Εκθεσιακός αγώνας στο Θέατρο Μπολσόι του 1933. Η όπερα «Κάρμεν» επιστρέφει στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι. Καλλιτεχνικοί διευθυντές της όπερας

Στα 82α γενέθλιά του, στις 25 Μαΐου, το Θέατρο Όπερας και Μπαλέτου Μπολσόι άνοιξε τις πόρτες του στους θεατές και τους άφησε να μπουν στα σπλάχνα του: στη σκηνή και ακόμη και κάτω από τη στέγη. Περισσότεροι από δύο χιλιάδες άνθρωποι που εγγράφηκαν για εκδρομές είδαν τα Μπολσόι από μέσα και έμαθαν πώς προετοιμάζεται για παραστάσεις, πώς γίνονται οι πρόβες και πώς δημιουργείται το σκηνικό.

"Όταν κάνεις κάτι για πρώτη φορά, όλοι το θεωρούν περιπέτεια. Αυτό συνέβη με το Χριστουγεννιάτικο Φόρουμ της Όπερας, το Grand Ball, τις βραδιές του θεάτρου Μπολσόι στο Κάστρο Radziwill, τον Διεθνή Διαγωνισμό Φωνητικής... Όλα γίνονται για πρώτη φορά και μετά όλα τα καλά γίνονται παράδοση», είπε ο γενικός διευθυντής του θεάτρου Μπολσόι την πανηγυρική ημέρα Βλαντιμίρ Γκριντιούσκοστο γραφείο του.

Τον χειμώνα, ανακοίνωσαν έναν εσωτερικό διαγωνισμό για προτάσεις για το πώς να γιορτάσουν τα γενέθλια του θεάτρου. Μεταξύ άλλων ιδεών, ο επικεφαλής μάρκετινγκ και διαφήμισης Τατιάνα Αλεξάντροβακαι αναπληρωτής γενικός διευθυντήςΣβετλάνα Καζιουλίναπρότεινε να δείξει την εσωτερική ζωή των Μπολσόι αυτήν την ημέρα.

"Όταν ένας άνθρωπος έρχεται στο θέατρο, τα βλέπει όλα σε εορταστικό σχήμα. Αλλά δεν μπορούν όλοι να καταλάβουν τι σημαίνει να δημιουργείς μια παράσταση. Είναι σκληρή δουλειά», ο Βλαντιμίρ Γκριντιούσκο εξήγησε γιατί του άρεσε η ιδέα. Αυτή την ιδέα μετέφεραν στους επισκέπτες στις διακοπές 20 ξεναγοί, ειδικά εκπαιδευμένοι υπάλληλοι του θεάτρου.

Πίσω στη δεκαετία του 20, μια όπερα και θίασος μπαλέτου, χορωδία και ορχήστρα. Το 1924, δημιουργήθηκε ένα μουσικό κολέγιο και ένα χρόνο αργότερα εμφανίστηκαν τμήματα όπερας και μπαλέτου στη βάση του κολεγίου. Στη συνέχεια, το 1930, εμφανίστηκαν στούντιο όπερας και μπαλέτου και στις 25 Μαΐου 1933, πραγματοποιήθηκε η πρεμιέρα της όπερας «Carmen» στη σκηνή του σημερινού θεάτρου Kupala. Κρατικό Θέατροόπερας και μπαλέτου της BSSR. Το κύριο κόμμαερμηνεύεται από τη Larisa Pompeevna Alexandrovskaya. Αξιοσημείωτο είναι ότι η όπερα ήταν στα Λευκορωσικά, η Κάρμεν ήταν η ηρωίδα του προλεταριάτου και οι λαθρέμποροι πολέμησαν την αδικία. Το 1935, η Κάρμεν ανέβηκε ξανά, επίσης στη λευκορωσική γλώσσα, αλλά χωρίς την προλεταριακή αίσθηση.

Το 1939 χτίστηκε το σημερινό κτίριο του θεάτρου Μπολσόι και η πρώτη όπερα ήταν ο Mikhas Padgorny. Μαζί με το «Flower of Happiness» και το μπαλέτο «Nightingale», προβλήθηκε στο δεκαήμερο της λευκορωσικής τέχνης στη Μόσχα το 1940. Παράλληλα, το θέατρο έλαβε τον τίτλο του Μπολσόι. Το 1964, το θέατρο έλαβε τον τίτλο του ακαδημαϊκού και το 1996 - εθνικό.

Στις 14 Ιουνίου, τα Μπολσόι θα φιλοξενήσουν την όγδοη παραγωγή της Κάρμεν στην ιστορία του θεάτρου. Η διοίκηση του θεάτρου αποκάλυψε το μυστικό και είπε ότι οι καλλιτέχνες μάθαιναν φλαμένκο και Σεβιγιάνα.

Όταν δεν υπάρχει παράσταση, η σκηνή κλείνει με κουρτίνα φωτιάς. Ο μηχανικός Anatoly σήκωσε ειδικά την αυλαία για λίγο στην ανοιχτή μέρα και το αμφιθέατρο εμφανίστηκε - με την πρώτη ματιά τόσο μικρό από τη σκηνή.

Στην ίδια τη σκηνή υπάρχουν επτά τρίποδα με προβολείς και τέσσερις ακόμη πλαϊνοί πύργοι για φωτισμό. Κάθε προβολέας περιστρέφεται σε οποιοδήποτε επίπεδο ανεξάρτητα από το άλλο. Αυτό σας επιτρέπει να δημιουργήσετε τον απαραίτητο φωτισμό για την απόδοση. Όλοι οι μηχανικοί σταδίου ελέγχονται χρησιμοποιώντας ηλεκτρονικό τηλεχειριστήριο και οθόνη αφής. Υπάρχουν 21 πλατφόρμες κάτω από τη σκηνή, οι οποίες μπορούν να ανυψωθούν ξεχωριστά και να αλλάξουν την κλίση. Η ίδια η σκηνή, σύμφωνα με τους κανόνες, έχει κλίση 4 μοιρών.

Ο πολυέλαιος στο αμφιθέατρο, με διάμετρο 4 μέτρα και βάρος 1200 κιλά, αποτελείται από 30 χιλιάδες μενταγιόν, 500 λαμπτήρες συνδεδεμένους χρησιμοποιώντας σύρματα 1 χλμ. Μετά το κλείσιμο της σεζόν, ο πολυέλαιος κατεβαίνει και μπορείτε να δείτε ότι είναι διπλάσιο από το ύψος ενός ανθρώπου.

Με υψωμένη κουρτίνα φωτιάς

Σκηνή χωρίς κουρτίνα φωτιάς. Μετά την ανακατασκευή του θεάτρου, που έγινε από το 2006 έως το 2009, οι δομές εξασφαλίστηκαν. Υπάρχει χρονοδιάγραμμα για τακτική επιθεώρηση των χώρων, όταν μετρώνται οι παραμικρές αλλαγές.

Υπάρχει μια μικρή αίθουσα με στηρίγματα κοντά στη σκηνή, έτσι ώστε κύπελλα, σπαθιά, σπαθιά, μάσκες και μπουκάλια να είναι στη διάθεσή σας για τις γιορτές της σκηνής.

Την ανοιχτή μέρα, το θέατρο ετοιμαζόταν για το βραδινό μπαλέτο «Η Ωραία Κοιμωμένη». Στη σκηνή σηκώθηκε από το πάτωμα χρηματοκιβώτιο, στο οποίο φυλάσσονται απαλά διακοσμητικά. Κάθε ένα από τα τέσσερα επίπεδα περιέχει τρία σετ διακοσμήσεων. Όλα φέρουν ετικέτα, ώστε οι εργαζόμενοι να γνωρίζουν σε ποια δοκό να δέσουν την κουρτίνα.

Άνω μέρος θεατρική σκηνή- ράβδοι σχάρας. Βρίσκονται ψηλά πάνω από τη σκηνή και καλύπτονται με μπάρες για να χαμηλώνουν το τοπίο. Ειλικρινά, ακόμα και σε επίπεδο πάτωμα αισθάνεστε άβολα και τα πόδια σας υποχωρούν όταν κοιτάτε κάτω μέσα από τις ρωγμές. Οι ράβδοι σχάρας περιέχουν κινητήρες ικανούς να ανυψώσουν έως και 1 κιλό διακοσμητικών.

Μπάρες σχάρας. Το πιο μυστικιστικό δωμάτιο κάτω από τη στέγη των Μπολσόι.

Σύμφωνα με αυτήν, τον πρώτο χρόνο εργασίας χάνονται και οι ίδιοι οι εργαζόμενοι. Αλλά ο τζίρος στο θέατρο είναι χαμηλός, οι άνθρωποι εργάζονται για δεκαετίες, επομένως πλοηγούνται σχεδόν διαισθητικά, συμπεριλαμβανομένης της αίθουσας με κοστούμια.

Η ίδια η Ναταλία θυμάται ήδη από καρδιάς πού φυλάσσεται κάθε κοστούμι. Είναι δύσκολο για έναν άπειρο να το πιστέψει αυτό, γιατί χωρίς προετοιμασία σε μια τέτοια μάζα κοστουμιών, ακόμη και με τις υπογραφές κάθε σειράς, θα ήταν δύσκολο να βρεις κάτι. Πήγαμε στη μεγαλύτερη αποθήκη, και υπάρχουν άλλα 11 από αυτά στο θέατρο, αλλά μικρότερα σε μέγεθος.

