Σοβιετική ζωγραφική: κύρια είδη και κατευθύνσεις. Σοβιετική ζωγραφική - ιστορία της μοντέρνας τέχνης Σοβαρό στυλ για αντικατάσταση του σοσιαλιστικού ρεαλισμού

Για τη ζωγραφική των αρχών του 19ου αιώνα. Ο κλασικισμός δεν ήταν τόσο γόνιμος όσο για την αρχιτεκτονική και τη γλυπτική. Το προπύργιο του κλασικισμού στη ζωγραφική εκείνη την εποχή ήταν η Αυτοκρατορική Ακαδημία Τεχνών της Αγίας Πετρούπολης, το κέντρο καλλιτεχνική ζωήχωρών. Όμως η κοινωνική έξαρση των αρχών του νέου αιώνα αντικατοπτρίστηκε και εδώ. Πίσω στη δεκαετία του 1790, μια από τις πρώτες κοινωνίες στη χώρα που ασχολήθηκε με θέματα «της δομής της εσωτερικής ζωής της Ρωσίας» προέκυψε στην Ακαδημία. Πολλά από τα μέλη της εντάχθηκαν στη συνέχεια στην «Ελεύθερη Εταιρεία Λάτρεις της Λογοτεχνίας, της Επιστήμης και των Τεχνών», που δημιουργήθηκε με την άμεση συμμετοχή των Ραντισσεβιτών. Το 1802, ανάμεσα στους καλλιτέχνες, γεννήθηκε ένα έργο για μια ανεξάρτητη, αμιγώς καλλιτεχνική κοινότητα που θα ασχολούνταν ειδικά με θέματα τέχνης. Η επιρροή της «ελεύθερης κοινωνίας» είχε ευεργετική επίδραση στην καλλιτεχνική ζωή της χώρας. Διατήρησαν ενδιαφέρον για εθνική ιστορία, στα πολιτικά κίνητρα στην τέχνη. Οι ακαδημαϊκοί δάσκαλοι και ο ίδιος ο πρόεδρός της, A. S. Stroganov, ήταν από τα πιο σεβαστά μέλη της Εταιρείας.

Η σταδιακή υποχώρηση του Αλέξανδρου Α' από τον φιλελευθερισμό των πρώτων χρόνων της βασιλείας του επηρέασε και τη ζωή της Ακαδημίας. Καθώς ενισχύονται τα αντιδραστικά στοιχεία, επιβάλλεται αυστηρός γραφειοκρατικός έλεγχος στην ακαδημία. Βήμα βήμα χάνει την επαφή με τις προηγμένες τάσεις της τέχνης και χάνει τον ρόλο της ως ιδεολογικού κέντρου της εθνικής καλλιτεχνικής ζωής. Ως ένα βαθμό, το παιδαγωγικό της σύστημα απέκτησε με τον καιρό χαρακτηριστικά δογματισμού.

Επί Νικολάου Α' η ρύθμιση της ακαδημαϊκής ζωής έγινε ακόμη πιο έντονη. Η Ακαδημία μεταφέρεται από την αρμοδιότητα του Υπουργείου Δημόσιας Παιδείας στην αρμοδιότητα του Υπουργείου Οικονομίας. Με την προσωπική του παρέμβαση στις υποθέσεις της, ο Νικόλαος Α' καθιέρωσε την επίσημη κατεύθυνση στην τέχνη.

Τα χαρακτηριστικά της τέχνης που καλλιέργησε η Ακαδημία στις αρχές του 19ου αιώνα μπορούν να παρατηρηθούν στα έργα τριών μαθητών και καθηγητών της: Αντρέι Ιβάνοβιτς Ιβάνοφ, Αλεξέι Εγκόροβιτς Εγκόροφ και Βασίλι Κόζμιτς Σεμπούεφ.

Η δημιουργικότητα αυτών των δασκάλων αποκαλύπτει την πρωτοτυπία της εκδήλωσης του υψηλού κλασικισμού στη ζωγραφική. Διαφορετικός XVII κλασικισμός I αιώνα, απελευθερώνεται από την επιρροή της τέχνης του μπαρόκ, προσπαθεί για εξαιρετική απλότητα και σαφήνεια εικονιστική γλώσσα, στην τονισμένη πλαστικότητα των μορφών, στη σοβαρότητα του σχεδίου. Η άψογη λογική στην εξέλιξη της πλοκής, η αυστηρή συμμόρφωση της πλοκής με το επιλεγμένο θέμα και ο ορθολογισμός στην κατασκευή της σύνθεσης γίνονται το άλφα και το ωμέγα αυτής της κατεύθυνσης. Ταυτόχρονα, τα προβλήματα χρώματος υποχωρούν στο παρασκήνιο.

Ο Ivanov, ο Egorov και ο Shebuev αποφοίτησαν από την Ακαδημία Τεχνών ταυτόχρονα το 1797 ως μαθητές των I. A. Akimov και G. I. Ugryumov και άρχισαν αμέσως τις διδακτικές τους δραστηριότητες. Το 1803, ο Egorov και ο Shebuev πήγαν σε ένα ταξίδι συνταξιοδότησης στη Ρώμη, όπου έμειναν μέχρι το 1807, ενώ ο Ivanov παρέμεινε στη Ρωσία.

Χαρακτηριστικά έργα του Α. Ιβάνοφ είναι «Ο άθλος ενός νεαρού Κιεβίτη» και «Η μάχη του Μστίσλαβ του Ουντάλι με τον Ρέντεϊ». Περιέχουν πολλά από αυτό το αστικό πάθος που διαπέρασε τη συνείδηση ​​του προοδευτικού ρωσικού λαού των αρχών του αιώνα και του χρόνου Πατριωτικός Πόλεμος. Ο Α. Ιβάνοφ, ως μέλος της Ελεύθερης Κοινωνίας, ήταν ιδιαίτερα κοντά στα πολιτικά και πατριωτικά ιδεώδη. Και στους δύο πίνακες, η εικόνα ενός θαρραλέου, πνευματικού, νεαρού αθλητή έρχεται σε αντίθεση με έναν ισχυρό, αλλά υπέρβαρο και δύστροπο πολεμιστή, που προσωποποιεί τον τραχύ σωματικό Σιού.

Και οι δύο πίνακες επιβεβαιώνουν την υπεροχή της ύψιστης, ηρωικής αρχής έναντι της αυθόρμητης αρχής, που δεν φωτίζεται από το φως της λογικής. Ένα επεισόδιο από τη ρωσική ιστορία έχει μετατραπεί στην αποθέωση του εθνικού πνεύματος. Σε αυτά τα έργα εκφράστηκαν οι προχωρημένες φιλοδοξίες της Ακαδημίας στη ζωγραφική στη γλώσσα του αγαπημένου της είδους - του είδους ιστορική ζωγραφική.

Τα έργα του Α. Ιβάνοφ είναι ακόμη από πολλές απόψεις κοντά στις παραδόσεις του μπαρόκ στα ρωσικά ιστορική ζωγραφικήτέλη του 18ου αιώνα. Αυτό αποδεικνύεται από την αλληγορική φιγούρα της Δόξας που αιωρείται πάνω από τον νεαρό, το ιδιαίτερο πάθος της κίνησης, τη δυναμική των σκηνών και τα διακοσμητικά χαρακτηριστικά στη λύση του.

Οι πιο καθιερωμένες αρχές του υψηλού κλασικισμού εμφανίζονται μπροστά μας στο έργο του «Ρώσου Ραφαήλ» Εγκόροφ, γνωστού για τα εξαιρετικά σχέδιά του.

Η ζωγραφική του προγράμματος του Egorov είναι ο πίνακας "The Torment of the Savior". Σύμφωνα με πολλούς σύγχρονους, ήταν καλύτερη δουλειάκαλλιτέχνης. Όλα εδώ είναι χαρακτηριστικά του κλασικισμού των αρχών του 19ου αιώνα. Απλότητα και αυστηρή λογική σύνθεσης, μικρός αριθμός χαρακτήρες, η ηρεμία των κινήσεών τους και η ισορροπία των συναισθημάτων, η απλότητα των στάσεων, το ουδέτερο φόντο - όλα αυτά διαφέρουν έντονα από τα οπτικά μέσα και τις τεχνικές της ρωσικής ιστορικής ζωγραφικής του τέλους του 18ου αιώνα. Εκφραστικό και σωστό σχέδιο, η τέλεια γνώση της πλαστικότητας του ανθρώπινου σώματος καθορίζει την αξιοπρέπεια της ζωγραφικής του Egorov. Δεν υπάρχει αμφιβολία ότι υπάρχει κάποια αφηρημένη επίλυση των ηθικών προβλημάτων του - ο θρίαμβος της πνευματικής δύναμης έναντι της σωματικής δύναμης. Η συγκράτηση του χρωματικού συνδυασμού του καμβά, που βασίζεται σε λαδί και ώχρα αποχρώσεις, συνορεύει με την ξηρότητα. Δεν είναι τυχαίο ότι οι σύγχρονοι, που υπερασπίστηκαν τις πιο προηγμένες απόψεις για τα καθήκοντα της τέχνης, δεν είχαν σε αυτήν την εικόνα την αμεσότητα του οράματός τους για τον κόσμο.

Ο Εγκόροφ και ο Σεμπούεφ, όταν επέστρεψαν στην Αγία Πετρούπολη από την Ιταλία, εργάστηκαν κυρίως με εκκλησιαστικά παραγγέλματα. Σε αυτούς εμπιστεύτηκαν τη ζωγραφική για τον νέο καθεδρικό ναό του Καζάν, αυτό το μοναδικό σύμβολο της ρωσικής εθνικής αξιοπρέπειας, ένα κτίριο που σχεδιάστηκε, εκτελέστηκε και διακοσμήθηκε από «φυσικούς Ρώσους καλλιτέχνες»

Αλλά η εκκλησιαστική ζωγραφική ήταν το λιγότερο ενδιαφέρον μέρος της τέχνης και των δύο καλλιτεχνών. Οι πίνακες που δεν συνδέονται με επίσημους πελάτες φέρουν περισσότερα μεμονωμένα χαρακτηριστικά: πορτρέτα της πριγκίπισσας Goitsyna και Sukhanov από τον Egorov.

