Σοβιετική ζωγραφική: κύρια είδη και κατευθύνσεις. Αρχεία Κατηγορίας: Σοβιετικοί καλλιτέχνες Λαϊκοί καλλιτέχνες της λίστας της ΕΣΣΔ

Ο πολύχρωμος και γεμάτος γεγονότα 20ος αιώνας παρέμεινε για τους επόμενους στα έργα τέχνης. Είναι αδύνατο να γνωρίσουμε τη νοοτροπία των ανθρώπων του περασμένου αιώνα, αν αγνοήσουμε τις εικόνες που έχουν διατηρηθεί για εμάς. Ο αριθμός των έντονων χρωμάτων ή η απουσία τους, ο τρόπος ζωγραφικής μπορεί να πει πολλά στους συγχρόνους μας.

Τόσο για τους ιστορικούς όσο και για τους λάτρεις της τέχνης, οι πίνακες που δημιουργήθηκαν από ξένους και Ρώσους καλλιτέχνες του 20ού αιώνα παρουσιάζουν μεγάλο ενδιαφέρον. Τα ονόματα των δημιουργών είναι ζωντανά στην ιστορία και γνωστά σε όλο τον κόσμο.

V. V. Kandinsky (16/12/1866 - 13/12/1944)

Ο V.V. Kandinsky θεωρείται ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους του περασμένου αιώνα. Ο καλλιτέχνης ανακάλυψε το ταλέντο του αρκετά αργά. Ένιωσε λαχτάρα για δημιουργικότητα αφού γνώρισε τους πίνακες του Μονέ.

Μετά από αυτή τη στιγμή, ο Βασίλι Βασίλιεβιτς εγκαταλείπει την καριέρα του ως δικηγόρος και απομονώνεται όλο και περισσότερο με ένα βιβλίο σκίτσων, πηγαίνει στη φύση και σκιαγραφεί αυτό που τον εκπλήσσει. Αποφασίζει να μορφωθεί και πηγαίνει στο Μόναχο, όπου εκτιμήθηκε το ταλέντο του. Μετά την ολοκλήρωση του μαθήματος, ο Καντίνσκι αποφάσισε να μείνει στη χώρα και να διδάξει. Πιστεύεται ότι αυτή η περίοδος της ζωής έγινε η πιο παραγωγική για τον καλλιτέχνη.

Από τους πρώτους πίνακες του ζωγράφου ήταν δύσκολο να μαντέψει κανείς ότι σύντομα θα έκανε επανάσταση στον κόσμο της τέχνης. Ο Καντίνσκι βρήκε σταδιακά τον δρόμο του. Ο καλλιτέχνης προσπάθησε πολύ πριν γίνει ο ιδρυτής της αφηρημένης τέχνης.

Ένας από τους πρώτους πίνακες που δημιουργήθηκαν προς αυτή την κατεύθυνση είναι «Το φαράγγι», ζωγραφισμένο το 1914. θεωρείται επίσης ένα από τα πιο διάσημα σε δημιουργική καριέραΚαντίνσκι.

Ξεκίνησε πρώτος Παγκόσμιος πόλεμοςανάγκασε τον καλλιτέχνη να επιστρέψει πατρίδα. Λόγω της επανάστασης και του εμφυλίου πολέμου που ακολούθησε, οι εκθέσεις έπρεπε να εγκαταλειφθούν για λίγο. Μόνο το 1916 ο Kandinsky μπόρεσε να δείξει τους πίνακές του στη Σουηδία.

Η ανανεωμένη Ρωσία ενέπνευσε τον ζωγράφο να δημιουργήσει τον πίνακα «Κόκκινη Πλατεία». Μετά από αυτόν τον πίνακα, ο Καντίνσκι έπρεπε και πάλι να εγκαταλείψει τη δημιουργικότητα. Χρειάστηκε να κάνει μεγάλη δουλειά, η οποία δεν άφηνε ούτε τη δύναμη ούτε τον χρόνο να δημιουργήσει πίνακες. Τότε αποφασίστηκε να πάει στη Γερμανία για να εστιάσει όλη την προσοχή σε αυτό που αγαπούσε. Αλλά η νέα χώρα υποδέχτηκε τον καλλιτέχνη με μια δυσάρεστη έκπληξη.

Όπως πολλοί καλλιτέχνες του 20ού αιώνα, ο Καντίνσκι έζησε στη φτώχεια για κάποιο διάστημα. Στη Γερμανία και τη Γαλλία, ο Vasily Vasilyevich δημιούργησε πολλούς νέους πίνακες, γνωστούς σε όλο τον κόσμο. Μεταξύ αυτών είναι τα «Κύκλοι σε κύκλο», «Ενοικειά νέα», «Όλοι για τον εαυτό του».

Ο Καντίνσκι πέθανε το 1944 μετά από σοβαρή ασθένεια.

A. Matisse (31/12/1869 - 03/11/1954)

Ο Ανρί Ματίς είναι ένας από τους περισσότερους διάσημους καλλιτέχνεςτον περασμένο αιώνα. Πιστεύεται ότι ο μελλοντικός ζωγράφος εμπνεύστηκε να πάρει ένα πινέλο από τη μητέρα του, η οποία ζωγράφιζε κεραμικά. Όπως πολλοί καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, ο Matisse δεν βρήκε αμέσως το δρόμο του. Ήξερε ότι του άρεσε η ζωγραφική, αλλά δεν μπορούσε να γίνει ο κύριος τρόπος του να κερδίζει χρήματα. Ως εκ τούτου, ο μελλοντικός καλλιτέχνης έλαβε νομική εκπαίδευση και εργάστηκε στο επάγγελμά του για κάποιο χρονικό διάστημα. Ταυτόχρονα όμως έβρισκε χρόνο για μαθήματα ζωγραφικής. Μόνο το 1891, παρά τις απαγορεύσεις του πατέρα του, ο Ματίς αποφάσισε να εγκαταλείψει τη νομική, να πάει στο Παρίσι και να ασχοληθεί σοβαρά με τη ζωγραφική.

Μετά από 5 χρόνια, οι πίνακές του εμφανίζονται για πρώτη φορά στο ευρύ κοινό. Ο πίνακας «Reading» κέρδισε ιδιαίτερη δημοτικότητα και αγοράστηκε για να διακοσμήσει το γραφείο του Γάλλου Προέδρου.

Ο Matisse ασχολήθηκε όχι μόνο με τη ζωγραφική. Ενδιαφερόταν για τη γλυπτική και παρακολούθησε μαθήματα. Αυτό όμως δεν του έφερε τόση φήμη. Στην αρχή του ταξιδιού του, ο Ματίς, όπως και πολλοί στον 20ό αιώνα, αντιμετώπισε οικονομικές δυσκολίες, έτσι για κάποιο διάστημα ο ίδιος και η οικογένειά του έπρεπε να ζήσουν με τους γονείς του.

Το 1905 κυκλοφόρησε ένα από τα πιο διάσημα, το «The Woman in the Green Hat». Αυτό το έργο και πολλά άλλα έκαναν τους λάτρεις της τέχνης να αρχίσουν να μιλούν για τον Henri και άρχισαν να ενδιαφέρονται για το έργο του.

Ένας από τους πρώτους θαυμαστές του ταλέντου του διάσημου ζωγράφου ήταν ο Ρώσος συλλέκτης S.I. Shchukin. Ενέπνευσε τον Matisse να επισκεφθεί τη Μόσχα, όπου ο καλλιτέχνης ανακάλυψε συλλογές παλαιών ρωσικών εικόνων. Τον κατέπληξαν και άφησαν αποτύπωμα στην περαιτέρω δουλειά του.

Παγκόσμιος διάσημο όνομαΟ Ματίς γίνεται μετά τη δημιουργία του κύκλου «Odalisques» και το σκηνικό για την παράσταση του μπαλέτου του Στραβίνσκι.

Η δεκαετία του '40 ήταν πολύ δύσκολη για τον ζωγράφο. Η σύζυγος, η κόρη και ο γιος του συνελήφθησαν από την Γκεστάπο για συμμετοχή στο κίνημα της Αντίστασης και ο ίδιος ήταν βαριά άρρωστος. Όμως ο Ματίς συνέχισε να εργάζεται. Παρά τα τραγικά γεγονότα στον κόσμο και στη ζωή του καλλιτέχνη, οι καμβάδες παραμένουν φωτεινοί, ανάλαφροι, αναπνέοντας χαρά.

Ο Ματίς συνέχισε να εργάζεται μέχρι τις τελευταίες του μέρες. Πέθανε από καρδιακή προσβολή το 1954.

