Arsip Kategori: seniman Soviet. Lukisan Soviet - sejarah seni modern Semua seniman Soviet

M. Bree-Bain. Operator radio wanita. 1933 ~ O. Vereisky. Tiga saudara perempuan

E.Samsonov. Ke negeri baru. 1954

S.Kamanin. Pembangunan kapal tunda. 1953

E.Danilevsky. Sampel baja. 1952

I.Simonov. Pekerja pengecoran. 1959 ~ E. Kharitonenko. Tukang las listrik. 1959

A.Deineka. Siapa yang akan menang? 1932

V.Kuptsov. ANT-20 ("Maxim Gorky"). 1934

B.Yakovlev. Transportasi menjadi lebih baik. 1923

G.Ryazhsky. Milikku. Ural. 1925

V.Malagis. Pekerja baja. 1950

I. Bevzenko. Pekerja baja muda. 1961

N.Bazylev. Tamasya ke pabrik. 1956

G.Brzozowski. Di toko peleburan baja. 1964

Ya.Romas. Di rakit. 1949

M.Maltsev. Sedang berjaga-jaga. 1953

V.Tsvetkov. Peternakan unggas. 1971

M.Maltsev. Operator derek. 1953 ~ Z. Popova. Tangkapan yang bagus. 1970
S.Balzamov. Pekerja garis depan. 1951

N.Bazylev. Tanaman dinamai menurut namanya Ordzhonikidze. 1972

A.Petrov. "Mosfilm". 1978

A.Petrov. Moskow. Stasiun kereta Kazansky. 1981

V.Firsov. Kolom. 1984

F.Reshetnikov. Tiba saat liburan. 1948 ~ F.Reshetnikov. Dua lagi. 1951

T.Yablonskaya. Pagi ~ Yu. Pemandian kecil. 1979

N.Zhukov. Kami tumbuh dan melakukannya dengan baik. 1953 ~ A. Laktionov. Mengunjungi cucu

I.Vladimirov. Di sekolah perempuan ~ V. Korneev. Anak-anak sekolah di konser. 1952

F.Reshetnikov. Untuk perdamaian! 1950~N.Solomin. Ibu-ibu muda

E. Gordiet. Diterangi oleh matahari. 1982 ~ B.Ugarov. Ibu

K.Petrov-Vodkin. Anak yang sedang tidur. 1924

Yu.kugach. Di buaian

N. Terpsichorov. Jendela menuju dunia. 1928

P.Krivonogov. Gadis dengan ski. 1963 ~ V.Zholtok. Musim dingin telah tiba. 1953

A.Ratnikov. Kami berjalan-jalan. 1955

T.Yablonskaya. Di taman. 1950

T.Yablonskaya. Saya masuk angin. 1953

N.Ulyanov. Bullfinches

D.Kolupaev. Liburan di sekolah. Di pohon Natal. 1949

A.Kostenko. I. Michurin dengan anak-anak. 1964 ~ P.Drachenko. Lagu pionir. 1959

V.Zholtok. Gadis bertopi merah. 1955
A.Mylnikov. Verochka di beranda. 1957

S.Grigoriev. Kiper. 1949

K. Uspenskaya-Kologrivova. Tidak mengajakku memancing

S.Grigoriev. Nelayan. 1958

I. Shulga. Pionir mengunjungi warga Laut Hitam. 1940

P.Krylov. Dua Natasha

R. Galitsky. Di garis finis

I. Shevandronov. Di perpustakaan desa

I. Shevandronov. Latihan sedang berlangsung. 1959

A.Deineka. Pilot masa depan. 1937

V.Pribylovsky. Kapten masa depan. 1963

S.Grigoriev. Pelopor. 1951 ~ P.Krokhonyatkin. Anak-anak di balkon. 1954 ~ O. Bogaevskaya. Liburan anak-anak. 1980

E. Chernyshova. Pengantin Vyshnevolotsk. 1984 ~ A. Levitin. Damai untuk cucu. 1985

K.Petrov-Vodkin. Gadis dengan boneka. 1937 ~ M. Bogatyrev. Juara masa depan. 1950

Ya.Titov. Di makam V.I. 1953

P.Krivonogov. Pemakaman I.V. Stalin. 1953

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Demonstrasi May Day

I. Davidovich, E. Tikhanovich. Demonstrasi May Day (fragmen)

A.Kazantsev. I.V. Stalin dengan ibunya

B.Vladimirsky. Mawar untuk J.V. Stalin

I. Penzov. Masa kecil yang bahagia. 1978

L.Kotlyarov. Roti dan garam (L.I. Brezhnev dengan pekerja desa)
I. Radoman. L. I. Brezhnev di ZIL

A.Gerasimov. I.V. Stalin dan A.M. Gorky di dacha. 1930

A.Gerasimov. Potret keluarga. 1934
Artis Rakyat Uni Soviet A.M
Meskipun orang tuanya enggan, ia pergi ke Moskow, lulus ujian menggambar dengan cemerlang dan menjadi siswa di Sekolah tersebut. Gurunya di kelas lanskap adalah M.K. Klodt, di kelas kepala - K.N. Gorsky dan A.M. Korin, di kelas gambar - S.D. Miloradovich dan N.A. Kasatkin, di kelas skala penuh - A.E. Guru V. Serov, K. Korovin, A. Vasnetsov memberinya banyak hal dalam melukis. Setelah dengan cemerlang menyelesaikan departemen melukis di Sekolah, A.M. Gerasimov memutuskan untuk menghadiri lokakarya K. Korovin. Untuk melakukan ini, atas saran Korovin, perlu mendaftar di departemen lain di Sekolah. Gerasimov dengan tegas memutuskan pada arsitektur. Konstantin Korovin, yang dianggap sebagai pendiri impresionisme Rusia, memberinya banyak hal. Sering mengunjungi Paris, K. Korovin bercerita kepada siswanya tentang impresionisme Prancis dan, tentu saja, memengaruhi karya Gerasimov muda. Pengaruh ini terutama terlihat dalam karya-karya siswa awalnya, yang dibuat pada tahun 1912-13: “Potret V.A. Gilyarovsky”, “Potret N. Gilyarovskaya”, “Potret V. Lobanov”. Semua karya ini ditulis di dacha V. Gilyarovsky, di Gilyaevka. "Potret V.A. Gilyarovsky" sekarang ada di apartemen penulis di Moskow, dan dua potret lainnya ada di koleksi museum-estate A.M.
Selama tahun-tahun ini, V.A. Gilyarovsky sering menghadiri pameran mahasiswa di Sekolah Seni Lukis, Patung dan Arsitektur. Dari karya-karyanya, ia dapat dengan mudah mengetahui tidak hanya bakat senimannya, tetapi juga dari mana seniman ini atau itu berasal. Dia memperoleh lukisan karya Gerasimov yang masih sangat muda, mendukungnya secara moral dan finansial, dan ini memiliki efek menguntungkan pada karya sang seniman.

Di taman. Potret Nina Gilyarovskaya, 1912

Potret kritikus seni V.M. 1913
Pada akhir tahun 30-an, A.M. Gerasimov menjadi tertarik pada potret: " Genre potret adalah jenis utama kreativitas saya, yang mengekspresikan esensi saya sebagai seorang seniman,” tulis Gerasimov. Seniman itu tertarik pada kepribadian yang kreatif, kaya secara intelektual, dan penting seseorang dan ketika saya menemukannya, saya ingin menangkapnya secara tak terkendali gambar berwarna", kenang A.M. Gerasimov. Kebutuhan untuk melanggengkan yang kuat, orang yang luar biasa, dilihat dari keterkaitannya yang luas dengan waktu, zaman, lingkungan, menghasilkan terciptanya rangkaian potret yang sungguh megah. Di antara mereka, “Potret balerina O.V. Lepeshinskaya” (1939) sangat menonjol. Balerina digambarkan di ruang latihan, dengan latar belakang cermin besar, berdiri di atas sepatu pointe. Teknik ini memungkinkan Anda menampilkan sosok penari dari dua sudut. Cermin memantulkan meja dengan perlengkapan rias dan bagian dari barre balet, dan kuda-kuda tempat sang seniman bekerja juga terlihat.
Potret luar biasa A.K. Tarasova (Museum Negara Rusia), aktor Teater Seni Moskow I.M. Moskvin (1940) (Lvov galeri seni), "Potret artis Tamara Khanum" (1939). Kemudian ia menulis “Potret kelompok seniman tertua Teater Maly Akademik Negara Uni Soviet A.A. Yablochkina, V.N. Ryzhova, E.D. Turchaninova” (1956), “Potret Rina Zelenaya” (1954), dll.