Μια παράσταση μπορεί να περιλαμβάνει 250-300 κοστούμια, και για τον ενδυματολόγο αυτή είναι μια κουραστική μέρα: όλα τα κοστούμια μεταφέρονται με το χέρι ή με καροτσάκια. " Ο ενδυματολόγος πρέπει να έχει καλή μνήμηγια να θυμάστε ποια κάλτσα ή μαντήλι είναι ποια», λέει η Natalya Kharabrova.

Περιοδικά, ο σταθμός υγιεινής έρχεται στις αποθήκες και τις περιποιείται για την πρόληψη σκόρων και σκόνης. Μετά την παράσταση, μερικά κοστούμια πλένονται, άλλα στεγνό καθάρισμα, μερικά πλένονται στο χέρι σε ειδικό πλυντήριο. Σύμφωνα με τον ενδυματολόγο, όλα τα ρούχα της παράστασης είναι μοναδικά, «είναι αδύνατο να τα επαναλάβεις» και αυτός είναι ο λόγος που το θέατρο δεν τα νοικιάζει – είναι σαν έργο τέχνης. Και μερικά κοστούμια έχουν διατηρηθεί για δεκαετίες, όπως τα δερμάτινα για το μπαλέτο "Spartacus" - βρίσκονται στα Μπολσόι από τη δεκαετία του '80.

Ωστόσο, το θέατρο δεν θα σταματήσει να ανοίγει τις πόρτες του. Το αγόρι γενεθλίων ετοιμάζει ήδη πιστοποιητικά για παραστάσεις για την επόμενη σεζόν. Σύμφωνα με τον σκηνοθέτη, όταν δίνονται ως δώρο εισιτήρια θεάτρου, ο άνθρωπος δεν έχει πάντα τη δυνατότητα να πάει σε μια συγκεκριμένη παράσταση μια συγκεκριμένη ώρα. Το πιστοποιητικό θα σας επιτρέψει να αγοράσετε οποιοδήποτε εισιτήριο για οποιαδήποτε στιγμή για το καθορισμένο ποσό.

Το 1970, ο Andzhaparidze επέστρεψε στην Όπερα της Τιφλίδας. Ήταν σε εξαιρετική φωνητική φόρμα, συνεχίζοντας δημιουργική καριέραστη γεωργιανή σκηνή. Έχοντας συναρπάσει το κοινό με τις Radames του στην Aida, ο τραγουδιστής έπαιξε εκεί για πρώτη φορά στον πιο δύσκολο ρόλο του Οθέλλου στην όπερα του Βέρντι, που αποτελεί υπογραφή ρόλου για έναν δραματικό τενόρο. Ταυτόχρονα (μέχρι το 1977) παρέμεινε προσκεκλημένος σολίστ του θεάτρου Μπολσόι, συνεχίζοντας να τραγουδά στη σκηνή του, αγαπημένος του ίδιου και των ακροατών του, Χέρμαν, και λιγότερο συχνά - Ντον Κάρλος, Χοσέ και Καβαραντόσι.
«Θα εκφράσω μια, ίσως παράδοξη, σκέψη», μοιράστηκε ο καλλιτέχνης τα συναισθήματά του στο κοινό. – Είναι πιο κερδοφόρο και βολικό για έναν ηθοποιό να τραγουδήσει στην Τιφλίδα - το κοινό εδώ είναι πιο συναισθηματικό και, με την καλή έννοιααυτή η λέξη μας συγχωρεί, τους καλλιτέχνες, περισσότερα, που έχει και καλή εκπαιδευτική σημασία. Όσο πιο δύσκολο είναι. Αλλά αν έχετε ήδη γίνει δεκτός, τότε αυτό είναι! Αυτό που ειπώθηκε δεν αναιρεί, φυσικά, την απλή αλήθεια, την ίδια και για το κοινό της Τιφλίδας και της Μόσχας: αν δεν τραγουδάς άσχημα, τυγχάνουν κακής υποδοχής, αν τραγουδάς καλά, γίνονται δεκτά καλά. Εξάλλου, κατά κανόνα, το περιστασιακό κοινό δεν πηγαίνει στην όπερα».

«La Traviata». Alfred – Z. Andzhaparidze, Germont – P. Lisitsian

Από το 1972, ο Zurab Andzhaparidze είναι δάσκαλος, καθηγητής στο Ωδείο της Τιφλίδας, τότε επικεφαλής του τμήματος μουσικών κλάδων στο Ωδείο Τιφλίδας. θεατρικό ινστιτούτο. Το 1979–1982 - διευθυντής του Θεάτρου Όπερας και Μπαλέτου της Τιφλίδας. Εργάστηκε επίσης ως σκηνοθέτης στην Όπερα του Κουτάισι (ανέβασε τις όπερες «Μίντια» του Ο. Τακτακισβίλι, «Λέιλα» του Ρ. Λαγκιτζέ, «Νταΐσι» του Ζ. Παλιάσβιλι), σε θέατρα της Τιφλίδας και του Ερεβάν. Συμμετείχε στη δημιουργία κινηματογραφικών εκδόσεων των όπερων του Παλιάσβιλι «Abesalom and Eteri» και «Daisi».
Όχι συχνά, αλλά του άρεσε να παίζει στη σκηνή της συναυλίας, μαγνητίζοντας τους ακροατές με την ηλιόλουστη, αστραφτερή φωνή και την καλλιτεχνική του γοητεία ως ερμηνευτής ρομάντζων των P.I Tchaikovsky, N.A. Rimsky-Korsakov, S.V. Rachmaninov, Ναπολιτάνικα τραγούδια, φωνητικούς κύκλους O. Taktakishvili. Ήταν μέλος της κριτικής επιτροπής διεθνών διαγωνισμών φωνητικής, συμπεριλαμβανομένου του V International Competition με το όνομα P.I. Τσαϊκόφσκι (1974). Πρώτος Πρόεδρος Διεθνής διαγωνισμόςπήρε το όνομά του από τον D. Andguladze (Batumi, 1996).
Ένα φιλικό άτομο, ανταποκρινόμενο σε πραγματικό ταλέντο, ο Zurab Andzhaparidze κάποτε έδωσε την αρχή στη ζωή σε πολλούς τραγουδιστές, συμπεριλαμβανομένων των σολίστ του θεάτρου Μπολσόι Makvala Kasrashvili, Zurab Sotkilava, Badri Maisuradze. Στη Γεωργία ήταν το καμάρι του έθνους.
Έχοντας λάβει τον τίτλο του Λαϊκού Καλλιτέχνη της ΕΣΣΔ το 1966, στην 190η επέτειο του θεάτρου Μπολσόι, ο τραγουδιστής έλαβε στη συνέχεια πολλά υψηλά βραβεία: το Κρατικό Βραβείο της Γεωργιανής SSR. Z. Paliashvili (1971); Order of the Red Banner of Labor (1971); Τάγμα της Οκτωβριανής Επανάστασης (1981).
Ο Ζουράμπ Ιβάνοβιτς πέθανε στην Τιφλίδα ανήμερα των γενεθλίων του. Θαμμένος στο πάρκο της Τιφλίδας όπεραδίπλα στους φωστήρες της γεωργιανής μουσικής όπερας Zakhary Paliashvili και Vano Sarajishvili.
Στη δεκαετία 1960-1970, η εταιρεία Melodiya δημοσίευσε ηχογραφήσεις σκηνών όπερας με τον Zurab Andzhaparidze στους ρόλους των Radamès, Herman, Jose, Vaudemont, Othello με την Ορχήστρα του Θεάτρου Μπολσόι (μαέστροι A.Sh. Melik-Pashaev, M.E.F.Khaik, B.E.F. ). Με τη συμμετοχή του τραγουδιστή, η ηχογραφική εταιρεία Melodiya ηχογράφησε την όπερα " Βασίλισσα των Μπαστούνι«με σολίστ, χορωδία και ορχήστρα του θεάτρου Μπολσόι (1967, μαέστρος B.E. Khaikin).
Το Ίδρυμα Evgeniy Svetlanov κυκλοφόρησε ένα CD με ηχογράφηση της όπερας "Tosca" 1967 (Κρατικό συμφωνική ορχήστρα p/u Ε.Φ. Svetlanova) με τον T.A. Milashkina και Z.I. Andzhaparidze στους βασικούς ρόλους. Αυτό το αριστούργημα ερμηνείας επαναφέρει δύο μεγάλες φωνές του περασμένου αιώνα στους σύγχρονούς τους.
Στη συλλογή του Κρατικού Ταμείου Τηλεόρασης και Ραδιοφωνίας, η φωνή του τραγουδιστή ακούγεται επίσης στους ρόλους των Don Carlos, Manrico (Don Carlos, Il Trovatore του G. Verdi), Nemorino (Elisir of Love του G. Donizetti), Canio. (Pagliacci του R. Leoncavallo), Turiddu («Rural Honor» του P. Mascagni), Des Grieux, Calaf («Manon Lescaut», «Turandot» του G. Puccini), Abesalom, Malkhaz («Abesalom and Eteri», « Daisi» του Z. Paliashvili).
«Συχνά σήμερα, όταν ακούς ηχογραφήσεις τραγουδιστών των περασμένων ετών, πολλά είδωλα του παρελθόντος χάνουν το φωτοστέφανό τους», λέει ο κορυφαίος βαρύτονος του θεάτρου Μπολσόι Βλαντιμίρ Ρέντκιν, συμμετέχων σε μια γκαλά συναυλία στη μνήμη του καλλιτέχνη στην Όπερα της Τιφλίδας. και Ballet Theatre που πήρε το όνομά του από τον Paliashvili ένα χρόνο μετά τον θάνατο του τραγουδιστή. – Τα κριτήρια για τη φωνητική μαεστρία, τον τρόπο, το στυλ έχουν αλλάξει πολύ και μόνο αληθινά ταλέντα έχουν αντέξει στη δοκιμασία του χρόνου. Η φωνή του Zurab Andzhaparidze, η τραγουδιστική του προσωπικότητα ακούγεται απόλυτα και ακούγεται τώρα. Η ευκολία του ήχου, η απαλή χροιά, η ένταση του ήχου, η καντήλα του - όλα αυτά παραμένουν.»
Η μνήμη του εξαιρετικού τενόρου τιμάται στην πατρίδα του - στη Γεωργία. Στην πέμπτη επέτειο του θανάτου του καλλιτέχνη, μια χάλκινη προτομή του γλύπτη Otar Parulava τοποθετήθηκε στον τάφο του στο πάρκο της Όπερας της Τιφλίδας. Στο σπίτι 31 της οδού Paliashvili, όπου διέμενε ο τραγουδιστής, έγινε το 1998 τα αποκαλυπτήρια μιας αναμνηστικής πλακέτας. Καθιερώθηκε το βραβείο Zurab Andzhaparidze, πρώτος βραβευμένος του οποίου ήταν ο Γεωργιανός τενόρος T. Gugushvili. Ένα ίδρυμα με το όνομα Zurab Andzhaparidze δημιουργήθηκε στη Γεωργία.
Το 2008, με αφορμή τα 80ά γενέθλια του Ζουράμπ Ιβάνοβιτς, κυκλοφόρησε το βιβλίο "Zurab Andzhaparidze" (Μ., που συντάχθηκε από τον V. Svetozarov).
T.M.