Π. Πικάσο (25.10.1881 - 08.04.1973)

Οι καλλιτέχνες του 20ου αιώνα είναι ακόμα γνωστοί και δημοφιλείς. Η λίστα, ωστόσο, θα ήταν ελλιπής αν δεν περιελάμβανε αναφορά στον μεγάλο Ισπανό δημιουργό Πάμπλο Πικάσο.

Αυτός ο καταπληκτικός άντρας έδειξε πάθος για τη ζωγραφική ακόμη και στην πρώιμη παιδική ηλικία. Στην ανάπτυξη του ταλέντου του βοήθησε και το γεγονός ότι ο πατέρας του ήταν δάσκαλος τέχνης και έκανε μαθήματα στον γιο του. Το πρώτο σοβαρό έργο εμφανίστηκε όταν ο νεαρός ζωγράφος ήταν μόλις 8 ετών. Το έργο αυτό ονομαζόταν «Picador». Μέχρι το τέλος της ζωής του, ο Πικάσο δεν την αποχωρίστηκε.

Οι γονείς του καλλιτέχνη μετακόμισαν συχνά, αλλά σε κάθε νέα πόλη ο Πικάσο έκανε τα πάντα για να λάβει εκπαίδευση. Με εξέπληξε με τις ικανότητές του σε τόσο νεαρή ηλικία.

Στη Βαρκελώνη, ο Πικάσο βρήκε ομοϊδεάτες και φίλους. Στη συνέχεια, η ανάπτυξη των ικανοτήτων του καλλιτέχνη έφτασε σε ένα νέο επίπεδο. Όμως η αυτοκτονία του φίλου του έδωσε μεγάλο πλήγμα στον Πικάσο. Οι επόμενοι πίνακες, οι οποίοι συνήθως αποδίδονται στη «γαλάζια» περίοδο, διαποτίζονται με το θέμα του γήρατος και του θανάτου. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου εμφανίστηκαν τα «Γυναίκα με ένα κουλούρι», «Αψέντι εραστής» και πολλοί άλλοι πίνακες. Η έμπνευση του καλλιτέχνη προέρχεται από τα κατώτερα στρώματα του πληθυσμού.

Τότε την προσοχή του Πικάσο τραβούν οι ταξιδιώτες ερμηνευτές του τσίρκου. Το ροζ αντικαθιστά σιγά σιγά το μπλε από πίνακες ζωγραφικής. Ξεκινά η «ροζ» περίοδος. Αυτό περιλαμβάνει τον πίνακα "Girl on a Ball".

Η προσοχή του ζωγράφου στρέφεται όλο και περισσότερο όχι στο χρώμα, αλλά στο σχήμα. Μαζί με τον φίλο του, ο Πικάσο δημιουργεί μια εντελώς νέα κατεύθυνση στην τέχνη - τον κυβισμό. Εμφανίζονται τα περίφημα «Factory in Horta de Ebro» και «Portrait of Fernanda Olivier». Ο καλλιτέχνης δεν σταματά ποτέ να πειραματίζεται. Χρησιμοποιεί διαφορετικά υλικά για να δημιουργήσει καμβάδες.

Οι εργασίες προς αυτή την κατεύθυνση έληξαν με το ξέσπασμα του Πρώτου Παγκοσμίου Πολέμου. Τότε ο Πικάσο έπρεπε να αποχωριστεί τον φίλο του. Όπως πολλοί καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, ο Πάμπλο εντυπωσιάστηκε από την ομορφιά του ρωσικού μπαλέτου. Συμφωνεί να δημιουργήσει κοστούμια για τους καλλιτέχνες και σκηνικά και πηγαίνει σε περιοδεία με τους νέους του γνωστούς. Ο Πικάσο παντρεύεται μια Ρωσίδα, την Όλγα Χόχλοβα. Γίνεται το μοντέλο του για πολλούς πίνακες.

Το 1925 γίνεται η χρονιά μιας καμπής δημιουργική βιογραφίακαλλιτέχνης. Οι καμβάδες του θυμίζουν όλο και περισσότερο παζλ. Οι σουρεαλιστές ποιητές ασκούν μεγάλη επιρροή στον ζωγράφο. Την περίοδο αυτή δημιουργήθηκαν «Κορίτσι μπροστά σε καθρέφτη», «Άνδρας με μπουκέτο» και άλλοι πίνακες.

Πολλά άλλαξαν πριν από την έναρξη του πολέμου. Η καταστροφή μέχρι τα θεμέλια της πόλης της Χώρας των Βάσκων ανάγκασε τον Πικάσο να δημιουργήσει τον περίφημο πίνακα «Γκουέρνικα». Αυτό και τα επόμενα έργα του καλλιτέχνη ήταν εμποτισμένα με την ιδέα του πασιφισμού.

Η ευτυχία έρχεται στον Πικάσο με το τέλος του πολέμου. Παντρεύεται και έχει άλλα δύο παιδιά. Ο καλλιτέχνης μετακομίζει με τη γυναίκα του. Η νεαρή σύζυγος και τα παιδιά γίνονται έμπνευση για τον Πικάσο.

N.K Roerich (27/09/1874 - 13/12/1947)

Roerich Nicholas Konstantinovich πρώιμη παιδική ηλικίαέδειξε ότι είναι ένας εξαιρετικός άνθρωπος. Η επιστήμη ήταν εύκολη γι' αυτόν και ολοκλήρωσε γρήγορα το εκπαιδευτικό πρόγραμμα που του προσφέρθηκε. Πέρασε τις εξετάσεις με ευκολία και μπήκε σε ένα από τα καλύτερα και ακριβότερα γυμνάσια της Αγίας Πετρούπολης. Το φάσμα των ενδιαφερόντων του μελλοντικού καλλιτέχνη ήταν απίστευτα ευρύ. Και ακόμη και τότε τον ενδιέφερε η ζωγραφική.

Όμως, με την επιμονή του πατέρα του, ο Ρέριχ αποφασίζει να σπουδάσει για να γίνει δικηγόρος. Κατά τη διάρκεια της εκπαίδευσής του, διαβάζει πολλά ιστορικά έργα, ενδιαφέρεται για χρονικά και συμμετέχει σε αρχαιολογικές ανασκαφές. Όπως πολλοί καλλιτέχνες των αρχών του 20ου αιώνα, δεν κατέληξε αμέσως στην ιδέα ότι η ζωγραφική έπρεπε να γίνει η κύρια ασχολία του. Ο Roerich κατάφερε να συνειδητοποιήσει το ταλέντο του αφού επικοινωνούσε με τον Kuindzhi, ο οποίος συμφώνησε να γίνει δάσκαλος του νεαρού καλλιτέχνη.

Το πάθος του για την ιστορία αντανακλάται στους πίνακες του Νικολάι Κωνσταντίνοβιτς. Δημιούργησε μια σειρά από πίνακες «Η αρχή της Ρωσίας». Σλάβοι». Ο Ρέριχ δεν προσπάθησε να δείξει κανένα βασικό σημείο με τη βοήθεια των πινάκων του ιστορική εξέλιξη. Μίλησε για την καθημερινότητα, τις καθημερινές στιγμές, που όμως φαίνονται σχεδόν παραμυθένιες στον σύγχρονο θεατή.

Μεγάλο ρόλο στη ζωή του Νικολάι Κωνσταντίνοβιτς έπαιξε η γυναίκα του, η οποία τον ενέπνευσε και τον βοήθησε στο έργο του. Μαζί της, ο Roerich πήγε σε ένα ταξίδι στις αρχαίες πόλεις της Ρωσίας. Το αποτέλεσμα ήταν μια σειρά από πίνακες που απεικονίζουν αρχιτεκτονικά μνημεία.

Πολλοί καλλιτέχνες του 20ου αιώνα ενδιαφέρθηκαν για το θέατρο και δημιούργησαν σκηνικά. Ο Νικολάι Κωνσταντίνοβιτς δεν ήταν εξαίρεση. Η δουλειά του βοήθησε στη δημιουργία της ατμόσφαιρας για πολλές παραστάσεις.

Μετά την επανάσταση, ο Nicholas Roerich και η σύζυγός του ξεκίνησαν ένα ταξίδι που θα γινόταν σημείο καμπής στη ζωή τους. Ο ζωγράφος εξερευνά την Κεντρική Ασία, μελετά το Θιβέτ, την Ινδία, το Αλτάι, τη Μογγολία και τα Ιμαλάια. Το αποτέλεσμα αυτού του ταξιδιού δεν ήταν μόνο πίνακες ζωγραφικής, αλλά και υπέροχο υλικόγια τις παραδόσεις, τα έθιμα και την ιστορία των χωρών όπου επισκέφτηκε η αποστολή.