Potret artis A.K. 1939 ~ Potret seorang putri. 1951

PAGI. Gerasimov. Potret K.E. Voroshilov. 1927
Potret Klim Petrovich Voroshilov, cucu K.E. 1949
Gerasimov Alexander Mikhailovich

Gerasimov memiliki bakat untuk dengan mudah menangkap kemiripan potret dan merasa dirinya sebagai pelukis potret. Di antara karya-karyanya, gambaran orang-orang berpangkat tinggi lambat laun mulai mendominasi. Gerasimov mendapatkan ketenaran khusus sebagai penulis banyak gambar V.I. Lenin, I.V. Stalin dan bos partai besar. Dia dengan sengaja mengabdi pada pemerintahan komunis yang menang dengan imbalan kemakmuran pribadi.

Bakat yang luar biasa, gaya lukisan yang ceria dan “enak” - semua ini seiring kemajuan sang seniman tangga karir memperoleh kilau seremonial (Potret K.E. Voroshilov. 1927. Museum sejarah modern Rusia). Lukisannya yang paling terkenal adalah “V. I. Lenin di podium" (1930. Museum Sejarah Negara; ulangi tahun 1947 di Galeri State Tretyakov) dan "Pidato oleh V. I. Lenin di Pleno Soviet Moskow pada tanggal 20 November 1922" (1930. Museum Sejarah Negara).

Kesuksesan dan pengakuan tidak lama lagi akan datang. Pada awal tahun 1936, pameran pribadi Gerasimov dibuka di Moskow, di mana 133 karya dipamerkan, dimulai dari karya paling awal. Lokasi pusat, tentu saja, potret para pemimpin partai ditempati; tempat utama dalam pameran diberikan kepada “Pidato oleh I.V. Stalin di Kongres Partai ke-16” (1933. Arsip karya seni).

Tidak seperti banyak orang lainnya, Gerasimov diizinkan bepergian ke luar negeri. Pada tahun 1930-an dia mengunjungi Berlin, Roma, Napoli, Florence, Venesia, Istanbul dan Paris. Di luar negeri, sang seniman menulis banyak sketsa (“Hagia Sophia.” 1934. Museum Negara Rusia) dan terus-menerus menghadiri pameran seni. Namun pejuang realisme sosialis yang “benar” tidak menyukai apa yang dia yakini sebagai seni Eropa yang tidak berprinsip. seniman Perancis, menurut Gerasimov, mereka mendengarkan dengan penuh minat cerita-ceritanya tentang “ aktivitas seni di Uni Soviet." “Kehidupan dan kondisi kerja yang indah para seniman di Uni Soviet, di mana semua jenis seni dikelilingi oleh kepedulian partai dan pemerintah, bagi mereka tampak seperti dongeng” (Sokolnikov M. A. M. Gerasimov. Kehidupan dan kreativitas. - M ., 1954.Hal.134.).

Pada paruh kedua tahun tiga puluhan dan empat puluhan, karya Gerasimov yang secara resmi sombong seperti “I. V. Stalin dan K. E. Voroshilov di Kremlin" (1938. Galeri Tretyakov), "I. V. Stalin membuat laporan di Kongres XVIII Partai Komunis Seluruh Serikat Bolshevik tentang karya Komite Sentral Partai Komunis Seluruh Serikat Bolshevik (1939. Galeri Tretyakov), “Nyanyian Rohani Oktober” (1942. Museum Negara Rusia), “I. V. Stalin di makam A. A. Zhdanov" (1948. Galeri Tretyakov, Hadiah Stalin 1949). Lukisan-lukisan “pembuatan zaman” seperti itu biasanya dibuat dengan metode tim, yaitu oleh para peserta magang - sang maestro sendiri hanya menuliskan detail-detail penting saja. Kanvasnya yang besar, penuh poster pathos, menjadi standar gaya resmi seni Soviet.

Lukisannya menciptakan citra “pemimpin yang bijaksana” dan memainkan peran penting dalam kampanye propaganda. Seniman itu secara tidak terkendali menyanjung Stalin baik dalam gambarannya yang angkuh tentang Sekretaris Jenderal maupun dalam pernyataannya tentang dia. Mungkin, hanya untuk meningkatkan otoritasnya, dia meyakinkan bahwa Stalin, dalam percakapan dengannya, “mengungkapkan komentar yang paling berharga, bagi kami para seniman, mengenai topik karya kami.” Namun, Stalin sendiri tidak menganggap dirinya ahli dalam seni lukis; sebaliknya, dia acuh tak acuh terhadapnya, kecuali jika itu menyangkut potretnya sendiri (Gromov E. Stalin: kekuasaan dan seni. - M., 1998. P. 288, 305.) .

Sang seniman tanpa lelah juga melukis potret pejabat tinggi Partai Komunis dan pemerintah (Potret V.M. Molotov. [V.M. Molotov berbicara pada pertemuan di Teater Bolshoi 6 November 1947]. 1948. Galeri Tretyakov), para pemimpin militer dan pahlawan buruh sosialis. Kadang-kadang Gerasimov juga melukis perwakilan dari intelektual kreatif: “Ballerina O. V. Lepeshinskaya” (1939), “Potret kelompok seniman tertua I. N. Pavlov, V. N. Baksheev, V. K. Byalynitsky-Biruli, V. N. Meshkov "(1944, Hadiah Stalin 1946). Dia juga melukis potret keluarganya – “ Potret keluarga"(1934. Museum Republik Belarus).

Bagi dirinya sendiri, Gerasimov terlibat dalam erotisme yang kasar dan disederhanakan; banyak sketsa untuk lukisan yang belum selesai “Village Bathhouse” (1938, A.M. Gerasimov House-Museum, Michurinsk) dan “Polovtsian Dances” (1955, milik keluarga seniman, Moskow) memiliki telah dilestarikan. Pada tema “Pemandian Desa,” Gerasimov menulis banyak sketsa “untuk dirinya sendiri” selama bertahun-tahun (Pemandian Desa. Etude. 1950. Koleksi keluarga seniman). Ia juga “melampiaskan jiwanya” dalam karyanya pada ilustrasi “Taras Bulba” (1947-1952), di mana ia mungkin sedang mencari jalan yang hilang menuju romantisme nasional awal abad ini.

Pada akhir tahun 1930-an, selama periode penindasan massal dan munculnya sistem totaliter Stalinis, Gerasimov mencapai kesuksesan dan kemakmuran resmi sepenuhnya. Kini dia bukan hanya seorang punggawa, pelukis bergaji tinggi, favorit Stalin, tapi juga seorang pemimpin yang diberkahi kekuasaan. kehidupan artistik negara. Ia dipercaya untuk memimpin dan, yang terpenting, mengontrol karya seniman lain. Ia diangkat sebagai ketua dewan Persatuan Seniman cabang Moskow (1938-1940) dan ketua panitia penyelenggara Persatuan Seniman Soviet (1939-1954). Ketika Akademi Seni Uni Soviet didirikan pada tahun 1947, Gerasimov diangkat sebagai presiden pertamanya atas desakan Voroshilov;

Dalam semua jabatannya, Gerasimov menunjukkan dirinya sebagai asisten partai yang energik dalam menekan kaum intelektual kreatif. Ia berjuang keras melawan segala penyimpangan dari realisme sosialis di bawah slogan palsu “kesetiaan terhadap tradisi besar realisme Rusia.” Dia dengan tegas dan konsisten berjuang melawan “formalisme”, melawan “kekaguman terhadap seni borjuasi yang merosot.”