Antarova Concordia Evgenievna
μέτζο-σοπράνο
1886–1959

Η Concordia Evgenievna Antarova, μια εξαιρετική τραγουδίστρια της όπερας και του δωματίου, ήταν πολύ γνωστή στη δεκαετία του 20 και του 30 του εικοστού αιώνα. Ήταν λαμπερή ενδιαφέρουσα προσωπικότητα, στην μοίρα του οποίου μπλέκονται οι ευτυχισμένοι δημιουργικά επιτεύγματακαι θλιβερές δοκιμασίες ζωής.
Ο τραγουδιστής γεννήθηκε στη Βαρσοβία στις 13 Απριλίου 1886 (25). Ο πατέρας του υπηρετούσε στο Τμήμα Δημόσιας Εκπαίδευσης, η μητέρα του έκανε μαθήματα ξένων γλωσσών. Υπήρχαν πολλοί ακτιβιστές στην οικογένεια. Από τους προγόνους της, η Cora κληρονόμησε τον πολιτισμό, την αποφασιστικότητα και το σθένος.
Σε ηλικία έντεκα ετών, το κορίτσι έχασε τον πατέρα της και στα δεκατέσσερα τη μητέρα της. Εργάστηκε με μερική απασχόληση δίνοντας ιδιαίτερα μαθήματα και μπόρεσε να τελειώσει το λύκειο. Όταν δυσκόλεψε αφόρητα, πήγα σε ένα μοναστήρι. Εδώ έμαθε σκληρή δουλειά, υπομονή, καλοσύνη και εδώ αποκαλύφθηκε η καταπληκτική φωνή της - ένα όμορφο βαθύ κοντράλτο, και τραγούδησε με ευχαρίστηση στη χορωδία της εκκλησίας. Το ταλέντο έπαιξε καθοριστικό ρόλο στη μετέπειτα ζωή της. Με την ευλογία του Ιωάννη της Κρονστάνδης, η Αντάροβα επέστρεψε στον κόσμο.
Το 1904 αποφοίτησε από την Ιστορική και Φιλολογική Σχολή των Ανωτάτων Γυναικείων Μαθημάτων στην Αγία Πετρούπολη και έλαβε πρόσκληση στο Τμήμα Φιλοσοφίας. Αλλά την έλκυε ακαταμάχητα το θέατρο, ονειρευόταν να τραγουδήσει. Η Antarova πήρε ιδιαίτερα μαθήματα από τον καθηγητή I.P. Pryanishnikov, σπούδασε μαζί του στο Ωδείο της Αγίας Πετρούπολης. Κέρδισε τα προς το ζην και την εκπαίδευσή της μέσα από μαθήματα, νυχτερινές βάρδιες, δίδασκε σε εργοστασιακή σχολή και προσπάθησε επίμονα για τον επιθυμητό στόχο της.
Το 1901–1902 εμφανίστηκε στην Αγία Πετρούπολη Σπίτι του Λαούστις όπερες «Βακούλα ο Σιδηρουργός» του Ν.Φ. Solovyov ως Solokha και «Boris Godunov» του M.P. Ο Μουσόργκσκι ως Πανδοχέας.
Το 1907, αφού αποφοίτησε από το ωδείο, έχοντας αντέξει τον πιο δύσκολο διαγωνισμό των εκατόν εξήντα υποψηφίων, έγινε δεκτή στον θίασο Θέατρο Μαριίνσκι.
Ένα χρόνο αργότερα μετακόμισε στο Θέατρο Μπολσόι της Μόσχας, όπου εργάστηκε (με ένα διάλειμμα το 1930–1932) μέχρι το 1936, όντας ένας από τους κορυφαίους σολίστ στην ομάδα του κοντράλτο: εκείνη την εποχή το θέατρο είχε μεγάλη ανάγκη από τέτοιες φωνές.
Το ρεπερτόριο του τραγουδιστή περιελάμβανε είκοσι έναν ρόλους σε ρωσικές και δυτικές κλασικές όπερες. Αυτοί είναι: ο Ratmir στο «Ruslan and Lyudmila» και ο Vanya στο «Ivan Susanin» του M.I. Γκλίνκα; Πριγκίπισσα στη «Ρουσάλκα» του Α.Σ. Dargomyzhsky, Genius στο «The Demon» του A.G. Ο Ρουμπινστάιν, η Πωλίνα και η Κοντέσα στο «The Queen of Spades», η Όλγα και η Νταντά στον «Ευγένιος Ονέγκιν», η Μάρθα στο «Iolanta» του P.I. Τσαϊκόφσκι; Konchakovna στο "Prince Igor" του A.P. Borodina, Egorovna στο "Dubrovsky" E.F. Ναπράβνικ. Αρκετοί ρόλοι σε όπερες του Ν.Α. Rimsky-Korsakov - Alkonost στο "The Tale of the City of Kitezh", Nezhata και Lyubava στο "Sadko", Lel στο "The Snow Maiden", Dunyasha στο "The Tsar's Bride" (Η Antarova ήταν η πρώτη ερμηνεύτρια αυτού του ρόλου στο Θέατρο Μπολσόι).
Ανάμεσα στις ξένες όπερες στο ρεπερτόριο του τραγουδιστή ήταν οι ρόλοι του Schvertleit στο Die Walküre, του Floschild στο Twilight of the Gods και του Erda στο Das Rheingold του R. Wagner (ο πρώτος ερμηνευτής στο Μπολσόι).

«Πρίγκιπας Ιγκόρ». Konchakovna – K. Antarova, Vladimir Igorevich – A. Bogdanovich