ΣΕ τα τελευταία χρόνιαΣε όλη του τη ζωή, ο Ρέριχ ζωγράφιζε όλο και περισσότερο τοπία. Δημιούργησε τα Ιμαλάια. Παγετώνες», «Λαντάκ Στούπα», «Βασιλικό Μοναστήρι. Θιβέτ» και πολλά άλλα υπέροχοι πίνακες ζωγραφικής. Τα έργα του καλλιτέχνη και το ιστορικό του έργο εκτιμήθηκαν ιδιαίτερα από την ινδική κυβέρνηση. Θεωρούνταν Ρώσος φίλος αυτής της μυστηριώδους και όμορφης χώρας.

Ο Nicholas Konstantinovich Roerich πέθανε στην Ινδία το 1947. Ο γιος του έφερε τους πίνακες του πατέρα του στη Ρωσία.

K. S. Petrov-Vodkin (24.10.1878 - 15.02.1939)

Οι καλλιτέχνες της Ασημένιας Εποχής άφησαν πολλά υπέροχα έργα στους απογόνους τους. Ένας από τους πιο διάσημους ζωγράφους που δούλευαν εκείνη την εποχή ήταν ο Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin.

Ο μελλοντικός καλλιτέχνης γεννήθηκε σε μια οικογένεια που ήταν μακριά από τον κόσμο της τέχνης. Αν δεν ήταν οι ντόπιοι έμποροι που βοήθησαν τον Kuzma Sergeevich να λάβει εκπαίδευση, ίσως να μην είχε ανακαλύψει ποτέ το ταλέντο του. Στην αρχή σπούδασε σε ένα μάθημα ζωγραφικής στη Σαμάρα, στη συνέχεια πήγε να βελτιώσει τις ικανότητές του στη Μόσχα, όπου πήρε μαθήματα από τον διάσημο καλλιτέχνη V. A. Serov.

Ένα ταξίδι στην Ευρώπη έχει μεγάλη σημασία στη βιογραφία του Petrov-Vodkin. Στη συνέχεια εξοικειώνεται με τους πίνακες των δημιουργών της Αναγέννησης. Πίνακες ζωγραφικής καλλιτεχνών του 20ου αιώνα είχαν επίσης την επιρροή τους: ο Petrov-Vodkin εντυπωσιάστηκε από τα έργα των Γάλλων συμβολιστών.

Ο συμβολισμός αιχμαλωτίζει τον ζωγράφο. Αρχίζει να δημιουργεί πίνακες προς αυτή την κατεύθυνση. Το πιο διάσημο από αυτά είναι ο πίνακας "Το λούσιμο του κόκκινου αλόγου", που δημιουργήθηκε το 1912. Ελαφρώς λιγότερο γνωστοί είναι οι πίνακες «Mother» και «Girls on the Volga».

Ο Petrov-Vodkin δημιούργησε πολλά πορτρέτα. Τις περισσότερες φορές απεικονίζουν τους φίλους του καλλιτέχνη. Το πορτρέτο που δημιούργησε για την Άννα Αχμάτοβα είναι πολύ δημοφιλές.

Ο Κούζμα Σεργκέεβιτς υποστήριξε επαναστατικές ιδέες. Οι συμμετέχοντες του Εμφυλίου Πολέμου που υποστήριξαν τις ιδέες των Reds εμφανίζονται στους καμβάδες του ως ήρωες. Οι πίνακες «Battlefield» και «Death of a Commissar» είναι ευρέως γνωστοί.

Προς το τέλος της ζωής του, ο Petrov-Vodkin έγραψε πολλά που έγιναν ενδιαφέροντα όχι μόνο για τους θαυμαστές του ταλέντου του, αλλά και για όλους τους λάτρεις της λογοτεχνίας.

K. S. Malevich (02/11/1879 - 15/05/1935)

Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα ήταν ο Kazimir Severinovich Malevich. Ο πρωτοποριακός καλλιτέχνης έκανε πραγματικό πάταγο στον κόσμο της τέχνης και έκανε γνωστό το όνομά του σε ολόκληρο τον πλανήτη.

Κανείς δεν μπορούσε να φανταστεί ότι ένα αγόρι από πολωνική οικογένεια, που βοηθούσε τους χωρικούς να ζωγραφίζουν σόμπες στον ελεύθερο χρόνο του, θα γινόταν μια μέρα σπουδαίο. Η ζωή του χωριού κατέπληξε τον μελλοντικό καλλιτέχνη. Ζωγράφισε ό,τι του είχε ιδιαίτερη απήχηση.

Η οικογένεια μετακόμισε συχνά. Όταν οι Malevichs ζούσαν στο Κίεβο, ο Kazimir Severinovich σπούδασε σε μια σχολή σχεδίου. Στο Κουρσκ, προσπάθησε να κερδίσει χρήματα για να σπουδάσει στη Μόσχα. Για πολύ μεγάλο χρονικό διάστημα δεν μπορούσε να εγγραφεί. Δεν είναι γνωστό με βεβαιότητα, αλλά πιστεύεται ότι ούτε μία απόπειρά του δεν ήταν επιτυχής. Ωστόσο, στη Μόσχα, ο Malevich έκανε πολλές νέες γνωριμίες και είδε επίσης πίνακες που επηρέασαν την περαιτέρω δουλειά του.

Στην πόλη, ο Kazimir Severinovich βρήκε φίλους, μεταξύ των οποίων ήταν Ρώσοι καλλιτέχνες του 20ού αιώνα. Ήθελαν να φέρουν κάτι νέο στον κόσμο της τέχνης και μοιράστηκαν τις φιλόδοξες ιδέες και το όραμά τους για το μέλλον της τέχνης με τον Μάλεβιτς.

Ο ίδιος ο Kazimir Severinovich θεωρούσε το χρώμα και το συναίσθημα ως τη βάση της ζωγραφικής. Ονειρευόταν να αλλάξει τις παραδόσεις της ζωγραφικής. Για πολύ καιρό δεν έδειχνε τη δουλειά του σε κανέναν. Τελικά εμφανίστηκαν στην έκθεση φουτουρισμού. Λίγο πριν από αυτό, ο Malevich δημοσίευσε ένα φυλλάδιο στον τίτλο του οποίου αναφέρθηκε για πρώτη φορά ο Suprematism.

Στην έκθεση φουτουρισμού, για πρώτη φορά, οι θεατές βλέπουν το θρυλικό «Μαύρο Τετράγωνο», καθώς και τα «Κόκκινα Πλατεία» και «Σουπρεματισμός». Αυτοπροσωπογραφία σε δύο διαστάσεις."

Η καινοτομία που εισήγαγε ο Malevich έλαβε αναγνώριση. Ο Κάζιμιρ Σεβερίνοβιτς είχε τους πρώτους μαθητές του, με τους οποίους σπούδασε πρώτα στο Βίτεμπσκ και μετά στην Πετρούπολη. Η φήμη του Μάλεβιτς εξαπλώθηκε και σε άλλες χώρες. Πήγε στη Γερμανία για να οργανώσει μια έκθεση με τα έργα του.

Οι πίνακες του Μάλεβιτς εκτέθηκαν στο Γκαλερί Tretyakov. Ήταν έτοιμος να συνεχίσει να εργάζεται, αλλά η υγεία του χειροτέρευε κάθε μέρα. Ο Καζιμίρ Σεβερίνοβιτς πέθανε στις 15 Μαΐου 1935.

Σ. Νταλί (05/11/1904 - 23/01/1989)

Ο πιο αμφιλεγόμενος καλλιτέχνης του περασμένου αιώνα, χωρίς αμφιβολία, είναι ο Σαλβαδόρ Νταλί. Το ταλέντο του ως ζωγράφου ανακαλύφθηκε πολύ νωρίς. Οι γονείς του ήταν χαρούμενοι που το αγόρι τους αγαπούσε να ζωγραφίζει, έτσι ενθάρρυναν το χόμπι του με κάθε δυνατό τρόπο. Το Ελ Σαλβαδόρ είχε τον πρώτο του δάσκαλο, τον καθηγητή Joan Nunez.

Ο Νταλί ήταν ένα ασυνήθιστο άτομο, δεν ήταν έτοιμος να συμβιβαστεί με τους καθιερωμένους κανόνες. Αποβλήθηκε από το μοναστικό σχολείο, με το οποίο ο πατέρας του ήταν πολύ δυσαρεστημένος. Τότε ο Σαλβαδόρ έπρεπε να πάει στη Μαδρίτη για να αναπτύξει εκεί το ταλέντο του και να μάθει κάτι νέο.