Τα έργα του Egorov καταδεικνύουν την εμφάνιση νέων τάσεων στη ρωσική ιστορική ζωγραφική. Τα θρησκευτικά θέματα έρχονται στο προσκήνιο: τα γαλλικά παραδείγματα δίνουν τη θέση τους στην ιταλική τέχνη του 16ου αιώνα, κυρίως στον Ραφαήλ και στους δασκάλους της σχολής της Μπολόνια.

Χαρακτηριστικός είναι ο μικρός πίνακας του Egorov "Rest on the Flight to Egypt". Τα κίνητρα και οι τεχνικές διάταξης επιστρέφουν στο υψηλή Αναγέννηση. Αυτή η εικόνα δεν είναι χωρίς κάποια χάρη. Ολόκληρη η δομή των εικόνων της φέρει τη σφραγίδα μιας μοναδικής αρμονικής ηρεμίας, που μαρτυρεί το μεγάλο ταλέντο της καλλιτέχνιδας. Το γεγονός ότι η αίσθηση της αρμονίας των μορφών και των γραμμών του Egorov θα μπορούσε να συνδυαστεί με μια ζωντανή αίσθηση της φύσης αποδεικνύεται επίσης από το μικρό "Bather"

Οι πίνακες του Shebuev χαρακτηρίζονται από ρομαντικές αναζητήσεις. Αυτή είναι η αυτοπροσωπογραφία του με μια μάντισσα, όπου παρουσιάστηκε με τη στολή ενός δανδή του 17ου αιώνα. Ενδιαφέρον παρουσιάζει και ο τόνος του «Ιωάννης του Βαπτιστή», όπου απεικονίζεται ένα ημίγυμνο αγόρι, πόσιμο νερόαπό μια ορεινή πηγή. Εμπνευσμένη από τα έργα του γαλλικού κλασικισμού του 17ου αιώνα, σεβαστά από την Ακαδημία Poussin, η εικόνα ελκύει με την ειλικρίνειά της. Το κάλεσμα για αυθορμητισμό και απλότητα, ζωντανεύοντας την προηγμένη τέχνη των αρχών του αιώνα, ακούγεται και εδώ. Το μεταγενέστερο έργο του Shebuev, ο μεγάλος ιστορικός καμβάς του «The Feat of the Merchant Igolkin», ανήκει σε μια διαφορετική περίοδο στην ανάπτυξη της ρωσικής ακαδημαϊκής ζωγραφικής. Εδώ, μερικές παραδόσεις του κλασικισμού των αρχών του αιώνα, με το συμπαγές μοτίβο και την ξεχωριστή πλαστικότητα, εμφανίζονται σε συνδυασμό με το ψυχρό τεχνητό πάθος του όψιμου ρομαντισμού. Δεν είναι τυχαίο ότι ο Αντρέι Ιβάνοφ, ο οποίος μέχρι το τέλος της ζωής του δήλωνε τα κλασικιστικά ιδανικά της αυστηρής λογικής προϋποθέσεων όλων των στοιχείων της εικόνας, φαίνεται ότι οι Σουηδοί στρατιώτες σε αυτήν την εικόνα τρέχουν προς τον Ιγκόλκιν τόσο γρήγορα που σίγουρα πρέπει να προσπεράσουν αυτόν.

Κείμενο: Natalya-51

Παιδικά και γυναικεία πορτρέτα στη Ρωσία στις αρχές του 19ου αιώνα

Παιδική πορτραίτο XVIIIαιώνα, με όλη του τη γοητεία, εξακολουθεί να είναι πολύ συμβατική. Στην ουσία, το θέμα του είναι ένα παιδί που μοιάζει σχεδόν με ενήλικα ή παίζει με έναν ενήλικα. Παραδείγματα αυτού μπορούν να βρεθούν μεταξύ των έργων των A. Vishnyakov, F. Rokotov και άλλων.

Το πορτρέτο ενός αγοριού του I. Drozhdin είναι κάπως πιο συγκεκριμένο στην κατανόηση του καλλιτεχνικού έργου. Ωστόσο, εδώ η ίδια η «παιδικότητα» της εικόνας έχει έναν κάπως εικαστικό δηλωτικό χαρακτήρα: είναι η ενσαρκωμένη «κενή πλάκα» της εκπαιδευτικής φιλοσοφίας. Υπάρχουν πολύ λίγα μεμονωμένα χαρακτηριστικά στο πορτρέτο και δεν υπάρχουν συναισθήματα.

Το πορτρέτο του Tropinsky του γιου του Arseny είναι κοντά στο πορτρέτο του παιδιού του Kiprensky. Η εικόνα του τελευταίου είναι μάλλον εμπνευσμένη από συναισθηματικά ιδανικά και η ομοιότητα εδώ δεν έγκειται στο ότι ανήκει στον ρομαντισμό, από τον οποίο ο Τροπινίν απέχει περισσότερο από τον Κιπρένσκι. Ωστόσο, είναι χαρακτηριστικό ότι το έργο της δημιουργίας πορτρέτο παιδιούνοείται εδώ ως αντανάκλαση της ανθρώπινης αξίας της νεαρής ηλικίας.

Χαρακτηριστικό για ένα παιδικό πορτρέτο των αρχών του 19ου αιώνα. και αργότερα από αυτά τα πορτρέτα, μια εικόνα του αγοριού Tomilov από τον Alexander Grigorievich Varnek. Παρά μια ορισμένη ξηρότητα εκτέλεσης που είναι εγγενής σε πολλά από τα έργα του Warnek, αυτό που σαγηνεύει εδώ είναι η απλότητα της ιδέας του καλλιτέχνη, ο αυθορμητισμός της μεταφοράς της φύσης και η σοβαρότητα της έκφρασης του προσώπου ενός παιδιού, στο οποίο τα χαρακτηριστικά της ηλικίας είναι ξεκάθαρα εκφρασμένο: γυαλιστερό, σαν μόλις πλυμένα κεράσια σε πιατάκι - μια λεπτομέρεια που βρέθηκε με επιτυχία - δίνει στην εικόνα μια μοναδική φρεσκάδα.

Οι καλλιτέχνες αυτής της εποχής δεν είναι ξένοι στον ρομαντισμό στην απεικόνιση των γυναικών. Να εκτιμήσουν τον πλήρη βαθμό πνευματικότητας και στιχουργικής πληρότητας γυναικείες εικόνες Kiprensky, αρκεί να τα συγκρίνουμε με σύγχρονα γυναικεία πορτρέτα του A.G. Varnek. Για παράδειγμα, δύο εξαιρετικά πορτρέτα αυτού του ζωγράφου: οι κόρες του γλύπτη I. P. Martos και η ποιήτρια Anna Petrovna Bunina. Εκτός από την αριστοτεχνική εκτέλεση, βρίσκουμε σε αυτά τα έργα πιστότητα στη φύση, απλότητα σχεδιασμού σύνθεσης, γλυκύτητα και χάρη στη γενική εμφάνιση των κοριτσιών, αλλά τους λείπει εντελώς αυτή η εσωτερική τρόμο με την οποία είναι προικισμένες οι γυναίκες του Kiprensky.

Παρατηρούμε ρομαντική ηρωοποίηση όχι μόνο στο γυναικεία πορτρέταΚιπρένσκι, αλλά και στα έργα του Βάρνεκ. Στις πρώτες αυτοπροσωπογραφίες του, παρ' όλο τον εγωκεντρισμό και τον ναρκισσισμό του ατόμου που απεικονίζεται σε αυτά, ήταν εμφανής η χαρά και η πληρότητα της ζωής: η μεταγενέστερη αυτοπροσωπογραφία απεικονίζει τον καλλιτέχνη κουρασμένο, απρόσεκτα ντυμένο. Οι δροσεροί «ημερήσιοι» τόνοι δεν κρύβουν τα ξεθωριασμένα χρώματα του ελαφρώς πλαδαρού προσώπου του. Η ρομαντική εικόνα δίνει τη θέση της στην πεζή αλήθεια της ζωής.

Η ρομαντική επιβεβαίωση της ποιητικής ακεραιότητας αντικαθίσταται από μια ρεαλιστική θεώρηση του ατόμου και των κοινωνικών του συνδέσεων, μια ματιά που μερικές φορές υποδηλώνει κενότητα εσωτερικός κόσμοςο ίδιος ο καλλιτέχνης. Χαρακτηριστικό αυτής της εποχής είναι ένα ενδιαφέρον ομαδικό πορτρέτο του Kiprensky - "Αναγνώστες εφημερίδων στη Νάπολη". Το πορτρέτο είναι χαρακτηριστικό του ρομαντισμού στο σχεδιασμό του. Σε αντίθεση με το ομαδικό πορτρέτο του συναισθηματισμού, το οποίο συνήθως απεικόνιζε μέλη της ίδιας οικογένειας, το ρομαντικό ομαδικό πορτρέτο ενώνει ομοϊδεάτες, που συνδέονται κυρίως με πνευματικούς δεσμούς. Το πορτρέτο απεικονίζει Ρώσους ή, σύμφωνα με μια άλλη εκδοχή, Πολωνούς να διαβάζουν ένα άρθρο για επαναστατικά γεγονόταστην Πολωνία 1830-1831. Η αντίθεση μεταξύ της ακίνητης συγκέντρωσης των ακροατών και του εσωτερικού ενθουσιασμού που αναμφίβολα βιώνει ο καθένας τους δίνει μια ρομαντική ένταση στην «ατμόσφαιρα» του πορτρέτου. Παρά το γεγονός ότι οι εικονιζόμενοι ομαδοποιούνται πολύ στενά και κυριολεκτικά «αναπνέουν ο ένας στα πρόσωπα του άλλου», σε καθένα από αυτά αισθάνεται κάποιος κάποιου είδους απομόνωση, συγκέντρωση από μόνος του δικές του σκέψεις. Δεν ανταλλάσσουν ούτε λέξη ούτε βλέμμα. Η αίσθηση της αποσύνδεσης ενισχύεται περαιτέρω από την τονισμένη, σχεδόν απτή πλαστικότητα της ογκομετρικής μορφής, την απομόνωσή της. Στους «αναγνώστες της εφημερίδας» θα ήθελα να δω όχι μόνο ανθρώπους αποκομμένους από την πατρίδα τους σε μια από τις πιο τραγικές περιόδους της ιστορίας της, αλλά ανθρώπους της μετα-Δεκεμβριστικής περιόδου, που μεγάλωσαν με ανθρωπιστικά και εκπαιδευτικά ιδεώδη. των αρχών του 19ου αιώνα. και ένιωσαν την αδυναμία και τη μοναξιά τους σε νέες κοινωνικές και πολιτικές συνθήκες.

