Seni sebagai cara berekspresi. Seni. Fungsi dan jenis seni. Lukisan berbagai bagian tubuh

1. Dinamika kemungkinan masalah, atau peluang.

Namun demikian, seseorang tidak boleh terbawa oleh hanya satu wujud dan hanya satu tindakan, yang membedakan suatu objek seni dengan objek ilmu pengetahuan. Kita harus selalu ingat bahwa dalam bidang seni kita tidak hanya berurusan dengan tindakan sebagai struktur organik dari penjelmaan, namun penjelmaan itu sendiri muncul di sini dalam diri Aristoteles sebagai hasil pertentangan penalaran kategoris (serta kebutuhan logis) justru terhadap kemungkinan masalah. Hanya dengan mengambil kemungkinan ini dalam bidang nalar murni dalam aspek wujud yang melekat secara organik dan kemungkinan yang integral, barulah kita untuk pertama kalinya memperoleh pemahaman yang kurang lebih lengkap tentang suatu objek seni.

Aristoteles menulis: “...Tugas penyair adalah berbicara bukan tentang apa yang terjadi (ta genomena), tetapi tentang apa yang bisa terjadi, tentang apa yang mungkin terjadi karena kemungkinan atau kebutuhan” (Penyair 9, 1451 a 36 - b 1 ). Ini berarti Aristoteles sekali lagi memutuskan hubungan dengan subjek seni dan realitas faktual. Fakta telanjang, diambil sendiri, tidak menarik minat penyair. Dia tertarik pada apa yang digambarkan dalam apa yang dirasakan bukan pada dirinya sendiri, tetapi sebagai sumber objek dan gagasan lain yang mungkin, atau, seperti yang kita katakan, subjek penggambaran artistik selalu bersifat simbolis, atau lebih tepatnya, simbolis ekspresif. selalu menunjuk ke sesuatu yang lain dan memanggil yang lain.

Pemikiran Aristoteles dalam hal ini terdengar cukup kategoris:

“Perbedaan antara sejarawan (158) dan penyair bukanlah yang satu berbicara dalam bentuk syair, dan yang lain dalam bentuk prosa. Bagaimanapun, karya Herodotus bisa diterjemahkan ke dalam syair, namun ceritanya tetap sama dalam meter seperti tanpa meteran. Perbedaannya adalah yang satu menceritakan tentang apa yang terjadi (ta genomena), yang lain tentang apa yang mungkin terjadi” (b 1-6).

2. Sifat umum dari kemungkinan ini.

Terakhir, menurut Aristoteles, sama sekali tidak mungkin subjek artistik, yang ia nyatakan hanya satu kemungkinan, direduksi dengan cara apa pun - baik dari segi keumuman maupun dari segi persuasif gambar. Orang akan berpikir bahwa jika seniman diperintahkan untuk menggambarkan bukan apa yang ada, tetapi apa yang bisa terjadi, maka seniman akan mempunyai kebebasan dalam kaitannya dengan gambaran apa pun. Tidak, hal ini tidak mungkin terjadi, karena kita tidak akan lupa bahwa seluruh lingkup kemungkinan diambil dari alasan teoretis yang sama, yang selalu beroperasi hanya pada kategori-kategori umum.

"Puisi mengandung unsur yang lebih filosofis dan serius daripada sejarah: puisi mewakili hal yang lebih umum, dan sejarah - yang khusus. Yang umum terdiri dari penggambaran apa yang harus dikatakan atau dilakukan oleh kemungkinan atau kebutuhan oleh seseorang yang memiliki kualitas tertentu. Untuk puisi ini berusaha, memberi aktor nama. Dan khususnya, misalnya, apa yang dilakukan Alcibiades, atau apa yang terjadi padanya” (b 6-12).

3. Sifat seni kiasan.

Penting untuk dicatat di sini bahwa kemungkinan yang disuguhkan seni selalu dicirikan oleh beberapa nama. Sekarang kami akan mengatakannya secara berbeda. Lagi pula, sampai saat ini, pada prinsipnya, kita hanya berbicara tentang nalar murni atau teoretis, yang bertindak dengan bantuan kategori-kategori umum. Namun sebuah karya seni bukan sekadar sistem kategori logis. Itu selalu merupakan gambaran orang-orang tertentu dengan nama mereka dan tindakan tertentu yang terjadi pada orang-orang tersebut. Aristoteles telah berbicara tentang aksi, namun dia belum berbicara tentang pahlawan sebuah karya seni. Dan baru sekarang ia mengatakan bahwa suatu karya seni selalu beroperasi dengan nama-nama tertentu, yaitu pahlawan-pahlawan tertentu yang menyandang nama-nama tertentu. Jika dalam komedi yang penting pertama-tama adalah alur cerita itu sendiri, dan namanya bisa apa saja, dan jika dalam iambiografi ada nama, tetapi tidak ada tindakan yang digambarkan (b 12-15), maka situasinya sangat berbeda dalam tragedi, di mana plot tertentu diberikan - mitos, yaitu serangkaian tindakan tertentu, dan "nama" diberikan, yaitu pahlawan yang menyandang nama tertentu milik mereka, dan karena mitologi mengacu pada masa lalu, pertanyaan tentang realitas sebenarnya tidak lagi dibangkitkan. Karena ada sesuatu, itu bisa saja terjadi; dan oleh karena itu tragedi sepenuhnya memenuhi prinsip artistik kemungkinan, belum lagi sifat persuasifnya, dan, akibatnya, realisme uniknya, yang tidak hanya tidak bertentangan dengan prinsip kemungkinan, tetapi justru mewujudkannya dengan paling jelas.