Στην Ακαδημία, ο Νταλί ενδιαφερόταν για τον κυβισμό και τον φουτουρισμό. Στη συνέχεια δημιούργησε τους πίνακες «Device and Hand» και «Portrait of Luis Buñuel». Όμως ο Σαλβαδόρ αποβλήθηκε από την Ακαδημία για την άρνησή του να υπακούσει στους κανόνες του ιδρύματος, την εκκεντρική συμπεριφορά και την ασέβεια προς τους δασκάλους.

Αλλά αυτό το γεγονός δεν ήταν τραγωδία. Ο Νταλί ήταν ήδη διάσημος τότε και οργάνωνε ατομικές εκθέσεις. Δοκίμασε τον εαυτό του όχι μόνο ως καλλιτέχνης, αλλά δημιούργησε και ταινίες. Η πρώτη ταινία ήταν το «Andalusian Forest» και ακολούθησε το «The Golden Age».

Το 1929, ο Σαλβαδόρ Νταλί γνώρισε τη μούσα του και μελλοντική σύζυγό του Έλενα Ντυακόνοβα, η οποία αποκαλούσε τον εαυτό της Gala. Βοήθησε τον αγαπημένο της, τον σύστησε σε πολλούς διάσημα άτομα, μεταξύ των οποίων ήταν Ρώσοι καλλιτέχνες, τον βοήθησαν να βρει τον δικό του δρόμο. Έγινε σουρεαλισμός.

Σχεδόν όλοι οι παρακάτω πίνακες συνδέονταν με τον ένα ή τον άλλο τρόπο με την αγαπημένη σύζυγο του Νταλί. Δημιουργεί το "The Persistence of Memory" και το "Gala's Paranoid Face Transformation".

Μετά το ξέσπασμα του Β' Παγκοσμίου Πολέμου, ο Νταλί και η σύζυγός του πήγαν στις Ηνωμένες Πολιτείες, όπου δημοσίευσαν μια αυτοβιογραφία. Ο Σαλβαδόρ εργάστηκε πολύ σκληρά σε αυτή τη χώρα. Δεν δημιούργησε μόνο πίνακες, αλλά προσπάθησε και ως σχεδιαστής, κοσμηματοπώλης, σκηνογράφος και αρχισυντάκτης εφημερίδων.

Μετά τον πόλεμο, ο Νταλί επέστρεψε στην πατρίδα του. Κατά τη διάρκεια αυτής της περιόδου εμφανίζεται σε πολλούς από τους πίνακες του καλλιτέχνη. Ανάμεσά τους, για παράδειγμα, είναι η «Ρινοκερόμορφη φιγούρα της Ilyssa Phidias».

Πραγματικό πλήγμα για τον Σαλβαδόρ Νταλί ήταν ο θάνατος της αγαπημένης του γυναίκας Έλενα Ντυακόνοβα. Ήταν τόσο καταθλιπτικός που δεν μπορούσε να παραστεί στην κηδεία της. Για πολύ καιρό μετά από αυτό, ο Νταλί δεν μπορούσε να δημιουργήσει ούτε έναν πίνακα. Ωστόσο, ήταν ακόμα απίστευτα δημοφιλές.

Ο τελευταίος πίνακας του Νταλί ήταν «Η ουρά του χελιδονιού». Μετά από αυτό, λόγω ασθένειας, ο καλλιτέχνης δεν μπορούσε πλέον να εργαστεί. Πέθανε στις 23 Ιανουαρίου 1989.

Frida Kahlo (07/06/1907 - 07/13/1954)

Μία από τις λίγες παγκοσμίου φήμης γυναίκες καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα ήταν η Φρίντα Κάλο. Ποτέ δεν ήθελε να ενδώσει σε τίποτα αντίθετου φύλου, ασχολήθηκε με τον αθλητισμό, ασχολήθηκε ακόμη και με την πυγμαχία για κάποιο διάστημα.

Όπως πολλοί καλλιτέχνες στη Ρωσία και τη Δύση, η Φρίντα δεν επέλεξε αμέσως το δρόμο της. Σπούδασε ιατρική. Κατά τη διάρκεια των σπουδών της γνώρισε τον Ντιέγκο Ριβέρα, ο οποίος αργότερα θα γινόταν σύζυγός της.

Όταν η Φρίντα ήταν 18 ετών, είχε ένα τρομερό ατύχημα. Εξαιτίας αυτού αυτή για πολύ καιρόπέρασε στο κρεβάτι και δεν μπόρεσε ποτέ να γίνει μητέρα. Ξαπλωμένη στο κρεβάτι, μη μπορώντας να σηκωθεί, η Κάλο άρχισε να σπουδάζει ζωγραφική. Κοίταξε τον καθρέφτη που ήταν τοποθετημένος από πάνω και σχεδίασε αυτοπροσωπογραφίες.

Σε ηλικία 22 ετών, η Φρίντα συνέχισε να λαμβάνει την εκπαίδευσή της, αλλά δεν μπορούσε πλέον να εγκαταλείψει τη ζωγραφική. Συνέχισε να εργάζεται, ήρθε όλο και πιο κοντά στον Ριβέρα και μετά έγινε γυναίκα του. Αλλά ο Ντιέγκο έδωσε ένα ισχυρό πλήγμα στη Φρίντα - απάτησε τον καλλιτέχνη με την αδερφή της. Μετά από αυτό, η Κάλο δημιούργησε τον πίνακα "Μόλις μερικές γρατσουνιές".

Η Φρίντα ήταν κομμουνίστρια. Επικοινωνούσε με τον Τρότσκι και χάρηκε πολύ που ζούσε στο Μεξικό. Φημολογήθηκε ότι τους συνδέει κάτι περισσότερο από φιλία.

Η Κάλο ονειρευόταν να γίνει μητέρα, αλλά τα τραύματα που έλαβε στο ατύχημα δεν της επέτρεψαν να το κάνει. Τα νεκρά παιδιά έγιναν όλο και περισσότερο οι κύριοι χαρακτήρες στους πίνακές της. Ωστόσο, παρά τα βάσανα, η Φρίντα αγαπούσε τη ζωή και ήταν ένα λαμπερό και θετικό άτομο. Ενδιαφερόταν για την πολιτική της ΕΣΣΔ και θαύμαζε τους ηγέτες. Την τράβηξαν επίσης Ρώσοι καλλιτέχνες. Η Φρίντα ήθελε να σχεδιάσει ένα πορτρέτο του Στάλιν, αλλά δεν πρόλαβε ποτέ να ολοκληρώσει τη δουλειά της.

Οι σοβαροί τραυματισμοί δεν μας επέτρεψαν να ξεχάσουμε τον εαυτό μας. Συχνά αναγκαζόταν να μείνει στο νοσοκομείο. Αλλά μετά από αυτό υπήρχε ένα φωτεινό σημείο στη ζωή της - η πρώτη της ατομική έκθεση.

D. Pollock (28/01/1912 - 11/08/1956)

Ένας από τους πιο διάσημους καλλιτέχνες του περασμένου αιώνα ήταν ο Τζέιμς Πόλοκ. Ήταν μαθητής του Τόμας Χαντ Μπένσον και, χάρη σε αυτόν τον άνθρωπο, ανέπτυξε και αύξησε τις ικανότητές του.

Προς τα τέλη της δεκαετίας του '30, ο Πόλοκ γνώρισε το έργο των Εξπρεσιονιστών. Οι πίνακες του έκαναν ανεξίτηλη εντύπωση. Παρόλο που οι πίνακες του Πόλοκ ήταν πρωτότυποι και διακριτικοί, θεωρήθηκε ότι ήταν εμπνευσμένοι από τον Πικάσο και τις ιδέες των σουρεαλιστών.

Το 1947, ο Pollock δημιούργησε τη δική του μέθοδο ζωγραφικής. Έριξε μπογιά στον καμβά και στη συνέχεια δημιούργησε έναν πολύχρωμο ιστό χτυπώντας τον με ένα σχοινί. Αυτή η μέθοδος προκάλεσε μεγάλο ενδιαφέρον.

Ο Τζάκσον Πόλοκ έγινε σύμβολο για νέους αντικομφορμιστές καλλιτέχνες που επίσης ονειρεύονταν να βρουν το δικό τους μονοπάτι και να δείξουν στον κόσμο το όραμά τους. Ο Τζάκσον έγινε σύμβολο καινοτομίας στην τέχνη.