Μια νέα φάση στο έργο του Kiprensky ως πορτραίτη - και όχι μόνο Kiprensky - αντανακλούσε τα χαρακτηριστικά της νέας, μετα-Δεκεμβριστικής περιόδου του ρωσικού πολιτισμού.

Ένας από τους πιο ενδιαφέροντες, σε μεγάλο βαθμό ανεξάρτητους τομείς πορτραίτου εκείνη την εποχή ήταν το πορτραίτο με μολύβι. Όπως τα παστέλ, αντικατέστησε εκείνα που άρχισαν να φεύγουν από τη μόδα: μινιατούρες σε κόκαλο και σμάλτο, σιλουέτες και χαρακτικά. Το σχέδιο ήταν το πιο εντυπωσιακό φαινόμενο της ανθοφορίας του θαλάμου, η οικεία προσωπογραφία, εξαιρετικά συνηθισμένη στο πρώτο μισό του αιώνα. Στο πορτρέτο δωματίου, όπου η σκέψη του καλλιτέχνη αναπτύσσεται πιο ελεύθερα, αντικατοπτρίστηκε πιο άμεσα το ενδιαφέρον για τον κόσμο των ανθρώπινων συναισθημάτων, για την πνευματική ζωή του ανθρώπου, που ήταν χαρακτηριστικό για την εποχή.

Ενδιαφέροντα είναι τα πορτραίτα των Ορλόφσκι, Κιπρένσκι, Βενετσιάνοφ και του πρώιμου Π. Σοκόλοφ. Ανάμεσά τους, η αδιαμφισβήτητη πρωτοκαθεδρία ανήκει στα έργα του Κιπρένσκι. Έχουν μεγάλη ποικιλία στο σχεδιασμό και την εκτέλεση. Εδώ υπάρχουν προσεκτικά σχεδιασμένα σχέδια, τα οποία, παρά την έλλειψη χρώματος, πλησιάζουν στην πληρότητά τους και στη φύση της ερμηνείας της εικόνας σε πορτρέτα ζωγραφισμένα με λάδι. Τέτοια είναι, για παράδειγμα, το «Mother with Child» (πορτρέτο του Preuss) ή το πορτρέτο του P. A. Olenin.

Παρά την μεταβαλλόμενη και αντιφατική κατάσταση στη Ρωσία, η οποία επηρέασε τους καλλιτέχνες του 20ου αιώνα, άφησαν τη μοναδική τους αποτύπωση στην ιστορία της Ρωσίας και, στη συνέχεια, της Σοβιετικής καλές τέχνες. Στις 3 πρώτες δεκαετίες της αρχής του αιώνα, πολλοί ζωγράφοι προσπάθησαν με ενθουσιασμό να δημιουργήσουν κάτι ασυνήθιστο και νέο, κάθε δημιουργός προσπάθησε να κάνει τη δική του μοναδική συμβολή στην ανάπτυξη της δημιουργικότητάς του. Εκείνη την εποχή, η μη αντικειμενική ζωγραφική κέρδιζε δημοτικότητα, μερικές φορές στα βαρετά χρώματα του Μάλεβιτς και του Καντίνσκι που δεν ήταν απολύτως κατανοητά στον απλό άνθρωπο.

Στις αρχές της δεκαετίας του 1920, διάφορα πειράματα και τολμηρές συνθετικές και σχεδιαστικές λύσεις αντικαταστάθηκαν από τον κονστρουκτιβισμό. Η πρακτικότητα στο σχέδιο και ο επαναστατικός ρεαλισμός στη ζωγραφική είναι ευπρόσδεκτοι προς όφελος μιας νέας τάσης - του σοσιαλισμού. Παρά τη σφοδρή προπαγάνδα, η αναζήτηση της καινοτομίας συνεχίστηκε όπως πριν, πολλοί πειραματίζονται, αλλά υπάρχει ένα αίσθημα άγχους, αυτό θα διαρκέσει για πολύ. Κάποιοι (ο Serebryakov στις τάξεις τους) εξακολουθούν να ταξιδεύουν στο εξωτερικό. Για άλλα 10 χρόνια θα μπορούν να ενσαρκώνουν (ή τουλάχιστον να δοκιμάσουν) τις δικές τους ιδέες και πρωτοβουλίες στους πίνακές τους.

Όμως, ήδη από τα τέλη της δεκαετίας του 1920, κάθε εκδήλωση αυτοέκφρασης θα απαγορευόταν. Οι πρωτοπόροι αρχίζουν να αναγκάζονται να αποχωρήσουν δημιουργική ζωή, και όσοι διαφωνούν υπόκεινται σε καταστολή. Τώρα κάθε καμβάς πρέπει να προωθεί τον κομμουνισμό και τη σοβιετική ιδεολογία, και ένα νέο είδος αναδύεται - ο σοσιαλιστικός ρεαλισμός. Πολλοί δεξιοτέχνες έπρεπε να ξεχάσουν το παρελθόν ελεύθερη ζωήκαι να υπάρχεις στις δυσάρεστες συνθήκες μιας τόσο δύσκολης εποχής, δηλαδή να δουλεύεις για τη δόξα του σοσιαλισμού, δημιουργώντας καμβάδες για τη συνηθισμένη ζωή του εργαζόμενου προλεταριάτου και των συλλογικών αγροτών.

Το 1932 δημιουργήθηκε η Ένωση Καλλιτεχνών και η τέχνη χωρίστηκε σε επίσημη και ανεπίσημη. Κάθε μορφή αυτού του κινήματος, αν θέλει να έχει την ευκαιρία να εκθέσει τα έργα του, πρέπει να γράφει στο είδος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού. Άλλα είδη απλώς απαγορεύονται, οι εκπρόσωποί τους δεν γίνονται δεκτοί στην «Ένωση» και τα έργα τους δεν επιτρέπονται σε καμία έκθεση. Τα ονόματα των «ανεπιθύμητων» δεν αναφέρονται πουθενά, οι αρχές κάνουν τα πάντα για να τους διαγράψουν από τον κόσμο της τέχνης. Στην πραγματικότητα, οι ζωγράφοι έχουν τρεις επιλογές: να ενταχθούν στην κυβέρνηση και να αρχίσουν να σχεδιάζουν και να γράφουν για την απαραίτητη κοινωνικο-ιδεολογία, να συνεχίσουν να δημιουργούν και να τα βγάλουν πέρα ​​με ανεπίσημες εκθέσεις. ή, προσπαθήστε να βρείτε έναν συμβιβασμό.

Κάποιοι προσπαθούν να συνεχίσουν να πειραματίζονται, αλλά απλά δεν αντέχουν την πίεση. Οι «επίσημοι» καλλιτέχνες παραγκωνίζουν εκπροσώπους άλλων ειδών, απολαμβάνουν τα προνόμια της «Ένωσης» και κερδίζουν καλά τα προς το ζην. Οι εκπρόσωποι ανεπίσημων ειδών πρέπει να κερδίσουν επιπλέον χρήματα ζωγραφίζοντας, σχεδιάζοντας εικονογραφήσεις ή ξοδεύουν το ταλέντο τους, ως σχεδιαστές, στη διακόσμηση αιθουσών, γράφοντας επαναστατικές αφίσες. Το χειρότερο για δημιουργική προσωπικότηταδεν μπορείς να φανταστείς. Τα ονόματα των περισσότερων «μαχητών» δεν έχουν διασωθεί καν μέχρι σήμερα.

Υπάρχουν και φωτεινοί εκπρόσωποι του σοσιαλιστικού ρεαλισμού που εργάζονται στο είδος όχι από εξαναγκασμό, αλλά για ιδεολογικούς λόγους. Άνθρωποι όπως ο Σεργκέι Γκερασίμοφ και η Τατιάνα Γιαμπλόνσκαγια αφοσιώνονται σε δουλειά που τους επιτρέπει να κερδίσουν χρήματα και να γίνουν διάσημοι. Και ο Fyodor Reshetnikov όχι μόνο υποστηρίζει τον κοινωνικό ρεαλισμό, αλλά επικρίνει σκληρά και ακόμη και γελοιοποιεί τους εκπροσώπους άλλων ειδών (ειδικά με τον πίνακα "Τα μυστικά του αφαιρετικού" είναι πολύ αξιοσημείωτα τα έργα του Vrubel, ο οποίος στα θέματά του στράφηκε συχνά σε μυθικές ιστορίες (). "Ο νικημένος δαίμονας", "σεραφείμ με έξι φτερούγες"). Οι ιστορικοί τέχνης αποκαλούν αυτή την περίοδο " αργυρή εποχή«Ρωσικός πολιτισμός.