Inilah yang kita baca dari Aristoteles mengenai hal ini:

“Dalam tragedi, nama-nama yang diambil dari masa lalu ditaati. Alasannya adalah bahwa kemungkinan [yaitu, dalam hal ini, kejadian] membangkitkan keyakinan. Kami tidak percaya pada kemungkinan yang belum terjadi; dan apa yang terjadi mungkin sudah jelas, karena hal itu tidak akan terjadi jika tidak memungkinkan. Namun, dalam beberapa tragedi hanya satu atau dua hal yang terjadi. nama-nama terkenal, sementara yang lain fiktif, seperti, misalnya, dalam “Bunga” Agathon. Dalam karya ini baik peristiwa maupun nama sama-sama fiktif, namun tetap memberikan kesenangan” (b 15-23).

Yang penting di sini bukan hanya luasnya cakrawala artistik Aristoteles, tetapi yang juga penting di sini adalah bahwa di antara diskusi tentang integritas, komunitas, dan realisme khas dari gambar mitologis, ia tidak lupa mengatakan juga tentang kesenangan yang disampaikan. dengan tragedi (eyphraifiein, atau, lebih tepatnya, diterjemahkan, “kegembiraan ").

Kesimpulannya, Aristoteles sekali lagi menekankan sifat non-faktual suatu karya seni, yaitu kekekalannya, fabrikasinya, rancangannya yang kreatif, pencitraannya yang maha kuasa, yang menurut Aristoteles selalu diwujudkan melalui penciptaannya yang efektif:

“Seseorang tidak boleh serta merta menetapkan tugasnya untuk mematuhi mitos-mitos yang dilestarikan oleh tradisi, di mana tragedi itu terjadi. Dan adalah konyol untuk memperjuangkan hal ini, karena bahkan apa yang diketahui hanya diketahui oleh sedikit orang, namun memberikan kesenangan bagi semua orang. Dari sini jelas bahwa penyair seharusnya lebih merupakan pencipta plot, daripada meter, karena dia adalah pencipta sejauh dia mereproduksi, dan dia mereproduksi tindakan, bahkan jika dia harus menggambarkan peristiwa yang sebenarnya. , dia tetaplah pencipta, karena tidak ada yang menghalangi peristiwa-peristiwa aktual tertentu untuk mempunyai sifat kemungkinan dan kemungkinan.

4. Ekspresi sebagai ketajaman estetis suatu objek seni.

Sekarang, akhirnya, kita sampai pada pemahaman Aristotelian tentang seni sebagai bidang ekspresi. Lagi pula, di sini menjadi jelas dengan sendirinya bahwa teori objek artistik semacam ini, yang dirancang tidak hanya untuk konten, tetapi untuk desain konten apa pun yang ahli, yang juga memberikan kesenangan tertentu, justru merupakan estetika ekspresi yang berkelanjutan, ketika apa Yang penting bukanlah apa yang objektif, apa yang ada, dan bukan apa yang diciptakan melalui kesewenang-wenangan subjektif, namun keahlian ekspresi itu sendiri dan kesenangan spesifik yang terkait dengannya.

a) Pada kutipan terakhir sebelumnya, kami yakin bahwa Aristoteles, meskipun ia sangat menyukai plot mitologis yang terkenal dan dapat dipahami, namun percaya bahwa seni sebuah karya tidak bergantung sama sekali pada plot-plot mitologis yang terkenal dan dapat dipahami tersebut. plot. Plotnya mungkin sama sekali tidak diketahui publik dan sama sekali tidak dapat dipahami kebaruannya, namun publik dapat menerima kenikmatan estetis dari plot tersebut. Dan mengapa? Karena bagi Aristoteles, yang penting dalam sebuah karya seni bukanlah “apa”, melainkan “bagaimana”, atau lebih tepatnya, perpaduan sempurna keduanya menjadi satu gambaran struktural formal yang ekspresif dan meyakinkan. Di bawah ini kita akan melihat bagaimana Aristoteles mendefinisikan asal mula seni sebagai kecenderungan alami manusia untuk “meniru”, yaitu menciptakan kembali segala sesuatu di sekitarnya secara kreatif, dan menikmati peniruan semacam ini.

b) Sekarang kami akan mengutip argumen yang sangat menarik dari Aristoteles dalam “Politik”:

“Anak-anak harus diajari mata pelajaran yang bermanfaat secara umum tidak hanya demi kepentingan manfaat yang mereka peroleh darinya - seperti belajar membaca dan menulis, tetapi juga karena berkat pelatihan ini, mereka dapat diinformasikan seluruh seri informasi lainnya. Begitu pula dengan menggambar: dan dipelajari bukan agar tidak terjerumus dalam perbuatannya atau agar tidak tertipu ketika membeli atau menjual peralatan rumah tangga, tetapi menggambar dipelajari karena mengembangkan mata dalam menentukan keindahan jasmani. Pada umumnya mencari ke mana-mana hanya satu kemaslahatan saja kurang sesuai bagi orang-orang yang berkerohanian tinggi dan terlahir merdeka” (VIII 3, 1388 a 37 – 1388 b 4).

Dengan kata lain, suatu objek seni, menurut Aristoteles, sama-sama netral dan sangat berguna. Seni adalah bidang yang sangat spesifik di mana tidak ada kata “ya” atau “tidak”, namun seni selalu merupakan bidang yang bisa menerima afirmasi dan penolakan. Ini adalah bidang tindakan yang ekspresif. Musik secara khusus dibedakan oleh hal ini (Polit. VIII 4-5), seperti yang akan kita lihat di bawah ketika mempertimbangkan esensi musik dan pendidikan musik.

c) Bahwa keindahan pada umumnya lebih tinggi daripada sekedar fisik terbukti dari penalaran Aristoteles (Ethic. Nic. III 12) bahwa bagi seorang petarung tinju menyenangkan menerima karangan bunga dan tanda kehormatan, namun menyakitkan menerima pukulan dalam pertarungan. , dan tindakan berani dilakukan demi tujuan yang indah dan demi menghindari rasa malu, meskipun luka dan kematian sama sekali bukan sesuatu yang indah atau menyenangkan. Aristoteles ingin mengatakan di sini bahwa kecantikan itu efektif, tetapi tidak dalam arti fisik semata.