Ε. Γουόρχολ (08/06/1928 - 22/02/1987)

Ακόμα και μετά από πολλά χρόνια παραμένει ένας μοντέρνος και δημοφιλής καλλιτέχνης. Έλαβε την πρώτη του εκπαίδευση στο Carnegie Institute of Technology, παρακολούθησε δωρεάν μαθήματα σχεδίου και ανέπτυξε το ταλέντο του. Ωστόσο, αμέσως μετά δεν έγινε μεγάλος καλλιτέχνης.

Για πολύ καιρό, ο Warhol σχεδίαζε εικονογραφήσεις για δημοφιλή περιοδικά μόδας και δημιουργούσε γραφικά έργα στον τομέα της διαφήμισης. Αυτό είναι που έκανε το όνομά του διάσημο. Άρχισε να σχεδιάζει με μολύβι και δημιούργησε ένα από τα πρώτα του διάσημα έργα- ένα μπουκάλι Coca-Cola.

Ο Άντι απεικόνισε αυτό που ήταν δημοφιλές στον κόσμο εκείνη την εποχή. Έγινε ο ιδρυτής μιας νέας κατεύθυνσης, η οποία ονομάστηκε pop art. Οι πίνακές του που απεικονίζουν τη Μέριλιν Μονρόε, τον Έλβις Πρίσλεϋ, τον Μικ Τζάγκερ και πολλές άλλες διάσημες προσωπικότητες έχουν γίνει θρυλικοί.

Ο Γουόρχολ δεν ήταν μόνο καλλιτέχνης, αλλά και σεναριογράφος και σκηνοθέτης. Δημιούργησε μεγάλο αριθμό ταινιών, οι πρώτες από τις οποίες ήταν βωβές και ασπρόμαυρες. Επιπλέον, έγραψε αρκετές αυτοβιογραφίες, ήταν ο συντάκτης ενός τηλεοπτικού καναλιού και ακόμη και ο παραγωγός ενός ροκ συγκροτήματος.

Οι πίνακες ζωγράφων του περασμένου αιώνα έχουν μεγάλη σημασία για την παγκόσμια τέχνη. Κάθε ένα από αυτά έφερε κάτι νέο και ασυνήθιστο. Οι Ρώσοι καλλιτέχνες του 20ου αιώνα κατέχουν επίσης μια άξια θέση ανάμεσά τους.

M. Bree-Bain. Γυναίκες ραδιοφωνιστές. 1933 ~ O. Vereisky. Τρεις αδερφές

Ε. Σαμσόνοφ. Σε νέα εδάφη. 1954

Σ. Καμάνιν. Κατασκευή ρυμουλκών. 1953

Ε. Ντανιλέφσκι. Δείγμα χάλυβα. 1952

Ι. Σιμόνοφ. Εργάτες χυτηρίου. 1959 ~ Ε. Χαριτονένκο. Ηλεκτροκολλητής. 1959

Α. Δεϊνέκα. Ποιος θα κερδίσει; 1932

V. Kuptsov. ANT-20 («Μαξίμ Γκόρκι»). 1934

B. Yakovlev. Οι μεταφορές βελτιώνονται. 1923

G. Ryazhsky. Ορυχείο. Ουράλ. 1925

Β. Μαλαγής. Χαλυβουργοί. 1950

Ι. Μπεβζένκο. Νέοι χαλυβουργοί. 1961

Ν. Μπαζίλεφ. Εκδρομή στο εργοστάσιο. 1956

G. Brzozowski. Στο χαλυβουργείο. 1964

Ναι Ρώμας. Σε σχεδίες. 1949

Μ. Μάλτσεφ. Σε ρολόι. 1953

V. Tsvetkov. Πτηνοτροφείο. 1971

Μ. Μάλτσεφ. Χειριστής γερανού. 1953 ~ Ζ. Πόποβα. Καλή σύλληψη. 1970
S. Balzamov. Εργάτης πρώτης γραμμής. 1951

Ν. Μπαζίλεφ. Φυτό που πήρε το όνομά του Ordzhonikidze. 1972

Α. Πετρόφ. «Mosfilm». 1978

Α. Πετρόφ. Μόσχα. Σιδηροδρομικός Σταθμός Kazansky. 1981

V. Firsov. Στήλη. 1984

Φ. Ρεσέτνικοφ. Έφτασε για διακοπές. 1948 ~ Φ. Ρεσέτνικοφ. Δύο πάλι. 1951

T. Yablonskaya. Πρωί ~ Yu Raksha. Μικροί λουόμενοι. 1979

Ν. Ζούκοφ. Μεγαλώνουμε και πάμε καλά. 1953 ~ A. Laktionov. Επίσκεψη στα εγγόνια

Ι. Βλαντιμίροφ. Στο παρθεναγωγείο ~ V. Korneev. Μαθητές σε μια συναυλία. 1952

Φ. Ρεσέτνικοφ. Για την ειρήνη! 1950 ~ N. Solomin. Νέες μητέρες

Ε. Gordiets. Φωτίζεται από τον ήλιο. 1982 ~ B. Ugarov. Μητέρα

K. Petrov-Vodkin. Παιδί που κοιμάται. 1924

Yu Kugach. Στο λίκνο

Ν. Τερψιχόροφ. Παράθυρο στον κόσμο. 1928

P. Krivonogov. Κορίτσι με σκι. 1963 ~ V. Zholtok. Ήρθε ο χειμώνας. 1953

Α. Ράτνικοφ. Κάναμε μια βόλτα. 1955

T. Yablonskaya. Στο πάρκο. 1950

T. Yablonskaya. Κρυολόγησα. 1953

Ν. Ουλιάνοφ. Κολοκύθα

D. Kolupaev. Διακοπές στο σχολείο. Στο χριστουγεννιάτικο δέντρο. 1949

Α. Κοστένκο. I. Michurin με παιδιά. 1964 ~ P. Drachenko. Πρωτοποριακό τραγούδι. 1959

V. Zholtok. Κορίτσι με κόκκινο καπέλο. 1955
Α. Μίλνικοφ. Verochka στη βεράντα. 1957

Σ. Γκριγκόριεφ. Τερματοφύλακας. 1949

K. Uspenskaya-Kologrivova. Δεν με πήρε για ψάρεμα

Σ. Γκριγκόριεφ. Ψαράς. 1958

Ι. Σούλγκα. Πρωτοπόροι που επισκέπτονται τους κατοίκους της Μαύρης Θάλασσας. 1940

P. Krylov. Δύο Νατάσας

Ρ. Γκαλίτσκι. Στη γραμμή του τερματισμού

I. Shevandronov. Στη βιβλιοθήκη του χωριού

I. Shevandronov. Η πρόβα βρίσκεται σε εξέλιξη. 1959

Α. Δεϊνέκα. Μελλοντικοί πιλότοι. 1937

V. Pribylovsky. Μελλοντικοί καπετάνιοι. 1963

Σ. Γκριγκόριεφ. Πρωτοπόρος. 1951 ~ P. Krokhonyatkin. Παιδιά στο μπαλκόνι. 1954 ~ O. Bogaevskaya. Παιδικές διακοπές. 1980

Ε. Τσερνίσοβα. Νύφες Vyshnevolotsk. 1984 ~ A. Levitin. Ειρήνη στα εγγόνια. 1985

K. Petrov-Vodkin. Κορίτσι με μια κούκλα. 1937 ~ M. Bogatyrev. Μελλοντικοί πρωταθλητές. 1950

Για. Στο μαυσωλείο του V.I. 1953

P. Krivonogov. Κηδεία του I.V. Ο Στάλιν. 1953

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Πρωτομαγιάτικη διαδήλωση

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Επίδειξη Πρωτομαγιάς (απόσπασμα)

