Absurdin teatterin kehitys ja muodostuminen. Absurdi teatterissa. Absurdin teatterin avainteoksia

Lippu numero 24.

Absurdin teatterin piirteet: alkuperä, edustajat, dramaattisen rakenteen piirteet (S. Beckett, E. Ionesco).

Absurdin teatteri- Länsi-Euroopan draaman ja teatterin suunta, joka syntyi 1900-luvun puolivälissä. Absurdistisissa näytelmissä maailma esitetään merkityksettömänä, vailla logiikkaa, kasa faktoja, tekoja, sanoja ja kohtaloita. Absurdin periaatteet ilmentyivät täydellisimmin näytelmäkirjailija Eugene Ionescon draamassa "The Bald Singer" (1950) ja Samuel Beckettin "Godot'ta odotellessa".

Absurdin teatterin uskotaan juurtuvan dadaismin filosofiaan, olemattomien sanojen runouteen ja 1910- ja 20-lukujen avantgarde-taiteeseen. Huolimatta terävää kritiikkiä, genre saavutti suosion toisen maailmansodan jälkeen, mikä osoitti merkittävää epävarmuutta ihmisen elämää. Esitettyä termiä kritisoitiin myös "antiteatteriksi" ja "vastaiseksi; uusi teatteri" "Absurdin teatteri" (tai "uusi teatteri") -liike ilmeisesti sai alkunsa Pariisista avantgarde-ilmiönä, joka liittyy latinalaisen korttelin pieniin teattereihin, ja saavutti jonkin ajan kuluttua maailmanlaajuista tunnustusta.

Käytännössä absurdin teatteri kieltää realistiset hahmot, tilanteet ja kaikki muut asiaankuuluvat teatteritekniikat. Aika ja paikka ovat epävarmoja ja muuttuvia, yksinkertaisimmatkin syy-yhteydet tuhoutuvat. Turhat juonittelut, toistuvat vuoropuhelut ja päämäärätön keskustelu, dramaattinen toimien epäjohdonmukaisuus - kaikki on alisteinen yhdelle tavoitteelle: luoda upea ja ehkä kauhea tunnelma.

Absurdisen draaman kehitykseen vaikutti surrealistinen teatraalisuus: hienojen pukujen ja naamioiden käyttö, merkityksettömiä riimejä, provokatiivisia vetoomuksia yleisöön jne. Näytelmän juoni ja hahmojen käyttäytyminen ovat käsittämättömiä, analogisia ja joskus niiden tarkoituksena on järkyttää yleisöä. Heijastaen keskinäisen ymmärryksen, kommunikoinnin, vuoropuhelun järjettömyyttä, näytelmä korostaa kaikin mahdollisin tavoin kielen merkityksettömyyttä, joka eräänlaisena pelin muodossa ilman sääntöjä tulee kaaoksen pääkantajaksi.

Absurdisteille olemassaolon hallitseva ominaisuus ei ollut puristuminen, vaan rappeutuminen. Toinen merkittävä ero edelliseen draamaan on suhteessa henkilöön. Ihminen absurdimaailmassa on passiivisuuden ja avuttomuuden henkilöitymä. Hän ei voi ymmärtää muuta kuin avuttomuuttaan. Häneltä riistetään valinnanvapaus. Absurdistit kehittivät käsityksensä draamasta – antidraamaa. Absurdin draama ei ole keskustelua absurdista, vaan absurdin osoitus.

Eugene Ionesco- absurdismin perustaja ranskalaisessa draamassa.

Hänen näytelmiensä tilanteet, hahmot ja dialogit seuraavat ennemminkin unelmakuvia ja assosiaatioita kuin arkitodellisuutta. Kieli vapautetaan hauskojen paradoksien, kliseiden, sanojen ja muiden verbaalisten pelien avulla tavanomaisista merkityksistä ja assosiaatioista. Ionescon näytelmien surrealismi juontaa juurensa sirkuksen klovneriasta, Charles Chaplinin, B. Keatonin, Marx-veljesten elokuvista, muinaisesta ja keskiaikaisesta farssista. Tyypillinen tekniikka on kasa esineitä, jotka uhkaavat niellä näyttelijät; asiat saavat elämän ja ihmiset muuttuvat elottomiksi esineiksi. Absurdistisissa näytelmissä ei ole katarsisia, E. Ionesco torjuu kaiken ideologian, mutta näytelmät herätti henkiin syvä huoli kielen ja sen puhujien kohtalosta.

"The Bald Singer" ensi-ilta tapahtui Pariisissa. "The Bald Singerin" menestys oli skandaali, kukaan ei ymmärtänyt mitään, mutta absurdististen näytelmien tuotantojen katsomisesta tuli vähitellen hyvä muoto.

Anti-näytelmässä (tämä on genrenimitys) ei ole jälkeäkään kaljusta laulajasta. Mutta siellä on englantilainen pariskunta, Smithit ja heidän naapurinsa Martin, sekä piika Mary ja palokunnan kapteeni, jotka sattuivat hetkeksi katsomaan Smithejä. Hän pelkää myöhästyä tulipalosta, joka syttyy monen tunnin ja niin monen minuutin kuluttua. On myös kelloja, jotka lyövät miten haluavat, mikä ilmeisesti tarkoittaa, että aika ei ole hukassa, sitä ei yksinkertaisesti ole olemassa, jokainen on omassa aikaulottuvuussaan ja puhuu hölynpölyä sen mukaan.

Näytelmäkirjailijalla on useita tekniikoita absurdin tehostamiseksi. Tapahtumien sarjassa on hämmennystä, samoja nimiä ja sukunimiä kasattu, puolisot eivät tunnista toisiaan, ja isäntien-vieraiden, vieraiden-isäntäjen räjähdys, saman epiteetin lukemattomia toistoja, virta. oksymoroneista, ilmeisen yksinkertaistettu lauseiden rakenne, kuten oppikirjassa Englannin kieli aloittelijoille. Lyhyesti sanottuna dialogit ovat todella hauskoja.

Kun Ionescoa kysyttiin dramaturgiansa merkityksestä, hän vastasi, että hän halusi "selittää kaiken olemassaolon absurdin, ihmisen irtautumisen transsendenttisista juuristaan", osoittaakseen, että "puhuessaan ihmiset eivät enää tiedä, mitä he haluavat sanoa, ja että he puhuvat niin, ettei mikään sanottava tuolle kielelle, sen sijaan että tuo ne yhteen, se vain jakaa heidät entisestään", paljastaa "olemassamme epätavallisen ja kummallisen luonteen" ja "parodioi teatteria eli maailmaa".

Hänen dramaturgiansa tavoitteena on luoda hurja, hillitön teatteri, hän ehdottaa paluuta teatterin alkuun, nimittäin muinaisiin nukkeesityksiin, joissa käytetään karikatuurisia, epäuskottavia kuvia, jotka korostavat itse todellisuuden julmuutta. Ionesco julisti olevansa jyrkkä erimielisyys kaikkien näytelmäkirjailijoiden olemassa olevan teatterin kanssa, hän tunnisti vain Shakespearen. Nykyteatteri ei hänen mielestään kykene ilmaisemaan ihmisen eksistentiaalista tilaa. Teatterin tulee siirtyä mahdollisimman kauas realismista, joka vain hämärtää ihmiselämän olemuksen.