“Dalam karya seni, kesempurnaan (kepada mata) terletak pada dirinya sendiri, dan cukuplah karya itu muncul menurut kaidah-kaidah yang ada pada seni itu sendiri” (II 3, 1105 a 27-28).

“Oleh karena itu, seni tidak dapat dikritik karena menggambarkan objek-objek yang salah, tidak mungkin, atau luar biasa. Tentu saja, akan lebih baik jika segala sesuatu yang digambarkan dalam seni itu benar secara objektif, dan secara objektif mungkin, dan secara objektif mungkin terjadi, tetapi jika, misalnya, , seekor kuda dengan dua kaki kanan dikedepankan, maka yang mengkritik pelukisnya tidak mengkritik seni lukis, melainkan hanya ketidakkonsistenan dengan realitasnya , yang tidak mungkin, tetapi mungkin, lebih disukai daripada yang mungkin, tetapi luar biasa" (Penyair 25, 1460 b 6 - 1461 a 9; 11-12).

Aristoteles mengandaikan struktur kehebatan sebuah karya seni ketika ia menghargai hubungan peristiwa-peristiwa dalam tragedi, yaitu apa yang ia sebut "mitos", dan bukan peristiwa itu sendiri. Jadi, misalnya, tragedi, menurut Aristoteles, mungkin terjadi bahkan tanpa penggambaran karakter, tetapi tidak mungkin terjadi tanpa hubungan peristiwa yang lengkap dan diungkapkan dengan jelas. Ini berlaku untuk semua seni lainnya.

“Tanpa tindakan, tragedi tidak mungkin terjadi, tetapi tanpa karakter hal itu mungkin terjadi” (6, 1450 a 24-25). “Hal yang sama juga terlihat di kalangan seniman, misalnya jika Zeuxis dibandingkan dengan Polygnotus: Polygnotus adalah pelukis yang baik dan berkarakter, tetapi tulisan Zeuxis tidak memiliki ciri apa pun” (a 27-29). “Barangsiapa memadukan secara harmonis ciri-ciri ucapan dan kata-kata yang indah dan pikirannya, dia tidak akan memenuhi tugas tragedi, tetapi tragedi akan mencapainya lebih banyak, meskipun ia menggunakan semua ini pada tingkat yang lebih rendah, tetapi memiliki alur dan komposisi peristiwa yang tepat” (a 29-33).

Oleh karena itu, makna artistik sebuah tragedi hanya terletak pada komposisi kejadiannya, yaitu pada strukturnya, dan bukan pada kejadian itu sendiri. Hal yang sama juga terjadi pada seni lukis.

“Jika seseorang mencoreng cat terbaik secara berantakan, dia tidak dapat memberikan kesenangan seperti membuat sketsa gambar dengan kapur” (a 33-36).

5. Pembenaran filosofis terhadap kemandirian struktural seni.

Sayangnya, di saat ini karena kurangnya ruang, kami tidak dapat sepenuhnya memberikan pembenaran filosofis atas sifat struktural seni yang sebenarnya dimiliki Aristoteles. Risalah pertama, yang mengikuti Kategori-kategori dalam Organon, disebut Tentang Interpretasi. Faktanya, selain diambil dalam dirinya sendiri, bagi seseorang selalu ada satu atau lain penafsiran, penafsiran ini atau itu. Penafsiran ini tentu saja juga berlaku pada keseluruhan kosmos secara keseluruhan. Namun penafsiran kosmos seperti itu, seperti yang kita ketahui, bagi Aristoteles adalah Pikiran kosmis. Dalam risalah tersebut di atas, Aristoteles membela hak penafsiran manusia atas wujud di hadapan wujud itu sendiri. Penafsiran mempunyai sifat yang spesifik: tidak segala sesuatu yang benar dalam wujud itu sendiri adalah benar dalam pemikiran; dan kontradiksi yang dilarang Aristoteles untuk menjadi dirinya sendiri sangat mungkin terjadi dalam pemikiran. Jadi, “menjadi” dan “tidak menjadi” merupakan kontradiksi yang tidak dapat diterima. Namun dalam berpikir, selain modalitas nyata dan kategoris, ada juga modalitas lain yang tidak ada gunanya membicarakan benar atau salah. Ini adalah keseluruhan lingkup keberadaan yang mungkin. Tidak dapat dikatakan benar karena belum ada, juga tidak salah, karena pada tahap kemungkinan belum ditegaskan secara pasti. Dan yang sangat mencolok dalam risalah ini adalah bahwa Aristoteles merujuk kita secara tepat pada puisi dan retorika untuk mempertimbangkan makhluk seperti ini, yang dalam hubungannya dengan tidak ada yang ditegaskan atau disangkal.

Aristoteles menulis:

“Tidak setiap tuturan mengandung [penghakiman], tetapi hanya yang memuat benar atau salahnya suatu hal, jadi misalnya “keinginan” (eyche) adalah tuturan, tetapi tidak benar atau salah , karena mempelajarinya lebih tepat untuk retorika atau puisi; hanya penilaian (logos apophanticos) yang termasuk dalam pertimbangan ini" (De interpret. 4, 17 a 2-7).

Dengan demikian, ketidakmungkinan menerapkan penilaian positif atau negatif terhadap seni dibuktikan oleh Aristoteles dalam salah satu risalah terpenting filsafat teoretisnya. Keberadaan artistik ada dan tidak. Ini hanya sebuah kemungkinan, hanya problematis, hanya diberikan dan dibebankan, tetapi sama sekali bukan suatu sistem penilaian tentang keberadaan, positif atau negatif. Itu hanya ekspresi itu sendiri, dan tidak ada yang lain.