Α. Καζάντσεφ. I.V. Ο Στάλιν με τη μητέρα του

B. Vladimirsky. Τριαντάφυλλα για τον J.V. Stalin

Ι. Πενζόφ. Ευτυχισμένα παιδικά χρόνια. 1978

L. Kotlyarov. Ψωμί και αλάτι (L. I. Brezhnev με εργάτες του χωριού)
Ι. Ράντομαν. L. I. Brezhnev στο ZIL

A. Gerasimov. I.V. Ο Στάλιν και ο Α.Μ. Ο Γκόρκι στη ντάκα. 1930

A. Gerasimov. Οικογενειακό πορτρέτο. 1934
Ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ Α.Μ
Παρά την απροθυμία των γονιών του, πηγαίνει στη Μόσχα, δίνει έξοχα τις εξετάσεις ζωγραφικής και γίνεται μαθητής στη Σχολή. Ο δάσκαλός του στο μάθημα του τοπίου ήταν ο M.K Klodt, στην τάξη του K.N. Gorin και ο A.M. Οι δάσκαλοι V. Serov, K. Korovin, A. Vasnetsov του έδωσαν πολλά στη ζωγραφική. Έχοντας ολοκληρώσει έξοχα το τμήμα ζωγραφικής της Σχολής, ο A.M Gerasimov αποφάσισε να παρακολουθήσει το εργαστήριο του K. Korovin. Για να γίνει αυτό, ήταν απαραίτητο, με τη συμβουλή του Korovin, να εγγραφεί σε άλλο τμήμα της Σχολής. Ο Gerasimov αποφάσισε σταθερά στην αρχιτεκτονική. Ο Konstantin Korovin, που δικαίως θεωρείται ο ιδρυτής του ρωσικού ιμπρεσιονισμού, του έδωσε πολλά. Επισκεπτόμενος συχνά το Παρίσι, ο K. Korovin μίλησε στους μαθητές για τον γαλλικό ιμπρεσιονισμό και, φυσικά, επηρέασε το έργο του νεαρού Gerasimov. Αυτή η επιρροή είναι ιδιαίτερα εμφανής στα πρώιμα μαθητικά του έργα, που δημιουργήθηκαν το 1912-13: «Πορτρέτο του V.A Gilyarovsky», «Portrait of N. Gilyarovskaya», «Portrait of V. Lobanov». Όλα αυτά τα έργα γράφτηκαν στη ντάκα του V. Gilyarovsky, στη Gilyaevka. Το "Portrait of V.A Gilyarovsky" βρίσκεται τώρα στο διαμέρισμα του συγγραφέα στη Μόσχα και δύο άλλα πορτρέτα βρίσκονται στη συλλογή του μουσείου-κτήμα του A.M.
Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο V.A. Gilyarovsky παρακολούθησε συχνά φοιτητικές εκθέσεις στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής. Από τα έργα του, μπορούσε εύκολα να προσδιορίσει όχι μόνο το ταλέντο του καλλιτέχνη, αλλά και από πού προήλθε αυτός ή εκείνος ο καλλιτέχνης. Απέκτησε έργα ζωγραφικής του πολύ νεαρού Gerasimov, τον στήριξε ηθικά και οικονομικά και αυτό είχε ευεργετική επίδραση στο έργο του καλλιτέχνη.

Στον κήπο. Πορτρέτο της Nina Gilyarovskaya, 1912

Πορτρέτο του κριτικού τέχνης V.M. 1913
Στα τέλη της δεκαετίας του '30, ο A.M Gerasimov άρχισε να ενδιαφέρεται για το πορτρέτο: "Το είδος πορτρέτου είναι ο κύριος τύπος της δημιουργικότητάς μου, εκφράζοντας την ουσία μου ως καλλιτέχνη", έγραψε ο Gerasimov. Ο καλλιτέχνης προσελκύθηκε από δημιουργικές, πνευματικά πλούσιες και σημαντικές προσωπικότητες. «Αγάπησα και αγαπώ τη δυνατή και λαμπερή φύση, το ίδιο ψάχνω σε έναν άνθρωπο και όταν το βρίσκω, θέλω ανεξέλεγκτα να το αποτυπώσω πολύχρωμη εικόνα", θυμάται ο A.M. Gerasimov. Η ανάγκη να διαιωνιστεί ένας δυνατός, όμορφος άνθρωπος, όπως φαίνεται στις ευρείες σχέσεις του με τον χρόνο, την εποχή, το περιβάλλον, είχε ως αποτέλεσμα τη δημιουργία μιας πραγματικά μεγαλειώδους σειράς πορτρέτων. Ανάμεσά τους, το "Portrait of the ballerina O.V. Η Lepeshinskaya" ξεχώρισε ιδιαίτερα. (1939). Η μπαλαρίνα απεικονίζεται στην αίθουσα των προβών, με φόντο έναν τεράστιο καθρέφτη, να στέκεται πάνω σε παπούτσια πουέντ. Αυτή η τεχνική σας επιτρέπει να δείξετε τη φιγούρα του χορευτή από δύο γωνίες. Ο καθρέφτης αντανακλά το τραπέζι με προμήθειες μακιγιάζ και μέρος της μπάρας μπαλέτου, και το καβαλέτο στο οποίο δούλευε ο καλλιτέχνης.
Αξιοσημείωτα είναι τα πορτρέτα της A.K Tarasova (Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), του ηθοποιού του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας I.M. Moskvin (1940) (Lviv Art Gallery) και «Portrait of the Artist Tamara Khanum» (1939). Αργότερα έγραψε «Ομαδικό πορτρέτο των παλαιότερων καλλιτεχνών του Κρατικού Ακαδημαϊκού Θεάτρου της ΕΣΣΔ A.A., V.N. Ryzhova, E.D. Turchaninova» (1954)

Πορτρέτο του καλλιτέχνη A.K Tarasova. 1939 ~ Πορτρέτο μιας κόρης. 1951

Π.Μ. Γερασίμοφ. Πορτρέτο της Κ.Ε. Βοροσίλοφ. 1927
Πορτρέτο του Klim Petrovich Voroshilov, εγγονός του K.E. 1949
Gerasimov Alexander Mikhailovich

Ο Gerasimov είχε το χάρισμα να αποτυπώνει εύκολα την ομοιότητα πορτρέτων και ένιωθε τον εαυτό του πρωτίστως προσωπογράφο. Ανάμεσα στα έργα του αρχίζουν σταδιακά να κυριαρχούν εικόνες υψηλόβαθμων ανθρώπων. Ο Γερασίμοφ κέρδισε ιδιαίτερη φήμη ως συγγραφέας πολυάριθμων εικόνων του Β. Ι. Στάλιν και των μεγάλων κομματικών αφεντικών. Έδωσε επίτηδες το πινέλο του στην υπηρεσία της θριαμβευτικής κομμουνιστικής κυβέρνησης με αντάλλαγμα την προσωπική ευημερία.

Εξαιρετικό ταλέντο, χαρούμενο, «λαχταριστό» στυλ ζωγραφικής - όλα αυτά καθώς ο καλλιτέχνης προχωρά σκάλα καριέραςαπέκτησε τελετουργική λάμψη (Portrait of K. E. Voroshilov. 1927. Μουσείο σύγχρονη ιστορίαΡωσία). Οι πιο αναγνωρισμένοι πίνακές του ήταν ο «V. Ο Ι. Λένιν στο βάθρο» (1930. Κρατικό Ιστορικό Μουσείο· επανάληψη 1947 στην Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ) και «Ομιλία του Β. Ι. Λένιν στην Ολομέλεια του Σοβιέτ της Μόσχας στις 20 Νοεμβρίου 1922» (1930. Κρατικό Ιστορικό Μουσείο).

Η επιτυχία και η αναγνώριση δεν άργησαν να έρθουν. Στις αρχές του 1936 άνοιξε στη Μόσχα μια προσωπική έκθεση του Gerasimov, όπου παρουσιάστηκαν 133 έργα, ξεκινώντας από τα παλαιότερα. Κεντρική τοποθεσίαΦυσικά, τα πορτρέτα των ηγετών του κόμματος κατέλαβαν την κύρια θέση στην έκθεση «Ομιλία του Στάλιν στο 16ο Συνέδριο του Κόμματος» (1933. Αρχείο καλλιτεχνικών έργων).

Σε αντίθεση με πολλούς άλλους, στον Gerasimov επιτράπηκε να ταξιδέψει στο εξωτερικό. Στη δεκαετία του 1930 επισκέφτηκε το Βερολίνο, τη Ρώμη, τη Νάπολη, τη Φλωρεντία, τη Βενετία, την Κωνσταντινούπολη και το Παρίσι. Στο εξωτερικό, ο καλλιτέχνης έγραψε πολλά σκίτσα («Η Αγία Σοφία». 1934. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο) και παρακολουθούσε συνεχώς εκθέσεις τέχνης. Αλλά στον «σωστό» μαχητή του σοσιαλιστικού ρεαλισμού δεν άρεσε αυτό που πίστευε ότι ήταν η άνευ αρχών τέχνη της Ευρώπης. Γάλλοι καλλιτέχνες, σύμφωνα με τον Gerasimov, άκουσαν με ενδιαφέρον τις ιστορίες του για « καλλιτεχνική δραστηριότηταστην ΕΣΣΔ». «Τους φαινόταν σαν παραμύθι υπέροχη ζωήκαι τις συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών στη Σοβιετική Ένωση, όπου όλα τα είδη τέχνης περιβάλλονται από τη φροντίδα του κόμματος και της κυβέρνησης» (Sokolnikov M. A. M. Gerasimov. Life and creativity. - M., 1954. P. 134.).