BECKETT.

Beckett oli Joycen sihteeri ja oppi kirjoittamaan häneltä. "Godot'ta odotellessa" on yksi absurdin perusteksteistä. Entropia on edustettuna odotustilassa, ja tämä odotus on prosessi, jonka alkua ja loppua emme tiedä, ts. ei mitään järkeä. Odotustila on hallitseva tila, jossa sankarit ovat olemassa, pohtimatta, tarvitseeko heidän odottaa Godot'ta. He ovat passiivisessa tilassa.

Sankarit (Volodya ja Estragon) eivät ole täysin varmoja siitä, että he odottavat Godotia juuri siinä paikassa, missä heidän on oltava. Kun he seuraavana päivänä yön jälkeen tulevat samaan paikkaan kuihtyneen puun luo, Estragon epäilee, onko tämä sama paikka. Esineiden joukko on sama, vain puu kukkii yhdessä yössä. Estragonin kengät, jotka hän jätti eilen tielle, ovat samassa paikassa, mutta hän väittää niiden olevan suurempia ja erivärisiä.

"Godot'ta odotellessa."

Samaistuminen Kristukseen, ihmisten syntien lunastajaan, Isän Jumalaan. "Mikään ei ole todellisempaa kuin ei mitään." Tämä on Minkään symboli. Eksistentialistien kohdalla mikään ei sisällä plusmerkkiä. Keskeisiä hahmoja- Vladimir ja Estragon, kulkurit. He ovat kyllästyneitä odottamiseen eivätkä voi muuta kuin odottaa. Poika ilmestyy ja ilmoittaa, että Godot'n ilmestyminen on jälleen viivästynyt. Lucky ja Potso ovat aktivisteja, realisteja, pragmaattisia, persoonallisia elämän turhuutta. Vl ja E. pakotetaan syömään laitumia, heillä ei ole kotia, he viettävät yön ulkona. Laki ja Potso ovat sivilisaation esineiden ympäröimiä. Mutta kaikki hahmot löytävät olemassaolonsa aikana vain sairauksia.

Vladimirilla ja Estragonilla on rappeutunut tajunta, heiltä puuttuu koulutus, ja Potso ja Lucky ajattelevat jopa käskystä. Vladimir ja Estragon ovat ystäviä, mutta he kysyvät itseltään, olisiko heidän parempi asua erillään. Potso ja Lucky tarvitsevat myös toisiaan. Eri tyypit ihmisen ja ihmiskunnan kehitys.

Mikään vaihtoehdoista ei ole perusteltu. Usein hahmot, jos he etsivät jotain muuta, ovat rajan toisella puolella. Vladimir ja Estragon rakastavat katsoa omia asioitaan. He toivovat löytävänsä sieltä jotain, mutta eivät löydä mitään. He eivät yritä luoda jotain itse. Nähdä ei missään paitsi heikkouden, myös voiman ilmaus.

Beckett - Hylkää ihmisluonne. Ionesco - ihmishengen rappeutuminen.

Luento 30. Uusi teatteri (absurdin draama)

Tämä on tyyppi modernia draamaa(ns. "Uusi teatteri", joka alun perin jätti yleisön huomiotta), perustuu käsitykseen ihmisen täydellisestä vieraantumisesta fyysisestä ja sosiaalisesta ympäristöstä. Tämäntyyppinen näytelmä ilmestyi ensimmäisen kerran 1950-luvun alussa Ranskassa ja levisi sitten kaikkialle Länsi-Eurooppaa ja USA.

Tämä on "absurdin draaman" teatteri, jonka ovat luoneet Pariisissa asuneet ja ranskaksi kirjoittaneet S. Beckett, E. Ionesco, A. Adamov. Se oli toisaalta yritys päivittää teatterin rakennetta ja kieltä, ja toisaalta "Uusi teatteri" heijasti sodan julmuuden aiheuttamaa kauhua ja atomituhojen pelkoa.

Absurdin teatterin juuret voidaan tunnistaa 1900-luvun alun esteettisten liikkeiden, kuten dadaismin ja surrealismin, edustajien teoreettisessa ja käytännön toiminnassa sekä A. Jarryn eeppisessä burleskissa "Ubun kuningas". (1896), G. Apollinairen teoksessa The Tears of Tiresias (1903), jossa farssi ja voudeville yhdistettiin F. Wedekindin näytelmissä hänen sankariensa järjettömiin pyrkimyksiin. Theatre of the Absurd absorboi myös elementtejä klovneriasta, musiikkihallista ja Charles Chaplinin komedioista.

Absurdisen draaman (antidraaman) kehitykseen vaikutti surrealistinen teatraalisuus: hienojen pukujen ja naamioiden käyttö, merkityksettömiä riimejä, provokatiivisia vetoomuksia yleisöön jne. Näytelmän juoni ja hahmojen käyttäytyminen ovat käsittämättömiä, analogisia ja joskus niiden tarkoituksena on järkyttää yleisöä. Heijastaen keskinäisen ymmärryksen, kommunikoinnin, vuoropuhelun järjettömyyttä, näytelmä korostaa kaikin mahdollisin tavoin kielen merkityksettömyyttä, joka eräänlaisena pelin muodossa ilman sääntöjä tulee kaaoksen pääkantajaksi.

Se oli käsitteellistä dramaturgiaa, joka toteutti absurdifilosofian ajatuksia. Todellisuus, olemassaolo esitettiin kaaoksena. Absurdisteille olemassaolon hallitseva ominaisuus ei ollut puristuminen, vaan rappeutuminen. Toinen merkittävä ero edelliseen draamaan on suhteessa henkilöön. Ihminen absurdimaailmassa on passiivisuuden ja avuttomuuden henkilöitymä. Hän ei voi ymmärtää muuta kuin avuttomuuttaan. Häneltä riistetään valinnanvapaus. Absurdistit kehittivät oman käsityksensä draamasta - antidraamasta. 30-luvulla Antonei Artaud puhui näkökulmastaan teatteriin: luopumalla ihmisen hahmon kuvauksesta teatteri siirtyy ihmisen kokonaiskuvaukseen. Kaikki absurdin draaman sankarit - ihmisiä yhteensä. Tapahtumia on tarkasteltava myös siltä kannalta, että ne ovat seurausta tietyistä tekijän luomista tilanteista, joissa maailmankuva paljastuu. Absurdin draama ei ole keskustelua absurdista, vaan absurdin osoitus.

IONESCO: Eugene Ionescon lahjakkuus ilmeni sekä hänen varhaisissa runoissaan että kriittisiä artikkeleita, joka synnytti todellisia vallankumouksia ja mullistuksia romanialaisessa yhteiskunnassa, mutta hän palaa kirkkaimmin teatteritoiminnassaan.Eugene Ionesco on absurdismin perustaja ranskalaisessa draamassa.Ionesco-teatteri on pilkan ja parodian teatteri. Eugene Ionesco asetti lavalle ja pilkkasi maailman tyhjyyttä ja järjettömyyttä. Se vastustaa perinteistä teatterin sanastoa. Monet eivät ymmärtäneet tätä sanastoa, koska he pitivät sitä merkityksettömänä ja kutsuivat hänen näytelmiään "hölynpölyksi". Mutta hän puolusti oikeuttaan ja titteliään vuosisadamme kuuluisana näytelmäkirjailijana, mistä todistavat hänen saamansa lukuisat palkinnot. Suurin osa Ionescon näytelmistä välittää ajatuksen kielen hyödyttömyydestä viestintävälineenä.