Semua penilaian Aristoteles dan tentang Aristoteles di atas mungkin, di mata orang lain, mereduksi seluruh ajaran Aristoteles tentang seni menjadi formalisme yang kosong dan tidak berarti. Ini berarti sama sekali tidak memahami estetika Aristoteles. Intinya adalah bahwa semua “kemungkinan”, “netralitas” dan modalitas spesifik secara umum ini mewakili (dan kita telah membicarakan hal ini berkali-kali) bukan bentuk, sebagai lawan dari konten, sebagaimana memang benar, bukan konten tanpa bentuk, tetapi yaitu, di mana bentuk dan isi diidentifikasi, di mana mereka tidak berbeda satu sama lain, dan di mana keberadaan dan ketidakberadaan mereka menyatu hingga pada titik yang sama sekali tidak dapat dibedakan. Lalu bagaimana seseorang dapat mengatakan bahwa Aristoteles tertarik pada seni hanya pada bentuknya dan hanya pada strukturnya?

Seluruh bab ke-17 dari “Puisi” dikhususkan untuk isu-isu desain seni yang konkret.

“Tragedi,” kata Aristoteles, “harus ditulis sedemikian rupa sehingga paling jelas, paling meyakinkan, dan adegan-adegan yang menyusunnya paling mudah dipahami. Penyair yang paling menarik adalah mereka yang mengalami perasaan yang sama. kemarahan adalah orang yang benar-benar marah. Akibatnya, puisi adalah takdir seseorang yang kaya raya, atau orang yang mudah marah.

Di manakah formalisme Aristoteles ketika menggambarkan hakikat sebuah karya seni?

Di atas sudah cukup banyak dikatakan tentang kategori estetika Aristotelian yang “formal” seperti “awal”, “tengah”, dan “akhir”. Kami telah mencoba membuktikan bahwa di sini Aristoteles tidak memiliki formalisme, tetapi hanya cara pandang yang plastis dan pahatan dalam memandang dunia. Sekarang mari kita lihat apa yang dikatakan Aristoteles tentang konsep periode dan kenikmatan estetis yang kita peroleh berkat keteraturan strukturalnya:

“Saya menyebut suatu titik sebagai ungkapan yang memiliki awal, tengah, dan akhir serta dimensinya mudah dilihat. Gaya ini menyenangkan dan dapat dimengerti; menyenangkan karena merupakan kebalikan dari ucapan yang belum selesai, dan pendengarnya. sepertinya selalu menggenggam sesuatu dan sesuatu telah berakhir baginya; dan tidak memiliki firasat terhadap apa pun dan tidak sampai pada apa pun adalah hal yang tidak menyenangkan angka, dan angka paling mudah diingat. Oleh karena itu, setiap orang lebih mengingat puisi daripada prosa, karena puisi mempunyai angka yang dapat diukur” (Rhet. III 9, 1409 a 35 - 1409 b 8).

Mari kita bertanya di sini, di manakah formalisme estetika Aristoteles ketika menilai karya seni?

Aristoteles, sebagai seorang moralis, menentang semua ekstrem dan di mana pun ia mengajarkan jalan tengah, moderasi. Namun dalam kaitannya dengan benda seni, ia tidak mengenal jalan tengah dan moderasi.

“Moderasi harus diperhatikan dalam kesenangan yang lebih rendah dan bersifat jasmani, tetapi tidak dalam kesenangan dari warna-warna lukisan, dari mendengarkan musik dan dari aroma halus yang anggun.” “Kami tidak menyebut mereka yang menikmati penglihatan, misalnya warna, atau bentuk, atau gambar, sebagai orang yang moderat atau melampaui batas, meskipun mungkin bagi orang-orang seperti itu terdapat kesenangan yang normal, baik berlebihan maupun tidak mencukupi : tidak ada yang menyebut orang yang terlalu menikmati melodi dan pertunjukan teater sebagai orang yang melampaui batas, dan tidak ada yang menyebut orang yang menikmatinya dalam keadaan sedang, juga tidak menyebut pecinta wewangian yang menikmati keharuman buah-buahan, mawar, atau tumbuhan yang dapat diasap "(Ethic. Nic .III).

Sikap terhadap seni seperti itu tidak bisa disebut formalistik ketika kemungkinan pencelupan dalam warna dan bentuk, dalam lukisan, dalam musik dan bahkan dalam dupa diberitakan. Kita menemukan kenikmatan estetika yang tak terbatas dalam seni dalam risalah lain, dan bahkan dalam bahkan lebih detail (Etika Eud. III 2, 1230 b 31).

7. Bahaya modernisasi ajaran Aristoteles tentang seni.

Meninjau semua materi seni rupa Aristoteles sebelumnya dan mencoba menganalisisnya dari sudut pandang kekhususan artistik, sebenarnya kita menjumpai sejumlah kejutan yang biasanya luput dari penyajian estetika Aristoteles. Perbedaan antara wujud dinamis dan wujud murni dapat menimbulkan kebingungan bagi banyak orang. Bagaimanapun, ternyata tidak lebih dan tidak kurang dari wujud artistik yang tidak positif atau negatif, bahwa ia tidak mengatakan “ya” atau “tidak”, bahwa ia secara eksistensial netral dan pada akhirnya ia berakar pada wilayah subyektif. seniman kreatif. Sangat mudah untuk menjadi bingung dan menempatkan estetika Aristoteles pada bidang yang sama dengan bentuk pemikiran idealis nihilistik modern yang terungkap dengan jelas dalam epistemologi Mach dan Avenarius. Rupanya, penulis yang telah berbuat banyak untuk menerangi estetika Aristotelian dan mempertimbangkannya dalam konteks teori Eropa dan Amerika modern, V. Tatarkevich, condong ke posisi yang salah ini (159). Dia memperhatikan banyak hal dalam Aristoteles yang jauh melampaui pemahaman dan presentasi tradisional Aristoteles; dia mengutip banyak teks dari Aristoteles, yang juga memainkan peran penting di negara kita (tetapi hanya di negara kita teks-teks ini jauh lebih banyak). Tesis utama V. Tatarkevich bermuara pada fakta bahwa Aristoteles diduga mengajarkan tentang bidang seni eksistensial yang netral, yang menurutnya kepada penulis ini, dan sangat berbeda dari semua filsafat kuno (tidak termasuk Cicero) dan dalam hal apa filsafat tersebut dekat dengan modernitas kita. Kami juga memberikan doktrin yang dikembangkan di atas tentang sifat pikiran yang dinamis-energik dalam filsafat Aristoteles dan juga mengutip teks-teks tentang keunggulan subjektivitas atas keberadaan objektif dalam teori seni Aristoteles. Namun, seluruh sisi estetika Aristoteles ini tidak boleh mengaburkan segala sesuatu yang kita temukan di dalamnya.

