτέ δεν πούλησε εν γνώσει του τους πίνακες γνωρίζοντας ότι ήταν ψεύτικοι».

Η Ann Friedman έλαβε ένταλμα από το FBI τον Σεπτέμβριο του 2009, αν και ο δικηγόρος της λέει ότι το FBI δεν τη θεωρεί στόχο της έρευνας. Έφυγε από τη γκαλερί τον επόμενο μήνα. Τόσο ο Friedman όσο και η γκαλερί υποστηρίζουν ότι η έρευνα δεν είχε καμία σχέση με την απόλυσή της, η οποία οφειλόταν στην απροθυμία του Friedman να συγχωνεύσει τη γκαλερί Knoedler με μια άλλη γκαλερί.

Ωστόσο, ήταν πολύ πιο δύσκολο να απομακρυνθούμε από τα προβλήματα με τους πίνακες της Rosales. Πέρυσι, ένα από τα «ελεγεία» έγινε η βάση για αγωγή από μια ιρλανδική γκαλερί, η οποία αγόρασε αυτόν τον πίνακα και, μετά το σκάνδαλο, ζήτησε την επιστροφή 650.000 δολαρίων.

Το Ίδρυμα Δαίδαλου ενεπλάκη σε αυτή τη μήνυση επειδή, μετά από ιατροδικαστικές εξετάσεις, ήταν εκείνοι που δήλωσαν ότι όλες οι «ελεγείες» που έλαβε μέσω της Ροζάλες ήταν πλαστές. Συμπεριλαμβανομένων εκείνων που προηγουμένως είχε αναγνωρίσει ανεπίσημα ως γνήσια - και ανάμεσά τους ήταν ο πίνακας που πουλήθηκε στους Ιρλανδούς.

Η αγωγή αποσύρθηκε τον Οκτώβριο. Ο Ροζάλες συμφώνησε να πληρώσει το μεγαλύτερο μέρος του κόστους και των νομικών εξόδων του πίνακα και ο ίδιος ο πίνακας, κατόπιν αιτήματος του Ιδρύματος Δαίδαλου, σφραγίστηκε στο πίσω μέρος με τις λέξεις "Fake" με μελάνι που δεν μπορούσε να αφαιρεθεί. Ο Δαίδαλος μια φορά δήλωσε ότι ο πίνακας ήταν πραγματικός και μια άλλη φορά ότι ήταν ψεύτικος. Παρόλα αυτά, η άλλη πλευρά, μέσω των δικηγόρων της, εξακολουθεί να ισχυρίζεται ότι ο πίνακας είναι γνήσιος.

Λίγες εβδομάδες αργότερα, μια άλλη φωτογραφία έγινε αιτία διαμάχης. Ο Pierre Lagrange χώριζε τη γυναίκα του και ήθελαν να πουλήσουν το "Untitled, 1950". Αλλά οι δημοπρασίες των Sotheby's και Christie's αρνήθηκαν να ασχοληθούν με αυτόν τον πίνακα λόγω της αμφιβολίας της προέλευσής του και της απουσίας του από τον πλήρη κατάλογο των έργων του Pollock. Ο Lagrange ζήτησε από την γκαλερί Knoedler να πάρει πίσω τον πίνακα και διέταξε τη δική του ιατροδικαστική εξέταση του πίνακα.

Στις 29 Νοεμβρίου, έφτασαν τα αποτελέσματα της ανάλυσης: οι δύο κίτρινες χρωστικές που χρησιμοποιήθηκαν στον πίνακα δεν εφευρέθηκαν παρά το θάνατο του Πόλοκ το 1956. Το συμπέρασμα στάλθηκε στη γκαλερί Knoedler. Την επόμενη μέρα ανακοίνωσε το κλείσιμό του.

Τον Δεκέμβριο, η Rosales και ο Friedman συναντήθηκαν ξανά - αλλά αυτή τη φορά η συνάντηση πραγματοποιήθηκε στο ομοσπονδιακό περιφερειακό δικαστήριο του Μανχάταν, όπου κλήθηκαν ως απάντηση στην αγωγή του κ. LaGrange. Ήθελε πίσω τα 17 εκατομμύρια του.