Sebagai asisten setia Voroshilov, ia secara aktif berkontribusi pada penutupan Museum Baru seni Barat, di gedung tempat Museum Hadiah untuk J.V. Stalin berada. Pada tahun 1948, dalam diskusi tentang formalisme, ia tanpa kenal lelah menganjurkan “seni yang berideologi tinggi”, yaitu seni yang dikebiri dan bersifat ideologis. Gerasimov bertanya secara retoris dan menjawab terus terang: “Mengapa saya harus menganggap selera seniman formalis di atas selera saya? [...] dengan sekuat tenaga aku mengerti bahwa ini adalah semacam kematian, aku muak dengan semua ini dan membangkitkan kebencian, yang masih tidak berkurang.”

Dengan kemarahan dan kesenangan tertentu, dia menginjak-injak kaum Impresionis. Orang-orang yang setia Gerasimov mencari seniman pemberontak dan melaporkan mereka ke penjaga ketat tatanan realis sosialis. Prosesnya selalu singkat dan tegas. Jika sang seniman melukis dengan sapuan kuas, maka tuduhan “impresionisme” pun menyusul. Sejak saat itu, karya apa pun dari pelukis yang dipermalukan itu tidak lagi diterima di mana pun dan dia ditakdirkan untuk hidup kelaparan.

Pada saat yang sama, Alexander Gerasimov memahami dengan sempurna apa itu seni sejati dan kreativitas sejati. Ketika pemikirannya jauh dari jabatan yang bertanggung jawab dan kedudukan tinggi, ia menciptakan karya-karya ruang dan liris, mengutamakan lanskap dan benda mati. Karya-karya ini, mau tak mau, mencerminkan sistem melukis gurunya Konstantin Korovin. Banyak dari mereka memiliki jejak tulisan impresionistik yang jelas: “Song of the Starling” (1938. Galeri Tretyakov), “Apple Trees in Blossom” (1946. Koleksi keluarga seniman). Menurut saya, karya terbaiknya adalah “After the Rain. Teras basah"(1935. Galeri Tretyakov). Di dalamnya, sang seniman menunjukkan keterampilan melukis yang sebenarnya.

Dalam kehidupan sehari-hari, Alexander Mikhailovich dikenal sebagai pribadi yang lembut dan ramah. Dalam percakapan dengan orang-orang dekat, dia membiarkan dirinya mengeluarkan pernyataan yang sangat tidak lazim. Ia menasihati para seniman muda: “Hal yang paling penting adalah meraih kehidupan. Keunikannya. Jangan mengejar lukisan yang sangat formal. Anda akan mendapatkan uangnya, tetapi Anda akan kehilangan artis di dalam diri Anda.”

Di usia tua, seniman terhormat itu tampak semakin mengecil dan tampak seperti kurcaci, kulit kuning keriputnya terlipat di wajahnya, dan mata Mongoloid hitamnya tampak sedih di bawah kelopak mata yang lembek. Tidak ada yang jahat dalam penampilannya. Dia berkata tentang dirinya sendiri: “Saya orang Rusia murni! Tapi Tatar rupanya telah hadir secara menyeluruh di keluarga saya. Saya ingin duduk di atas kuda, memukul basturma kering di bawah pelana, minum jika saya mau, memotong otot kuda, minum darah. Namun, saya sudah menyedot darah semua jenis formalis, dan imajinasi, dan orang-orang Jack of Diamonds seperti ini… Saya tidak mau lagi, saya sakit…”

Dengan kematian Stalin, pengaruh Gerasimov mulai memudar, dan setelah Kongres CPSU ke-20 dan terungkapnya kultus kepribadian, mantan penguasa seniman tersebut disingkirkan dari bisnis. Pada tahun 1957, ia kehilangan jabatannya sebagai presiden Akademi, dan lukisan mantan pemimpin disimpan di gudang museum.

Aib Gerasimov dianggap oleh kaum intelektual sebagai salah satu gejala “pencairan” Khrushchev. Namun, artis itu sendiri, yang sangat menghargai bakatnya, menganggap dirinya ditolak secara tidak pantas. Ketika salah satu kenalannya, seorang kritikus seni, bertemu dengan mantan pemimpin realisme sosialis di jalan dan menanyakan kabarnya, dia menjawab dengan kalimat yang mencolok: “Terlupakan, seperti Rembrandt.” Namun, dia melebih-lebihkan tingkat penolakan dan bakatnya. Kaum realis sosialis akan tetap dibutuhkan sampai jatuhnya partaiokrasi pada tahun 1991.

Fenomena Gerasimov dan banyak seniman serupa pada periode Soviet bersifat ambigu. Gerasimov adalah seorang pelukis yang diberkahi Tuhan dengan bakat yang luar biasa. Setiap ahli dalam pekerjaannya, mau atau tidak, bergantung pada kekuasaan, sosial budaya, masyarakat mapan, dan uang. Sejauh mana dia mampu melakukan kompromi yang tidak bisa dihindari? Gerasimov jelas melewati garis demarkasi yang tidak terlihat. Dia mulai mengabdi bukan pada Bakatnya, tetapi pada Pemimpinnya.

Setelah hujan. Teras Basah, 1935
Dipajang di Galeri Tretyakov Dua lukisan Gerasimov dipajang: “Teras Basah” dan “I.V. Stalin dan K.E. Voroshilov di Kremlin.” Contoh alternatif kreatif bagi sejarawan seni masa depan. Tapi, mungkin, keturunannya, ketika mereka ditutupi dengan patina waktu, kejahatan dan ketidakadilan di era Stalin, hanya akan melihat di dalam diri mereka hadiah seni yang luar biasa, terlepas dari situasi politik di masa lalu. Dan dalam sejarah seni Rusia yang masih belum tertulis, akan tetap ada “Teras Basah” dan “I. V. Stalin dan K. E. Voroshilov.” Sebagai monumen luar biasa pada zamannya. Lagi pula, sekarang tidak terpikir oleh siapa pun untuk mencela potret kerajaan D. G. Levitsky, F. S. Rokotov, V. L. Borovikovsky, I. E. Repin, V. A. Serov.

Alexander Mikhailovich Gerasimov meninggal di Moskow pada 23 Juli 1963; pada tahun yang sama, memoar seorang “realis sosialis militan” (“The Life of an Artist”) juga diterbitkan.

Pada bulan Maret 1977, museum rumah peringatan sang seniman dibuka di Michurinsk. Ini adalah bangunan bata dua lantai yang luas. Ada taman, bangunan luar, rumah gerbong, dan gudang. Rupanya, orang tua artis tersebut adalah saudagar kaya yang tahu cara berdagang secara menguntungkan. Putranya mengikuti jejak mereka.

Untuk lukisan awal abad ke-19. klasisisme tidak membuahkan hasil seperti arsitektur dan patung. Benteng klasisisme dalam seni lukis pada masa itu adalah Akademi Seni Imperial St. Petersburg, pusat kehidupan seni negara. Namun kebangkitan sosial di awal abad baru juga tercermin di sini. Pada tahun 1790-an, salah satu perkumpulan pertama di negara ini yang menangani masalah “struktur kehidupan internal Rusia” muncul di Akademi. Banyak dari anggotanya kemudian bergabung dengan “Masyarakat Bebas Pecinta Sastra, Sains dan Seni”, yang dibentuk dengan partisipasi langsung dari kaum Radishchevites. Pada tahun 1802, di kalangan seniman, lahirlah sebuah proyek untuk komunitas independen dan murni artistik yang secara khusus menangani isu-isu seni. Pengaruh “masyarakat bebas” mempunyai pengaruh yang menguntungkan bagi kehidupan seni tanah air. Mereka tetap tertarik sejarah nasional, untuk motif sipil dalam seni. Guru akademis dan presidennya sendiri, A. S. Stroganov, termasuk di antara anggota Perkumpulan yang paling dihormati.