Jika Aristoteles benar-benar mengkhotbahkan teori semacam ini, maka V. Tatarkevich benar sekali bahwa Aristoteles sama sekali bukan seorang ahli teori seni kuno, melainkan seorang ahli teori seni kontemporer. Namun kajian mendalam terhadap Aristoteles menunjukkan bahwa unsur “Machian” ini harus mampu dipadukan secara akurat dan tanpa syarat dengan ontologi umum kuno Aristoteles, dan kekhususannya sebuah karya seni harus dipadukan dengan ajaran umum kuno tentang seni, alam. dan menjadi. Pikiran yang diajarkan Aristoteles tidak hanya tidak bertentangan dengan konsep energi dinamis ini, tetapi, seperti yang telah kita buktikan berkali-kali, di sini Aristoteles memiliki kesatuan tanpa syarat dan tidak ada ontologinya yang mengalami hal ini sama sekali. Untuk benar-benar mengkarakterisasi keadaan, sekarang kita tidak akan membahas diskusi teoretis, yang telah kita bahas dalam banyak halaman, tetapi hanya akan menyentuh dua pertanyaan yang lebih sempit, yang paling mudah untuk mengamati kecenderungan umum Aristoteles yang kuno terhadap pemahaman pasif tentang keadaan. subjek manusia, meskipun demikian, menurut Aristoteles, pada subjek manusialah apa yang disebut seni berakar.

a) Jika kita bertanya pada diri sendiri pertanyaan tentang bagaimana seorang filsuf zaman kuno kelas satu, dan, terlebih lagi, seorang ensiklopedis yang luar biasa, merasakan seluruh elemen batin seni, maka kita akan kagum pada kelesuan dan kepasifan dari sikap-sikap yang bersangkutan. Dalam Aristoteles, di sini, seperti di tempat lain di zaman kuno, istilah enthoysiasmos, “antusiasme” muncul, yang, bagaimanapun, bukanlah antusiasme dalam pengertian kita, melainkan semacam kegembiraan yang menggebu-gebu, inspirasi afektif. Aristoteles mendefinisikannya: “Antusiasme adalah pengaruh tatanan etis dalam jiwa kita” (Polit. VIII 5, 1340 a 11-12), dan ethos, “ethos” di sini harus dipahami bukan dalam arti etika, tetapi dalam arti etika. sama seperti orang Perancis dan Inggris di zaman modern dan modern memahami istilah “moral”, yaitu dalam arti psikologis yang luas. Antusiasme ini, yang banyak dibicarakan oleh para filsuf sehubungan dengan musik, sebenarnya dia anggap sangat moderat dan bijaksana. Antusiasme dan ekstasi tentu saja bermanfaat. Tentang seorang penyair yang tidak penting, Maracus dari Syracuse, Aristoteles berkata (Masalah XXX 1, 954 a 38-39) bahwa dia “akan menjadi penyair yang lebih baik jika dia berada dalam keadaan ekstasi.” Namun Aristoteles menolak segala bentuk antusiasme yang ekstrim, karena menganggapnya sebagai penyakit. Kegembiraan seperti yang dialami Hercules, yang membunuh anak-anaknya, atau Ajax, yang membunuh domba alih-alih Atrides, bagi Aristoteles memiliki semua tanda-tanda penyakit. Dalam risalah yang sama (a 36-38) diberikan penjelasan fisiologis murni tentang keadaan gembira. Misalnya, Sibyl dan Bacids bertindak berdasarkan kecenderungan menyakitkan dari alam. Empedu hitam, pola makan yang tidak sehat, dan lain-lain menjadi alasan “antusiasme” ini. Aristoteles mengklasifikasikan banyak filsuf sebagai “melankolis”, termasuk Empedocles, Socrates dan Plato (953a 27-32). Alih-alih keadaan yang tidak wajar ini, Aristoteles memberikan nasihat yang sangat masuk akal kepada para penulis, seperti yang kita temukan, misalnya, dalam Poetics bab ke-17:

“Dalam menyusun mitos dan mengolah bahasanya, peristiwa-peristiwa perlu dihadirkan sedekat mungkin di depan mata. Dalam kondisi ini, penyair, yang melihatnya secara utuh dan seolah-olah hadir dalam perkembangannya, dapat menemukan yang tepat satu dan perhatikan kontradiksinya” (1455 a 22-26).

Ini adalah nasihat yang sangat tenang dan masuk akal, menempatkan pertanyaan tentang inspirasi pada dasar yang sangat realistis dan psikologis.

b) Pertanyaan tentang fantasi juga realistis. Kita juga menemukan ciri-ciri kepasifan dalam pengertian ini dalam diri Plato. Hal ini terutama berlaku bagi Aristoteles, yang mencoba memberikan analisis psikologis yang bijaksana di sini. Di bawah pengaruh ekstasi, orang sering salah mengira gambaran imajinasi mereka sendiri sebagai kenyataan: “Mereka mengatakan bahwa gambaran imajinasi (phantasmata) benar-benar ada dan mereka mengingatnya” (De memori. 1, 450 b 10-11) . Secara umum, fantasi jauh lebih lemah dibandingkan sensasi sensorik nyata. Di Ret. I 11, 1370 a 28-29 Aristoteles secara langsung menyatakan: “Imajinasi (fantasia) adalah sejenis sensasi yang lemah.” Namun, kepasifan ini tidak boleh mengaburkan sisi lain yang sangat penting.