Οι περισσότεροι ζωγράφοι βρίσκουν έναν συμβιβασμό: ανήκουν στην Ένωση Καλλιτεχνών και ζωγραφίζουν κατά καιρούς πορτρέτα διάσημες προσωπικότητες, ζωγραφίζουν θεματικούς καμβάδες ή προσαρμοσμένα σενάρια, αλλά αφιερώνουν τον ελεύθερο χρόνο τους σε ουδέτερα θέματα. Ανάμεσα σε τέτοιες προσωπικότητες είναι ο Vasily Baksheev, ο Boris Kustodiev, ο Konstantin Yuon. Ένα εντυπωσιακό παράδειγμα είναι ο Arkady Plastov. Ακόμη και μετά τον θάνατό του θεωρείται επίσημος καλλιτέχνης, αλλά το θέμα των περισσότερων έργων του παραμένει αγροτικά τοπία, τη ζωή των συλλογικών αγροτών και των απλών ανθρώπων.

Η άποψη των ιστορικών τέχνης σχετικά με τη «σοβιετική» περίοδο είναι αρκετά διφορούμενη. Κάποιοι επικρίνουν τους ζωγράφους ότι δοξάζουν τυφλά τον κομμουνισμό και τους ηγέτες του, γιατί σήμερα είναι δυνατό και όχι επικίνδυνο. Άλλοι με κατανόηση προσπαθούν να δικαιολογήσουν τους δημιουργούς που απλά δεν είχαν άλλη επιλογή, και άλλοι αποκαλούν αληθινά αριστουργήματα τα σπάνια σωζόμενα έργα υπόγειων μορφών, από τα οποία μόνο λίγες έχουν διασωθεί. Αλλά, όπως και να έχει, ένα πράγμα παραμένει αναμφισβήτητο: το αληθινό ταλέντο πάντα άνοιγε το δρόμο του. Παρ' όλα τα δεινά εκείνης της εποχής, πολλοί καλλιτέχνες του 20ού αιώνα αφοσιώθηκαν στον κοινωνικό ρεαλισμό και δημιούργησαν πίνακες που έγιναν αριστουργήματα παγκόσμιας κλάσης.

Plastov Arkady Aleksandrovich (1893–1972) Κατά τη διάρκεια πολλών ετών δημιουργικότητας, έγραψε πολλά έργα, από τα οποία ξεχωρίζουν οι καμβάδες Haymaking και Harvest. Δείπνο οδηγών τρακτέρ, First Snow, In Summer, Sanya Malikov και άλλοι.

Το βιογραφικό του έργο συνδέθηκε στενά με την περιγραφή της ζωής των απλών ανθρώπων στην ιστορία Σοβιετική τέχνη. Στη σοβιετική εποχή, αυτό ήταν ένα πολύ δημοφιλές θέμα, που επαινούσε το προλεταριακό πνεύμα του απλού λαού. Τα έργα του Plastov είναι εμποτισμένα με αγάπη για τη φύση, είχε βαθύ σεβασμό για την απλή ζωή των αγροτών και είναι σεβαστός από αυτούς.

(1906–1988) Διάσημος Ρώσος ζωγράφος της ΕΣΣΔ. Τα έργα του περιλαμβάνουν πολύ δημοφιλή έργα: Arrived for Vacation, D-A Again, For Peace, Boys, Got Your Language και πολλά άλλα έργα.

Εργάστηκε στο είδος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού και είναι ένας από τους πιο διάσημους εκπροσώπους του. Ο Ρεσέτνικοφ, κατά την πεποίθησή του, ήταν πάντα ένθερμος υποστηρικτής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού προς αυτή την κατεύθυνση, του άρεσε η σάτιρα, επομένως ήταν ψύχραιμος απέναντι σε άλλα στυλ δουλειάς. Όντας κάπως κριτικός ο ίδιος, το 1960 δημιούργησε τον καμβά «Μυστικά της Αφαίρεσης», εμπνευσμένος από αυτό το έργο, έγραψε και ένα βιβλίο.

, (1884-1967) Σε αυτήν δημιουργική βιογραφίαΤέτοια έργα είναι αξιοσημείωτα όπως: αυτοπροσωπογραφία "Στην τουαλέτα", Παιδιά στο μεσημεριανό γεύμα, της αρέσει να ζωγραφίζει γυναίκες του χωριού, ένα από τα έργα "Λευκίνοντας τον καμβά", Χωρικοί στο μεσημεριανό γεύμα, Μπαλαρίνες στην τουαλέτα κ.λπ.

Χωρίς αμφιβολία, η Serebryakova ανήκει στον γαλαξία των φωτεινότερων ρεαλιστών του 20ου αιώνα. Τα θέματα για τα έργα της και η δημιουργική της έμπνευση προήλθαν από την ίδια τη ζωή. Σαν ένα μοναχικό νησί στον ωκεανό, ξεβράστηκε από διαφορετικά ρεύματα: συμβολισμός, «Κόσμος της Τέχνης», ιμπρεσιονισμός, κυβισμός. Αλλά είναι πάντα και επίμονα πιστή στον εαυτό της και στις δικές της αρχές.

(1878-1927) Ένας από τους πιο λαμπρούς δασκάλους και ευρέως διάσημος για τη δημιουργικότητά του. Τα περισσότερα διάσημα έργαΜασλένιτσα 1916, 1919 και 1920, Έμπορος που μετράει χρήματα. Πασχαλιά 1906, με το προλεταριακό πνεύμα του έργου μπολσεβίκος. ζωγράφισε πορτρέτα και με αυτά ξεκίνησε τη δουλειά του. Πορτρέτο του Chaliapin F. I. 1921,

Πορτρέτο της συζύγου του Yu Kustodieva, 1903., Notgaft R.I. 1909. Του άρεσε να απεικονίζει ρωσικές διακοπές στους καμβάδες του. Οι καμβάδες του είναι πραγματικά εκπληκτικοί σε χρώμα και ύφος. Εδώ θα βρείτε μια πολύχρωμη ρωσική έκθεση με Ρωσίδες ντυμένες με διάφορα γυναικεία κασκόλ και άνδρες ντυμένους αγρότες που πουλάνε πήλινα και ξύλινα σκεύη. Ο Κουστόντιεφ ζωγράφιζε συχνά υπέροχες γυναίκες και ολόσωμες συνθέσεις μη πλούσιων εμπόρων ή ανθρώπων κοντά σε τέτοια επαγγέλματα

(1875-1958) Τα πιο αξιόλογα έργα του: Winter the Sorceress, March Sun, Russian Winter, Ligachevo, Spring Sunny Day, End of Winter. Μεσημέρι, κλπ. Σε ένα μοντέρνο θέμα εκείνη την εποχή, το έργο του Yuon περιέχει επίσης ασυνήθιστους πίνακες, ένας από αυτούς είναι ο Νέος Πλανήτης

Τα είδη της δουλειάς του Yuon εξαπλώθηκαν σε διάφορους τομείς της τέχνης. Δημιούργησε θεματικά έργα, ζωγράφισε πολλά πορτρέτα διάσημων προσωπικοτήτων και συγχρόνων του. Αλλά η κλήση του Yuon ήταν πάντα πρώτη θέμα τοπίου, επιρρεπής στον ιμπρεσιονισμό, ο Yuon τήρησε το παραδοσιακό ρεαλιστικό στυλ γραφής.

(1917-2005) Είναι ένας εξέχων εκπρόσωποςκαλές τέχνες του 20ου αιώνα. Τα πιο αξιόλογα έργα της: Πριν την έναρξη. 1947, Ψωμί. 1959, Πρωί. 1954 και πολλά άλλα.

Όπως οι περισσότεροι συνάδελφοί της, δουλεύει πολύ στο είδος του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, αλλά ζωγραφίζει και πορτρέτα, τοπία και νεκρές φύσεις. Η Yablonskaya είναι ένας από τους λίγους εκπροσώπους του σοσιαλιστικού ρεαλισμού, αυτά τα αριστουργήματα αναγνωρίστηκαν όχι μόνο από εγχώριους, αλλά και από παγκόσμιους κριτικούς. Παρά την κατάσταση της υγείας της προς το τέλος της ζωής της, η Τατιάνα Νίλοβνα συνέχισε να ασχολείται με τη δημιουργικότητα.

(1884-1958) Από τους αξιοσημείωτους πίνακες του Krymov: Καλοκαιρινή μέρα, Χειμωνιάτικο βράδυ, Ξημερώματα, Ανεμοδαρμένη μέρα. Ταύρος . Νέα ταβέρνα και άλλα. Εκτός από τα τοπία με λάδι, ο Νικολάι Κρίμοφ αγαπούσε τα γραφικά και σχεδίαζε θεατρικά σκηνικά.

Η δημιουργικότητα αυτού του αξιόλογου δασκάλου συνδέεται με την ανάπτυξη σε δύσκολα Σοβιετική εποχήζωγραφική τοπίου. "Ο μαθητής ξεπέρασε τον δάσκαλό του" - αυτό ακριβώς μπορεί να ειπωθεί για τον Nikolai Petrovich Krymov, ο οποίος έλαβε τα πρώτα του μαθήματα ζωγραφικής στη ζωή του από τον πατέρα του, αλλά ποτέ δεν κέρδισε φήμη στο ευρύ κοινό. Ο γιος του, αντίθετα, έγινε διάσημος ως ένας από τους πιο γνωστούς τοπιογράφους του εικοστού αιώνα.

(1871-1960) Στο χώρο της ζωγραφικής φωτογράφησε έργα όπως: «Rooks’ Nests», « Λευκός χειμώνας», «Μαρτιακό χιόνι» και «Φεβρουάριο μπλε», «Χειμωνιάτικο πρωινό», «Καθαρό φθινοπωρινό βράδυ.