Η K. Antarova συμμετείχε στις πρώτες παραγωγές των σοβιετικών όπερας "The Stupid Artist" του I.P. Shishova (το μέρος της Δροσίδας) και το «Breakthrough» του S.I. Ποτότσκι (το κόμμα της Αφίμια). Ο τραγουδιστής εργάστηκε υπό την καθοδήγηση των διάσημων σκηνοθετών P.I. Melnikova, A.I. Μπάρτσαλα, Ι.Μ. Lapitsky, R.V. Vasilevsky, V.A. Lossky; εξαιρετικοί μαέστροι V.I. Σκύλα, Ε.Α. Cooper, M.M. Ippolitova-Ivanova και άλλοι επικοινώνησε δημιουργικά με τον F.I. Shalyapin, A.V. Nezhdanova, S.V. Rachmaninov, K.S. Stanislavsky, V.I. Ο Κατσάλοφ...
Οι συνάδελφοι εκτιμούσαν ιδιαίτερα την Κ.Ε. Antarov ως τραγουδιστής και ηθοποιός.
«Η Antarova είναι ένας από εκείνους τους εργαζόμενους καλλιτέχνες που δεν σταματούν στις φυσικές τους ικανότητες, αλλά πάντα προχωρούν ακούραστα στο μονοπάτι της βελτίωσης», είπε γι 'αυτήν ο εξαιρετικός μαέστρος V.I. Μια σκύλα που δεν ήταν εύκολο να κερδίσει τον έπαινο.
Αλλά η γνώμη του L.V. Sobinova: «Είχε πάντα μια υπέροχη φωνή, εξαιρετική μουσικότητα και καλλιτεχνικές ικανότητες, που της έδωσαν την ευκαιρία να πάρει μια από τις πρώτες θέσεις στον θίασο του θεάτρου Μπολσόι. Παρακολούθησα τη συνεχή καλλιτεχνική ανάπτυξη της καλλιτέχνιδας, τη συνειδητή δουλειά της πάνω στη φυσικά πλούσια φωνή της, με μια πρωτότυπη όμορφη χροιά και μεγάλη γκάμα».
"Η Kora Evgenievna Antarova κατείχε πάντα μια από τις πρώτες θέσεις στο θίασο του θεάτρου Μπολσόι όσον αφορά τις καλλιτεχνικές της ικανότητες", επιβεβαίωσε επίσης η M.M. Ιππολίτοφ-Ιβάνοφ.
Ένας από τους καλύτερους ρόλους του τραγουδιστή ήταν αυτός της κοντέσσας. Η Κ. Αντάροβα έγραψε αργότερα για τη δουλειά σε αυτό για αρκετά χρόνια: «Ο ρόλος της κοντέσσας στην όπερα του Τσαϊκόφσκι Η Βασίλισσα των Μπαστούνι ήταν ο πρώτος μου ρόλος ως «γριά». Ήμουν ακόμη πολύ νέος, συνηθισμένος να παίζω μόνο σε νεανικούς ρόλους, και ως εκ τούτου, όταν η ορχήστρα του θεάτρου Μπολσόι μου ζήτησε να τραγουδήσω αυτόν τον ρόλο στην ευεργετική της παράσταση, ήμουν και μπερδεμένος και αμήχανος. Η παράσταση σε αυτή την τελετουργική παράσταση ήταν ιδιαίτερα τρομακτική, αφού ο διευθυντής του Ωδείου της Μόσχας Safonov, ο οποίος ήταν ασυνήθιστα απαιτητικός και αυστηρός, κλήθηκε να τη διευθύνει. Δεν είχα σκηνική εμπειρία. Δεν είχα ιδέα πώς μια ηλικιωμένη γυναίκα έπρεπε να σηκωθεί, να καθίσει, να κινηθεί ή ποιος πρέπει να είναι ο ρυθμός των εμπειριών της. Αυτές οι ερωτήσεις με βασάνιζαν καθ' όλη τη διάρκεια που μάθαινα το μουσικό μέρος της Κοντέσας και δεν μπορούσα να βρω απάντηση σε αυτές.

Κόμισσα. "Βασίλισσα των Μπαστούνι"

Τότε αποφάσισα να βρω τον A.P. στη Μόσχα. Η Krutikova, πρώην καλλιτέχνης του θεάτρου Μπολσόι, η καλύτερη ερμηνεύτρια του ρόλου της Κοντέσας, η οποία κάποτε κέρδισε την έγκριση του ίδιου του P.I. Τσαϊκόφσκι. Η Κρούτικοβα προσπάθησε να μου μεταφέρει την ερμηνεία της για την εικόνα της Κοντέσας, απαιτώντας τη μίμηση. Αλλά είναι απίθανο αυτή η μέθοδος να δώσει καρποφόρα αποτελέσματα... Πήγα Γκαλερί Τρετιακόφκαι άλλα μουσεία, όπου έψαχνα τα πρόσωπα των ηλικιωμένων και μελετούσα τις ρυτίδες των γηρατειών για μακιγιάζ, αναζητώντας πόζες χαρακτηριστικές της τρίτης ηλικίας.
Πέρασαν αρκετά χρόνια και γνώρισα μέσα καλλιτεχνικό έργομε τον Κ.Σ. Στανισλάφσκι. Μόνο τότε κατάλαβα τι δεν με ικανοποιούσε στην Κοντέσα μου, παρά καλές κριτικέςκαι έπαινος. Δεν περιείχε εμένα, την Antarova, ή την καλλιτεχνική μου ατομικότητα. Τα μαθήματα με τον Konstantin Sergeevich μου αποκάλυψαν νέα καθήκοντα. Η εικόνα της Κοντέσας έπαψε να υπάρχει για μένα σε απομόνωση, έξω από την εποχή, το περιβάλλον, την ανατροφή κ.λπ. Ο Konstantin Sergeevich με δίδαξε να αποκαλύπτω ολόκληρη τη γραμμή ζωής του ανθρώπινου σώματος (δηλαδή τη λογική ακολουθία εξωτερικών φυσικών ενεργειών). που αναπτύχθηκε παράλληλα με τη γραμμή της εσωτερικής ζωής της εικόνας.
Σταδιακά, δεν χρειαζόμουν πλέον τα δεκανίκια της υπό όρους μεταφοράς ρόλων. Άρχισα να ζω μια φυσική ζωή στη σκηνή, αφού η φαντασία μου με μετέφερε εύκολα από τις υπέροχες αίθουσες των παρισινών ανακτόρων στον καλοκαιρινό κήπο ή στις βαρετές και ζοφερές αίθουσες της ίδιας της παλιάς κόμισσας.
Βρήκα τον ρυθμό του παλμού της Κοντέσας στην καρδιά μου».
Κ.Ε. Η Antarova τραγούδησε σόλο συναυλίες, το πρόγραμμα των οποίων περιελάμβανε έργα του A.P. Borodina, P.I. Τσαϊκόφσκι, S.V. Rachmaninov, M.P. Mussorgsky, M.A. Balakireva, V.S. Kalinnikova, A.T. Grechaninova, N.K. Medtner, P.N. Ρεντσίτσκι... Το 1917–1919 έπαιζε συχνά σε θαμώνες συναυλίες.
Συμμετείχε στην απόδοση συμφωνικών έργων. Ήταν η πρώτη ερμηνεύτρια στη Μόσχα του φωνητικού μέρους στο «Solemn Mass» του G. Rossini στο σταθμό Pavlovsky υπό τη διεύθυνση του μαέστρου N.V. Galkin (1892), ο πρώτος ερμηνευτής των «Strict Tunes» (1923) του J. Brahms.
Διαθέτοντας ένα εξαιρετικό λογοτεχνικό ταλέντο, η Αντάροβα μετέφρασε για τον εαυτό της κείμενα ρομάντζων ξένων συγγραφέων. Η φιλολογική εκπαίδευση ήταν χρήσιμη στην Concordia Evgenievna στο μέλλον. Ο τραγουδιστής συνεργάστηκε με τον Stanislavsky στο Opera Studio του, που δημιουργήθηκε για την ολοκληρωμένη δημιουργική διαμόρφωση των τραγουδιστών του θεάτρου Μπολσόι. Ως αποτέλεσμα, έγραψα ένα βιβλίο, πολύ απαραίτητο για τους επαγγελματίες, «Συνομιλίες του Κ.Σ. Ο Στανισλάφσκι στο στούντιο του θεάτρου Μπολσόι το 1918-1922». Αυτές ήταν σχεδόν κατά λέξη ηχογραφήσεις των συνεδριών του σκηνοθέτη με τα μέλη του στούντιο.
Το κύριο καθήκον που έθεσε ο Stanislavsky για τους ηθοποιούς αποκαλύφθηκε από την Antarova σε αυτές τις ηχογραφήσεις: "Στις πρόβες του, ο Stanislavsky έκανε αυτό που τόσο συχνά έλεγε: "Στην τέχνη μπορείς μόνο να αιχμαλωτίσεις, δεν μπορείς να το παραγγείλεις". Κάηκε και φούντωσε όλους τους φοιτητές του στούντιο με την αγάπη να δουλεύουν πάνω στην αληθινή τέχνη, μαθαίνοντάς του να μην αναζητά τον εαυτό του στην τέχνη, αλλά την τέχνη στον εαυτό του».
Η αδερφή του Στανισλάφσκι Ζ.Σ. Η Sokolova έγραψε στον τραγουδιστή το 1938:
«Είμαι έκπληκτος πώς μπορούσες να καταγράψεις τις συνομιλίες και τις δραστηριότητες του αδερφού σου τόσο κατά λέξη. Καταπληκτικός! Διαβάζοντάς τα και μετά, είχα τέτοια κατάσταση σαν, αλήθεια, σήμερα, τον άκουσα και ήμουν παρών στα μαθήματά του. Θυμήθηκα μάλιστα πού, πότε, μετά από ποια πρόβα είπε αυτά που ηχογραφήσατε...»
Το βιβλίο εκδόθηκε πολλές φορές και μεταφράστηκε σε ξένες γλώσσες. Το 1946, η K. Antarova δημιούργησε το Υπουργικό Συμβούλιο της K.S. Stanislavsky, όπου έλαβε χώρα ενεργή εργασία για την προώθηση του καλλιτεχνική κληρονομιά. Υπάρχει ένα άλλο πολύτιμο βιβλίο - "On One Creative Path", το οποίο είναι μια καταγραφή των συνομιλιών του τραγουδιστή με τον V.I. Kachalov, ο οποίος αποκαλύπτει την κληρονομιά του στην τέχνη στους νέους καλλιτέχνες. Ίσως επίσης να δημοσιευτεί κάποια μέρα.
Αλλά μπορείτε επίσης να μάθετε από την ίδια την Cora Evgenievna μια πραγματικά υψηλή στάση απέναντι στην τέχνη. Δεν ήταν πάντα ικανοποιημένη από την ατμόσφαιρα στο θέατρο. Γράφει: «Όταν ο ηθοποιός μετακινηθεί από το προσωπικό «εγώ», που θεωρεί το κέντρο της ζωής, και από την προστασία των προσωπικών του εγωιστικών δικαιωμάτων στην απαρίθμηση και την συνειδητοποίηση των ευθυνών του στη ζωή και την τέχνη, τότε αυτή η ατμόσφαιρα θα εξαφανιστεί. Εκτός από τον πολιτισμό, δεν υπάρχουν τρόποι να πολεμήσεις».
Η προσωπική ζωή της Κ. Αντάροβα ήταν δύσκολη. Η ευτυχία με έναν άνθρωπο υψηλής πνευματικότητας, με κοντινές απόψεις, έληξε τραγικά: ο σύζυγος της Cora Evgenievna καταπιέστηκε και πυροβολήθηκε. Όσο για αυτήν μελλοντική μοίρα, τότε υπάρχουν δύο εκδόσεις. Σύμφωνα με ένα, υπάρχουν στοιχεία ότι, κατόπιν προσωπικού της αιτήματος, «απελευθερώθηκε από την υπηρεσία» στο Θέατρο Μπολσόι το 1930 και έγινε υπάλληλος στη βιβλιοθήκη του Λένινγκραντ. Σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, δημιουργική ζωήΗ τραγουδίστρια διακόπηκε από την εξορία και η επιστροφή της στη σκηνή έγινε χάρη στην εντολή του I.V. Ο Στάλιν, ο οποίος, έχοντας επισκεφτεί το θέατρο, δεν άκουσε την Αντάροβα στο έργο και ρώτησε γιατί δεν τραγούδησε.
Κ.Ε. Η Αντάροβα επέστρεψε στη σκηνή και το 1933 της απονεμήθηκε ο τίτλος της Τιμώμενης Καλλιτέχνιδας της RSFSR. Ωστόσο, έμενε όλο και λιγότερη δύναμη για να συνεχιστεί η δημιουργικότητα.
Δίδαξε λίγο, παρέμεινε στη Μόσχα κατά τα χρόνια του πολέμου και, όπως αποδείχθηκε αργότερα, συνέχισε να ασχολείται με τη δημιουργικότητα, αλλά άλλου είδους. Και σε αυτό βρήκε πάλι χρήσιμη τη φιλολογική της μόρφωση.
Παρά τις τραγικές συνθήκες της ζωής της, η Κ. Αντάροβα την κράτησε πλούσια και λαμπερή πνευματικό κόσμο, μπόρεσε να υψωθεί πάνω από τις περιστάσεις, επιπλέον, είχε πάντα τη δύναμη να υποστηρίζει τους άλλους και να είναι ακόμη και πνευματική δασκάλα. Η στάση της για τη ζωή και τους ανθρώπους αντικατοπτρίστηκε στο βιβλίο-μυθιστόρημα "Two Lives", το οποίο έγραψε τη δεκαετία του '40 και δεν σκόπευε να εκδοθεί. Το χειρόγραφο κρατήθηκε από τους μαθητές της. Τώρα έχει δημοσιευτεί. Αυτό το καταπληκτικό βιβλίο στέκεται δίπλα στα έργα του E.I. Roerich και N.K. Roerich, Ε.Π. Μπλαβάτσκυ... Πρόκειται για την πνευματική ζωή ενός ανθρώπου, για τη διαμόρφωση της ψυχής του μέσα δοκιμασίες ζωής, περί καθημερινής εργασίας για το κοινό καλό, στην οποία η Κ.Ε. Η Αντάροβα είδε το νόημα της ύπαρξης.