c) Faktanya adalah bahwa Aristoteles, yang keberatan dengan Plato mengenai persoalan gagasan, sebagaimana telah kita ketahui, sebenarnya sama sekali tidak mengingkari keberadaan gagasan, tetapi hanya menempatkan gagasan-gagasan itu imanen dalam benda-benda, dalam kenyataan. Sebaliknya, imanentisme ini tidak dapat dipahami secara kasar. Hal ini hanya mengarah pada fakta bahwa gagasan, yang digabungkan dengan benda, menerima pola semantik yang lebih kompleks, menjadi bentuk ekspresif, tanpa berhenti menjadi makna murni. Inilah solusi terhadap “apa” atau “bentuk” Aristoteles, “eidos”. Kita melihat simbolisme yang sama dalam Aristoteles dan psikologinya. Ia menganggap jiwa sebagai bentuk murni dari tubuh, namun ia ada “bukan tanpa tubuh” (Ul. II 2, 414 a 5-22), oleh karena itu, merupakan ekspresi semantik dari tubuh (415 b 7 -27). Persepsi sensorik memiliki eidos murni, tetapi bukan tanpa materi (417 b 28 - 418 a 6). Pengajaran yang sama, pada akhirnya, juga berlaku pada pemikiran. Menurut Aristoteles, berpikir berada dalam kondisi yang sama dengan persepsi indrawi, yaitu keadaan pasif di bawah pengaruh yang dipikirkan (III 4, 429 a 13-15). Tetapi pikiran itu sendiri justru sedemikian rupa sehingga tidak menimbulkan kasih sayang, dan oleh karena itu pikiran itu sendiri, sebenarnya, tetap berada di luar penderitaan. Ini mengandung eidos, dan merupakan potensi dari segala sesuatu yang bisa dibayangkan. Sebagai pemikir segala sesuatu, ia tidak mengandung campuran apa pun. Dia hanyalah potensi dari pemikiran yang utuh. Dan itu sama sekali tidak ada hubungannya dengan tubuh, karena jika tidak maka akan menjadi hangat atau dingin dan akan memiliki semacam organ. Ini adalah tempat eidos, dan di atas segalanya yang potensial. Pemikiran yang berkembang sudah menciptakan entelechy of thought; di sini - eidos entelechial (429 a 15 - b 10). Namun pikiran tidak hanya murni dan aktif. Dia juga menderita karena dia tidak selalu berpikir. Karena pikiran ada di dalam dirinya sendiri, memikirkan dirinya sendiri, tidak bergantung pada apa pun yang indrawi, ia adalah pemikiran tentang suatu pemikiran, dan, oleh karena itu, menemukan ekspresinya dalam kesadaran diri (dalam hal ini, pemikiran dan pemikiran itu identik, 430 a 3 -5). Karena dia berpikir secara berbeda, seolah-olah dipengaruhi oleh orang lain ini, dia menemukan ekspresinya dalam pemikiran figuratif, atau, lebih baik, dalam pemikiran intuitif yang dilakukan melalui perwakilan mental khusus dari pemikiran.

Di sini Aristoteles mengulangi antinomi yang tidak disengaja yang sama, yang dapat kita nyatakan dalam masalah lain: jiwa bukanlah suatu tubuh, tetapi bukan tanpa tubuh; sensasi bukanlah gerakan, tapi bukan tanpa gerakan. Sehubungan dengan pikiran, Aristoteles secara langsung mengatakan: “Jiwa tidak pernah berpikir tanpa gambaran” (aney phantasmatos) (III 7, 431 a 16-17), dan gambaran memperkenalkan ke dalam pikiran yang sangat “berubah”, atau, menurut pikiran kita. interpretasi, “ekspresi ", apa kontribusi lingkungan cahaya yang sesuai terhadap warna secara umum.

“Prinsip berpikir memikirkan eidos dalam gambar” (413 b 2).

“Karena, harus diakui, tidak ada satu hal pun yang ada secara terpisah dari kuantitas-kuantitas yang dirasakan secara inderawi, maka yang dapat dibayangkan diberikan dalam eidos-eidos yang berwujud, baik yang disebut objek-objek abstrak maupun yang berhubungan dengan keadaan dan kasih sayang dari objek-objek yang diindera. .Oleh karena itu, orang yang tidak mempersepsikan apa pun secara indrawi tidak dapat mengenali atau memahami apa pun, dan ketika ia merenung secara mental, ia harus secara bersamaan merenungkan gambaran imajinasi tertentu (fantasma), karena gambaran ini ada seperti gambaran persepsi (hosper aithemata) , kecuali dalam hal [yang terakhir]. Sama seperti imajinasi berbeda dari afirmasi dan negasi, maka kebenaran atau kepalsuan adalah satu atau beberapa kombinasi pemikiran. Tetapi bagaimana pemikiran primer berbeda dari gambaran indrawi? ] gambar-gambar lain, tetapi memang demikian. - bukan tanpa gambar" (III 8, 432 a 3-14).

Pikiran itu “murni” (III 5, 430 a 18, dst.), “eidos of eidos” (III 8, 432 a 1), bukan sesuatu yang bergerak (III 9, 432 b 26-27) dan bahkan bukan jiwa sama sekali (II 2, 414 a 4-14), dan sebaliknya, secara energi tidak mungkin tanpa sensualitas. Berikut ini adalah pengulangan lengkap dari permasalahan yang kami nyatakan pandangan umum dalam Metafisika: eidos bukanlah fakta, tetapi eidos mempunyai makna nyata hanya dalam hal-hal yang menjadi ekspresi akhirnya. Dan sama seperti di sana energi adalah ekspresi semantik yang secara simbolis diberikan dalam benda-benda, demikian pula di sini pemikiran secara simbolis diberikan dalam gambaran-gambaran indrawi, ekspresi semantik yang sama.