"Todellisuutta tulisi rikastaa absurdilla, fantasialla ja vapaalla henkilökohtaisella ilmaisulla", kirjoittaja itse uskoo. Ja uskon, että kaikki ovat tästä samaa mieltä.

Ionescon näytelmien surrealismi juontaa juurensa sirkuksen klovneriasta, Charles Chaplinin, B. Keatonin, Marx-veljesten elokuvista, muinaisesta ja keskiaikaisesta farssista. Tyypillinen tekniikka on kasa esineitä, jotka uhkaavat niellä näyttelijät; asiat saavat elämän ja ihmiset muuttuvat elottomiksi esineiksi.

Absurdistisissa näytelmissä ei ole katarsisia, E. Ionesco torjuu kaiken ideologian, mutta näytelmät herätti henkiin syvä huoli kielen ja sen puhujien kohtalosta.

Eugene Ionescon tunnetuimmat näytelmät ovat "The Bald Singer" ja "The Lesson". Nämä näytelmät paljastavat maailmamme konservatiivisuuden, moraalin ja ideologian. Ensi silmäyksellä saattaa todellakin näyttää siltä, että luet hölynpölyä, mutta kun luet tai ajattelet sitä uudelleen, huomaat, että kaikki ei ole absurdia kirjassa, vaan absurdia todellisuudessa. Sarjakuvat ja merkityksen "puute" rinnastuvat velttoisiin pohdiskeluihin ihmisen olemassaolosta, jota leimaa yksinäisyys ja kuolema. Näytelmä "Kuningas kuolee" kertoo näistä heijastuksista.

Kaikista absurdin teatterin konventioista huolimatta se on läpikotaisin politisoitunut, minkä erityisen vakuuttavasti todistaa Eugene Ionescon merkittävin luomus "Rhinoceros" (1959).Ionesco näyttää myös mekanismeja, jotka edistävät tiettyjen ideologioiden vakiinnuttamista. Niinpä näytelmässä "Sarvikuono" pikkukaupungin asukkaat asetetaan metaforisesti lavalle, huolestuneena sarvikuonon ilmestymisestä ja muuttuvat vähitellen sellaiseksi. Tämä näytelmä tuomitsee totalitarismin.

Eugene Ionesco, kuten eksistensialistit J.P. Sartre ja A. Camus tutkivat ihmisen käyttäytymistä äärimmäisissä olosuhteissa, kun valtaosa ihmisistä alistuu olosuhteisiin ja vain yksi ihminen löytää voimaa sisäiseen vastakkainasettelua varten.

E. Ionescon näytelmien erikoisuus on, että ne ovat ikään kuin salattuja. Joskus niitä on vaikea purkaa, mutta ”Sarvikuonon” kanssa kaikki on selvää: draama kertoo fasismista.

Eugene Ionescon dramaturgialla oli merkittävä paikka vuonna kirjallinen prosessi sekä ranskalaisen ja maailmanteatterin ohjelmistossa. Tämä ei kuitenkaan tarkoita ollenkaan sitä, että absurdi voitti ja perinteinen realistinen draama lähti näyttämöltä. Tavallinen ja avuton sisällä jokapäiväistä elämää mies menee yksin kaikkia vastaan.

Ionescon näytelmä "Kalju laulaja" toi kirjallista mainetta 1950-luvun alussa, jonka historia paljastaa pitkälti hänen kirjoitusmenetelmänsä olemuksen. Vuonna 1948 päätettyään hallita englannin kieltä, kirjailija osti itseopiskelukirjan ja huomasi yllättäen, mikä absurdiuden varasto jokapäiväinen puheemme on, varsinkin suhteessa todellisuuteen. Ja ajattelin sanojen alkuperäistä ja vähitellen menettäneen merkityksen. Sanojen ja merkityksien vertailusta syntyi Ionescon "epämiellyttävä" teatteri, jota myöhemmin kutsuttiin absurdiksi.Ionescon absurdisuus ei kuitenkaan ole olemassaolon tarkoituksellista absurdisointia (Ionesco itse muuten mieluummin kutsui taiteellinen suunta, johon hän kuului, paradoksiteatteri), mutta hänen todellisen olemuksensa lopullinen paljastaminen.

"The Bald Singer" sai ensi-iltansa Pariisissa. ”The Bald Singerin” menestys oli skandaali, kukaan ei ymmärtänyt mitään, mutta absurdistinäytelmien tuotantojen katsomisesta tuli vähitellen hyvä muoto.

"Kalju tyttö". Itse draamassa ei ole ketään, joka näyttää kaljulta tytöltä. Lause itsessään on järkevä, mutta periaatteessa se on merkityksetön. Näytelmä on täynnä absurdia: kello on 9 ja kello iskee 17 kertaa, mutta kukaan näytelmässä ei huomaa tätä. Joka kerta kun yritän koota jotain, se ei pääty mihinkään.

Näytelmäkirjailijalla on useita tekniikoita absurdin tehostamiseksi. Tapahtumien sarjassa on hämmennystä, samoja nimiä ja sukunimiä kasattu, puolisot eivät tunnista toisiaan, ja isäntien-vieraiden, vieraiden-isäntäjen räjähdys, saman epiteetin lukemattomia toistoja, virta. oksymoroneista, ilmeisen yksinkertaistettu lauseiden rakenne, kuten englanninkielisessä oppikirjassa aloittelijoille. Lyhyesti sanottuna dialogit ovat todella hauskoja.

Samuel BECKETT: Beckett oli Joycen sihteeri ja oppi kirjoittamaan häneltä. "Godot'ta odotellessa" on yksi absurdin perusteksteistä. Eniten on Beckettin vuonna 1952 lavastettu näytelmä Vuotta odotellessa kuuluisa näytelmä absurdin teatteria, joka esittää elämän merkityksettömänä. Perimmäinen ero B.:n näytelmän ja aiempien psykologisen teatterin perinteitä rikkovien draamien välillä on, että kukaan ei aiemmin asettanut tavoitteekseen dramatisoida "ei mitään". B. antaa näytelmän kehittyä sana sanalta huolimatta siitä, että keskustelu alkaa tyhjästä eikä siitä tule mitään, ikään kuin hahmot tietäisivät aluksi, että mistään on mahdotonta sopia, että sanaleikki on ainoa vaihtoehto kommunikaatioon ja lähentymiseen. Dialogista tulee itsetarkoitus. Mutta näytelmässä on myös tiettyä dynamiikkaa. Kaikki toistuu, muuttuen juuri sen verran, että katsoja odottaa joitain muutoksia.

Entropia (energian tuotto reaktiossa, kemiallinen termi) esitetään odotustilassa, ja tämä odotus on prosessi, jonka alkua ja loppua emme tiedä, ts. ei mitään järkeä. Odotustila on hallitseva tila, jossa sankarit ovat olemassa ajattelematta, tarvitseeko heidän odottaa Godot'ta. He ovat passiivisessa tilassa.