Το πίσω μέρος αυτού του πίνακα Motherwell είναι πλέον μόνιμα σφραγισμένο "ψεύτικο". Επιπλέον, το ίδιο ίδρυμα τέχνης που επέμενε στην εμφάνιση αυτού του σήματος είχε προηγουμένως επιβεβαιώσει την αυθεντικότητα του πίνακα. Φωτογραφία: Robert Caplin για τους New York Times

Οι δύο γυναίκες χαιρέτησαν για λίγο η μία την άλλη και μετά η Rosales απηύθυνε την Πέμπτη τροποποίηση του Συντάγματος των ΗΠΑ, η οποία παρέχει σε έναν πολίτη το δικαίωμα να μην αυτοενοχοποιείται. Από τότε δεν έχουν επικοινωνήσει, σύμφωνα με τους δικηγόρους τους.

Είναι πλέον αδύνατο να πούμε αν μια δικαστική ή ποινική έρευνα θα μπορέσει να δώσει μια πειστική απάντηση στο μυστήριο αυτών των έργων.

Η αυθεντικότητα είναι δύσκολο να επιβεβαιωθεί. Η χρονολόγηση των χρωστικών θεωρείται γενικά μια αξιόπιστη μέθοδος, αλλά αυτό δεν είναι απαραίτητα ένα αποφασιστικό επιχείρημα. Για παράδειγμα, ο διευθύνων σύμβουλος της Golden Artist Colors, Mark Golden, του οποίου ο πατέρας Sam δημιούργησε πειραματικές μπογιές για καλλιτέχνες όπως ο Pollock, δήλωσε την πεποίθησή του ότι ο πατέρας του δεν έφτιαχνε ποτέ κίτρινες χρωστικές ουσίες όπως αυτή στον αμφισβητούμενο πίνακα. Ωστόσο, σημείωσε ότι μεμονωμένα συστατικά αυτών των χρωστικών υπήρχαν πράγματι στα τέλη της δεκαετίας του 1940.

Σε ποινικές υποθέσεις, ο πήχης είναι ακόμη υψηλότερος. Η εισαγγελία πρέπει να αποδείξει ότι τα έργα της Rosales είναι πλαστά - και αυτό συμβαίνει όταν ακόμη και ειδικοί δεν συμφωνούν σε αυτό το θέμα. Και αν εξακολουθούν να είναι πλαστά, οι αρχές πρέπει να αποδείξουν ότι η κ. Rosales συμμετείχε στην απάτη και δεν παραπλανήθηκε επίσης.

Εν τω μεταξύ, ο πίνακας στο κέντρο της πολιτικής αγωγής, Untitled 1950, δεν έχει πλέον θέση στον τοίχο του σαλονιού του κ. LaGrange. Ο πίνακας 15" x 28" έχει μείνει ορφανός στον κόσμο της τέχνης και βρίσκεται σε κάποιο είδος καλλιτεχνικής κόλασης. Και περιμένει είτε να υψωθεί στον ουρανό ως αριστούργημα, είτε να δυσφημιστεί ως ψεύτικο.

Patricia Cohen, New York Times

Μετάφραση από το πρωτότυπο στα ουκρανικά:ΚΕΙΜΕΝΑ , πρωτότυπο"Κατάλληλο για μήνυση" Από PATRICIA COHEN Δημοσίευση: 22 Φεβρουαρίου 2012

Θέλατε καιρό να δοκιμάσετε τις δυνάμεις σας στη ζωγραφική, αλλά δεν μπορούσατε να αποφασίσετε να πάρετε ένα πινέλο και μια παλέτα και να σταθείτε στο καβαλέτο; Όλοι γύρω σας πιστεύουν ότι οι δημιουργικές σας προσπάθειές είναι μια αξιολύπητη βλέμμα; Επομένως, είσαι χαμένος! Αυτό σημαίνει ότι μια επιλογή από πίνακες του Καναδού καλλιτέχνη Kim Dorland θα σας χρησιμεύσει ως μια καλή παρηγοριά. Ή ίσως και έμπνευση.