Kemunduran bertahap Alexander I dari liberalisme pada tahun-tahun pertama pemerintahannya juga mempengaruhi kehidupan Akademi. Ketika elemen-elemen reaksioner menguat, kontrol birokrasi yang ketat diterapkan terhadap akademi. Selangkah demi selangkah, ia kehilangan kontak dengan tren maju seni rupa dan kehilangan perannya sebagai pusat ideologi kehidupan seni nasional. Sampai batas tertentu, sistem pedagoginya memperoleh ciri-ciri dogmatisme dari waktu ke waktu.

Di bawah Nicholas I, pengaturan kehidupan akademis menjadi lebih ketat. Akademi dipindahkan dari yurisdiksi Kementerian Pendidikan Umum ke yurisdiksi Kementerian Rumah Tangga. Melalui campur tangan pribadinya dalam urusannya, Nicholas I menetapkan arah resmi dalam seni.

Ciri-ciri seni yang dikembangkan oleh Akademi pada awal abad ke-19 dapat diamati dalam karya tiga mahasiswa dan profesornya: Andrei Ivanovich Ivanov, Alexei Egorovich Egorov, dan Vasily Kozmich Shebuev.

Kreativitas para empu ini mengungkap orisinalitas perwujudan klasisisme tinggi dalam seni lukis. Berbeda dengan Klasisisme XVII Abad I, ia membebaskan diri dari pengaruh seni barok, mengupayakan kesederhanaan dan kejelasan bahasa visual, menekankan plastisitas bentuk, dan ketelitian gambar. Logika yang sempurna dalam pengembangan plot, kesesuaian plot yang ketat dengan tema yang dipilih dan rasionalisme dalam konstruksi komposisi menjadi alfa dan omega dari arah ini. Pada saat yang sama, masalah warna memudar ke latar belakang; warna sering kali condong ke arah lokalitas.

Ivanov, Egorov dan Shebuev lulus dari Akademi Seni secara bersamaan pada tahun 1797 sebagai murid I. A. Akimov dan G. I. Ugryumov dan segera memulai studi mereka aktivitas pedagogis. Pada tahun 1803, Egorov dan Shebuev melakukan perjalanan pensiun ke Roma, di mana mereka tinggal sampai tahun 1807, sementara Ivanov tetap di Rusia.

Karya khas A. Ivanov adalah “The Feat of a Young Kievite” dan “The Combat of Mstislav the Udaly with Rededey.” Mereka mengandung banyak kesedihan sipil yang merasuki kesadaran orang-orang Rusia yang progresif di awal abad dan waktu. Perang Patriotik. A. Ivanov, sebagai anggota Masyarakat Bebas, sangat dekat dengan cita-cita sipil dan patriotik. Dalam kedua lukisan tersebut, gambaran seorang atlet muda yang pemberani, spiritual, dikontraskan dengan seorang pejuang yang kuat, tetapi kelebihan berat badan dan canggung, melambangkan fisik Sioux yang kasar.

Kedua lukisan tersebut menegaskan keunggulan prinsip luhur, heroik atas prinsip spontan, tidak diterangi oleh cahaya nalar. Episode dari sejarah nasional berubah menjadi pendewaan semangat kebangsaan. Dalam karya-karya inilah aspirasi maju Akademi dalam seni lukis diungkapkan dalam bahasa genre favoritnya - genre lukisan sejarah.

Karya-karya A. Ivanov dalam banyak hal masih mirip dengan tradisi Barok di Rusia lukisan sejarah akhir abad ke-18. Hal ini dibuktikan dengan sosok alegoris Kemuliaan yang melayang di atas pemuda tersebut, pathos khusus gerakannya, dinamika adegannya, dan ciri dekoratif dalam penyelesaiannya.

Prinsip-prinsip klasisisme tinggi yang lebih mapan muncul di hadapan kita dalam karya “Raphael Rusia” Egorov, yang dikenal karena gambar-gambarnya yang luar biasa.

Lukisan program Egorov adalah lukisan “Siksaan Sang Juru Selamat.” Menurut banyak orang sezaman, dia memang demikian pekerjaan terbaik artis. Segala sesuatu di sini adalah ciri khas klasisisme awal abad ke-19. Kesederhanaan dan logika komposisi yang ketat, jumlah kecil karakter, ketenangan gerakan dan keseimbangan emosi, kesederhanaan pose, latar belakang netral - semua ini sangat berbeda dengan sarana visual dan teknik lukisan sejarah Rusia pada akhir abad ke-18. Ekspresif dan gambar yang benar, pengetahuan sempurna tentang plastisitas tubuh manusia menentukan martabat lukisan Egorov. Tidak ada keraguan bahwa ada keabstrakan tertentu dalam memecahkan masalah etikanya - kemenangan kekuatan spiritual atas kekuatan fisik. Pengekangan skema warna kanvas, berdasarkan warna coklat zaitun dan oker, berbatasan dengan kekeringan. Bukan suatu kebetulan bahwa orang-orang sezaman, yang membela pandangan paling maju tentang tugas seni, dalam gambaran ini kurang memiliki kedekatan visi mereka tentang dunia.

Egorov dan Shebuev, sekembalinya ke St. Petersburg dari Italia, bekerja terutama atas perintah gereja. Merekalah yang dipercayakan dengan pekerjaan melukis untuk Katedral Kazan yang baru, simbol unik martabat nasional Rusia, sebuah bangunan yang dirancang, dilaksanakan, dan didekorasi oleh “seniman alami Rusia”

Namun lukisan gereja adalah bagian yang paling tidak menarik dari seni kedua seniman tersebut. Lukisan-lukisan yang tidak terkait dengan klien resmi memiliki lebih banyak ciri individual: potret Putri Goitsyna dan Sukhanov oleh Egorov.

Karya-karya Egorov menunjukkan munculnya tren baru dalam lukisan sejarah Rusia. Tema-tema keagamaan mengemuka: contoh-contoh Perancis memberi jalan kepada seni Italia abad ke-16, terutama Raphael dan para master sekolah Bolognese.

Lukisan kecil Egorov “Istirahat dalam Penerbangan ke Mesir” adalah tipikal. Motif dan teknik tata letak kembali ke Renaisans tinggi. Gambar ini bukannya tanpa keanggunan tertentu. Seluruh struktur gambarnya mengandung cap ketenangan harmonis yang unik, yang membuktikan bakat luar biasa sang seniman. Fakta bahwa rasa harmoni bentuk dan garis Egorov dapat dipadukan dengan rasa alam yang hidup juga dibuktikan oleh “Bather” kecil

Lukisan Shebuev dicirikan oleh pencarian romantis. Ini adalah potret dirinya dengan seorang peramal, di mana ia menampilkan dirinya dalam kostum pesolek abad ke-17. Nada “Yohanes Pembaptis” juga menarik, di mana digambarkan seorang anak laki-laki setengah telanjang, air minum dari mata air pegunungan. Terinspirasi oleh karya-karya klasisisme Prancis abad ke-17, yang dipuja oleh Akademi Poussin, gambar ini menarik dengan ketulusannya. Seruan untuk spontanitas dan kesederhanaan, yang menjiwai seni maju awal abad ini, juga terdengar di sini. Karya Shebuev selanjutnya, kanvas sejarah besarnya “The Feat of the Merchant Igolkin,” termasuk dalam periode berbeda dalam perkembangan lukisan akademis Rusia. Di sini, beberapa tradisi klasisisme awal abad ini, dengan polanya yang kokoh dan plastisitasnya yang berbeda, muncul dalam kombinasi dengan kesedihan artifisial yang dingin dari romantisme akhir. Bukan kebetulan bahwa Andrei Ivanov, yang hingga akhir hayatnya menganut cita-cita klasik tentang persyaratan logis yang ketat dari semua elemen gambar, tampaknya tentara Swedia dalam gambar ini berlari ke arah Igolkin begitu cepat sehingga mereka pasti harus berlari melewatinya. dia.