Δημιούργησε συνθέσεις με τον Λένιν «Χωρικοί περιπατητές στο Λένιν» και πολλά άλλα έργα - Ένας εξέχων Ρώσος ζωγράφος, στη δημιουργική του βιογραφία ήταν πάντα πιστός στα στυλ του ιμπρεσιονισμού. Η συνεισφορά του Grabar στην τέχνη είναι πολύ ευέλικτη και γόνιμη. Εργάστηκε ως δάσκαλος, αρχιτέκτονας, συγγραφέας και διηύθυνε μουσεία και αναστηλώσεις ζωγραφικής. Απονεμήθηκε το παράσημο του Λένιν, το κόκκινο πανό της εργασίας και άλλα βραβεία.

(1910-1988) Από τα πιο αξιοσημείωτα έργα του ξεχωρίζουν τα έργα του 1947 Σε μια συνάντηση, 1949 Είσοδος στο Komsomol, 1949 Τερματοφύλακας, 1950 Συζήτηση για το δίδυμο και ένας πίνακας ζωγραφισμένος το 1954.

Επίτιμος Ακαδημαϊκός της Ακαδημίας Τεχνών Σοβιετική Ένωσηκαι την Ουκρανία. Για τις υπηρεσίες του τιμήθηκαν με δύο βραβεία Στάλιν δεύτερου βαθμού, μέλος του Κομμουνιστικού Κόμματος από το 1941. Άφησε για τη δημόσια κληρονομιά πολλά έργα που αποθηκεύτηκαν σε πολλά μουσεία στη Ρωσία, την Ουκρανία, καθώς και στη Βουλγαρία και την Ιαπωνία.

Tutunov Sergey Andreevich (1925-1998) Ανάμεσα στα έργα του ξεχωρίζει το έργο Winter has been. Η παιδική ηλικία, που δημιουργήθηκε το 1960, για την οποία ενδιαφέρθηκε η διοίκηση της Πινακοθήκης Τρετιακόφ και ο πίνακας αγοράστηκε και τοποθετήθηκε στις αίθουσες της Πινακοθήκης Τρετιακόφ.

Ο Σοβιετικός ζωγράφος γεννήθηκε στη Μόσχα το 1925 σε μια οικογένεια ρωσισμένων Αρμενίων και αποφοίτησε από την καλλιτεχνική εκπαίδευση στη Μόσχα. σχολή τέχνης(1939-1945), αργότερα στη Μόσχα (1945-1951) σπούδασε ζωγραφική στο Ινστιτούτο Surikov, δάσκαλός του ήταν ο P. D. Pokarzhevsky Από το 1953 συμμετέχει ενεργά σε διάφορες εκθέσεις τέχνης.

Ο Popov Igor Aleksandrovich (1927-1999) λάτρεψε το θέμα της ζωής της πόλης με τους κατοίκους της και αντανακλούσε αυτές τις συνθέσεις στους καμβάδες του: «Ψαράδες του Γκάλιτς», «Ημέρα αγοράς», «Πρώτο χιόνι», «Η αυλή μας», «Στο Κίεβο Σταθμός» και άλλα.

Αποφοίτησε από το Ινστιτούτο Surikov το 1951, μαθητής του S. Gerasimov. Λαϊκός καλλιτέχνης RSFSR, ήταν επικεφαλής της Ένωσης Καλλιτεχνών της RSFSR. Το έργο του Ποπόφ συνδέεται κυρίως με τη ζωγραφική τοπίου. Τα έργα του αντανακλούν βαθιά αντίληψη πορεία ζωήςκαι είναι εμποτισμένα με μια ποιητική αντίληψη και χαρακτηριστικό ύφος αντίληψης της ρωσικής φύσης των βορείων προαστίων.

Gerasimov Sergei Vasilyevich (1885-1964) Ο Gerasimov έγραψε πολλά έργα με θέμα τη λαϊκή ζωή, ένα από τα πιο αξιοσημείωτα είναι (Church of the Intercession on the Nerl 1953), (Στο κάρο, 1906), (Γάμοι σε μια ταβέρνα) , 1909), (Mozhaisk Rows" , 1908),

δραματικά θέματα (Όρκος των Παρτιζάνων της Σιβηρίας 1933), (Mother of a Partizan 1947), συχνά ζωγραφισμένα πορτρέτα και τοπία (Χειμώνας 1939), (Spring Morning 1953), γραφικά σχέδια(Στρατιώτης πρώτης γραμμής 1926), (Συλλογικός αγροφύλακας 1933) και πολλά άλλα έργα. Ταλαντούχος Σοβιετικός ζωγράφοςκαι δάσκαλος, μαθητής των Korovin K. A. and Ivanov S. V. Ξεκίνησε τη δουλειά του με έργα ακουαρέλαςβασίζεται σε έναν ειδικό χρωματικό συνδυασμό που συμβάλλει στην περαιτέρω ανάπτυξή του.

Σοβιετικοί καλλιτέχνεςκατά την κατανόησή μας, αυτοί είναι αναγκαστικά επαναστάτες ή αυτοκρατορικοί ζωγράφοι. Είναι απίθανο να συμπεριλάβουμε σε αυτήν την κατηγορία τους κληρονόμους των κινημάτων που σχηματίστηκαν πριν από την Οκτωβριανή Επανάσταση, καθώς και τους αντικομφορμιστές, τους πρωτοποριακούς καλλιτέχνες και άλλους που υπήρξαν όχι χάρη στην ΕΣΣΔ, αλλά παρόλα αυτά.

Η Deineka είχε μια εκπληκτική ικανότητα να διεισδύει στην ψυχή ενός ανθρώπου, ήξερε πώς να του δείξει σε σχέση με τον κόσμο - και ο κόσμος είναι πάντα γεμάτος με μια διάθεση, ανήσυχη ή χαρούμενη, ουρλιαχτά τραγική ή απερίσκεπτα καλοκαιρινή.

Τώρα δεν είμαστε χαρούμενοι για τους καταρράκτες της βροχής που πέφτουν από τον ουρανό, αλλά πριν από περισσότερο από μισό αιώνα οι άνθρωποι ήξεραν πώς να απολαμβάνουν τα πάντα - αν όχι όλοι οι κάτοικοι της ΕΣΣΔ, τότε σίγουρα ο καλλιτέχνης Pimenov. Τι έπρεπε να κάνει το 1937;

δοκίμια για πίνακες ζωγραφικής διάσημους καλλιτέχνεςστον ιστότοπο

Το Desn συνίσταται στο να αποδέχεσαι με όλη σου την ύπαρξη αυτό που συμβαίνει γύρω σου. αυτή τη στιγμή. Η παράλογη όψη του θαυμασμού της φύσης -χωρίς να συνειδητοποιείς τον εαυτό σου μέσα σε αυτήν- είναι το Ζεν ενός παιδιού. Είναι πολύ περίεργο να βλέπεις το «Πρώτο χιόνι» του Πλαστόφ να διδάσκεται σε παιδιά στο σχολείο. Ή όχι παράξενο, αλλά αληθινό;

δοκίμια για πίνακες ζωγραφικής διάσημων καλλιτεχνών στον ιστότοπο

Μια άτεχνη εικόνα ενός άλσους σημύδων την άνοιξη, όταν το χιόνι έχει ήδη λιώσει, αλλά ο ουρανός είναι ακόμα κρύος, φυσάει, η αντανάκλαση του χειμώνα είναι πάνω του, και ο αέρας είναι επίσης κρύος, χτυπάει με σφυρίχτρες πουλιών και στριμώχνεται κάτω από τα πόδια με το περσινό μουσκεμένο γρασίδι. Ο Baksheev έγραψε αυτό, το έργο είναι πολύπλοκο, αλλά το ίδιο το τοπίο είναι απλό και κατανοητό.

δοκίμια για πίνακες ζωγραφικής διάσημων καλλιτεχνών στον ιστότοπο

Διάσημος πίνακας ζωγραφικής Σοβιετικός καλλιτέχνηςΗ Tatyana Yablonskaya απεικονίζει ένα χαρούμενο πρωινό και σε αυτό είναι η κόρη του καλλιτέχνη. Ο καμβάς διαποτίζεται από το φως του ήλιου.

δοκίμια για πίνακες ζωγραφικής διάσημων καλλιτεχνών στον ιστότοπο

Ο διάσημος πίνακας του Viktor Grigorievich Tsyplakov "Frost and Sun" δεν απεικονίζει τον ίδιο τον ήλιο, αλλά τα εφέ του φωτισμού. Ο πίνακας έρχεται σε αντίθεση με δυνατά σπίτια και έλκηθρα με άλογα που κινούνται σε έναν χιονισμένο δρόμο προς εμάς, τους θεατές.