Νεζάτα. "Sadko"

Το 1994 εκδόθηκε το βιβλίο και σύντομα επανεκδόθηκε.
Στα απομνημονεύματα της K. Antarova, ένας από τους πνευματικούς μαθητές της, ο Διδάκτωρ Ιστορίας της Τέχνης S. Tyulyaev, παραθέτει την τελευταία επιστολή της τραγουδίστριας προς αυτόν, η οποία εκφράζει την ουσία της στάσης της στη ζωή: «...Ποτέ δεν λέω: «Εγώ δεν μπορώ», αλλά πάντα λέω: «Θα νικήσω». Δεν σκέφτομαι ποτέ: «Δεν ξέρω», αλλά επαναλαμβάνω συνέχεια, «Θα φτάσω εκεί». Η αγάπη είναι πάντα καλή. Αλλά πρέπει να θυμάστε ότι η Μητέρα της Ζωής τα ξέρει όλα καλύτερα από εμάς. Δεν υπάρχει παρελθόν, το μέλλον είναι άγνωστο και η ζωή είναι ένα «τώρα» που πετάει. Και ανθρώπινος δημιουργός είναι αυτός που ζει το «τώρα» του.
Η Concordia Evgenievna πέθανε στη Μόσχα στις 6 Φεβρουαρίου 1959. Θαμμένος στο Νεκροταφείο Novodevichy.
Η πνευματική δύναμη που πηγάζει από αυτήν έγινε αισθητή σε όλους όσοι γνώριζαν την Αντάροβα. Όπως είπε ένας από τους φίλους της, «ήταν ταλαντούχα σε όλα. Η ίδια ήταν όμορφη... και τα πάντα γύρω της. Το διάσημο ρητό του Τσέχοφ βρήκε μια ασυνήθιστα πλήρη ενσάρκωση στην Κόρα Ευγενίεβνα».
L.R.

Antonova Elizaveta Ivanovna
μέτζο-σοπράνο, κοντράλτο
1904-1994

Ένα κοντράλτο εξαιρετικής ομορφιάς, γεμάτο αγνότητα, δύναμη, βαθιά εκφραστικότητα, χαρακτηριστικό των ρωσικών φωνητική σχολή, έφερε στην Elizaveta Antonova τη λατρεία τόσο του κοινού όσο και των συναδέλφων της επί σκηνής. Μέχρι σήμερα, η φωνή της, ευτυχώς διατηρημένη σε ηχογραφήσεις, συνεχίζει να ενθουσιάζει τους ακροατές. «...Φωνές όπως το κοντράλτο της Antonova είναι εξαιρετικά σπάνιες, ίσως μια φορά κάθε εκατό χρόνια, ή ακόμα λιγότερο», είπε ο αναγνωρισμένος δάσκαλος της σκηνής της όπερας Pavel Gerasimovich Lisitsian, ο μακροχρόνιος συνεργάτης του τραγουδιστή στις παραστάσεις του θεάτρου Μπολσόι.

Πριγκίπισσα. "Γοργόνα"