Teks: Natalya-51

Potret anak-anak dan wanita di Rusia pada awal abad ke-19

Anak-anak potret XVIII abad ini, dengan segala daya tariknya, masih sangat konvensional. Intinya temanya adalah seorang anak yang hampir terlihat seperti orang dewasa atau sedang bermain-main dengan orang dewasa. Contohnya dapat ditemukan di antara karya-karya A. Vishnyakov, F. Rokotov dan lain-lain.

Potret anak laki-laki karya I. Drozhdin agak lebih spesifik dalam memahami tugas artistik. Namun, di sini gambaran yang “kekanak-kanakan” masih bersifat spekulatif dan deklaratif: ini adalah “batu tulis kosong” yang terkandung dalam filsafat pendidikan. Ada sangat sedikit fitur individu dalam potret tersebut, dan tidak ada emosi.

Potret Tropinsky tentang putranya Arseny mirip dengan potret anak karya Kiprensky. Gambaran yang terakhir ini agak diilhami oleh cita-cita sentimentalis dan kesamaannya di sini bukanlah pada milik romantisme, yang mana Tropinin lebih jauh daripada Kiprensky. Namun, tugas mencipta merupakan ciri khasnya potret anak dipahami di sini sebagai cerminan nilai kemanusiaan usia muda.

Khas untuk potret anak-anak awal abad ke-19. dan kemudian potret-potret ini, gambar anak laki-laki Tomilov oleh Alexander Grigorievich Varnek. Meski kering dalam eksekusi yang melekat pada banyak karya Warnek, yang menarik di sini adalah kesederhanaan konsep seniman, spontanitas pengalihan alam, dan keseriusan ekspresi wajah anak-anak yang menjadi ciri khas usia. diungkapkan dengan jelas: berkilau, seolah-olah baru saja dicuci ceri di atas piring - detail yang berhasil ditemukan - memberikan kesegaran yang unik pada gambar.

Seniman zaman ini sudah tidak asing lagi dengan romantisme dalam penggambaran perempuan. Untuk mengapresiasi seluruh tingkat spiritualitas dan kepenuhan liris gambar wanita Kiprensky, cukup membandingkannya dengan potret perempuan masa kini karya A.G. Varnek. Misalnya, dua potret luar biasa pelukis ini: putri pematung I.P. Martos dan penyair Anna Petrovna Bunina. Selain eksekusi yang luar biasa, kami menemukan dalam karya-karya ini kesetiaan terhadap alam, kesederhanaan desain komposisi, kelucuan dan keanggunan dalam penampilan umum para gadis, tetapi karya-karya tersebut sama sekali tidak memiliki rasa gentar batin yang dimiliki oleh para wanita Kiprensky.

Kami mengamati kepahlawanan romantis tidak hanya di potret wanita Kiprensky, tetapi juga dalam karya Varnek. Dalam potret diri awalnya, terlepas dari semua egosentrisme dan narsisme orang yang digambarkan di dalamnya, kegembiraan dan kepenuhan hidup terlihat jelas: potret diri selanjutnya menggambarkan sang seniman sebagai sosok yang lelah, berpakaian sembarangan. Nada “siang hari” yang sejuk tidak menyembunyikan warna pudar pada wajahnya yang sedikit lembek. Gambaran yang diromantisasi memberi jalan pada kebenaran hidup yang biasa-biasa saja.

Penegasan romantis atas integritas puitis digantikan oleh pandangan realistis tentang individu dan hubungan sosialnya, pandangan yang terkadang menunjukkan kekosongan. dunia batin artis itu sendiri. Ciri khas kali ini adalah potret kelompok Kiprensky yang menarik - “Pembaca Surat Kabar di Naples.” Potret tersebut memiliki ciri khas romantisme dalam desainnya. Berbeda dengan potret kelompok sentimentalisme yang biasanya menggambarkan anggota satu keluarga, potret kelompok romantis mempersatukan orang-orang yang berpikiran sama, yang terutama dihubungkan oleh ikatan spiritual. Potret tersebut menggambarkan orang Rusia atau, menurut versi lain, orang Polandia sedang membaca artikel di Naples tentang peristiwa revolusioner di Polandia 1830-1831. Kontras antara konsentrasi pendengar yang tak bergerak dengan kegairahan batin yang niscaya dialami masing-masing memberikan ketegangan romantis pada “suasana” potret tersebut. Terlepas dari kenyataan bahwa mereka yang digambarkan dikelompokkan sangat erat dan secara harfiah “bernafas di wajah satu sama lain”, di masing-masing dari mereka seseorang merasakan semacam keterasingan, konsentrasi pada diri mereka sendiri. pikiran sendiri. Mereka tidak bertukar kata atau pandangan sekilas. Perasaan terputus semakin diperkuat oleh plastisitas bentuk volumetrik yang ditekankan dan hampir nyata, isolasinya. Dalam “pembaca surat kabar” saya ingin melihat tidak hanya orang-orang yang terputus dari tanah air mereka selama salah satu periode paling tragis dalam sejarahnya, tetapi juga orang-orang dari periode pasca-Desembris, yang tumbuh dalam cita-cita humanistik dan pendidikan. dari awal abad ke-19. dan merasakan ketidakberdayaan dan kesepian mereka dalam situasi sosial dan politik yang baru.

Fase baru dalam karya Kiprensky sebagai pelukis potret - dan bukan hanya Kiprensky - mencerminkan ciri-ciri periode baru budaya Rusia pasca-Desembris.

Salah satu bidang potret yang paling menarik dan independen pada saat ini adalah potret pensil. Seperti warna pastel, warna ini menggantikan warna-warna yang mulai ketinggalan zaman: miniatur pada tulang dan enamel, siluet dan ukiran. Gambar adalah fenomena paling mencolok dari berkembangnya ruang, potret intim, yang sangat umum terjadi pada paruh pertama abad ini. Dalam potret kamar, di mana pemikiran seniman berkembang lebih leluasa, minat terhadap dunia perasaan manusia, terhadap kehidupan spiritual manusia, yang merupakan ciri khas zaman itu, paling langsung tercermin.

Yang menarik adalah gambar potret Orlovsky, Kiprensky, Venetsianov, dan P. Sokolov awal. Di antara mereka, keunggulan yang tak terbantahkan adalah milik karya-karya Kiprensky. Mereka sangat beragam dalam desain dan pelaksanaan. Ada gambar-gambar yang dirancang dengan cermat di sini, yang, meskipun kurang warna, memiliki kelengkapan dan sifat interpretasi gambar yang mirip dengan potret yang dilukis dengan minyak. Misalnya saja “Ibu dengan Anak” (potret Preuss) atau potret P. A. Olenin.

Abad ke-20 yang penuh warna dan penuh peristiwa tetap diwariskan kepada anak cucu dalam karya seni. Mustahil mengetahui mentalitas orang-orang abad lalu jika kita mengabaikan gambaran-gambaran yang telah dilestarikan untuk kita. Banyaknya warna-warna cerah atau ketidakhadirannya, cara melukis dapat memberi tahu banyak hal kepada orang-orang sezaman kita.

Baik bagi sejarawan maupun pecinta seni, lukisan karya seniman asing dan Rusia abad ke-20 sangat menarik. Nama-nama penciptanya masih hidup dalam sejarah dan dikenal di seluruh dunia.

V.V.Kandinsky (16/12/1866 - 13/12/1944)

V.V. Kandinsky dianggap sebagai salah satu pelukis paling terkenal abad terakhir. Artis itu terlambat menemukan bakatnya. Hasrat berkreasi ia rasakan setelah mengenal lukisan-lukisan Monet.