Näytelmä "Godot'ta odotellen" on yksi niistä teoksista, jotka vaikuttivat 1900-luvun teatterin ilmeeseen kokonaisuudessaan. Beckett kieltäytyy pohjimmiltaan kaikista dramaattinen konflikti, katsojalle tuttu juoni. Näytelmän hahmot - Vladimir (Didi) ja Estragon (Gogo) - ovat kuin kaksi klovnia, joilla ei ole mitään tekemistä, ja he viihdyttävät toisiaan ja samalla yleisöä. He eivät toimi, vaan jäljittelevät jotakin toimintaa. Sen ei ole tarkoitus paljastaa hahmojen psykologiaa. Toiminta ei kehity lineaarisesti, vaan liikkuu ympyrässä, takertuen yhden vahingossa pudonneen huomautuksen synnyttämiin refreeneihin. Ei vain rivit toistuvat, vaan myös paikat. Toisen näytöksen alussa puu, maiseman ainoa attribuutti, on lehtien peitossa, mutta tapahtuman olemus pakenee hahmoilta ja yleisöltä. Tämä ei ole merkki keväästä, ajan liikkeestä eteenpäin. Pikemminkin se korostaa odotusten vääriä.

Beckettin kvintessenssi näkyy näytelmässä: ihmisen olemassaolon surkeimmassa muodossaan olevan melankolian ja kauhun takana näkyy väistämätön ironia. Näytelmän hahmot muistuttavat Maris-veljeksiä, suuria mykkäkoomikkoja.

Godot'ta odotellessa. Yhteenveto

Kylätie, loputtomat pellot, melkein autiomaa, jonka yksitoikkoisuutta rikkoo vain yksi puu. Puussa ei juuri ole lehtiä. Sen juurella on kaksi kulkuria.

Estragon, joka yritti riisua kenkiään, ja hänen ystävänsä ja veljensä Vladimir. Hän on huolissaan kysymyksestä, kumpi neljästä evankelista kertoi totuuden kahdesta ristiinnaulitusta varkaasta. Sarja banaalisia lauseita, joilla ei ole mitään merkitystä ja jotka vaihdettiin vain elävöittämään tämän tylsän paikan hiljaisuutta. Ainoa asia, joka pitää heidät täällä, on lupaus tietyn Godotin tulevasta. Mitä he voivat tehdä odottaessaan, ellei tappaa aikaa, loputonta aikaa, joka on täytettävä tyhjillä riita-asioilla, ja samalla teeskennellä, että he ottavat heidät sydämeensä... He eivät itse tiedä miksi ovat yhdessä, he ovat tottuneet eroamaan ja tapaamaan joka päivä samassa paikassa. Jossain toisella puolella kuuluu melua, kauhea huuto... Eikö Godot ole tulossa? Tarrauna pudottaa porkkanan, jota hän oli aiemmin pureskellut, jäätyy ja ryntää kohti...

Pozzo ja Luke ilmestyvät. Jälkimmäisellä on köysi kaulassa ja hän kantaa isäntänsä matkalaukkuja. Pozzo, piiska kädessään, kohtelee orjaansa niin kuin eläimiä ei kohdella. Ja jos Vladimir ja Estragon ovat täällä, miksi ei pysähtyisi polttamaan piippua? Se tappaisi aikaa, ja lisäksi Pozzo rakastaa puhumista. Hän selittää, että hän aikoo myydä Luken, joka ei enää kelpaa mihinkään. Hän ei voi muuta kuin ajatella. Lisäksi hän kantaa sinut mukana, jos työnnät häntä. Lopuksi riittää hatun nostaminen, jotta hänestä tulee jälleen eläin, yksinkertaisuus. Ne pysyvät melko pitkään, sitten katoavat räjähdyksellä.

Mitä tehdä? Lähde? Ei, Godot lupasi tulla, meidän täytyy odottaa häntä. Kohtaloon alistuneet Vladimir ja Estragon yrittävät keskustella päivän merkittävistä pienistä tapahtumista, mutta heillä ei ole voimaa, he ovat väsyneitä näytelläkseen onnistuneesti kuvitteellista kiinnostavaa komediaa.

Kulissien takaa kuuluu ääni: "Herra (...)." Lapsi tulee ja sanoo, että Godot ei tule, kuten edellisinä iltoina, mutta tulee varmasti huomenna. Huomenna tulee, silti sama ei mikään merkityksellisiä dialogeja, ilman merkitystä, eilisen keskustelun toistoa ja ehkä toissapäivänä ja päivittäin. Luca ja Pozzo ilmestyvät uudelleen, vanhempana; Pozzo on sokea, ja Luke on vielä arvottomampi, hän on mykkä. Mutta köysi on edelleen siellä, hieman lyhyempi, jotta Pozzo voi seurata orjaansa, jolla on nyt uusi hattu.

Nähdessään Vladimirin ja Estragonin Luke nykäisee jyrkästi ja kaatuu ja ottaa Pozzon mukaansa. Pozzo huutaa apua, se on todella hauska! Lisäksi se vie aikaa. Kaksi kulkuria törmää Pozzoon, potkii häntä, nosta hänet ylös - loppujen lopuksi sinun täytyy pitää hauskaa, puhua... Mitä tulee Godot'iin, hän lähettää hänelle uudelleen anteeksipyynnön, hän tulee huomenna; ehkä ratkaisu on hirttää itsensä puuhun Estragonin vyöllä? Mutta hihna katkeaa...

Mitä sitten! He palaavat huomenna hyvällä köydellä, ja jos yhtäkkiä Godot tulee, he pelastuvat...

STOPPARD: "Rosencrantz ja Guildenstern are Dead" tulee peliin tässä ominaispiirre Englantilainen kirjallisuus: britit tiesivät hyvin historiastaan, jokainen kirjailija tuntee olevansa osa tätä perinnettä. Tässä näytelmässä on 2 lukua: 1) joko toiminta tapahtuu Rosencrantzin ja Guildensternin kuoleman jälkeen; 2) tai kaikki näyttää Rosencrantzilta ja Guildensterniltä. Mutta näytelmä perustuu Shakespearen ajatteluun. Hahmojen kommenteissa ei ole mitään, mikä antaisi meille mahdollisuuden erottaa toisensa. Stoppard hyödyntää tätä ominaisuutta. Näytelmän keskiössä on kysymys "kumpi meistä on Rosencrantz ja kumpi Guildenstern?" Nämä ovat 2 ihmistä, joilla on nimet, jotka erottavat toisensa. Heille sen ymmärtäminen, kuka on kuka, tarkoittaa mahdollisuutta erottua joukosta, löytää "minä". Mutta absurdismin teorian mukaan tämä on mahdotonta, joten absurdistit eivät anna sankareilleen nimiä. Ihminen ei voi erottaa "minää" kaaoksesta.