δοκίμια για πίνακες ζωγραφικής διάσημων καλλιτεχνών στον ιστότοπο

M. Bree-Bain. Γυναίκες ραδιοφωνιστές. 1933 ~ O. Vereisky. Τρεις αδερφές

Ε. Σαμσόνοφ. Σε νέα εδάφη. 1954

Σ. Καμάνιν. Κατασκευή ρυμουλκών. 1953

Ε. Ντανιλέφσκι. Δείγμα χάλυβα. 1952

Ι. Σιμόνοφ. Εργάτες χυτηρίου. 1959 ~ Ε. Χαριτονένκο. Ηλεκτροκολλητής. 1959

Α. Δεϊνέκα. Ποιος θα κερδίσει; 1932

V. Kuptsov. ANT-20 («Μαξίμ Γκόρκι»). 1934

B. Yakovlev. Οι μεταφορές βελτιώνονται. 1923

G. Ryazhsky. Ορυχείο. Ουράλ. 1925

Β. Μαλαγής. Χαλυβουργοί. 1950

Ι. Μπεβζένκο. Νέοι χαλυβουργοί. 1961

Ν. Μπαζίλεφ. Εκδρομή στο εργοστάσιο. 1956

G. Brzozowski. Στο χαλυβουργείο. 1964

Ναι Ρώμας. Σε σχεδίες. 1949

Μ. Μάλτσεφ. Σε ρολόι. 1953

V. Tsvetkov. Πτηνοτροφείο. 1971

Μ. Μάλτσεφ. Χειριστής γερανού. 1953 ~ Ζ. Πόποβα. Καλή σύλληψη. 1970
S. Balzamov. Εργάτης πρώτης γραμμής. 1951

Ν. Μπαζίλεφ. Φυτό που πήρε το όνομά του Ordzhonikidze. 1972

Α. Πετρόφ. «Mosfilm». 1978

Α. Πετρόφ. Μόσχα. Σιδηροδρομικός Σταθμός Kazansky. 1981

V. Firsov. Στήλη. 1984

Φ. Ρεσέτνικοφ. Έφτασε για διακοπές. 1948 ~ Φ. Ρεσέτνικοφ. Δύο πάλι. 1951

T. Yablonskaya. Πρωί ~ Yu Raksha. Μικροί λουόμενοι. 1979

Ν. Ζούκοφ. Μεγαλώνουμε και πάμε καλά. 1953 ~ A. Laktionov. Επίσκεψη στα εγγόνια

Ι. Βλαντιμίροφ. Στο παρθεναγωγείο ~ V. Korneev. Μαθητές σε μια συναυλία. 1952

Φ. Ρεσέτνικοφ. Για την ειρήνη! 1950 ~ N. Solomin. Νέες μητέρες

Ε. Gordiets. Φωτίζεται από τον ήλιο. 1982 ~ B. Ugarov. Μητέρα

K. Petrov-Vodkin. Παιδί που κοιμάται. 1924

Yu Kugach. Στο λίκνο

Ν. Τερψιχόροφ. Παράθυρο στον κόσμο. 1928

P. Krivonogov. Κορίτσι με σκι. 1963 ~ V. Zholtok. Ήρθε ο χειμώνας. 1953

Α. Ράτνικοφ. Κάναμε μια βόλτα. 1955

T. Yablonskaya. Στο πάρκο. 1950

T. Yablonskaya. Κρυολόγησα. 1953

Ν. Ουλιάνοφ. Κολοκύθα

D. Kolupaev. Διακοπές στο σχολείο. Στο χριστουγεννιάτικο δέντρο. 1949

Α. Κοστένκο. I. Michurin με παιδιά. 1964 ~ P. Drachenko. Πρωτοποριακό τραγούδι. 1959

V. Zholtok. Κορίτσι με κόκκινο καπέλο. 1955
Α. Μίλνικοφ. Verochka στη βεράντα. 1957

Σ. Γκριγκόριεφ. Τερματοφύλακας. 1949

K. Uspenskaya-Kologrivova. Δεν με πήρε για ψάρεμα

Σ. Γκριγκόριεφ. Ψαράς. 1958

Ι. Σούλγκα. Πρωτοπόροι που επισκέπτονται τους κατοίκους της Μαύρης Θάλασσας. 1940

P. Krylov. Δύο Νατάσας

Ρ. Γκαλίτσκι. Στη γραμμή του τερματισμού

I. Shevandronov. Στη βιβλιοθήκη του χωριού

I. Shevandronov. Η πρόβα βρίσκεται σε εξέλιξη. 1959

Α. Δεϊνέκα. Μελλοντικοί πιλότοι. 1937

V. Pribylovsky. Μελλοντικοί καπετάνιοι. 1963

Σ. Γκριγκόριεφ. Πρωτοπόρος. 1951 ~ P. Krokhonyatkin. Παιδιά στο μπαλκόνι. 1954 ~ O. Bogaevskaya. Παιδικές διακοπές. 1980

Ε. Τσερνίσοβα. Νύφες Vyshnevolotsk. 1984 ~ A. Levitin. Ειρήνη στα εγγόνια. 1985

K. Petrov-Vodkin. Κορίτσι με μια κούκλα. 1937 ~ M. Bogatyrev. Μελλοντικοί πρωταθλητές. 1950

Για. Στο μαυσωλείο του V.I. 1953

P. Krivonogov. Κηδεία του I.V. Ο Στάλιν. 1953

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Πρωτομαγιάτικη διαδήλωση

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Επίδειξη Πρωτομαγιάς (απόσπασμα)

Α. Καζάντσεφ. I.V. Ο Στάλιν με τη μητέρα του

B. Vladimirsky. Τριαντάφυλλα για τον J.V. Stalin

Ι. Πενζόφ. Ευτυχισμένα παιδικά χρόνια. 1978

L. Kotlyarov. Ψωμί και αλάτι (L. I. Brezhnev με εργάτες του χωριού)
Ι. Ράντομαν. L. I. Brezhnev στο ZIL

A. Gerasimov. I.V. Ο Στάλιν και ο Α.Μ. Ο Γκόρκι στη ντάκα. 1930

A. Gerasimov. Οικογενειακό πορτρέτο. 1934
Ο Λαϊκός Καλλιτέχνης της ΕΣΣΔ Α.Μ
Παρά την απροθυμία των γονιών του, πηγαίνει στη Μόσχα, δίνει έξοχα τις εξετάσεις ζωγραφικής και γίνεται μαθητής στη Σχολή. Ο δάσκαλός του στο μάθημα του τοπίου ήταν ο M.K Klodt, στην τάξη του K.N. Gorin και ο A.M. Οι δάσκαλοι V. Serov, K. Korovin, A. Vasnetsov του έδωσαν πολλά στη ζωγραφική. Έχοντας ολοκληρώσει έξοχα το τμήμα ζωγραφικής της Σχολής, ο A.M Gerasimov αποφάσισε να παρακολουθήσει το εργαστήριο του K. Korovin. Για να γίνει αυτό, ήταν απαραίτητο, με τη συμβουλή του Korovin, να εγγραφεί σε άλλο τμήμα της Σχολής. Ο Gerasimov αποφάσισε σταθερά στην αρχιτεκτονική. Ο Konstantin Korovin, που δικαίως θεωρείται ο ιδρυτής του ρωσικού ιμπρεσιονισμού, του έδωσε πολλά. Επισκεπτόμενος συχνά το Παρίσι, ο K. Korovin μίλησε στους μαθητές για τον γαλλικό ιμπρεσιονισμό και, φυσικά, επηρέασε το έργο του νεαρού Gerasimov. Αυτή η επιρροή είναι ιδιαίτερα εμφανής στα πρώιμα μαθητικά του έργα, που δημιουργήθηκαν το 1912-13: «Πορτρέτο του V.A Gilyarovsky», «Portrait of N. Gilyarovskaya», «Portrait of V. Lobanov». Όλα αυτά τα έργα γράφτηκαν στη ντάκα του V. Gilyarovsky, στη Gilyaevka. Το "Portrait of V.A Gilyarovsky" βρίσκεται τώρα στο διαμέρισμα του συγγραφέα στη Μόσχα και δύο άλλα πορτρέτα βρίσκονται στη συλλογή του μουσείου-κτήμα του A.M.
Κατά τη διάρκεια αυτών των ετών, ο V.A. Gilyarovsky παρακολούθησε συχνά φοιτητικές εκθέσεις στη Σχολή Ζωγραφικής, Γλυπτικής και Αρχιτεκτονικής. Από τα έργα του, μπορούσε εύκολα να προσδιορίσει όχι μόνο το ταλέντο του καλλιτέχνη, αλλά και από πού προήλθε αυτός ή εκείνος ο καλλιτέχνης. Απέκτησε έργα ζωγραφικής του πολύ νεαρού Gerasimov, τον στήριξε ηθικά και οικονομικά και αυτό είχε ευεργετική επίδραση στο έργο του καλλιτέχνη.

Στον κήπο. Πορτρέτο της Nina Gilyarovskaya, 1912

Πορτρέτο του κριτικού τέχνης V.M. 1913
Στα τέλη της δεκαετίας του '30, ο A.M. Gerasimov άρχισε να ενδιαφέρεται για την προσωπογραφία: Είδος πορτραίτουείναι ο κύριος τύπος της δημιουργικότητάς μου, που εκφράζει την ουσία μου ως καλλιτέχνη», έγραψε ο Γερασίμοφ ένα άτομο και όταν το βρω, θέλω ανεξέλεγκτα να το συλλάβω πολύχρωμη εικόνα", υπενθύμισε ο A.M. Gerasimov. Η ανάγκη διαιώνισης των ισχυρών, υπέροχο άτομο, που φαίνεται στις ευρείες συνδέσεις του με τον χρόνο, την εποχή, το περιβάλλον, είχε ως αποτέλεσμα τη δημιουργία μιας πραγματικά μεγαλειώδους σειράς πορτρέτων. Ανάμεσά τους ξεχώρισε ιδιαίτερα το «Πορτρέτο της μπαλαρίνας O.V.» (1939). Η μπαλαρίνα απεικονίζεται στην αίθουσα των προβών, με φόντο έναν τεράστιο καθρέφτη, να στέκεται πάνω σε παπούτσια πουέντ. Αυτή η τεχνική σας επιτρέπει να δείξετε τη φιγούρα του χορευτή από δύο γωνίες. Ο καθρέφτης αντανακλά ένα τραπέζι με είδη μακιγιάζ και μέρος μιας μπάρας μπαλέτου, ενώ φαίνεται και το καβαλέτο στο οποίο δούλευε ο καλλιτέχνης.
Αξιόλογα πορτρέτα της A.K Tarasova (Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), ηθοποιός του Θεάτρου Τέχνης της Μόσχας I.M. Moskvin (1940) (Lvov. γκαλερί), «Πορτρέτο της καλλιτέχνιδας Tamara Khanum» (1939). Αργότερα έγραψε «Ομαδικό πορτρέτο των παλαιότερων καλλιτεχνών του Κρατικού Ακαδημαϊκού Θεάτρου της ΕΣΣΔ A.A., V.N. Ryzhova, E.D. Turchaninova» (1954)

Πορτρέτο του καλλιτέχνη A.K Tarasova. 1939 ~ Πορτρέτο μιας κόρης. 1951

Π.Μ. Γερασίμοφ. Πορτρέτο της Κ.Ε. Βοροσίλοφ. 1927
Πορτρέτο του Klim Petrovich Voroshilov, εγγονός του K.E. 1949
Gerasimov Alexander Mikhailovich

Ο Gerasimov είχε το χάρισμα να αποτυπώνει εύκολα την ομοιότητα πορτρέτων και ένιωθε τον εαυτό του πρωτίστως προσωπογράφο. Ανάμεσα στα έργα του αρχίζουν σταδιακά να κυριαρχούν εικόνες υψηλόβαθμων ανθρώπων. Ο Γερασίμοφ κέρδισε ιδιαίτερη φήμη ως συγγραφέας πολυάριθμων εικόνων του Β. Ι. Στάλιν και των μεγάλων κομματικών αφεντικών. Έδωσε επίτηδες το πινέλο του στην υπηρεσία της θριαμβευτικής κομμουνιστικής κυβέρνησης με αντάλλαγμα την προσωπική ευημερία.