Οι ειδικοί αποκαλούν το έργο του Dorland " αφελής τέχνη", οι μοχθηροί κριτικοί το βλέπουν ως ένα απρόσεκτο ταλέντο και οι θαυμαστές του αρχικού του ταλέντου πιστεύουν ότι οι πίνακες που δημιουργεί ο Kim είναι ψυχολογικά και στυλιστικά απροσδόκητοι. Και αυτό είναι αλήθεια - κανείς δεν περιμένει, αντί για τα υποσχόμενα τοπία και πορτρέτα, να δει ένα καμβάς σοβατισμένος με μπογιά, πάνω στον οποίο, εξάλλου, ο συγγραφέας δεν άφησε προσεγμένες πινελιές και γραμμές, αλλά τραχιά αυλάκια, σαν να είχε περάσει ένα τρακτέρ μέσα από ένα γονιμοποιημένο και υγρό χωράφι...

Η αρχή με την οποία την σχεδιάζει η Kim Dorland πρωτότυπους πίνακες ζωγραφικής, μπορεί να χαρακτηριστεί με τον ίδιο τρόπο σε μια σύντομη φράση: "Το κύριο πράγμα είναι να μην τσιγκουνευτείτε τη βαφή." Άλλωστε, αν κοιτάξετε καλά, οι πίνακες είναι κυριολεκτικά γδαρμένοι σε ένα παχύ στρώμα λαδιού, με το οποίο ο συγγραφέας αλείφει απλόχερα τους καμβάδες του. Αποδεικνύεται ότι οι πίνακες δεν είναι ζωγραφισμένοι, αλλά γλυπτικοί, σαν να ήταν γλυπτά.

Και ο καλλιτέχνης δεν προσπαθεί για ακρίβεια και ρεαλισμό. Δημιουργεί με ιδιαίτερο ύφος, ένα είδος παιδικής αφαίρεσης, χωρίς να ανησυχεί για τη διατήρηση των αναλογιών, ή την παροχή όγκου στις εικόνες, ή την αισθητική των καμβάδων. Φαίνεται ότι το κύριο καθήκον του συγγραφέα είναι να ρίξει χρώμα στον καμβά όσο πιο περιστασιακά γίνεται, με το αριστερό του χέρι κάτω από το δεξί του γόνατο, για να προσθέσει λεκέδες - αυτό είναι ζωγραφική!
Αν και, μπορεί κάλλιστα να είναι ότι μόνο σε εμάς, τους απλούς ανθρώπους, φαίνεται εύκολο και απλό να σχεδιάσουμε με αυτόν τον τρόπο. Εξάλλου, με τον ένα ή τον άλλο τρόπο, ο Kim Dorland συμμετέχει αρκετά συχνά σε εκθέσεις, οι πίνακές του παρουσιάζονται σε γκαλερί στο Τορόντο, όπου ζει και εργάζεται και πουλάει με επιτυχία τα έργα του τόσο στον Καναδά όσο και στο εξωτερικό.

Σήμερα είναι γεμάτο παράξενοι άνθρωποι, δίνοντας δεκάδες εκατομμύρια δολάρια για τι σε έναν απλό άνθρωπο, όπως κι εμένα, φαίνεται σαν μια ξεκάθαρη επικάλυψη). Σε κάθε περίπτωση, σας προτείνω να εξοικειωθείτε με τους δέκα πιο ακριβούς πίνακες στον κόσμο αυτή τη στιγμή!

Σε κάποιους θα αρέσουν, σε άλλους δεν θα καταλάβουν τέτοια τέχνη, αλλά το ότι υπήρξαν άνθρωποι πρόθυμοι να πληρώσουν πολλά χρήματα γι 'αυτά είναι αδιαμφισβήτητο γεγονός.

Λοιπόν, το νούμερο 10 στη λίστα οι πιο ακριβοί πίνακεςέχουμε τον πίνακα του Gustav Klimt «Second Portrait of Adele Bloch-Bauer», που βγήκε στο σφυρί για 89,1 εκατομμύρια δολάρια. Λίγη ιστορία. Το 1912, ο Αυστριακός καλλιτέχνης Gustav Klimt ζωγράφισε ένα πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer II, της συζύγου του Ferdinand Bloch-Bauer, ενός πλούσιου βιομήχανου της εποχής που ήταν χορηγός. διαφορετικών τύπωντέχνη, συμπεριλαμβανομένου του ίδιου του Gustav Klimt) Η Adele Bloch-Bauer ήταν το μόνο μοντέλο που ο Klimt ζωγράφισε δύο φορές - εμφανίζεται επίσης στο "Πρώτο πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer". Προφανώς ο Ferdinand υποστήριξε καλά τον καλλιτέχνη.)