Edellä oleva antaa mielestämme aihetta väittää, että kriisistä puhuminen on laitonta, ainakin 1900-luvun teatterin suhteen. On totta, että ei voida jättää huomiotta yhtä 1900-luvun ilmiötä, jota voidaan pitää kriisin ilmentymänä, mutta ei kulttuuria. Hyvinvoinnin kasvu Euroopan väestön ylivoimaisen enemmistön tieteellisen ja teknologisen vallankumouksen ansiosta, demokraattisten suuntausten vakiinnuttaminen elämässä johti siihen, että tässä elämässä vallitsi todellinen valta ei-luovalle enemmistölle, joka ei kyennyt elämään ajatusten ja ideoiden mukaan. todellisen kulttuurin ihanteet, jotka eivät pysty nousemaan arkielämän maailman yläpuolelle, ja tämä väestön enemmistön elitismivastaisuus, ei luovuuteen suuntautunut, kulttuuria tuhoava.

Tämän suuntauksen ilmentymä XX vuosisadan 60-luvulta alkaen. kaikkialla Euroopassa, mukaan lukien Ranskassa, on show-liiketoiminnan kehitystä. Massiiviset levyt, ”disco-”, ”folk-”, ”rock”-musiikin kasetit, transistorikuulokkeissa aamusta iltaan soivat poikien ja tyttöjen mukana kaikkialla1.

Kuitenkin show-liiketoiminnan ja muiden negatiivisten ilmiöiden leviämisen myötä henkisen elämän alalla Euroopassa 1900-luvulla. Ihmistä kohottava kulttuuri on edelleen olemassa ja kehittyy, mikä on sen autenttisuuden kriteeri genrestä riippumatta.

Etsi uusia teatterimuotoja

Kahden viime vuosikymmenen aikana Ranskan ja koko Euroopan teatterielämä on monipuolistunut. Pelkästään Pariisissa on tällä hetkellä yli 50 teatteria, joista katsoja löytää tuotantoja jokaiseen makuun: klassikoiden - Shakespearen, Corneillen, Racinen, Chekhovin - ikuisista teoksista Comedie Francaisessa ja Odeonissa nykyaikaisiin näytelmäkirjoittajiin Beckettiin ja Ionescoon. avantgarde-teatterit ja nokkelat komediat "bulevarditeattereissa". Joka vuosi Avignonissa, Orangessa, Nimesissä ja muissa Ranskan kaupungeissa, muinaisilla roomalaisilla areenoilla tai keskiaikaisissa linnoissa, teatterifestivaaleilla, houkuttelee tuhansia katsojia monista maista.

Samanlaisia näyttäviä tapahtumia harjoitetaan Italiassa: Forumin, Colosseumin ja Caracallan kylpylän raunioilla järjestetään esityksiä, jotka hämmästyttävät loistollaan ja klassisten italialaisten oopperoiden esityksiä. antiikkitarinoita. Näin ollen Verdin oopperan "Aida" tuotanto Caracallan kylpylöissä luo jännittävän tunteen katsojan läsnäolosta tapahtumien ytimessä.

Kaikki tämä on uusien teatterimuotojen etsintää, jotka ovat yleisön ulottuvilla. Esimerkki tällaisesta massan vetovoiman ja klassikoiden yhdistelmästä ovat R. Osseinin suurenmoiset esitykset Pariisin urheilupalatsissa: Notre Dame de Paris, Danton ja Robespierre, Nasaretin mies ja Taistelulaiva Potemkin. ”

Claude Carrère yhteistyössä kuuluisan englantilaisen ohjaajan Peter Brookin kanssa Pariisin teatteri"Bouffe du Nord" lavastettiin antiikin intialainen eepos"Mahabharata". Esityksen laajuudesta kertoo se, että sitä esitettiin joko kolmena iltana tai kaksitoista tuntia peräkkäin kello 12:sta keskiyöhön. Katsojat, jotka saapuivat monista Euroopan maista, varastoivat kahvia ja voileipiä termosseihin ja "istuivat sankarillisesti loppuun asti", kuten pariisilaiset sanomalehdet kirjoittivat vuonna 1986, kun tämä esitys esitettiin.

1 Lääkärit näkevät nuorten kuulon heikkenemisen lisääntyvän tästä syystä.

1900-luvun puolivälissä eurooppalaisessa draamassa ilmestyi ilmiö nimeltä "absurdin teatteri". Siitä tuli todella innovatiivinen ja epätavallinen katsojalle, joka oli tottunut klassisiin "loogisiin" tuotantoihin. Mutta tästä huolimatta uusi taide herätti uteliaisuutta ja kiinnostusta. Mitä on absurdin teatteri ja mitä uudelleenajattelua se on saanut nykyään?

Kuvaus

Absurdistisen näytelmän painopiste ei ole toiminta ja juonittelu, vaan tekijän käsitys ja yksilöllinen ongelman ymmärtäminen. Lisäksi kaikki, mitä lavalla tapahtuu, on vailla loogista yhteyttä. Tämä tehdään niin, että katsoja on hämmentynyt, voi päästä eroon mielessään olevista kuvioista ja katsoa elämäänsä useasta näkökulmasta kerralla.

Ensi silmäyksellä maailma sellaisissa "epäloogisissa" näytelmissä näyttää kaoottisena, merkityksettömänä tosiasioiden, hahmojen, toimien, sanojen kasaumina, jossa ei ole erityistä toiminnan paikkaa ja aikaa. Huolellisen tarkastelun jälkeen kaikkien näiden elementtien välillä on kuitenkin looginen yhteys, mutta se on hämmästyttävän erilainen kuin mihin olimme tottuneet. Absurdin periaatteiden silmiinpistävimmät teatteriesitokset olivat E. Ionescon näytelmät "Kalju laulaja" ja S. Beckett "Godot'a odotellen". Tämä on eräänlainen parodia (tai filistinismi) porvarillisesta mukavuusmaailmasta, sen fasismista. Näissä näytelmissä on selvästi havaittavissa sanan ja toiminnan välisten yhteyksien hajoaminen, itse dialogirakenteen rikkominen.

Huolimatta käsiteltyjen sosiaalisten ongelmien vakavuudesta ja laajuudesta absurditeatterin maailma on uskomattoman koominen. Näytelmäkirjailijat näyttävät todellisuuden, yhteiskunta on jo siinä rappeutumisvaiheessa, kun ketään ei sääli. Siksi tämän genren näytelmissä käytetään helposti parodioita, kyynisyyttä ja naurua. Katsojalle annetaan selkeästi ymmärtää, että tätä surrealistista absurdimaailmaa vastaan on turhaa ja turhaa taistella. Sinun tarvitsee vain uskoa siihen ja hyväksyä se.

Tarina

On huomionarvoista, että itse termi "absurdin teatteri" ilmestyi innovatiivisten tuotantojen syntymisen jälkeen. Se tulee teatterikriitikko Martin Essliniltä, joka julkaisi kirjan tällä nimellä vuonna 1962. Hän veti rinnastuksia uuden dramaattisen ilmiön ja A. Camusin eksistentialismin filosofian, dadaismin, olemattomien sanojen runouden ja 1900-luvun alun avantgarde-taiteen välille. Kaikki tämä jossain määrin kriitikon mukaan "kasvatti" absurdin teatteria ja muokkasi sitä sellaiseksi kuin se esiintyi yleisön edessä.