Η Elizaveta Antonova γεννήθηκε στις 24 Απριλίου (7 Μαΐου) 1904 και μεγάλωσε στη Σαμάρα. Οι εκτάσεις του Βόλγα ανέκαθεν καλλιεργούσαν την αγάπη για το τραγούδι. Ωστόσο, αφού αποφοίτησε από την Εργατική Σχολή στη Σαμάρα μετά την επανάσταση, εργάστηκε ως λογίστρια. Αλλά μια ακαταμάχητη επιθυμία να μάθει να τραγουδάει την οδήγησε στη Μόσχα, όπου έφτασε στα δεκαοχτώ της με έναν φίλο, χωρίς συγγενείς ή φίλους εκεί. Μια απρόσμενη συνάντηση με έναν συμπατριώτη, τότε πολύ νέο, και αργότερα διάσημος καλλιτέχνης V.P. Ο Εφάνοφ, ο οποίος τους παρέχει υποστήριξη σε μια ξένη πόλη, έχει ευεργετική επίδραση στην εξέλιξη περαιτέρω γεγονότων. Έχοντας δει μια αγγελία για είσοδο στη χορωδία του θεάτρου Μπολσόι, ένας φίλος πείθει τη Λίζα, που δεν ξέρει καν να διαβάζει μουσική, να δοκιμάσει την τύχη της. Παρά το γεγονός ότι περισσότερα από τετρακόσια άτομα συμμετέχουν στο διαγωνισμό, συμπεριλαμβανομένων αυτών με υψηλότερο μουσική παιδεία, για την Elizaveta Antonova αυτή η προσπάθεια τελειώνει με επιτυχία - η φωνή της εντυπωσίασε τόσο την επιτροπή επιλογής που εγγράφηκε άνευ όρων στη χορωδία. Μαθαίνει τα πρώτα μέρη «από τη φωνή» υπό την καθοδήγηση του χοράρχη του θεάτρου Μπολσόι V.P. Stepanov, ο οποίος εξέφρασε την επιθυμία να σπουδάσει με τον επίδοξο τραγουδιστή. Με τη συμμετοχή της σε παραγωγές όπερας του θεάτρου Μπολσόι, αποκτά και σκηνικές δεξιότητες. Και μετά παίρνει μαθήματα από τον διάσημο πρώην τραγουδιστή M.A. Deishi-Sionitskaya, μαθήτρια του K. Everardi, διάσημου τραγουδιστή βαρύτονου και καθηγητή τραγουδιού, φωνητική μέντορα ενός ολόκληρου γαλαξία τραγουδιστών που αποτελούσαν το χρώμα της ρωσικής σκηνής της όπερας.
Μετά από πέντε χρόνια δουλειάς στη χορωδία του θεάτρου Μπολσόι (1923–1928) και γόνιμες σπουδές με την Deisha-Sionitskaya, η E. Antonova ταξιδεύει στο Λένινγκραντ, όπου αποφασίζει να δοκιμάσει τις δυνάμεις της στον θίασο όπερας του Maly Opera Theatre. Σολίστ της όπερας MALEGOTA το 1928–1929, παίζει εκεί ως Niklaus στο «The Tales of Hoffmann» του J. Offenbach, καθώς και ως Chipra στην οπερέτα του J. Strauss. Τσιγγάνος βαρόνος" Και το 1930, έχοντας επιστρέψει στη Μόσχα, μπήκε στο Πρώτο Μουσικό Κολλέγιο της Μόσχας, όπου σπούδασε στην τάξη του T.G. Derzhinskaya, αδελφή K.G. Ντερζίνσκαγια. Αυτή την περίοδο παίζει σε πειραματικά θέατρα και δίνει συναυλίες. Το 1933, μετά την αποφοίτησή του από το κολέγιο, επέστρεψε ξανά στο Θέατρο Μπολσόι, αλλά τώρα ως σολίστ στον θίασο της όπερας.
Το ντεμπούτο του τραγουδιστή στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι τον Ιούνιο του 1933 ήταν ο ρόλος της Πριγκίπισσας στο "Rusalka" του A.S. Dargomyzhsky, ο οποίος αργότερα κλήθηκε μαζί της καλύτερα έργα. Φτάνοντας σε επαγγελματική ωριμότητα, ερμήνευσε για πρώτη φορά μικρά μέρη - το κορίτσι Πολόβτσι στο "Prince Igor" του A.P. Ο Borodin, η 2η Κυρία στους «Ουγενότες» του J. Meyerbeer, ο Nezhata στο «Sadko» του N.A. Ρίμσκι-Κόρσακοφ. Η τριαντάχρονη τραγουδά για πρώτη φορά Nanny στο «Eugene Onegin» του P.I. Ο Τσαϊκόφσκι και μετά η Όλγα. Έκτοτε, η Elizaveta Antonova ερμηνεύει το κορυφαίο ρεπερτόριο κοντράλτο και μέτζο-σοπράνο στο θέατρο. Δίνοντας μεγάλη σημασία στην εργασία σε σκηνικούς χαρακτήρες, η τραγουδίστρια, κατά κανόνα, μελετά όχι μόνο το κομμάτι της και την όπερα στο σύνολό της, αλλά και τη λογοτεχνική πηγή. Υπενθυμίζοντας τις συνομιλίες μου με τον L.V. Ο Sobinov και άλλοι διακοσμητές της ρωσικής φωνητικής τέχνης και ήταν σύντροφος της A.V. Nezhdanova, N.A. Obukhova, A.S. Pirogova, M.O. Reizena, Ε.Α. Stepanova, V.V. Barsova, S.I. Αναβοσβήνει, ο τραγουδιστής είπε: «Συνειδητοποίησα ότι πρέπει να φοβάσαι τις εξωτερικά θεαματικές πόζες, να απομακρυνθείς από τις οπερατικές συμβάσεις, να αποφύγεις τα ενοχλητικά κλισέ, πρέπει να μάθεις από τους μεγάλους δασκάλους της ρωσικής φωνητικής σχολής, που δημιούργησαν αιώνια ζωντανή, βαθιά ρεαλιστικές, αληθινές και πειστικές εικόνες που αποκαλύπτουν ιδεολογικό περιεχόμενοεργοστάσιο." Το ίδιο κλασικές εικόνες, κατά την παράδοση ρεαλιστική τέχνη, που χαρακτηρίζεται από μια υψηλή ερμηνευτική κουλτούρα, δημιούργησε η ίδια στη σκηνή του Μπολσόι, εντάχθηκε στον γαλαξία των αναγνωρισμένων δασκάλων του και έγινε φαινόμενο του ρωσικού θεάτρου όπερας.
Οι "ανδρικοί" ρόλοι θεωρήθηκαν ένα από τα τέλεια φωνητικά και σκηνικά επιτεύγματα του καλλιτέχνη: παρέμεινε στην ιστορία της ρωσικής όπερας ως ασύγκριτη ερμηνεύτρια των ρόλων της Lelya στο "The Snow Maiden" του N.A. Rimsky-Korsakov, Siebel στο “Faust” του C. Gounod, Vanya στο “Ivan Susanin”, Ratmir στο “Ruslan and Lyudmila” του M.I. Γκλίνκα. Σύμφωνα με την Elizaveta Ivanovna, η ανάγνωση του μεγάλου ποιήματος του Πούσκιν "Ruslan and Lyudmila" τη βοήθησε περισσότερο στη δημιουργία της εικόνας του Ratmir. Όπως κατέθεσαν αυτόπτες μάρτυρες, ο Khazar Khan Ratmir ταίριαζε εκπληκτικά με το χαμηλό κοντράλτο και τα εξωτερικά σκηνικά χαρακτηριστικά του και ήταν εμποτισμένο με μια πραγματική ανατολίτικη γεύση. Η E. Antonova συμμετείχε στην πρεμιέρα της παραγωγής (μαέστρος-παραγωγός A.Sh. Melik-Pashaev, σκηνοθέτης R.V. Zakharov). Η σύντροφός της στο έργο, Nina Pokrovskaya, ερμηνεύτρια του ρόλου της Gorislava, θυμήθηκε αυτό το έργο και τον αγαπημένο της Ratmir: «Μου άρεσε αυτή η παραγωγή του A.Sh. Melik-Pashayeva και R.V. Ζαχάροβα. Ήξερα με την παραμικρή λεπτομέρεια την ιστορία της Γκορισλάβα, που συνελήφθη από τους άπιστους και δόθηκε στο χαρέμι ​​του Ρατμίρ. Η δύναμη της αγάπης και η ανθεκτικότητα αυτής της Ρωσίδας πάντα με εκπλήσσει. Σκεφτείτε, για χάρη της Λιουντμίλα, ο Ρουσλάν υπέμεινε τόσες πολλές δοκιμασίες και η Γκορισλάβα μου ξεπέρασε όλα τα εμπόδια για χάρη του Ρατμίρ. Και η αφοσίωσή της και η δύναμη του αισθήματος μεταμόρφωσαν τον νεαρό Χαζάρ Χαν. Στο φινάλε της όπερας, ο Ratmir και ο Gorislava ήταν επί ίσοις όροις με τη Lyudmila και τον Ruslan - και τα δύο ζευγάρια άξιζαν ένα υψηλό βραβείο. Έτσι ήξεραν να αγαπούν πίσω στην παγανιστική Ρωσία!

Ρατμίρ. "Ρουσλάν και Λιουντμίλα"