Setelah momen ini, Vasily Vasilyevich meninggalkan karirnya sebagai pengacara dan semakin mengasingkan diri dengan buku sketsa, pergi ke alam terbuka dan membuat sketsa apa yang membuatnya takjub. Dia memutuskan untuk mendapatkan pendidikan dan pergi ke Munich, di mana bakatnya dihargai. Setelah kursus selesai, Kandinsky memutuskan untuk tinggal di pedesaan dan mengajar. Periode kehidupan ini diyakini menjadi masa paling produktif bagi sang seniman.

Dari lukisan pertama sang pelukis sulit ditebak bahwa ia akan segera melakukan revolusi dalam dunia seni rupa. Kandinsky secara bertahap menemukan jalannya. Sang seniman mencoba banyak hal sebelum menjadi pendiri seni abstrak.

Salah satu lukisan pertama yang dibuat pada ke arah ini, adalah "The Gorge", yang ditulis pada tahun 1914. juga dianggap salah satu yang paling terkenal di karir kreatif Kandinsky.

Dimulai Pertama Perang dunia memaksa artis untuk kembali negara asal. Karena revolusi dan perang saudara yang terjadi kemudian, pameran harus ditinggalkan untuk sementara waktu. Baru pada tahun 1916 Kandinsky mampu memamerkan lukisannya di Swedia.

Rusia yang diperbarui mengilhami pelukis untuk menciptakan lukisan “Lapangan Merah”. Setelah lukisan ini, Kandinsky kembali harus melepaskan kreativitasnya. Dia harus melakukan banyak pekerjaan, yang tidak menyisakan tenaga maupun waktu untuk membuat lukisan. Kemudian diputuskan untuk pergi ke Jerman untuk memusatkan seluruh perhatian pada apa yang dicintainya. Namun negara baru menyambut artis tersebut dengan kejutan yang tidak menyenangkan.

Seperti kebanyakan seniman abad ke-20, Kandinsky hidup dalam kemiskinan selama beberapa waktu. Di Jerman dan Prancis, Vasily Vasilyevich menciptakan banyak lukisan baru yang dikenal di seluruh dunia. Diantaranya adalah “Lingkaran dalam Lingkaran”, “Berita Intim”, “Semua Orang untuk Dirinya Sendiri”.

Kandinsky meninggal pada tahun 1944 setelah sakit parah.

A. Matisse (31/12/1869 - 03/11/1954)

Henri Matisse adalah salah satu yang paling banyak artis terkenal abad terakhir. Dipercaya bahwa calon pelukis terinspirasi untuk mengambil kuas dari ibunya, yang melukis keramik. Seperti banyak seniman abad ke-20, Matisse tidak serta merta menemukan jalannya. Dia tahu bahwa dia suka melukis, tapi itu tidak bisa menjadi cara utamanya untuk menghasilkan uang. Karena artis masa depan menerima gelar sarjana hukum dan bekerja dalam profesinya selama beberapa waktu. Tapi di saat yang sama dia menyempatkan diri untuk pelajaran melukis. Baru pada tahun 1891, meski ada larangan ayahnya, Matisse memutuskan untuk meninggalkan hukum, pergi ke Paris dan menekuni seni melukis dengan serius.

Setelah 5 tahun, lukisannya pertama kali muncul di hadapan masyarakat umum. Lukisan “Membaca” mendapatkan popularitas khusus; lukisan itu dibeli untuk menghiasi kantor Presiden Prancis.

Matisse tidak hanya terlibat dalam melukis. Dia tertarik pada patung dan mengikuti kursus. Tapi ini tidak membuatnya terkenal. Pada awal perjalanannya, Matisse, seperti kebanyakan orang di abad ke-20, mengalami kesulitan keuangan, sehingga untuk beberapa waktu ia dan keluarganya harus tinggal bersama orang tuanya.

Pada tahun 1905, salah satu yang paling terkenal, “The Woman in the Green Hat,” dirilis. Karya ini dan sejumlah karya lainnya membuat para pecinta seni mulai membicarakan Henri dan mulai tertarik dengan karyanya.

Salah satu pengagum pertama bakat pelukis terkenal itu adalah kolektor Rusia S.I. Shchukin. Dia menginspirasi Matisse untuk mengunjungi Moskow, tempat sang seniman menemukan koleksi ikon Rusia kuno. Mereka membuatnya takjub dan meninggalkan jejak pada karyanya selanjutnya.

Di seluruh dunia nama terkenal Matisse menjadi setelah penciptaan siklus "Odalisques" dan pemandangan untuk pertunjukan balet Stravinsky.

Tahun 40-an sangat sulit bagi pelukis. Istri, anak perempuan dan anak laki-lakinya ditangkap oleh Gestapo karena ikut serta dalam gerakan Perlawanan, dan dia sendiri sakit parah. Tapi Matisse terus bekerja. Terlepas dari peristiwa tragis di dunia dan dalam kehidupan seniman, kanvas tetap cerah, ringan, dan memberikan kegembiraan.

Matisse terus bekerja hingga hari-hari terakhirnya. Dia meninggal karena serangan jantung pada tahun 1954.

P.Picasso (25.10.1881 - 08.04.1973)

Seniman abad ke-20 masih dikenal dan populer. Namun, daftar ini tidak akan lengkap jika tidak menyebutkan pencipta besar Spanyol Pablo Picasso.

Pria luar biasa ini menunjukkan hasratnya untuk melukis sejak masa kanak-kanaknya. Perkembangan bakatnya juga terbantu oleh kenyataan bahwa ayahnya adalah seorang guru seni dan memberikan pelajaran kepada putranya. Karya serius pertama muncul ketika pelukis muda itu baru berusia 8 tahun. Karya itu diberi nama “Picador”. Hingga akhir hayatnya, Picasso tidak berpisah dengannya.

Orang tua artis sering berpindah-pindah, tetapi di setiap kota baru Picasso melakukan segalanya untuk mendapatkan pendidikan. Dia membuat saya takjub dengan keterampilannya di usia yang begitu muda.

Di Barcelona, ​​​​Picasso menemukan orang dan teman yang berpikiran sama. Kemudian perkembangan kemampuan seniman mencapai tingkatan baru. Namun bunuh diri temannya memberikan pukulan besar bagi Picasso. Lukisan-lukisan selanjutnya, yang biasanya dikaitkan dengan masa “biru”, sarat dengan tema usia tua dan kematian. Selama periode ini, “Woman with a Bun”, “Absinthe Lover” dan banyak lukisan lainnya muncul. Inspirasi seniman datang dari masyarakat lapisan bawah.

Kemudian perhatian Picasso tertuju pada pemain sirkus keliling. Warna merah muda perlahan menggantikan warna biru dari lukisan. Periode “merah muda” dimulai. Ini termasuk lukisan “Girl on a Ball”.

Perhatian pelukis semakin tertuju bukan pada warna, melainkan pada bentuk. Bersama temannya, Picasso menciptakan arah seni yang benar-benar baru - kubisme. “Pabrik di Horta de Ebro” dan “Potret Fernanda Olivier” yang terkenal muncul. Seniman tidak pernah berhenti bereksperimen. Dia menggunakan bahan berbeda untuk membuat kanvas.

Pekerjaan ke arah ini berakhir dengan pecahnya Perang Dunia Pertama. Kemudian Picasso harus berpisah dengan temannya. Seperti banyak seniman abad ke-20, Pablo terpesona oleh keindahan balet Rusia. Dia setuju untuk membuat kostum untuk para seniman dan pemandangan, dan melanjutkan tur dengan kenalan barunya. Picasso menikahi seorang gadis Rusia, Olga Khokhlova. Dia menjadi modelnya untuk banyak lukisan.

Tahun 1925 menjadi tahun titik balik biografi kreatif artis. Kanvasnya semakin mengingatkan pada teka-teki. Para penyair surealis mempunyai pengaruh yang besar terhadap pelukis. Selama periode ini, “Gadis di depan cermin”, “Pria dengan karangan bunga” dan lukisan lainnya diciptakan.

Banyak perubahan sebelum dimulainya perang. Kehancuran fondasi kota negara Basque memaksa Picasso menciptakan lukisan terkenal “Guernica”. Karya seniman ini dan selanjutnya dijiwai dengan gagasan pasifisme.