Εξαιρετικό ταλέντο, χαρούμενο, «λαχταριστό» στυλ ζωγραφικής - όλα αυτά καθώς ο καλλιτέχνης προχωρά σκάλα καριέραςαπέκτησε τελετουργική λάμψη (Portrait of K. E. Voroshilov. 1927. Μουσείο σύγχρονη ιστορίαΡωσία). Οι πιο αναγνωρισμένοι πίνακές του ήταν ο «V. Ο Ι. Λένιν στο βάθρο» (1930. Κρατικό Ιστορικό Μουσείο· επανάληψη 1947 στην Κρατική Πινακοθήκη Τρετιακόφ) και «Ομιλία του Β. Ι. Λένιν στην Ολομέλεια του Σοβιέτ της Μόσχας στις 20 Νοεμβρίου 1922» (1930. Κρατικό Ιστορικό Μουσείο).

Η επιτυχία και η αναγνώριση δεν άργησαν να έρθουν. Στις αρχές του 1936 άνοιξε στη Μόσχα μια προσωπική έκθεση του Gerasimov, όπου παρουσιάστηκαν 133 έργα, ξεκινώντας από τα παλαιότερα. Κεντρική τοποθεσίαΦυσικά, τα πορτρέτα των ηγετών του κόμματος κατέλαβαν την κύρια θέση στην έκθεση «Ομιλία του Στάλιν στο 16ο Συνέδριο του Κόμματος» (1933. Αρχείο καλλιτεχνικών έργων).

Σε αντίθεση με πολλούς άλλους, στον Gerasimov επιτράπηκε να ταξιδέψει στο εξωτερικό. Στη δεκαετία του 1930 επισκέφτηκε το Βερολίνο, τη Ρώμη, τη Νάπολη, τη Φλωρεντία, τη Βενετία, την Κωνσταντινούπολη και το Παρίσι. Στο εξωτερικό, ο καλλιτέχνης έγραψε πολλά σκίτσα («Η Αγία Σοφία». 1934. Κρατικό Ρωσικό Μουσείο) και παρακολουθούσε συνεχώς εκθέσεις τέχνης. Αλλά στον «σωστό» μαχητή του σοσιαλιστικού ρεαλισμού δεν άρεσε αυτό που πίστευε ότι ήταν η άνευ αρχών τέχνη της Ευρώπης. Γάλλοι καλλιτέχνες, σύμφωνα με τον Gerasimov, άκουσαν με ενδιαφέρον τις ιστορίες του για « καλλιτεχνική δραστηριότηταστην ΕΣΣΔ». «Η υπέροχη ζωή και οι συνθήκες εργασίας των καλλιτεχνών στη Σοβιετική Ένωση, όπου όλα τα είδη τέχνης περιβάλλονται από τη φροντίδα του κόμματος και της κυβέρνησης, τους φαινόταν σαν παραμύθι» (Sokolnikov M. A. M. Gerasimov. Life and creativity. - M. , 1954. Σ. 134. ).

Στο δεύτερο μισό της δεκαετίας του τριάντα και στη δεκαετία του σαράντα, τέτοια επίσημα πομπώδη έργα του Gerasimov εμφανίστηκαν ως «Ι. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Βοροσίλοφ στο Κρεμλίνο» (1938. Γκαλερί Τρετιακόφ), «Ι. Ο Β. Στάλιν κάνει μια αναφορά στο XVIII Συνέδριο του Συνδικαλιστικού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων για το έργο της Κεντρικής Επιτροπής του Ομοσπονδιακού Κομμουνιστικού Κόμματος των Μπολσεβίκων (1939. Γκαλερί Τρετιακόφ), «Ύμνος στον Οκτώβριο» (1942). Κρατικό Ρωσικό Μουσείο), «Ι. Β. Στάλιν στον τάφο του Α. Α. Ζντάνοφ» (1948. Πινακοθήκη Τρετιακόφ, Βραβείο Στάλιν 1949). Τέτοιοι «εποχικοί» πίνακες δημιουργήθηκαν συνήθως χρησιμοποιώντας μια ομαδική μέθοδο, δηλαδή από μαθητευόμενους - ο ίδιος ο μαέστρος όριζε μόνο τις κρίσιμες λεπτομέρειες. Οι τεράστιοι καμβάδες του, γεμάτοι πάθος αφισών, έγιναν πρότυπα του επίσημου στυλ της σοβιετικής τέχνης.

Οι πίνακές του δημιούργησαν την εικόνα ενός «σοφού ηγέτη» και έπαιξαν σημαντικό ρόλο στις προπαγανδιστικές εκστρατείες. Ο καλλιτέχνης κολάκευε ανεξέλεγκτα τον Στάλιν τόσο στις πομπώδεις εικόνες του για τον Γενικό Γραμματέα όσο και στις δηλώσεις του για αυτόν. Ίσως, απλώς για να αυξήσει την εξουσία του, διαβεβαίωσε ότι ο Στάλιν, σε συνομιλίες μαζί του, «εξέφρασε τα πιο πολύτιμα, για εμάς τους καλλιτέχνες, σχόλια σχετικά με το ίδιο το θέμα της τέχνης μας». Ωστόσο, ο ίδιος ο Στάλιν δεν θεωρούσε τον εαυτό του γνώστη της ζωγραφικής μάλλον, ήταν αδιάφορος για αυτήν, εκτός κι αν αφορούσε τα δικά του πορτρέτα (Gromov E. Stalin: power and art. - M., 1998. P. 288, 305.) .

Ο καλλιτέχνης ζωγράφισε επίσης ακούραστα πορτρέτα υψηλόβαθμων αξιωματούχων του Κομμουνιστικού Κόμματος και της κυβέρνησης (Portrait of V.M. Molotov. [Ο V.M. Molotov μιλάει σε μια συνάντηση στο Θέατρο Μπολσόι 6 Νοεμβρίου 1947]. 1948. Γκαλερί Τρετιακόφ), στρατιωτικοί ηγέτες και ήρωες της σοσιαλιστικής εργασίας. Μερικές φορές ο Gerasimov ζωγράφιζε επίσης εκπροσώπους της δημιουργικής διανόησης: "Ballerina O. V. Lepeshinskaya" (1939), "Ομαδικό πορτρέτο των παλαιότερων καλλιτεχνών I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov "(1944, 1941). Ζωγράφισε επίσης πορτρέτα της οικογένειάς του - " Οικογενειακό πορτρέτο«(1934. Μουσείο της Δημοκρατίας της Λευκορωσίας).

Για τον εαυτό του, ο Gerasimov ασχολήθηκε με τραχύ και απλουστευμένο ερωτισμό για τους ημιτελείς πίνακες "Village Bathhouse" (1938, A.M. Gerasimov House-Museum, Michurinsk) και "Polovtsian Dances" (1955, ιδιοκτησία της οικογένειας του καλλιτέχνη, Μόσχα). διατηρήθηκε. Με θέμα το «Λουτρό του χωριού», ο Gerasimov έγραψε πολλά σκίτσα «για τον εαυτό του» για πολλά χρόνια (Village Bathhouse. Etude. 1950. Συλλογή της οικογένειας του καλλιτέχνη). «Έβγαλε την ψυχή του» και στο έργο του για την εικονογράφηση του «Taras Bulba» (1947-1952), στο οποίο ίσως αναζητούσε χαμένα μονοπάτια προς τον εθνικό ρομαντισμό των αρχών του αιώνα.

Μέχρι τα τέλη της δεκαετίας του 1930, κατά την περίοδο των μαζικών καταστολών και της εμφάνισης του ολοκληρωτικού σταλινικού συστήματος, ο Gerasimov πέτυχε πλήρη επίσημη επιτυχία και ευημερία. Τώρα δεν είναι μόνο ένας αυλικός, ένας ακριβοπληρωμένος ζωγράφος, ο αγαπημένος του Στάλιν, αλλά και ένας ισχυρός ηγέτης της καλλιτεχνικής ζωής της χώρας. Του ανατέθηκε να ηγηθεί και, κυρίως, να ελέγχει τη δουλειά άλλων καλλιτεχνών. Διορίστηκε πρόεδρος του διοικητικού συμβουλίου του παραρτήματος της Μόσχας της Ένωσης Καλλιτεχνών (1938-1940) και πρόεδρος της οργανωτικής επιτροπής της Ένωσης Σοβιετικών Καλλιτεχνών (1939-1954). Όταν δημιουργήθηκε η Ακαδημία Τεχνών της ΕΣΣΔ το 1947, ο Γερασίμοφ διορίστηκε ο πρώτος της Πρόεδρος με την επιμονή του Βοροσίλοφ.