9η θέση - μια αυτοπροσωπογραφία του Βίνσεντ Βαν Γκογκ, για την οποία πλήρωσαν 90,1 εκατομμύρια δολάρια σε δημοπρασία Γενικά, ο Δανός Βαν Γκογκ λάτρευε να ζωγραφίζει αυτοπροσωπογραφίες - και όλα αυτά, μαζί με τα περίφημα «Ηλιοτρόπια», είναι δημοφιλή. και είναι οι πιο διάσημοι πίνακές του. Συνολικά, ζωγράφισε περισσότερες από 12 αυτοπροσωπογραφίες κατά την περίοδο από το 1886 έως το 1889

Στην 8η θέση βρίσκεται ο πίνακας «Dora Maar with a Kitten» του Pablo Picasso, η τιμή του οποίου ήταν 97 εκατομμύρια δολάρια. Ο πίνακας, ζωγραφισμένος το 1941, δείχνει την Κροάτη ερωμένη του Πικάσο, Ντόρα Μάαρ, να κάθεται σε μια καρέκλα με ένα γατάκι στον ώμο της (αν και μοιάζει περισσότερο σαν το γατάκι να περπατά ακόμα στην πλάτη της καρέκλας). Όταν είδα αυτή την εικόνα, ξαφνικά συνειδητοποίησα ότι τα γατάκια του Πικάσο ήταν τα καλύτερα))

Την 7η θέση κατέχει και πάλι ο πίνακας του Βαν Γκογκ, μόνο που αυτή τη φορά δεν είναι αυτοπροσωπογραφία) Ο αγοραστής έπρεπε να πληρώσει 97,5 εκατομμύρια δολάρια για τον πίνακα "Irises", αλλά τουλάχιστον μοιάζει λίγο πολύ με τον πίνακα - δεν θα το έκανα μετανιώνω 10 δολάρια για αυτό! Αυτό είναι ένα από τα πρώτα έργα του Βαν Γκογκ, που γράφτηκε κατά την παραμονή του στο St. Ο Paul de Moussol στη γαλλική επαρχία Sanremo ένα χρόνο πριν από το θάνατό του το 1890

Στην 6η γραμμή - πάλι Πικάσο) Φαίνεται ότι αποφάσισαν να «μετρήσουν» τον Βαν Γκογκ =) Σε κάθε περίπτωση, για τον πίνακα του Πάμπλο Πικάσο «Boy with a Pipe» από την προσωπική συλλογή του John Hay Whitney στη δημοπρασία του Sotheby's στη Νέα Υόρκη, στις 5 Μαΐου 2004, έδωσαν 104,1 εκατομμύρια δολάρια με αρχική τιμή 70 εκατομμύρια δολάρια. Ωστόσο, πολλοί ιστορικοί τέχνης πιστεύουν ότι μια τόσο υπερβολική τιμή συνδέθηκε πιθανότερα με το μεγάλο όνομα του καλλιτέχνη παρά με την πραγματική ιστορική αξία της ζωγραφικής του

5η θέση, θα λέγαμε, ο ισημερινός της λίστας οι πιο ακριβοί πίνακες, που καταλαμβάνεται από τον Pierre-Augustus Renoir με τον πίνακα «Ball in Montmartre». Την εποχή της πώλησης, αυτός ο πίνακας, μαζί με το Πορτρέτο του Δρ Γκασέ του Βαν Γκογκ, ήταν ο πιο ακριβός πίνακας που πουλήθηκε ποτέ - και οι δύο ανήκαν στον Ιάπωνα βιομήχανο Σάιτο. Συνδέεται μαζί του ενδιαφέρουσα ιστορία- γεγονός είναι ότι ο Σάιτο κληροδότησε μετά τον θάνατό του (που συνέβη το 1991) να αποτεφρωθούν μαζί του αυτοί οι δύο πίνακες, γεγονός που προκάλεσε κύμα αγανάκτησης σε όλο τον κόσμο. Ωστόσο, οι συνεργάτες του αποφάσισαν να κάνουν διαφορετικά και, αντιμέτωποι με την απειλή της χρεοκοπίας, πούλησαν τον Renoir στους Sotheby's για 122,8 εκατομμύρια δολάρια - ο αγοραστής θέλησε να παραμείνει ανώνυμος, αλλά υποτίθεται ότι ο πίνακας βρίσκεται τώρα στην Ελβετία