d) Tidak sulit untuk memperhatikan betapa halusnya kesan pasif yang ada pada semua estetika deskriptif simbolik Aristoteles ini. Fantasi baginya adalah hubungan yang sangat seimbang dan tenang antara pikiran murni dan gambaran sensual, yang mengubah pemikiran murni menjadi figuratif dan ekspresif bergambar, dan mengubah gambaran sensual dari buta dan tuli menjadi simbolis dan artistik yang transparan. Hubungan ini, tentu saja, bersifat mendasar: setiap estetika mendalilkannya pada halaman pertama kajiannya tentang psikologi seni. Socrates menuntut hal yang sama, seperti yang kita ketahui, dari para seniman; Plato secara sadar menggunakan "sensibilitas" dalam membangun "kemungkinan mitos" dalam Timaeus; Plotinus juga akan mengingat Pikirannya yang murni melalui tanda-tanda tubuh, dll. dll. Namun semua estetika kuno memahami hubungan mendasar ini dengan cara yang pasif, kontemplatif, dan “klasik” secara internal; Aristoteles, berbeda dengan konstruksi dialektis Platonisme di bidang kesadaran diri (bentuk dewasanya ada di Plot. V 3) dan berbeda dengan naturalisme Stoic-Epicurean ("aliran keluar", "atom jiwa", dll. ), memberikan deskripsi fantasi yang ekspresif dan semantik , memberikan fenomenologi ekspresif dari kesadaran pasif-plastik antik umum sang seniman.

Seni (Latin eksperimenum - pengalaman, tes) - pemahaman imajinatif tentang realitas; proses atau hasil pengungkapan dunia internal atau eksternal (dalam hubungannya dengan pencipta) dalam suatu gambar artistik; kreativitas diarahkan sedemikian rupa sehingga mencerminkan kepentingan tidak hanya penulisnya sendiri, tetapi juga orang lain. Seni (bersama dengan sains) adalah salah satu cara kognisi, baik dalam ilmu alam maupun dalam gambaran keagamaan tentang persepsi dunia. Konsep seni sangatlah luas - dapat memanifestasikan dirinya sebagai keterampilan yang sangat berkembang dalam bidang tertentu. Untuk waktu yang lama pemandangan dianggap seni kegiatan budaya, memuaskan kecintaan seseorang terhadap kecantikan. Seiring dengan perkembangan norma dan penilaian estetika sosial, setiap kegiatan yang bertujuan untuk menciptakan bentuk-bentuk ekspresi estetis berhak disebut seni. Dalam skala seluruh masyarakat, seni adalah cara khusus untuk mengetahui dan mencerminkan realitas, salah satu bentuk aktivitas seni kesadaran masyarakat dan bagian dari budaya spiritual baik individu maupun seluruh umat manusia, hasil yang beragam. aktivitas kreatif dari semua generasi. Dalam ilmu pengetahuan, seni disebut dengan aktivitas kreatif itu sendiri. aktivitas seni, dan hasilnya adalah sebuah karya seni. Paling banyak dalam arti umum seni adalah keahlian (Slovakia: Umenie), yang produknya memberikan kenikmatan estetis. Encyclopedia Britannica mendefinisikannya sebagai: “Penggunaan keterampilan atau imajinasi untuk menciptakan objek, latar, atau aktivitas estetis yang dapat dibagikan kepada orang lain.” Dengan demikian, kriteria seni adalah kemampuan membangkitkan respon pada orang lain. TSB mengartikan seni sebagai salah satu bentuk kesadaran sosial, komponen terpenting kebudayaan manusia. Definisi dan evaluasi seni sebagai sebuah fenomena masih menjadi bahan perdebatan. Di era romantisme, pemahaman tradisional tentang seni sebagai keterampilan apa pun digantikan oleh visi sebagai “keunikan”. pikiran manusia serta agama dan ilmu pengetahuan.” Pada abad ke-20 Dalam pemahaman estetika, muncul tiga pendekatan utama: realistis, yang menurutnya kualitas estetika suatu objek melekat di dalamnya secara permanen dan tidak bergantung pada pengamat, objektivis, yang juga mempertimbangkan sifat estetika suatu objek secara imanen, tetapi sampai batas tertentu bergantung pada pengamatnya, dan relativistik, yang menurutnya estetika sifat-sifat suatu benda hanya bergantung pada apa yang dilihat pengamat di dalamnya, dan orang yang berbeda mungkin merasakan kualitas estetika yang berbeda dari objek yang sama. Dalam pandangan terakhir, suatu objek dapat dikarakterisasi menurut niat penciptanya (atau tidak adanya niat apa pun), apa pun fungsinya. Misalnya, sebuah cangkir yang dalam kehidupan sehari-hari dapat digunakan sebagai wadah, dapat dianggap suatu karya seni jika dibuat hanya untuk hiasan, dan gambar tersebut dapat menjadi kerajinan tangan jika dibuat di atas. jalur perakitan.

Dalam pengertian pertama dan terluasnya, istilah "seni" tetap dekat dengan padanan bahasa Latinnya (ars), yang juga dapat diterjemahkan sebagai "keterampilan" atau "kerajinan", serta akar kata Indo-Eropa "menyusun" atau " untuk menulis" Dalam pengertian ini, seni dapat disebut segala sesuatu yang diciptakan dalam proses penyusunan komposisi tertentu dengan sengaja. Ada beberapa contoh yang menggambarkan arti luas dari istilah ini: “buatan”, “seni perang”, “artileri”, “artefak”. Banyak kata lain yang umum digunakan memiliki etimologi serupa. Seniman Ma Lin, contoh lukisan zaman Song, sekitar tahun 1250 24,8 H 25,2 cm seni pengetahuan jaman dahulu

Hingga abad ke-19, seni rupa mengacu pada kemampuan seorang seniman atau pemain untuk mengekspresikan bakatnya, membangkitkan perasaan estetis penontonnya, dan terlibat dalam kontemplasi terhadap hal-hal yang “baik”.