Σε όλες του τις αναρτήσεις, ο Gerasimov έδειξε ότι είναι ενεργητικός βοηθός του κόμματος στην καταστολή της δημιουργικής διανόησης. Πολέμησε αυστηρά ενάντια σε οποιεσδήποτε αποκλίσεις από τον σοσιαλιστικό ρεαλισμό υπό το ψεύτικο σύνθημα της «πίστης στις μεγάλες παραδόσεις του ρωσικού ρεαλισμού». Πολέμησε σταθερά και με συνέπεια ενάντια στον «φορμαλισμό», ενάντια στον «θαυμασμό για την εκφυλισμένη τέχνη της αστικής τάξης».

Ως αφοσιωμένος βοηθός του Voroshilov, συνέβαλε ενεργά στο κλείσιμο του Μουσείου του Νέου Δυτική τέχνη, στο κτήριο του οποίου βρίσκεται το Μουσείο Δώρων στον J.V. Stalin. Το 1948, κατά τη διάρκεια μιας συζήτησης για τον φορμαλισμό, υποστήριξε ακούραστα «για την υψηλή ιδεολογική τέχνη», δηλαδή για την τέχνη που ήταν αδυνατισμένη και ιδεολογική. ρώτησε ρητορικά ο Gerasimov και απάντησε ωμά: «Γιατί να θεωρώ τα γούστα των φορμαλιστών καλλιτεχνών πάνω από το γούστο μου; [...] με όλο μου το σπλάχνο κατάλαβα ότι αυτό ήταν κάποιο είδος θανάτου, με είχε βαρεθεί όλο αυτό και προκαλούσα μίσος, που ακόμα δεν μειώνεται».

Με ιδιαίτερη μανία και ευχαρίστηση πάτησε τους ιμπρεσιονιστές. Πιστοί άνθρωποιΟ Gerasimov αναζήτησε επαναστάτες καλλιτέχνες και τους ανέφερε στον αυστηρό φύλακα της σοσιαλιστικής ρεαλιστικής τάξης. Οι διαδικασίες ήταν πάντα σύντομες και επιτακτικές. Αν ο καλλιτέχνης ζωγράφιζε με πινελιές, τότε ακολούθησε η κατηγορία του «ιμπρεσιονισμού». Από εκείνη τη στιγμή, οποιαδήποτε έργα ενός τόσο ατιμασμένου ζωγράφου δεν ήταν πλέον αποδεκτά πουθενά και ήταν καταδικασμένος σε μια πεινασμένη ύπαρξη.

Ταυτόχρονα, ο Alexander Gerasimov κατάλαβε τέλεια τι είναι πραγματική τέχνη και αληθινή δημιουργικότητα. Όταν οι σκέψεις του ήταν μακριά από υπεύθυνες θέσεις και υψηλές θέσεις, δημιουργούσε έργα δωματίου, λυρικά, δίνοντας προτίμηση στο τοπίο και τη νεκρή φύση. Αυτά τα έργα αντανακλούσαν, θέλοντας και μη, το ζωγραφικό σύστημα του δασκάλου του Konstantin Korovin. Πολλά από αυτά φέρουν σαφή ίχνη ιμπρεσιονιστικής γραφής: «Song of the Starling» (1938. Γκαλερί Tretyakov), «Apple Trees in Blossom» (1946. Συλλογή της οικογένειας του καλλιτέχνη). Κατά τη γνώμη μου, το καλύτερο έργο του είναι το «Μετά τη βροχή. Υγρή βεράντα«(1935. Γκαλερί Τρετιακόφ). Σε αυτό, ο καλλιτέχνης έδειξε αληθινή ζωγραφική ικανότητα.

Στην καθημερινή ζωή, ο Alexander Mikhailovich ήταν γνωστός ως ένα ευγενικό και φιλικό άτομο. Σε συνομιλίες με στενά άτομα επέτρεπε στον εαυτό του πολύ ανορθόδοξες δηλώσεις. Συμβούλεψε τους νέους καλλιτέχνες: «Το πιο σημαντικό πράγμα είναι να πιάσουμε τη ζωή από την ουρά. Η μοναδικότητά του. Μην ακολουθείτε ιδιαίτερα επίσημους πίνακες. Θα πάρεις τα χρήματα, αλλά θα χάσεις τον καλλιτέχνη μέσα σου».

Σε μεγάλη ηλικία, ο αξιοσέβαστος καλλιτέχνης φαινόταν να έχει μειωθεί σε ανάστημα και να μοιάζει με νάνο, το ρυτιδωμένο κίτρινο δέρμα του κρεμόταν σε πτυχές στο πρόσωπό του και τα μαύρα μογγολοειδή μάτια του έμοιαζαν λυπημένα κάτω από τα πλαδαρά βλέφαρα. Δεν υπήρχε τίποτα κακό στην εμφάνισή του. Είπε για τον εαυτό του: «Είμαι καθαρός Ρώσος! Αλλά οι Τάταροι, προφανώς, ήταν απόλυτα παρόντες στην οικογένειά μου. Θα ήθελα να κάτσω σε ένα άλογο, να χτυπήσω ξερό μπαστουρμά κάτω από τη σέλα, να πιω αν θέλω, να κόψω το πέλμα ενός αλόγου, να πιω αίμα. Ωστόσο, έχω ήδη ρουφήξει το αίμα όλων των ειδών φορμαλιστών, και φαντασιωτών, και τύπων του Jack of Diamonds... Δεν θέλω άλλο, είμαι άρρωστος...»

Με το θάνατο του Στάλιν, η επιρροή του Γερασίμοφ άρχισε να εξασθενεί και μετά το 20ο Συνέδριο του ΚΚΣΕ και την αποκάλυψη της λατρείας της προσωπικότητας, ο πρώην κυρίαρχος των καλλιτεχνών απομακρύνθηκε από τις επιχειρήσεις. Το 1957, έχασε τη θέση του ως πρόεδρος της Ακαδημίας και πίνακες πρώην ηγετών τέθηκαν σε αποθήκευση μουσείων.

Η ντροπή του Γκερασίμοφ έγινε αντιληπτή από τη διανόηση ως ένα από τα συμπτώματα της «απόψυξης» του Χρουστσόφ. Ωστόσο, ο ίδιος ο καλλιτέχνης, που εκτιμούσε ιδιαίτερα το ταλέντο του, θεώρησε τον εαυτό του αδικαιολόγητα απόρριψη. Όταν ένας από τους γνωστούς του, κριτικός τέχνης, συνάντησε τον πρώην επικεφαλής του σοσιαλιστικού ρεαλισμού στο δρόμο και τον ρώτησε πώς τα πάει, απάντησε με μια εντυπωσιακή φράση: «Στη λήθη, όπως ο Ρέμπραντ». Ωστόσο, υπερέβαλε την έκταση τόσο της απόρριψής του όσο και του ταλέντου του. Οι σοσιαλιστές ρεαλιστές θα είναι περιζήτητοι μέχρι την πτώση της κομματοκρατίας το 1991.

Το φαινόμενο του Gerasimov και πολλών παρόμοιων καλλιτεχνών της σοβιετικής περιόδου είναι διφορούμενο. Ο Gerasimov είναι ένας ζωγράφος προικισμένος από τον Θεό με μεγάλο ταλέντο. Οποιοσδήποτε δάσκαλος στη δουλειά του, είτε το θέλει είτε όχι, εξαρτάται από την εξουσία, από την κοινωνικο-κουλτούρα, από την καθιερωμένη κοινότητα, από τα χρήματα. Σε ποιο βαθμό μπορεί να αντέξει οικονομικά να κάνει συμβιβασμούς που δεν μπορούν να αποφευχθούν; Ο Γκερασίμοφ πέρασε ξεκάθαρα την αόρατη γραμμή οριοθέτησης. Άρχισε να υπηρετεί όχι το Ταλέντο του, αλλά τους Αρχηγούς.

Απόβροχο. Wet Terrace, 1935
Η έκθεση στην γκαλερί Tretyakov περιλαμβάνει δύο πίνακες του Gerasimov: «Wet Terrace» και «I.V. Ο Στάλιν και ο Κ.Ε. Βοροσίλοφ στο Κρεμλίνο». Ένα παράδειγμα δημιουργικής εναλλακτικής για μελλοντικούς ιστορικούς τέχνης. Αλλά, ίσως, οι απόγονοι, όταν καλυφθούν με την πατίνα του χρόνου, τα εγκλήματα και τις αδικίες της εποχής του Στάλιν, να δουν μέσα τους μόνο ένα μεγάλο καλλιτεχνικό χάρισμα, ανεξάρτητα από την πολιτική κατάσταση του παρελθόντος. Και στην άγραφη ακόμη ιστορία της ρωσικής τέχνης θα παραμείνουν τόσο το «Wet Terrace» όσο και το «I. Β. Στάλιν και Κ. Ε. Βοροσίλοφ». Ως εξαιρετικά μνημεία της εποχής τους. Άλλωστε, δεν θα περνούσε καν από το μυαλό κανενός τώρα να κατηγορήσει βασιλικά πορτρέτα D. G. Levitsky, F. S. Rokotov, V. L. Borovikovsky, I. E. Repin, V. A. Serov.

Ο Alexander Mikhailovich Gerasimov πέθανε στη Μόσχα στις 23 Ιουλίου 1963. Την ίδια χρονιά δημοσιεύτηκαν επίσης τα απομνημονεύματα ενός «στρατευμένου σοσιαλιστή ρεαλιστή» («Η ζωή ενός καλλιτέχνη»).

Τον Μάρτιο του 1977, άνοιξε ένα μνημείο σπίτι-μουσείο του καλλιτέχνη στο Michurinsk. Πρόκειται για ένα εκτεταμένο διώροφο κτίριο από τούβλα. Υπάρχει κήπος, βοηθητικά κτίρια, αμαξοστάσιο και αχυρώνα. Προφανώς, οι γονείς του καλλιτέχνη ήταν πλούσιοι έμποροι που ήξεραν πώς να εμπορεύονται επικερδώς. Ο γιος ακολούθησε τα βήματά τους.