On huomattava, että tällainen luova lähestymistapa draamaan pysyi häpeässä pitkään valtavien kriitikkojen keskuudessa. Toisen maailmansodan jälkeen genre alkoi kuitenkin saada suosiota. Sen tärkeimpiä ideologeja pidetään neljänä sanamestarina: E. Ionesco, S. Beckett, J. Genet ja A. Adamov. Huolimatta samasta teatterilajista, jokaisella heistä oli silti oma ainutlaatuinen tekniikkansa, joka oli enemmän kuin "absurditiuden" käsite. Muuten, E. Ionesco itse ei hyväksynyt uutta termiä, vaan sanoi "absurdin teatterin" sijaan "pilkan teatteria". Mutta Esslinin määritelmä pysyi sinnikkyydestä ja kritiikistä huolimatta taiteessa, ja genre saavutti suosion kaikkialla maailmassa.

Alkuperät

Absurdin teatteria yritettiin luoda kauan ennen eurooppalaista aaltoa Venäjällä, 1930-luvulla. Sen idea kuului Real Art Associationille (OBERIUT) tai tarkemmin sanottuna Aleksanteri Vvedenskille. Uudessa genressä hän kirjoitti näytelmiä "Minin ja Pozharsky", "Jumala on kaikkialla", "Joulupuu Ivanovien luona" jne. Hänen samanmielinen kirjoittaja oli Daniil Kharms, kirjailija, runoilija ja OBERIU:n jäsen.

1900-luvun lopun venäläisessä draamassa absurdin teatteria voidaan havaita L. Petruševskajan, V. Erofejevin ja muiden näytelmissä.

Nykyaikaisuus

Nykyään tämä teatterilaji on melko laajalle levinnyt. Ja pääsääntöisesti avantgarde-ilmiö (kuten sen historiallisessa menneisyydessä) liittyy pieniin (yksityisiin) teattereihin. Hämmästyttävä esimerkki on kuuluisan venäläisen friikkitaiteilijan Gauguin Solntsevin moderni "absurdin teatteri". Sen lisäksi, että hän kiertää tuotantoja mottona ”Koko elämämme on teatteria”, hän antaa näyttelijätunteja, jotka ovat tekijän mielestä hyödyllisiä paitsi näyttämöllä myös arjessa.

Muitakin teatteriryhmiä on ja kehittyy tässä genressä.

Varpunen

International Theatre of the Absurd "Sparrow" on yksi suosituimmista ryhmistä. Se perustettiin vuonna 2012 Harkovassa. Aluksi se oli vain Vasily Baidakin (Setä Vasya) ja Alexander Serdyukin (Collman) duetto. Nykyään "Sparrow" sisältää kuusi artistia. Kaikilla osallistujilla on korkeakoulutus, mutta ei näyttelijän koulutusta. Ryhmän nimi on siirretty KVN:stä. Ja sana "ulkomaalainen" on kirjoitettu tarkoituksella väärin. "Sparrow" -julisteet ja esitykset ovat aina kirkkaita, ei ilman huumoria, farssia ja tietysti absurdia. Kaverit keksivät kaikki tuotantojen juonet itse.

Musiikissa

Avantgarden genre heijastuu paitsi kirjallisuuden ja esittävien taiteiden lisäksi myös musiikissa. Joten vuonna 2010 julkaistiin Picnic-ryhmän kahdeksastoista studioalbumi Theatre of the Absurd.

Musiikkiryhmä perustettiin vuonna 1978 ja on edelleen olemassa. Hän aloitti työskentelyn venäläisen rockin tyyliin ja sai ajan mittaan yksilöllisen soundin lisäämällä sinfonisia koskettimia ja eksoottisia soittimia maailman kansoilta.

Theater of the Absurd on albumi, joka alkaa samannimisellä sävellyksellä. Sen teksti on kuitenkin vailla komediaa. Päinvastoin - kappaleessa on dramaattisia nuotteja, jotka sanovat, että koko maailma on absurdin teatteria, ja henkilö siinä on päähenkilö.

Albumilta löytyy myös sellaisia sävellyksiä mielenkiintoisia nimiä, kuten "Nukke ihmiskasvoin", "Urim Thummim", "Wild Singer" (lue viittauksena Ionescon näytelmään "The Bald Singer"), "Ja meikki pesee pois". Yleensä seuraavaa "Picnic"-ryhmän luomista voidaan verrata pieneen teatterituotanto alkuperäisellä valikoimalla kuvia ja teemoja.

Huumorissa

Yksi "epäloogisen" genren pääpiirteistä on huumori. Tämä ei koske pelkästään heidän leikin sanojen ja lauseiden absurdia kasausta, vaan myös itse kuvia, jotka saattavat esiintyä odottamaton aika odottamattomassa paikassa. Juuri tätä suuntausta käytti enemmän kuin esityksen kuuluisat asukkaat komediaduo Demis Karibidis ja Andrey Skorokhod "Theater of the Absurd" -numerossa. Komediaklubi . Se perustuu F.M. Dostojevskin "Rikos ja rangaistus", jonka taiteilijat alun perin ajattelivat uudelleen. Hahmot, vanha panttilainaaja (Demis Karibidis) ja opiskelija Rodion Raskolnikov (Andrey Skorokhod), koskettivat juonikohtien lisäksi myös nykyaikaisia taloudellisia, kulttuurisia ja poliittisia realiteetteja.

Absurdistisissa näytelmissä, toisin kuin tavallisen draaman loogisissa näytelmissä, kirjailija välittää lukijalle ja katsojalle tunteensa jostakin ongelmasta, joka loukkaa jatkuvasti logiikkaa, jolloin tavalliseen teatteriin tottunut katsoja hämmentyy ja tuntee epämukavuutta, mikä on "epäloogisen" "teatterin tarkoitus, jonka tarkoituksena on varmistaa, että katsoja pääsee eroon havainnon kaavoista ja näkee elämäänsä uudella tavalla. "Loogisen" teatterin kannattajat sanovat, että maailma "absurdin teatterissa" esitetään merkityksettömänä, vailla logiikkaa faktoja, tekoja, sanoja ja kohtaloita, mutta tällaisia näytelmiä lukiessa voi huomata, että ne on sävelletty. useista täysin loogisista fragmenteista. Näiden fragmenttien välisen yhteyden logiikka eroaa jyrkästi "tavanomaisen" näytelmän osien välisen yhteyden logiikasta. "Absurdismin" periaatteet ilmentyivät täydellisimmin draamassa "The Bald Singer" ( La cantatrice chauve, ) Romanialais-ranskalainen näytelmäkirjailija Eugene Ionesco ja Godot'ta odotellessa ( Godotia odotellessa,) Irlantilainen kirjailija Samuel Beckett.