Kebahagiaan datang ke Picasso dengan berakhirnya perang. Dia menikah dan memiliki dua anak lagi. Artis itu pindah bersama istrinya. Istri muda dan anak-anaknya menjadi inspirasi bagi Picasso.

N.K.Roerich (27/09/1874 - 13/12/1947)

Roerich Nicholas Konstantinovich anak usia dini menunjukkan dirinya sebagai orang yang luar biasa. Sains itu mudah baginya, dan dia dengan cepat menyelesaikan program pelatihan yang ditawarkan kepadanya. Dia lulus ujian dengan mudah dan memasuki salah satu gimnasium terbaik dan termahal di St. Petersburg. Kisaran minat artis masa depan sangat luas. Itupun dia tertarik pada seni lukis.

Namun atas desakan ayahnya, Roerich memutuskan untuk belajar menjadi pengacara. Saat mengenyam pendidikan, ia banyak membaca karya sejarah, tertarik pada kronik dan berpartisipasi dalam penggalian arkeologi. Seperti kebanyakan seniman di awal abad ke-20, ia tidak langsung berpikir bahwa melukis harus menjadi pekerjaan utamanya. Roerich mampu mewujudkan bakatnya setelah berkomunikasi dengan Kuindzhi yang setuju menjadi guru seniman muda tersebut.

Kecintaannya terhadap sejarah tercermin dalam lukisan Nikolai Konstantinovich. Ia menciptakan serangkaian lukisan “The Beginning of Rus'. Slavia". Roerich tidak berusaha menunjukkannya poin-poin penting perkembangan sejarah. Dia berbicara tentang kehidupan sehari-hari, momen sehari-hari, yang, bagaimanapun, tampak luar biasa bagi pemirsa modern.

Peran besar dalam kehidupan Nikolai Konstantinovich dimainkan oleh istrinya, yang menginspirasi dan membantunya dalam pekerjaannya. Bersama dia, Roerich melakukan perjalanan ke kota-kota kuno Rusia. Hasilnya adalah serangkaian lukisan yang menggambarkan monumen arsitektur.

Banyak seniman abad ke-20 tertarik pada teater dan menciptakan panggung. Nikolai Konstantinovich tidak terkecuali. Karyanya membantu menciptakan suasana untuk banyak pertunjukan.

Setelah revolusi, Nicholas Roerich dan istrinya memulai perjalanan yang kemudian menjadi kenyataan titik balik dalam hidup mereka. Pelukis itu menjelajahi Asia Tengah, mempelajari Tibet, India, Altai, Mongolia, dan Himalaya. Hasil perjalanan ini tidak hanya lukisan, tapi juga bahan yang bagus tentang tradisi, adat istiadat dan sejarah negeri yang dikunjungi ekspedisi.

DI DALAM beberapa tahun terakhir Sepanjang hidupnya, Roerich semakin banyak melukis pemandangan alam. Dia menciptakan Himalaya. Gletser", "Stupa Ladak", "Biara Kerajaan. Tibet" dan banyak lainnya lukisan yang indah. Karya seniman dan karya sejarahnya sangat diapresiasi oleh pemerintah India. Dia dianggap sebagai teman Rusia di negara misterius dan indah ini.

Nicholas Konstantinovich Roerich meninggal di India pada tahun 1947. Putranya membawa lukisan ayahnya ke Rusia.

K. S. Petrov-Vodkin (24.10.1878 - 15.02.1939)

Para seniman mewariskan banyak karya indah kepada keturunannya. Zaman Perak. Salah satu pelukis paling terkenal yang bekerja saat itu adalah Kuzma Sergeevich Petrov-Vodkin.

Artis masa depan ini lahir dalam keluarga yang jauh dari dunia seni. Jika bukan karena pedagang lokal yang membantu Kuzma Sergeevich mendapatkan pendidikan, dia mungkin tidak akan pernah menemukan bakatnya. Mula-mula ia belajar di kelas melukis di Samara, kemudian ia mengasah kemampuannya di Moskow, di mana ia mengambil pelajaran dari seniman terkenal V. A. Serov.

Perjalanan ke Eropa sangat penting dalam biografi Petrov-Vodkin. Kemudian ia berkenalan dengan lukisan para pencipta Renaisans. Lukisan karya seniman abad ke-20 juga memiliki pengaruh: Petrov-Vodkin terpesona oleh karya para simbolis Prancis.

Simbolisme memikat sang pelukis. Dia mulai membuat lukisan ke arah ini. Yang paling terkenal adalah lukisan “Pemandian Kuda Merah”, yang dibuat pada tahun 1912. Yang kurang dikenal adalah lukisan “Mother” dan “Girls on the Volga”.

Petrov-Vodkin membuat beberapa potret. Paling sering mereka menggambarkan teman artis. Potret Anna Akhmatova yang ia buat sangat populer.

Kuzma Sergeevich mendukung ide-ide revolusioner. Peserta Perang saudara, mendukung gagasan The Reds, tampil di kanvasnya sebagai pahlawan. Lukisan “Battlefield” dan “Death of a Commissar” dikenal luas.

Menjelang akhir hayatnya, Petrov-Vodkin menulis beberapa hal yang menarik tidak hanya bagi para penggemar bakatnya, tetapi juga bagi semua pecinta sastra.

K. S. Malevich (02/11/1879 - 15/05/1935)

Salah satu seniman paling terkenal abad terakhir adalah Kazimir Severinovich Malevich. Seniman avant-garde membuat gebrakan nyata di dunia seni dan membuat namanya dikenal di seluruh dunia.

Tidak seorang pun dapat membayangkan bahwa seorang anak laki-laki dari keluarga Polandia, yang membantu penduduk desa mengecat kompor di waktu luangnya, suatu hari nanti akan menjadi hebat. Kehidupan desa membuat kagum artis masa depan. Dia melukis segala sesuatu yang secara khusus sesuai dengan dirinya.

Keluarganya sering berpindah-pindah. Ketika keluarga Malevich tinggal di Kyiv, Kazimir Severinovich belajar di sekolah menggambar. Di Kursk, ia mencoba mencari uang untuk belajar di Moskow. Untuk waktu yang sangat lama dia tidak dapat mendaftar. Hal ini tidak diketahui secara pasti, namun diyakini tidak ada satupun usahanya yang berhasil. Namun, di Moskow, Malevich mendapat banyak kenalan baru, dan juga melihat lukisan yang memengaruhi karyanya selanjutnya.

Di kota, Kazimir Severinovich menemukan teman, di antaranya adalah seniman Rusia abad ke-20. Mereka ingin membawa sesuatu yang baru ke dunia seni dan berbagi ide ambisius serta visi masa depan seni dengan Malevich.

Kazimir Severinovich sendiri menganggap warna dan perasaan sebagai dasar lukisan. Dia bermimpi mengubah tradisi melukis. Sudah lama dia tidak menunjukkan karyanya kepada siapa pun. Akhirnya mereka tampil di pameran futurisme. Sesaat sebelumnya, Malevich menerbitkan brosur yang judulnya pertama kali menyebut Suprematisme.

Pada pameran futurisme, untuk pertama kalinya, penonton melihat “Lapangan Hitam” yang legendaris, serta “Lapangan Merah” dan “Suprematisme. Potret diri dalam dua dimensi."

Inovasi yang diperkenalkan Malevich mendapat pengakuan. Kazimir Severinovich memiliki murid pertamanya, yang dengannya dia belajar pertama kali di Vitebsk dan kemudian di Petrograd. Ketenaran Malevich menyebar ke negara lain. Ia pergi ke Jerman untuk menyelenggarakan pameran karyanya sendiri.

Lukisan Malevich dipamerkan di Galeri Tretyakov. Dia siap untuk terus bekerja, tetapi kesehatannya semakin memburuk setiap hari. Kazimir Severinovich meninggal pada 15 Mei 1935.