Στην 4η θέση βρίσκεται και πάλι ο Βαν Γκογκ, με το προαναφερθέν «Πορτρέτο του γιατρού Γκασέ». Υπάρχουν στην πραγματικότητα δύο εκδοχές αυτού του πίνακα, και οι δύο ζωγραφισμένες το 1890 τελευταίους μήνεςζωή ενός καλλιτέχνη - και στα δύο, ο γιατρός κάθεται στο τραπέζι, ακουμπώντας το κεφάλι του δεξιόστροφος, αλλά η διαφορά μεταξύ τους φαίνεται ακόμα και με γυμνό μάτι. Αυτός ο πίνακας πουλήθηκε για 129,7 εκατομμύρια δολάρια.

Αναφέραμε ήδη τον πίνακα που βρίσκεται στο «χάλκινο», το τρίτο βήμα της λίστας μας, στην αρχή - αυτό είναι «Το πρώτο πορτρέτο της Adele Bloch-Bauer» του Gustav Klimt. Όπως μπορείτε να δείτε, αυτό το πορτρέτο αποδείχθηκε καλύτερο και πιο ακριβό) Ζωγραφίστηκε το 1907 και, σύμφωνα με πληροφορίες από εξειδικευμένες πηγές, πουλήθηκε το 2006 στον ιδιοκτήτη της γκαλερί της Νέας Υόρκης Neue Galerie Ronald Lauder για 135 εκατομμύρια δολάρια, το οποίο έκανε ο πίνακας ο πιο ακριβός ποτέ ή αυτοί που πωλούνταν εκείνη την εποχή

Στη δεύτερη θέση είναι ένα εντελώς ακατανόητο ντύσιμο που ονομάζεται "Woman 3" από τον αφηρημένο εξπρεσιονιστή Willem de Kooning, αν και αν κοιτάξετε τον ίδιο τον καλλιτέχνη και τους άλλους πίνακές του, μπορείτε βασικά να πείτε ότι αυτή είναι η κορωνίδα του έργου του))) " Το Woman "3" είναι ένας από τους έξι πίνακες του καλλιτέχνη, κεντρικό θέμαστον οποίο, παραδόξως, υπάρχει μια γυναίκα) Ο καμβάς διαστάσεων 170 επί 121 cm ζωγραφίστηκε το 1953 και τον Νοέμβριο του 2006 πουλήθηκε από τον David Geffen στον δισεκατομμυριούχο Steven Cohen για 137,5 εκατομμύρια δολάρια, γεγονός που τον έκανε τον δεύτερο πιο ακριβό πίνακα στον κόσμο πουλήθηκε ποτέ

Λοιπόν, νούμερο ένα στη λίστα “Οι πιο ακριβοί πίνακες στον κόσμο”αυτή τη στιγμή είναι το "No 5, 1948", γραμμένο από τον Jackson Pollock - Αμερικανός καλλιτέχνης, ο οποίος συνέβαλε σημαντικά στο κίνημα του αφηρημένου εξπρεσιονισμού. Ο πίνακας ζωγραφίστηκε σε ένα φύλλο ινοσανίδας 2,5 x 1,2 μέτρων εφαρμόζοντας μια μικρή ποσότητα καφέ και κίτρινων πιτσιλιών στην κορυφή, κάνοντας τον πίνακα να μοιάζει με μια τεράστια φωλιά. Αυτό το αριστούργημα του Πόλοκ πουλήθηκε για ένα ρεκόρ 142,7 εκατομμυρίων δολαρίων.

lifeglobe.net/entry/1228