Ο όμορφος Ρατμίρ ήταν ο Ε.Ι. Ο Αντόνοφ. Ίσως επειδή αυτό ήταν το πρώτο Ratmir για μένα, έχω ακόμα την ξεχωριστή εμφάνιση των Ratmir - Antonova. Ψηλή, αρχοντική φιγούρα, θαρραλέα, καθόλου χαϊδεμένη, συνήθειες και κινήσεις, όμορφα χαρακτηριστικά προσώπου. Και, φυσικά, η φωνή είναι ένα πραγματικό κοντράλτο, πλούσιο, ολόφωνο, με πολύ όμορφη χροιά. Οι καταπληκτικοί τόνοι αυτής της φωνής ήταν απαλοί, χάιδεψαν το αυτί, παρασύρθηκαν από επιβλητικές παρορμήσεις και αιχμαλωτίστηκαν. Για χάρη της σωτηρίας ενός τέτοιου Ρατμίρ, η Γκορισλάβα μου ήταν έτοιμη να πάει στα πέρατα της γης! Τι κρίμα που αυτή η ταινία δεν κράτησε για τις επόμενες γενιές ένα από τα καλύτερα έργα ενός ταλαντούχου καλλιτέχνη!». Ευτυχώς παραμένει η πρώτη ολοκληρωμένη ηχογράφηση της όπερας από το 1938 με τη συμμετοχή του Ε.Ι. Antonova, το οποίο κυκλοφόρησε από τη Melodiya σε δίσκους γραμμοφώνου στα μέσα της δεκαετίας του 1980.
Η ερμηνεία της Βάνιας από την Elizaveta Antonova στον Ivan Susanin, η οποία θεωρήθηκε επίσης αριστούργημα της σκηνής, δεν ήταν λιγότερο εντυπωσιακή για τους συναδέλφους και τους θεατές. Ο τραγουδιστής συμμετείχε και πάλι στην παράσταση πρεμιέρας - η πρώτη παραγωγή της όπερας με νέο λιμπρέτο του ποιητή Ασημένια Εποχή CM. Gorodetsky σε συνεργασία με τον σκηνοθέτη της παραγωγής B.A. Mordvinov και ο μαέστρος S.A. Θανάτωση χωρίς δίκην. Προηγουμένως, πριν από την Οκτωβριανή Επανάσταση του 1917, αυτή η όπερα παιζόταν στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι σε μια διαφορετική εκδοχή, η οποία βασίστηκε στο λιμπρέτο του βαρόνου Ε. Ρόζεν. Σε μια κριτική για την πρεμιέρα του "Ivan Susanin" τον Φεβρουάριο του 1939, που δημοσιεύτηκε στην εφημερίδα Pravda, ο συνθέτης, ακαδημαϊκός B.V. Ο Ασάφιεφ έγραψε: «Ε. Η Antonova δημιουργεί μια υπέροχη εικόνα της Vanya. Πρόκειται για μια μεγάλη καλλιτεχνική επιτυχία. Και το φωνητικό κομμάτι και ο ρόλος είναι τα πιο δύσκολα. Ο Γκλίνκα εδώ έδωσε πλήρη έλεγχο στη διακαή αγάπη του για τις φωνητικές δεξιότητες και τις ανακαλύψεις του στον τομέα των φωνητικών δυνατοτήτων και των προοπτικών για το ρωσικό τραγούδι».
Σε συνομιλία με τον εξαιρετικό μπάσο M.D. Ο Μιχαήλοφ για τους ερμηνευτές των κύριων ρόλων στο "Ivan Susanin", επιθεωρητής της όπερας του θεάτρου Μπολσόι της δεκαετίας του 1930-1950. B.P. Ο Ivanov χαρακτήρισε την E. Antonova - Vanya με τον εξής τρόπο: «Η Antonova δεν σταμάτησε να αναπτύσσει προσεκτικά τις λεπτομέρειες της σκηνής, η εξαιρετική φωνή της καθιστά δυνατή την εύκολη και πειστική εκτέλεση αυτού του μέρους. Στην τέταρτη σκηνή, χάρη στη δυνατή φωνή της, η Antonova επιτυγχάνει υψηλό πάθος και αιχμαλωτίζει το κοινό. Ο απλός χαρακτήρας του Vanya Antonov μεταφέρεται μέσω της φωνητικής εκφραστικότητας, ενώ του Zlatogorov μέσω του δράματος».

Στη χώρα μας, το βόλεϊ άρχισε να αναπτύσσεται ευρέως το 1920-1921 στις περιοχές του Μέσου Βόλγα (Καζάν, Νίζνι Νόβγκοροντ). Στη συνέχεια εμφανίστηκε στην Άπω Ανατολή - στο Khabarovsk και το Vladivostok, και το 1925 - στην Ουκρανία. Το βόλεϊ εκείνη την εποχή ονομαζόταν αστειευόμενος «το παιχνίδι των ηθοποιών» στη χώρα. Πράγματι, στη Μόσχα, τα πρώτα γήπεδα βόλεϊ εμφανίστηκαν στις αυλές των θεάτρων - Meyerhold, Kamerny, Revolution, Vakhtangov. Στις 28 Ιουλίου 1923 πραγματοποιήθηκε ο πρώτος επίσημος αγώνας στην οδό Myasnitskaya, στον οποίο οι ομάδες των Εργαστηρίων Ανώτερης Θεάτρου Τέχνης (VKHUTEMAS) και Κρατική Τεχνική Σχολήκινηματογραφίας (GTK). Οι πρωτοπόροι του νέου αθλήματος ήταν μάστορες της τέχνης, του μέλλοντος λαϊκοί καλλιτέχνεςΕΣΣΔ Nikolai Bogolyubov, Boris Shchukin, μέλλον διάσημους καλλιτέχνεςΟ Georgy Nissky και ο Yakov Romas, οι διάσημοι ηθοποιοί Anatoly Ktorov και Rina Zelenaya ήταν καλοί παίκτες. Από αυτή τη συνάντηση ξεκινά το χρονολόγιο του βόλεϊ μας.

Τον Ιανουάριο του 1925, το Συμβούλιο Φυσικής Αγωγής της Μόσχας ανέπτυξε και ενέκρινε το πρώτο επίσημους κανόνεςαγώνες βόλεϊ. Σύμφωνα με αυτούς τους κανόνες, τα πρωταθλήματα της Μόσχας διεξάγονται τακτικά από το 1927. Σημαντικό γεγονόςΗ ανάπτυξη του βόλεϊ στη χώρα μας σημαδεύτηκε από το πρωτάθλημα που παίχτηκε κατά την πρώτη Πανενωσιακή Σπαρτακιάδα το 1928 στη Μόσχα. Συμμετείχαν ομάδες ανδρών και γυναικών από τη Μόσχα της Ουκρανίας, Βόρειος Καύκασος, Υπερκαυκασία, Άπω Ανατολή. Την ίδια χρονιά, δημιουργήθηκε στη Μόσχα μια μόνιμη επιτροπή κριτών.

Για την ανάπτυξη του βόλεϊ μεγάλη αξίαείχε μαζικούς αγώνες που πραγματοποιήθηκαν σε χώρους πολιτιστικών και ψυχαγωγικών πάρκων. Αυτοί οι αγώνες ήταν ένα καλό σχολείο όχι μόνο για τους Μοσχοβίτες, αλλά και για τους ξένους επισκέπτες. Δεν είναι περίεργο στις αρχές της δεκαετίας του '30. Στη Γερμανία, οι κανόνες για τους αγώνες βόλεϊ δημοσιεύθηκαν με τον τίτλο "Βόλεϊ - ένα ρωσικό λαϊκό παιχνίδι".

Την άνοιξη του 1932, υπό το Πανενωσιακό Συμβούλιο φυσική καλλιέργειαΗ ΕΣΣΔ δημιούργησε τμήμα βόλεϊ. Το 1933, κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίασης της Κεντρικής Εκτελεστικής Επιτροπής, παίχτηκε ένας αγώνας έκθεσης μεταξύ των ομάδων της Μόσχας και του Dnepropetrovsk στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι μπροστά στους ηγέτες του κυβερνώντος κόμματος και της κυβέρνησης της ΕΣΣΔ. Και μέσα σε ένα χρόνο γίνονται κανονικά πρωταθλήματα Σοβιετική Ένωση, που ονομάζεται επίσημα «All-Union Volleyball Festival». Έχοντας γίνει οι ηγέτες του εγχώριου βόλεϊ, οι αθλητές της Μόσχας είχαν την τιμή να το εκπροσωπήσουν στη διεθνή σκηνή, όταν οι Αφγανοί αθλητές ήταν φιλοξενούμενοι και αντίπαλοι το 1935. Παρά το γεγονός ότι οι αγώνες διεξήχθησαν σύμφωνα με τους ασιατικούς κανόνες, οι σοβιετικοί παίκτες βόλεϊ κέρδισαν μια πειστική νίκη - 2:0 (22:1, 22:2).

Κατά τη διάρκεια του Μεγάλου Πατριωτικός ΠόλεμοςΤο βόλεϊ συνέχισε να καλλιεργείται σε στρατιωτικές μονάδες. Ήδη το 1943, τα γήπεδα βόλεϊ στο πίσω μέρος άρχισαν να ζωντανεύουν. Από το 1945, τα πρωταθλήματα της ΕΣΣΔ επαναλήφθηκαν και η τεχνολογία και οι τακτικές βελτιώθηκαν χρόνο με το χρόνο. Οι βολεϊμπολίστες μας έχουν επανειλημμένα λειτουργήσει ως μεταρρυθμιστές του παιχνιδιού. Το 1947 οι βολεϊμπολίστες μας βγήκαν στον διεθνή χώρο. Στο Ι Παγκόσμιο ΦεστιβάλΔιεξήχθη τουρνουά βόλεϊ για νέους και μαθητές στην Πράγα, στο οποίο συμμετείχε η ομάδα του Λένινγκραντ, ενισχυμένο, όπως συνηθιζόταν τότε, από Μοσχοβίτες. Επικεφαλής της ομάδας ήταν οι προπονητές Alexey Baryshnikov και Anatoly Chinilin. Οι αθλητές μας κέρδισαν 5 αγώνες με σκορ 2:0 και μόνο τους τελευταίους 2:1 (13:15, 15:10, 15:7) απέναντι στους γηπεδούχους, την εθνική Τσεχοσλοβακίας. Το πρώτο "γυναικείο" ταξίδι πραγματοποιήθηκε το 1948 - η ομάδα της πρωτεύουσας "Lokomotiv" πήγε στην Πολωνία, συμπληρωμένη από συναδέλφους από τη Μόσχα "Dynamo" και "Spartak" και την ομάδα Leningrad Spartak.