Tietosanakirja YouTube

1 / 2

✪ Oleg Fominin työpaja päällä Teatterin tiedekunta MITRO. Absurdin teatteri

✪ Nikolay Levashov - Absurdin teatteri

Tekstitykset

Tarina

Termi "absurdin teatteri" esiintyi ensimmäisen kerran teatterikriitikko Martin Esslinin teoksissa. Martin Esslin), joka kirjoitti samannimisen kirjan vuonna 1962. Esslin näki tietyissä teoksissa Albert Camusin elämän perustavanlaatuisen merkityksettömyyden filosofian taiteellisen ilmentymän, jota hän havainnollisti kirjassaan The Sisyphuksen myytti. Absurdin teatterin uskotaan juurtuvan dadaismin filosofiaan, olemattomien sanojen runouteen ja avantgarde-taiteeseen. Kovasta kritiikistä huolimatta genre nousi suosioon toisen maailmansodan jälkeen, mikä korosti ihmiselämän merkittävää epävarmuutta. Esitettyä termiä myös kritisoitiin ja se yritettiin määritellä uudelleen "antiteatteriksi" ja "uudeksi teatteriksi". Esslinin mukaan absurditeatteriliike perustui neljän näytelmäkirjailijan - Eugene Ionescon ( Eugene Ionesco), Samuel Beckett ( Samuel Beckett), Jean Genet ( Jean Genet) ja Arthur Adamov ( Arthur Adamov), hän kuitenkin korosti, että jokaisella näistä kirjoittajista oli oma ainutlaatuinen tekniikkansa, joka ylitti termin "absurdi". Usein mainitaan seuraava kirjailijoiden ryhmä - Tom Stoppard ( Tom Stoppard), Friedrich Dürrenmatt ( Friedrich Dürrenmatt), Fernando Arrabal ( Fernando Arrabal), Harold Pinter ( Harold Pinter), Edward Albee ( Edward Albee) ja Jean Tardieu ( Jean Tardieu). Eugene Ionesco ei tunnustanut termiä "absurdin teatteri" ja kutsui sitä "pilkan teatteriksi".

Liikkeen inspiraationa on Alfred Jarry ( Alfred Jarry), Luigi Pirandello ( Luigi Pirandello), Stanislav Vitkevitš ( Stanislaw Witkiewicz), Guillaume Apollinaire ( Guillaume Apollinaire), surrealistit ja monet muut.

"Absurdin teatteri" (tai "uusi teatteri") -liike ilmeisesti sai alkunsa Pariisista avantgarde-ilmiönä, joka liittyy latinalaisen korttelin pieniin teattereihin, ja saavutti jonkin ajan kuluttua maailmanlaajuista tunnustusta.

Absurditeatterin katsotaan kieltävän realistiset hahmot, tilanteet ja kaikki muut asiaankuuluvat teatteritekniikat. Aika ja paikka ovat epävarmoja ja muuttuvia, yksinkertaisimmatkin syy-yhteydet tuhoutuvat. Turhat juonittelut, toistuvat vuoropuhelut ja päämäärätön keskustelu, dramaattinen toimien epäjohdonmukaisuus - kaikki on alisteinen yhdelle tavoitteelle: luoda upea ja ehkä kauhea tunnelma.

Tämän lähestymistavan kriitikot puolestaan huomauttavat, että "absurdisten" näytelmien hahmot ovat varsin realistisia, samoin kuin niiden tilanteet, teatteritekniikoista puhumattakaan, ja tarkoituksellinen syy-seuraus-suhteen tuhoaminen antaa näytelmäkirjailijalle mahdollisuuden johtaa. katsoja pois tavanomaisesta, stereotyyppisestä ajattelutavasta, pakottaa hänet jo näytelmän aikana etsimään ratkaisua tapahtuvan epäloogisuuteen ja sen seurauksena hahmottamaan näyttämötoimintaa aktiivisemmin.

Eugene Ionesco itse kirjoitti "Kaljuista laulajasta": "Jos haluat tuntea banaalisuuden ja kielen järjettömyyden, on jo siirtyä eteenpäin. Tämän askeleen ottaminen edellyttää, että sarjakuva on epätavallinen alkuperäisessä muodossaan Minua hämmästyttää eniten päivittäisten keskustelujemme köyhyys.

Lisäksi epäloogisuus ja paradoksi luovat katsojaan pääsääntöisesti koomisen vaikutelman, paljastaen ihmiselle hänen olemassaolonsa absurdit puolet naurun kautta. Näennäisen merkityksettömät juonittelut ja dialogit paljastavat yhtäkkiä katsojalle omien juonittelujen ja perheen ja ystävien kanssa käymien keskustelujen vähäpäisyyden ja merkityksettömyyden, mikä saa hänet ajattelemaan elämäänsä uudelleen. Mitä tulee dramaattiseen epäjohdonmukaisuuteen "absurdissa" näytelmissä, se vastaa melkein täysin "leikkeen" käsitystä moderni mies, jonka päässä sekoitetaan päiväsaikaan televisio-ohjelmia, mainoksia, viestejä sosiaalisissa verkostoissa, puhelintekstiviestit - kaikki tämä sataa hänen päähänsä kaoottisimmassa ja ristiriitaisimmassa muodossa edustaen elämämme lakkaamatonta järjettömyyttä.

New York Nimetön teatteriryhmä nro 61 (Nimetön teatteriryhmä #61) ilmoitti luovansa " modernia teatteria absurdi", joka koostuu tämän genren uusista tuotannoista ja sovituksista klassisia tarinoita uusia ohjaajia. Muita aloitteita ovat mm. Eugene Ionescon teosten festivaali.

”Ranskalaisen absurditeatterin perinteet venäläisessä draamassa ovat olemassa harvinaisessa arvokkaassa esimerkissä. Voit mainita Mihail Volokhovin. Mutta absurdin filosofia puuttuu edelleen Venäjältä, joten se on vielä luotava."

Absurdin teatteri Venäjällä

Absurditeatterin perusideat kehittivät OBERIU-ryhmän jäsenet jo 1900-luvun 30-luvulla, toisin sanoen useita vuosikymmeniä ennen samanlaisen suuntauksen syntymistä. Länsi-Euroopan kirjallisuus. Erityisesti yksi venäläisen absurditeatterin perustajista oli Aleksanteri Vvedenski, joka kirjoitti näytelmät "Minin ja Pozharsky" (1926), "Jumala on mahdollista kaikkialla" (1930-1931), "Kupriyanov ja Natasha" ( 1931), "Yolka Ivanovien luona" (1939) jne. Lisäksi muut OBERIUTit työskentelivät samanlaisessa genressä, esimerkiksi Daniil Kharms.

Dramaturgiassa enemmän myöhäinen ajanjakso(1980-luvun) absurdin teatterin elementtejä löytyy Ljudmila Petruševskajan näytelmistä, Venedikt Erofejevin näytelmästä "Walpurgis Night, or the Commanders Steps" ja useissa muissa teoksissa.

Absurdi draama. [Sähköinen resurssi] URL-osoite: http://www.o-tt.ru/index/absurdnaya-drama/ (käyttöpäivä: 12.3.2012)

Kondakov D.A. E. Ionescon dramaturgia ja sen yhteydet "absurdin draamaan" / D.A. Kondakov // Eugene Ionescon työ 1900-luvun eurooppalaisen kirjallisuuden ideologisen ja taiteellisen etsinnän yhteydessä./ D.A. Kondakov. - Novopolotsk: PSU, 2008.- 188 s.

Kondakov D.A. 1949-1953. "Kielellinen absurdi" / D.A. Kondakov // Eugene Ionescon työ 1900-luvun eurooppalaisen kirjallisuuden ideologisen ja taiteellisen etsinnän yhteydessä./ D.A. Kondakov. - Novopolotsk: PSU, 2008.- 188 s.