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του τριάντα και στη δεκαετία του σαράντα, τέτοια επίσημα πομπώδη έργα του Gerasimov εμφανίστηκαν ως «Ι. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Βοροσίλοφ στο Κρεμλίνο» (1938. Γκαλερί Τρετιακόφ), «Ι. Ο Β. Στάλιν κάνει μια αναφορά στο XVIII Συνέδριο του Συνδικαλιστικού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων για το έργο της Κεντρικής Επιτροπής του Ομοσπονδιακού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων (1939. Γκαλερί Τρετιακόφ), «Ύμνος στον Οκτώβριο» (1942). Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), «Ι. Β. Στάλιν στον τάφο του Α. Α. Ζντάνοφ» (1948. Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Βραβείο Στάλιν 1949). Τέτοιοι «εποχικοί» πίνακες δημιουργήθηκαν συνήθως χρησιμοποιώντας μια ομαδική μέθοδο, δηλαδή από μαθητευόμενους - ο ίδιος ο μαέστρος όριζε μόνο τις κρίσιμες λεπτομέρειες. Οι τεράστιοι καμβάδες του, γεμάτοι πάθος αφισών, έγιναν πρότυπα του επίσημου στυλ Σοβιετική τέχνη.

Οι πίνακές του δημιούργησαν την εικόνα ενός «σοφού ηγέτη» και έπαιξαν σημαντικό ρόλο στις προπαγανδιστικές εκστρατείες. Ο καλλιτέχνης κολάκευε ανεξέλεγκτα τον Στάλιν τόσο στις πομπώδεις εικόνες του για τον Γενικό Γραμματέα όσο και στις δηλώσεις του για αυτόν. Ίσως, απλώς για να αυξήσει την εξουσία του, διαβεβαίωσε ότι ο Στάλιν, σε συνομιλίες μαζί του, «εξέφρασε τα πιο πολύτιμα, για εμάς τους καλλιτέχνες, σχόλια σχετικά με το ίδιο το θέμα της τέχνης μας». Ωστόσο, ο ίδιος ο Στάλιν δεν θεωρούσε τον εαυτό του γνώστη της ζωγραφικής μάλλον, ήταν αδιάφορος για αυτήν, εκτός κι αν αφορούσε τα δικά του πορτρέτα (Gromov E. Stalin: power and art. - M., 1998. P. 288, 305.) .

Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε επίσης ακούραστα πορτρέτα υψηλόβαθμων αξιωματούχων του Κομμουνιστικού Κόμματος και της κυβέρνησης (Portrait of V.M. Molotov. [Ο V.M. Molotov μιλάει σε μια συνάντηση στο Θέατρο Μπολσόι 6 Νοεμβρίου 1947]. 1948. Γκαλερί Τρετιακόφ), στρατιωτικοί ηγέτες και ήρωες της σοσιαλιστικής εργασίας. Μερικές φορές ο Gerasimov ζωγράφιζε επίσης εκπροσώπους της δημιουργικής διανόησης: "Ballerina O. V. Lepeshinskaya" (1939), "Ομαδικό πορτρέτο των παλαιότερων καλλιτεχνών I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov "(1944, 1941). Ζωγράφισε επίσης πορτρέτα της οικογένειάς του - " Οικογενειακό πορτρέτο«(1934. Μουσείο της Δημοκρατίας της Λευκορωσίας).

Για τον εαυτό του, ο Gerasimov ασχολήθηκε με τραχύ και απλουστευμένο ερωτισμό για τους ημιτελείς πίνακες "Village Bathhouse" (1938, A.M. Gerasimov House-Museum, Michurinsk) και "Polovtsian Dances" (1955, ιδιοκτησία της οικογένειας του καλλιτέχνη, Μόσχα). διατηρήθηκε. Με θέμα το «Λουτρό του χωριού», ο Gerasimov έγραψε πολλά σκίτσα «για τον εαυτό του» για πολλά χρόνια (Village Bathhouse. Etude. 1950. Συλλογή της οικογένειας του καλλιτέχνη). «Έβγαλε την ψυχή του» και στο έργο του για την εικονογράφηση του «Taras Bulba» (1947-1952), στο οποίο ίσως αναζητούσε χαμένα μονοπάτια προς τον εθνικό ρομαντισμό των αρχών του αιώνα.

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 1930, κατά την περίοδο των μαζικών καταστολών και της εμφάνισης του ολοκληρωτικού σταλινικού συστήματος, ο Gerasimov πέτυχε πλήρη επίσημη επιτυχία και ευημερία. Τώρα δεν είναι μόνο ένας αυλικός, ένας ακριβοπληρωμένος ζωγράφος, ο αγαπημένος του Στάλιν, αλλά και ένας ηγέτης προικισμένος με εξουσία καλλιτεχνική ζωήχωρών. Του ανατέθηκε να ηγηθεί και, κυρίως, να ελέγχει τη δουλειά άλλων καλλιτεχνών. Διορίστηκε πρόεδρος του διοικητικού συμβουλίου του παραρτήματος της Μόσχας της Ένωσης Καλλιτεχνών (1938-1940) και πρόεδρος της οργανωτικής επιτροπής της Ένωσης Σοβιετικών Καλλιτεχνών (1939-1954). Όταν δημιουργήθηκε η Ακαδημία Τεχνών της ΕΣΣΔ το 1947, ο Γερασίμοφ διορίστηκε ο πρώτος της Πρόεδρος με την επιμονή του Βοροσίλοφ.

Σε όλες του τις αναρτήσεις, ο Gerasimov έδειξε ότι είναι ενεργητικός βοηθός του κόμματος στην καταστολή της δημιουργικής διανόησης. Πολέμησε αυστηρά ενάντια σε οποιεσδήποτε αποκλίσεις από τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό υπό το ψεύτικο σύνθημα της «πίστης στις μεγάλες παραδόσεις του ρωσικού ρεαλισμού». Πολέμησε σταθερά και με συνέπεια ενάντια στον «φορμαλισμό», ενάντια στον «θαυμασμό για την εκφυλισμένη τέχνη της αστικής τάξης».

Ως αφοσιωμένος βοηθός του Voroshilov, συνέβαλε ενεργά στο κλείσιμο του Μουσείου του Νέου Δυτική τέχνη, στο κτήριο του οποίου βρίσκεται το Μουσείο Δώρων στον J.V. Stalin. Το 1948, κατά τη διάρκεια μιας συζήτησης για τον φορμαλισμό, υποστήριξε ακούραστα «για την υψηλή ιδεολογική τέχνη», δηλαδή για την τέχνη που ήταν αδυνατισμένη και ιδεολογική. ρώτησε ρητορικά ο Gerasimov και απάντησε ωμά: «Γιατί να θεωρώ τα γούστα των φορμαλιστών καλλιτεχνών πάνω από το γούστο μου; [...] με όλο μου το σπλάχνο κατάλαβα ότι αυτό ήταν κάποιο είδος θανάτου, με είχε βαρεθεί όλο αυτό και προκαλούσα μίσος, που ακόμα δεν μειώνεται».

Με ιδιαίτερη μανία και ευχαρίστηση πάτησε τους ιμπρεσιονιστές. Πιστοί άνθρωποιΟ Gerasimov αναζήτησε επαναστάτες καλλιτέχνες και τους ανέφερε στον αυστηρό φύλακα της σοσιαλιστικής ρεαλιστικής τάξης. Οι διαδικασίες ήταν πάντα σύντομες και επιτακτικές. Αν ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε με πινελιές, τότε ακολούθησε η κατηγορία του «ιμπρεσιονισμού». Από εκείνη τη στιγμή, οποιαδήποτε έργα ενός τόσο ατιμασμένου ζωγράφου δεν ήταν πλέον αποδεκτά πουθενά και ήταν καταδικασμένος σε μια πεινασμένη ύπαρξη.