Το 1948, το All-Union Volleyball Section έγινε μέλος της Διεθνούς Ομοσπονδίας Βόλεϊ (και όχι αμερικανικό, αλλά οι κανόνες του παιχνιδιού μας αποτέλεσαν τη βάση των διεθνών) και το 1949 οι παίκτες μας συμμετείχαν σε επίσημους διεθνείς αγώνες για πρώτη φορά φορά. Οι παίκτες βόλεϊ της εθνικής ομάδας της ΕΣΣΔ έκαναν το ντεμπούτο τους στο Ευρωπαϊκό Πρωτάθλημα της Πράγας και αμέσως κέρδισαν τον τίτλο του ισχυρότερου. Και η ανδρική μας ομάδα έγινε η πρώτη Ολυμπιονίκης στους Ολυμπιακούς Αγώνες του Τόκιο (1964). Κέρδισε και τους Ολυμπιακούς Αγώνες στην Πόλη του Μεξικού (1968) και στη Μόσχα (1980). Και η γυναικεία ομάδα κέρδισε τέσσερις φορές τον τίτλο της Ολυμπιονίκης (1968, 1972, 1980 και 1988).

Οι Σοβιετικοί παίκτες βόλεϊ είναι 6 φορές παγκόσμιοι πρωταθλητές, 12 φορές πρωταθλητές Ευρώπης, 4 φορές νικητές του Παγκοσμίου Κυπέλλου. γυναικεία ομάδαΗ ΕΣΣΔ κέρδισε το Παγκόσμιο Πρωτάθλημα 5 φορές, το Ευρωπαϊκό Πρωτάθλημα 13 φορές και το Παγκόσμιο Κύπελλο 1 φορά.

Η ρωσική ομάδα ανδρών είναι η νικήτρια του Παγκοσμίου Κυπέλλου του 1999 και του Παγκόσμιου Πρωταθλήματος του 2002. Η γυναικεία ομάδα κέρδισε το Παγκόσμιο Πρωτάθλημα του 2006, το Ευρωπαϊκό Πρωτάθλημα (1993, 1997, 1999, 2001), το Γκραν Πρι (1997, 1999, 2002) και το Παγκόσμιο Κύπελλο Πρωταθλητριών του 1997.

Το 1984, ο Paul Libo αντικαταστάθηκε ως Πρόεδρος της FIVB από τον Dr. Ruben Acosta, δικηγόρο από το Μεξικό. Με πρωτοβουλία του Ruben Acosta, έγιναν πολυάριθμες αλλαγές στους κανόνες του παιχνιδιού με στόχο την αύξηση της ψυχαγωγίας του διαγωνισμού. Την παραμονή των Ολυμπιακών Αγώνων του 1988, πραγματοποιήθηκε στη Σεούλ το 21ο Συνέδριο της FIVB, στο οποίο εγκρίθηκαν αλλαγές στους κανονισμούς του αποφασιστικού πέμπτου σετ: τώρα πρέπει να παίζεται σύμφωνα με το σύστημα «ράλι-σημείο» («ισοπαλία- σημείο"). Από το 1998, αυτό το σύστημα βαθμολόγησης εφαρμόζεται σε όλο τον αγώνα και την ίδια χρονιά εμφανίστηκε ο ρόλος του λίμπερο.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1980, εμφανίστηκε το σερβίς άλματος και το πλάγιο σερβίς σχεδόν έπαψε να χρησιμοποιείται, η συχνότητα των επιθετικών σουτ από την πίσω γραμμή αυξήθηκε, έγιναν αλλαγές στις μεθόδους λήψης της μπάλας - η μέχρι τότε αντιδημοφιλής τεχνική από κάτω έγινε κυρίαρχη και η υποδοχή από ψηλά με πτώση σχεδόν εξαφανίστηκε. Οι λειτουργίες παιχνιδιού των παικτών βόλεϊ έχουν περιοριστεί: για παράδειγμα, αν προηγουμένως συμμετείχαν και οι έξι παίκτες στην υποδοχή, τότε από τη δεκαετία του 1980, η εφαρμογή αυτού του στοιχείου έχει γίνει ευθύνη δύο παικτών τερματισμού.

Το παιχνίδι έχει γίνει πιο δυνατό και πιο γρήγορο. Το βόλεϊ έχει αυξήσει τις απαιτήσεις για το ύψος και την αθλητική κατάρτιση των αθλητών. Αν στη δεκαετία του 1970 δεν υπήρχε ούτε ένας παίκτης στην ομάδα με ύψος μεγαλύτερο από 2 μέτρα, τότε από τη δεκαετία του 1990 όλα άλλαξαν. Σε ομάδες υψηλής κλάσης κάτω από 195-200 εκατοστά, συνήθως υπάρχει μόνο σέττερ και λίμπερο.

Από το 1990, παίζεται το World Volleyball League, ένας ετήσιος κύκλος αγώνων που έχει σχεδιαστεί για να αυξήσει τη δημοτικότητα του αθλήματος σε όλο τον κόσμο. Από το 1993, ένας παρόμοιος διαγωνισμός έχει διεξαχθεί για τις γυναίκες - το Grand Prix.

3. Τρέχουσα κατάσταση

Από το 2006, η FIVB έχει ενώσει 220 εθνικές ομοσπονδίες βόλεϊ, καθιστώντας το βόλεϊ ένα από τα πιο δημοφιλή αθλήματα στη Γη. Τον Αύγουστο του 2008, ο Κινέζος Wei Jizhong εξελέγη νέος πρόεδρος της FIVB.

Το βόλεϊ είναι το πιο ανεπτυγμένο άθλημα σε χώρες όπως η Ρωσία, η Βραζιλία, η Κίνα, η Ιταλία, οι ΗΠΑ, η Ιαπωνία και η Πολωνία. Ο τρέχων παγκόσμιος πρωταθλητής μεταξύ των ανδρών είναι η εθνική ομάδα της Βραζιλίας (2006), μεταξύ των γυναικών - η εθνική ομάδα της Ρωσίας (2006).

Στις 8 Νοεμβρίου 2009, ο νυν νικητής του European Volleyball Champions League, Ιταλός Trentino, κέρδισε ένα ακόμη τρόπαιο, αναδεικνύοντας τον παγκόσμιο πρωταθλητή συλλόγων.

4. Ανάπτυξη του βόλεϊ στη Ρωσία

Την άνοιξη του 1932 δημιουργήθηκε τμήμα βόλεϊ υπό το Πανενωσιακό Συμβούλιο Φυσικής Πολιτισμού της ΕΣΣΔ. Το 1933, κατά τη διάρκεια μιας συνεδρίασης της Κεντρικής Εκτελεστικής Επιτροπής, παίχτηκε ένας αγώνας έκθεσης μεταξύ των ομάδων της Μόσχας και του Dnepropetrovsk στη σκηνή του θεάτρου Μπολσόι μπροστά στους ηγέτες του κυβερνώντος κόμματος και της κυβέρνησης της ΕΣΣΔ. Και ένα χρόνο αργότερα, διεξήχθησαν τακτικά τα πρωταθλήματα της Σοβιετικής Ένωσης, που ονομάζονταν επίσημα "Ολο-ενωσιακό Φεστιβάλ Βόλεϊ". Έχοντας γίνει οι ηγέτες του εγχώριου βόλεϊ, οι αθλητές της Μόσχας είχαν την τιμή να το εκπροσωπήσουν στη διεθνή σκηνή, όταν οι Αφγανοί αθλητές ήταν φιλοξενούμενοι και αντίπαλοι το 1935. Παρά το γεγονός ότι οι αγώνες διεξήχθησαν σύμφωνα με τους ασιατικούς κανόνες, οι σοβιετικοί παίκτες βόλεϊ κέρδισαν μια πειστική νίκη - 2:0 (22:1, 22:2).

Οι αγώνες για το πρωτάθλημα της ΕΣΣΔ διεξήχθησαν αποκλειστικά σε ανοιχτούς χώρους, τις περισσότερες φορές μετά από αγώνες ποδοσφαίρου δίπλα στα στάδια, και οι μεγαλύτεροι αγώνες, όπως το Παγκόσμιο Κύπελλο του 1952, γίνονταν στα ίδια στάδια με γεμάτες κερκίδες.

Οι Σοβιετικοί παίκτες βόλεϊ είναι 6 φορές παγκόσμιοι πρωταθλητές, 12 φορές πρωταθλητές Ευρώπης, 4 φορές νικητές του Παγκοσμίου Κυπέλλου. Η γυναικεία ομάδα της ΕΣΣΔ κέρδισε το Παγκόσμιο Πρωτάθλημα 5 φορές, το Ευρωπαϊκό Πρωτάθλημα 13 φορές και το Παγκόσμιο Κύπελλο 1 φορά.

Η Πανρωσική Ομοσπονδία Βόλεϊ (VFV) ιδρύθηκε το 1991. Πρόεδρος της ομοσπονδίας είναι ο Νικολάι Πατρούσεφ. Η ανδρική ομάδα της Ρωσίας είναι η νικήτρια του Παγκοσμίου Κυπέλλου του 1999 και του Παγκοσμίου Κυπέλλου του 2002. Η γυναικεία ομάδα κέρδισε το Παγκόσμιο Πρωτάθλημα του 2006, το Ευρωπαϊκό Πρωτάθλημα (1993, 1997, 1999, 2001), το Γκραν Πρι (1997, 1999, 2002) και το Παγκόσμιο Κύπελλο Πρωταθλητριών του 1997.