S.Dali (05/11/1904 - 23/01/1989)

Tidak diragukan lagi, seniman paling kontroversial abad terakhir adalah Salvador Dali. Bakatnya sebagai pelukis ditemukan sejak dini. Orangtuanya senang anak laki-lakinya suka menggambar, sehingga mereka mendorong hobinya dengan segala cara. El Salvador memiliki guru pertamanya, Profesor Joan Nunez.

Dali dulu orang yang tidak biasa, dia belum siap menerima aturan yang telah ditetapkan. Dia dikeluarkan dari sekolah biara, yang membuat ayahnya sangat tidak senang. Kemudian Salvador harus pergi ke Madrid untuk mengembangkan bakatnya di sana dan mempelajari sesuatu yang baru.

Di Akademi, Dali tertarik pada kubisme dan futurisme. Kemudian ia menciptakan lukisan “Perangkat dan Tangan” dan “Potret Luis Buñuel”. Namun Salvador dikeluarkan dari Akademi karena penolakannya untuk mematuhi aturan institusi, perilaku eksentrik, dan tidak menghormati guru.

Namun peristiwa ini bukanlah sebuah tragedi. Dali sudah terkenal saat itu dan menyelenggarakan pameran pribadi. Ia mencoba sendiri tidak hanya sebagai seniman, ia juga membuat film. Film pertama adalah “Andalusian Forest”, diikuti oleh “The Golden Age”.

Pada tahun 1929, Salvador Dali bertemu dengan inspirasi dan calon istrinya Elena Dyakonova, yang menyebut dirinya Gala. Dia membantu kekasihnya, memperkenalkannya kepada banyak orang orang-orang terkenal, di antaranya adalah seniman Rusia, membantunya menemukan jalannya sendiri. Ini menjadi surealisme.

Hampir semua lukisan berikut ini entah bagaimana berhubungan dengan istri tercinta Dali. Dia menciptakan "The Persistence of Memory" dan "Gala's Paranoid Face Transformation".

Setelah pecahnya Perang Dunia II, Dali dan istrinya pergi ke Amerika Serikat, tempat mereka menerbitkan otobiografi. Salvador bekerja sangat keras di negara ini. Ia tidak hanya menciptakan lukisan, tetapi juga menjajal dirinya sebagai desainer, pembuat perhiasan, desainer latar, dan pemimpin redaksi surat kabar.

Setelah perang, Dali kembali ke tanah airnya. Selama periode ini muncul di banyak lukisan seniman. Diantaranya, misalnya, adalah “Sosok Ilyssa Phidias yang berbentuk badak”.

Pukulan nyata bagi Salvador Dali adalah kematian wanita kesayangannya, Elena Dyakonova. Dia sangat tertekan sehingga dia tidak bisa menghadiri pemakamannya. Lama setelah itu, Dali tidak bisa membuat satu lukisan pun. Namun, itu masih sangat populer.

Lukisan terakhir Dali adalah "Ekor Burung Walet". Setelah itu, karena sakit, artis tersebut tidak bisa lagi berkarya. Dia meninggal pada tanggal 23 Januari 1989.

Frida Kahlo (07/06/1907 - 13/07/1954)

Salah satu dari sedikit artis wanita terkenal di dunia pada abad terakhir adalah Frida Kahlo. Dia tidak pernah mau menyerah pada apapun lawan jenis, berolahraga, bahkan sempat terjun ke tinju selama beberapa waktu.

Seperti banyak seniman di Rusia dan Barat, Frida tidak langsung memilih jalannya. Dia belajar kedokteran. Selama masa studinya dia bertemu Diego Rivera, yang kemudian menjadi suaminya.

Ketika Frida berusia 18 tahun, dia mengalami kecelakaan yang mengerikan. Karena itu, dia menghabiskan waktu lama di tempat tidur dan tidak pernah bisa menjadi seorang ibu. Terbaring di tempat tidur, tak mampu bangun, Kahlo mulai belajar melukis. Dia melihat ke cermin yang dipasang di atas dan menggambar potret diri.

Di usianya yang ke-22, Frida tetap mengenyam pendidikan, namun ia tidak bisa lagi berhenti melukis. Dia terus bekerja, semakin dekat dengan Rivera, dan kemudian menjadi istrinya. Tapi Diego memberikan pukulan telak pada Frida - dia berselingkuh dari artis itu dengan saudara perempuannya. Setelah itu, Kahlo menciptakan lukisan “Hanya Beberapa Goresan”.

Frida adalah seorang komunis. Dia berkomunikasi dengan Trotsky dan sangat senang dia tinggal di Meksiko. Dikabarkan bahwa mereka terhubung oleh sesuatu yang lebih dari sekedar persahabatan.

Kahlo bercita-cita menjadi seorang ibu, namun luka yang dideritanya dalam kecelakaan itu tidak memungkinkannya melakukan hal tersebut. Anak-anak yang meninggal semakin menjadi tokoh utama dalam lukisannya. Namun, meski menderita, Frida mencintai kehidupan dan merupakan orang yang cerdas dan positif. Dia tertarik dengan politik Uni Soviet dan mengagumi para pemimpinnya. Dia juga tertarik dengan artis Rusia. Frida ingin menggambar Stalin, tetapi tidak pernah sempat menyelesaikan karyanya.

Cedera parah tidak membuat kami melupakan diri sendiri. Dia sering terpaksa tinggal di rumah sakit; kakinya diamputasi. Namun setelah itu ada titik terang dalam hidupnya - pameran tunggal pertamanya.

D. Pollock (28/01/1912 - 11/08/1956)

Salah satu seniman paling terkenal abad terakhir adalah James Pollock. Dia adalah murid Thomas Hunt Benson dan, berkat pria ini, mengembangkan dan meningkatkan kemampuannya.

Menjelang akhir tahun 30-an, Pollock berkenalan dengan karya Ekspresionis. Lukisan-lukisan itu memberikan kesan yang tak terhapuskan pada dirinya. Meski lukisan Pollock orisinal dan khas, namun dirasa terinspirasi oleh Picasso dan ide para surealis.

Pada tahun 1947, Pollock menciptakan metode melukisnya sendiri. Dia memercikkan cat ke kanvas dan kemudian membuat jaring warna-warni dengan cara memukulnya dengan tali. Metode ini membangkitkan minat yang besar.

Jackson Pollock menjadi ikon bagi seniman muda nonkonformis yang juga bermimpi menemukan jalan mereka sendiri dan menunjukkan visi mereka kepada dunia. Jackson menjadi simbol inovasi dalam seni.

E.Warhol (06/08/1928 - 22/02/1987)

Bahkan setelahnya selama bertahun-tahun tetap menjadi artis yang modis dan populer. Ia menerima pendidikan pertamanya di Carnegie Institute of Technology, mengikuti kelas menggambar gratis dan mengembangkan bakatnya. Namun, segera setelah itu dia tidak menjadi artis hebat.

Sejak lama, Warhol menggambar ilustrasi untuk majalah mode populer dan menciptakan karya grafis di bidang periklanan. Hal inilah yang membuat namanya terkenal. Dia mulai menggambar dengan pensil dan menciptakan salah satu karyanya yang pertama karya terkenal- sebotol Coca-Cola.

Andy menggambarkan apa yang sedang populer di dunia saat itu. Ia menjadi pendiri arah baru, yang diberi nama pop art. Lukisannya yang menggambarkan Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mick Jager dan banyak tokoh terkenal lainnya telah menjadi legenda.

Warhol bukan hanya seorang seniman, tetapi juga seorang penulis skenario dan sutradara. Dia menciptakan sejumlah besar film, yang pertama adalah film bisu dan hitam putih. Selain itu, ia menulis beberapa otobiografi, menjadi editor sebuah saluran televisi dan bahkan produser sebuah band rock.

Lukisan para pelukis abad terakhir sangat penting bagi seni dunia. Masing-masing membawa sesuatu yang baru dan tidak biasa. Seniman Rusia abad ke-20 juga menempati tempat yang layak di antara mereka.