Ionesco E. Onko absurdin teatterilla tulevaisuutta? / Ionesco E. // Puhe kollokviumissa "Absurdin loppu?" / Absurdin teatteri. la artikkeleita ja julkaisuja. SPb., 2005, s. 191-195. [Sähköinen resurssi] URL-osoite: http://ec-dejavu.ru/a/Absurd_b.html (käyttöpäivä: 12.3.2012)

Yasnov M. Todellisuuden yläpuolella. / Ionesco E.// Sarvikuono: Näytelmiä / Trans. alkaen fr. L. Zavyalova, I. Kuznetsova, E. Surits. - Pietari: ABC-klassikot, 2008. - 320 s.

Tokarev D.V. "Kuvittele kuollutta": "Samuel Beckettin ranskalainen proosa / Beckett S. // Arvottomat tekstit / Kääntäjä E.V. Baevskaya - Pietari: Nauka, 2003. - 338 s.

Eugene Ionesco. Theater of the Absurd [Elektroninen lähde] URL-osoite: http://cirkul.info/article/ezhen-ionesko-teatr-absurda (käyttöpäivä: 12.3.2012)

M. Esslin Eugene Ionesco. Teatteri ja antiteatteri / Esslin M. // Absurdin teatteri / Käännös. englannista G. Kovalenko. - Pietari: Baltic Seasons, 2010, s. 131-204 [Sähköinen lähde] URL-osoite: http://www.ec-dejavu.net/i/Ionesco.html (käyttöpäivä: 12.3.2012)

M. Esslin Samuel Beckett. Itseään etsimässä / Esslin M.// Absurdin teatteri/ Käännös. englannista G. Kovalenko. - Pietari: Baltic Seasons, 2010, s. 31-94 [Sähköinen lähde] URL-osoite: http://ec-dejavu.ru/b-2/Beckett.html (käyttöpäivä: 12.3.2012)

Ionesco E. Elämän ja unelmien välissä: näytelmiä. romaani. Essee // Kokoelma. op. / E.Ionesco; kaista alkaen fr. - Pietari: Symposium, 1999. - 464 s.

A. Genis. Beckett: Sietämättömän poetiikka

Yu Shtutina. Twilight Age. Samuel Beckettin sata vuotta [Sähköinen lähde] URL-osoite:

Godotia odotellessa. [Sähköinen resurssi] URL-osoite: http://ru.wikipedia.org/wiki/ Waiting for_Godo (käyttöpäivä: 12.3.2012)

Kokeneet osallistujat eivät ole vielä vahvistaneet sivun nykyistä versiota, ja se voi poiketa merkittävästi 12. lokakuuta 2019 vahvistetusta versiosta; vaatii vahvistusta.

Absurdin teatteri, tai absurdin draamaa, on absurdiliike länsieurooppalaisessa draamassa ja teatterissa, joka syntyi 1950-luvun alussa ranskalaisessa teatteritaiteessa.

Termi "absurdin teatteri" esiintyi ensimmäisen kerran teatterikriitikon teoksissa, ja hän kirjoitti kirjan tällä nimellä vuonna 1962. Esslin näki tietyissä teoksissa Albert Camusin filosofian taiteellisen ilmentymän elämän merkityksettömyydestä sen ytimessä, jonka hän kuvitti kirjassaan Sisyfoksen myytti. Absurdin teatterin juurten uskotaan olevan dadaismin filosofiassa, olemattomien sanojen runoudessa ja avantgarde-taiteessa. Kovasta kritiikistä huolimatta genre saavutti suosion toisen maailmansodan jälkeen, mikä osoitti ihmiselämän epävarmuuden ja lyhytaikaisuuden. Esitettyä termiä myös kritisoitiin ja se yritettiin määritellä uudelleen "antiteatteriksi" ja "uudeksi teatteriksi". Esslinin mukaan absurditeatteriliike perustui neljän näytelmäkirjailijan - Eugene Ionescon ( Eugene Ionesco), Samuel Beckett ( Samuel Beckett), Jean Genet ( Jean Genet) ja Arthur Adamov ( Arthur Adamov), hän kuitenkin korosti, että jokaisella näistä kirjoittajista oli oma ainutlaatuinen tekniikkansa, joka ylitti termin "absurdi". Usein mainitaan seuraava kirjailijoiden ryhmä - Tom Stoppard ( Tom Stoppard), Friedrich Dürrenmatt ( Friedrich Dürrenmatt), Fernando Arrabal ( Fernando Arrabal), Harold Pinter ( Harold Pinter), Edward Albee ( Edward Albee) ja Jean Tardieu ( Jean Tardieu). Eugene Ionesco ei tunnistanut termiä "absurdin teatteri" ja kutsui sitä "pilkan teatteriksi".

Alfred Jarrya pidetään liikkeen innoittajana. Alfred Jarry), Luigi Pirandello ( Luigi Pirandello), Stanislav Vitkevich ( Stanislaw Witkiewicz), Guillaume Apollinaire ( Guillaume Apollinaire), surrealistit ja monet muut.

Eugene Ionesco itse kirjoitti "Kaljuista laulajasta": "Kaljuudesta ja kielestä järjettömyyden tunteminen on jo eteenpäin viemistä. Ottaaksemme tämän askeleen meidän täytyy hukata itsemme siihen kaikkeen. Sarjakuva on epätavallinen alkuperäisessä muodossaan; Minua hämmästyttää eniten banaalisuus; päivittäisten keskustelujemme köyhyys on siellä, missä hyperrealismi on"

Lisäksi epäloogisuus ja paradoksi luovat katsojaan pääsääntöisesti koomisen vaikutelman, paljastaen ihmiselle hänen olemassaolonsa absurdit puolet naurun kautta. Näennäisen merkityksettömät juonittelut ja dialogit paljastavat yhtäkkiä katsojalle omien juonittelujen ja perheen ja ystävien kanssa käymien keskustelujen vähäpäisyyden ja merkityksettömyyden, mikä saa hänet ajattelemaan elämäänsä uudelleen. Mitä tulee dramaattiseen epäjohdonmukaisuuteen "absurdissa" näytelmissä, se vastaa melkein täysin nykyaikaisen ihmisen "leikkeen" käsitystä, jonka päässä televisio-ohjelmat, mainonta, viestit sosiaalisissa verkostoissa, puhelintekstiviestit ovat sekoittuneet koko päivän ajan - kaikki tämä sataa hänen päähänsä mitä sekavaimmassa ja ristiriitaisimmassa muodossa edustaen elämämme lakkaamatonta järjettömyyttä.

New York Nimetön teatteriryhmä nro 61 (Nimetön teatteriryhmä #61) ilmoitti luovansa "modernin absurdin teatterin", joka koostuu tämän genren uusista tuotannoista ja uusien ohjaajien klassisista tarinoista tehdyistä sovituksista. Muita aloitteita ovat mm. Eugene Ionescon teosten festivaali.

1980-luvulla) absurditeatterin elementtejä löytyy Ljudmila Petruševskajan näytelmistä, Venedikt Erofejevin näytelmästä "Walpurgis Night, or the Commander's Steps" ja useista muista teoksista.