Ταυτόχρονα, ο Alexander Gerasimov κατάλαβε τέλεια τι είναι πραγματική τέχνη και αληθινή δημιουργικότητα. Όταν οι σκέψεις του ήταν μακριά από υπεύθυνες θέσεις και υψηλές θέσεις, δημιουργούσε έργα δωματίου, λυρικά, δίνοντας προτίμηση στο τοπίο και τη νεκρή φύση. Αυτά τα έργα αντανακλούσαν, θέλοντας και μη, το ζωγραφικό σύστημα του δασκάλου του Konstantin Korovin. Πολλά από αυτά φέρουν σαφή ίχνη ιμπρεσιονιστικής γραφής: «Song of the Starling» (1938. Γκαλερί Tretyakov), «Apple Trees in Blossom» (1946. Συλλογή της οικογένειας του καλλιτέχνη). Κατά τη γνώμη μου, το καλύτερο έργο του είναι το «Μετά τη βροχή. Υγρή βεράντα«(1935. Γκαλερί Τρετιακόφ). Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε αληθινή ζωγραφική ικανότητα.

Στην καθημερινή ζωή, ο Alexander Mikhailovich ήταν γνωστός ως ένα ευγενικό και φιλικό άτομο. Σε συνομιλίες με στενά άτομα επέτρεπε στον εαυτό του πολύ ανορθόδοξες δηλώσεις. Συμβούλεψε τους νέους καλλιτέχνες: «Το πιο σημαντικό πράγμα είναι να πιάσουμε τη ζωή από την ουρά. Η μοναδικότητά του. Μην ακολουθείτε ιδιαίτερα επίσημους πίνακες. Θα πάρεις τα χρήματα, αλλά θα χάσεις τον καλλιτέχνη μέσα σου».

Σε μεγάλη ηλικία, ο αξιοσέβαστος καλλιτέχνης φαινόταν να έχει μειωθεί σε ανάστημα και να μοιάζει με νάνο, το ρυτιδωμένο κίτρινο δέρμα του κρεμόταν σε πτυχές στο πρόσωπό του και τα μαύρα μογγολοειδή μάτια του έμοιαζαν λυπημένα κάτω από τα πλαδαρά βλέφαρα. Δεν υπήρχε τίποτα κακό στην εμφάνισή του. Είπε για τον εαυτό του: «Είμαι καθαρός Ρώσος! Αλλά οι Τάταροι, προφανώς, ήταν απόλυτα παρόντες στην οικογένειά μου. Θα ήθελα να κάτσω σε ένα άλογο, να χτυπήσω ξερό μπαστουρμά κάτω από τη σέλα, να πιω αν θέλω, να κόψω το πέλμα ενός αλόγου, να πιω αίμα. Ωστόσο, έχω ήδη ρουφήξει το αίμα όλων των ειδών φορμαλιστών, και φαντασιωτών, και τύπων του Jack of Diamonds... Δεν θέλω άλλο, είμαι άρρωστος...»

Με το θάνατο του Στάλιν, η επιρροή του Γερασίμοφ άρχισε να εξασθενεί και μετά το 20ο Συνέδριο του ΚΚΣΕ και την αποκάλυψη της λατρείας της προσωπικότητας, ο πρώην κυρίαρχος των καλλιτεχνών απομακρύνθηκε από τις επιχειρήσεις. Το 1957, έχασε τη θέση του ως πρόεδρος της Ακαδημίας και πίνακες πρώην ηγετών τέθηκαν σε αποθήκευση μουσείων.

Η ντροπή του Γκερασίμοφ έγινε αντιληπτή από τη διανόηση ως ένα από τα συμπτώματα της «απόψυξης» του Χρουστσόφ. Ωστόσο, ο ίδιος ο καλλιτέχνης, που εκτιμούσε ιδιαίτερα το ταλέντο του, θεώρησε τον εαυτό του αδικαιολόγητα απόρριψη. Όταν ένας από τους γνωστούς του, κριτικός τέχνης, συνάντησε τον πρώην επικεφαλής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού στο δρόμο και τον ρώτησε πώς τα πάει, απάντησε με μια εντυπωσιακή φράση: «Στη λήθη, όπως ο Ρέμπραντ». Ωστόσο, υπερέβαλε την έκταση τόσο της απόρριψής του όσο και του ταλέντου του. Οι σοσιαλιστές ρεαλιστές θα είναι περιζήτητοι μέχρι την πτώση της κομματοκρατίας το 1991.

Το φαινόμενο του Gerasimov και πολλών παρόμοιων καλλιτεχνών της σοβιετικής περιόδου είναι διφορούμενο. Ο Gerasimov είναι ένας ζωγράφος προικισμένος από τον Θεό με μεγάλο ταλέντο. Οποιοσδήποτε δάσκαλος στη δουλειά του, είτε το θέλει είτε όχι, εξαρτάται από την εξουσία, από την κοινωνικο-κουλτούρα, από την καθιερωμένη κοινότητα, από τα χρήματα. Σε ποιο βαθμό μπορεί να αντέξει οικονομικά να κάνει συμβιβασμούς που δεν μπορούν να αποφευχθούν; Ο Γκερασίμοφ πέρασε ξεκάθαρα την αόρατη γραμμή οριοθέτησης. Άρχισε να υπηρετεί όχι το Ταλέντο του, αλλά τους Ηγέτες.

Απόβροχο. Wet Terrace, 1935
Η έκθεση στην γκαλερί Tretyakov περιλαμβάνει δύο πίνακες του Gerasimov: «Wet Terrace» και «I.V. Ο Στάλιν και ο Κ.Ε. Βοροσίλοφ στο Κρεμλίνο». Ένα παράδειγμα δημιουργικής εναλλακτικής για μελλοντικούς ιστορικούς τέχνης. Αλλά, ίσως, οι απόγονοι, όταν καλυφθούν με την πατίνα του χρόνου, τα εγκλήματα και τις αδικίες της εποχής του Στάλιν, να δουν μέσα τους μόνο ένα μεγάλο καλλιτεχνικό χάρισμα, ανεξάρτητα από την πολιτική κατάσταση του παρελθόντος. Και στην άγραφη ακόμη ιστορία της ρωσικής τέχνης θα παραμείνουν τόσο το «Wet Terrace» όσο και το «I. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Βοροσίλοφ». Ως εξαιρετικά μνημεία της εποχής τους. Άλλωστε, δεν θα περνούσε καν από το μυαλό κανενός τώρα να κατηγορήσει βασιλικά πορτρέτα D. G. Levitsky, F. S. Rokotov, V. L. Borovikovsky, I. E. Repin, V. A. Serov.

Ο Alexander Mikhailovich Gerasimov πέθανε στη Μόσχα στις 23 Ιουλίου 1963. Την ίδια χρονιά δημοσιεύτηκαν επίσης τα απομνημονεύματα ενός «στρατευμένου σοσιαλιστή ρεαλιστή» («Η ζωή ενός καλλιτέχνη»).

Τον Μάρτιο του 1977, άνοιξε ένα μνημείο σπίτι-μουσείο του καλλιτέχνη στο Michurinsk. Πρόκειται για ένα εκτεταμένο διώροφο κτίριο από τούβλα. Υπάρχει κήπος, βοηθητικά κτίρια, αμαξοστάσιο και αχυρώνα. Προφανώς, οι γονείς του καλλιτέχνη ήταν πλούσιοι έμποροι που ήξεραν πώς να εμπορεύονται επικερδώς. Ο γιος ακολούθησε τα βήματά τους.

Σοβιετικοί καλλιτέχνεςκατά την κατανόησή μας, αυτοί είναι αναγκαστικά επαναστάτες ή αυτοκρατορικοί ζωγράφοι. Είναι απίθανο να συμπεριλάβουμε σε αυτήν την κατηγορία τους κληρονόμους των κινημάτων που σχηματίστηκαν πριν από την Οκτωβριανή Επανάσταση, καθώς και τους αντικομφορμιστές, τους πρωτοποριακούς καλλιτέχνες και άλλους που υπήρξαν όχι χάρη στην ΕΣΣΔ, αλλά παρόλα αυτά.

Η Deineka είχε μια εκπληκτική ικανότητα να διεισδύει στην ψυχή ενός ανθρώπου, ήξερε πώς να του δείξει σε σχέση με τον κόσμο - και ο κόσμος είναι πάντα γεμάτος με μια διάθεση, ανήσυχη ή χαρούμενη, ουρλιαχτά τραγική ή απερίσκεπτα καλοκαιρινή.

Τώρα δεν είμαστε χαρούμενοι για τους καταρράκτες της βροχής που πέφτουν από τον ουρανό, αλλά πριν από περισσότερο από μισό αιώνα οι άνθρωποι ήξεραν πώς να απολαμβάνουν τα πάντα - αν όχι όλοι οι κάτοικοι της ΕΣΣΔ, τότε σίγουρα ο καλλιτέχνης Pimenov. Τι έπρεπε να κάνει το 1937;