Istilah seni dapat digunakan dalam berbagai arti: proses penggunaan bakat, karya seorang master yang berbakat, konsumsi karya seni oleh penonton, dan studi seni (kritik seni). " Seni rupa“adalah sekumpulan disiplin ilmu (seni) yang menghasilkan karya seni (objek) yang diciptakan oleh master berbakat (seni sebagai aktivitas) dan membangkitkan respon, suasana hati, menyampaikan simbolisme dan informasi lainnya kepada publik (seni sebagai konsumsi). Karya seni adalah interpretasi yang disengaja dan berbakat atas variasi konsep dan ide yang tidak terbatas dengan tujuan mengkomunikasikannya kepada orang lain. Mereka mungkin dibuat khusus untuk tujuan tertentu atau diwakili oleh gambar dan objek. Seni merangsang pikiran, perasaan, gagasan dan gagasan melalui sensasi. Ia mengekspresikan ide-ide, mengambil berbagai bentuk, dan melayani berbagai tujuan. Seni adalah keterampilan yang dapat menimbulkan kekaguman. Seni yang membangkitkan harmoninya emosi positif dan kepuasan mental juga dapat menimbulkan respon kreatif dari yang mempersepsikannya, inspirasi, insentif dan keinginan untuk berkreasi secara positif. Inilah yang dikatakan seniman Valery Rybakov, anggota Persatuan Seniman Profesional, tentang seni: “Seni dapat menghancurkan dan menyembuhkan jiwa manusia, korup dan mendidik. Dan hanya seni cemerlang yang bisa menyelamatkan umat manusia: ia menyembuhkan luka spiritual, memberikan harapan untuk masa depan, membawa cinta dan kebahagiaan bagi dunia."

Konsep seni

Kata " seni" baik dalam bahasa Rusia dan banyak bahasa lainnya digunakan dalam dua pengertian:

V sempit dalam arti tertentu, ini adalah bentuk khusus dari eksplorasi dunia praktis-spiritual;
V lebar- tingkat keterampilan, keterampilan tertinggi, terlepas dari bagaimana hal itu diwujudkan (seni pembuat kompor, dokter, pembuat roti, dll.).

- subsistem khusus dari bidang spiritual kehidupan masyarakat, yang merupakan reproduksi kreatif dari realitas di dalamnya gambar artistik.

Awalnya, seni disebut penguasaan tingkat tinggi dalam segala hal. Arti kata ini masih ada dalam bahasa ketika kita berbicara tentang seni seorang dokter atau guru seni bela diri atau pidato. Belakangan, konsep “seni” mulai semakin banyak digunakan untuk menggambarkan aktivitas khusus yang bertujuan untuk merefleksikan dan mengubah dunia sesuai dengan standar estetika, yaitu. menurut hukum kecantikan. Pada saat yang sama, makna asli dari kata tersebut tetap dipertahankan, karena diperlukan keterampilan tertinggi untuk menciptakan sesuatu yang indah.

Subjek seni adalah dunia dan manusia dalam totalitas hubungannya satu sama lain.

Bentuk keberadaan seni - sebuah karya seni (puisi, lukisan, drama, film, dll.).

Seni juga menggunakan yang khusus dana untuk reproduksi realitas nyata: untuk sastra itu adalah sebuah kata, untuk musik - suara, untuk seni rupa - warna, untuk patung - volume.

Target seni itu ganda: bagi penciptanya adalah ekspresi diri artistik, bagi yang melihatnya adalah kenikmatan keindahan. Secara umum, keindahan berkaitan erat dengan seni, seperti halnya kebenaran dengan sains, dan kebaikan dengan moralitas.

Seni itu penting komponen budaya spiritual umat manusia, suatu bentuk pengetahuan dan refleksi mengelilingi seseorang realitas. Dari segi potensi pemahaman dan transformasi realitas, seni tidak kalah dengan sains. Namun, cara memahami dunia melalui sains dan seni berbeda: jika sains menggunakan konsep yang ketat dan tidak ambigu untuk ini, maka seni akan menggunakan konsep tersebut.

Seni, sebagai cabang produksi spiritual yang independen, tumbuh dari produksi material dan pada awalnya dijalin ke dalamnya sebagai momen estetika, namun murni utilitarian. Dia pada dasarnya adalah seorang seniman, dan dia berusaha menghadirkan keindahan ke mana pun dengan satu atau lain cara. Aktivitas estetika manusia senantiasa diwujudkan dalam kehidupan sehari-hari, kehidupan publik, dan tidak hanya dalam seni. Kejadian eksplorasi estetika dunia orang yang sosial.

Fungsi seni

Seni menampilkan serangkaian fungsi publik.

Fungsi seni dapat dibedakan dengan merangkum apa yang telah dikatakan:

fungsi estetika memungkinkan Anda mereproduksi realitas sesuai dengan hukum keindahan, membentuk cita rasa estetika;
fungsi sosial diwujudkan dalam kenyataan bahwa seni mempunyai dampak ideologis terhadap masyarakat, sehingga mengubah realitas sosial;
fungsi kompensasi memungkinkan Anda memulihkan ketenangan pikiran, menyelesaikan masalah psikologis, “melarikan diri” sejenak dari kehidupan sehari-hari yang menjemukan, dan mengimbangi kurangnya keindahan dan harmoni dalam kehidupan sehari-hari;
fungsi hedonis mencerminkan kemampuan seni untuk mendatangkan kesenangan bagi seseorang;
fungsi kognitif memungkinkan Anda memahami kenyataan dan menganalisisnya dengan bantuan gambar artistik;
fungsi prognosis mencerminkan kemampuan seni untuk membuat ramalan dan memprediksi masa depan;
fungsi pendidikan diwujudkan dalam kemampuan karya seni dalam membentuk kepribadian seseorang.

Fungsi kognitif

Pertama-tama ini mendidik fungsi. Karya seni adalah sumber informasi berharga tentang proses sosial yang kompleks.

Tentu saja, tidak semua hal di dunia sekitar kita tertarik pada seni, dan jika demikian, maka pada tingkat yang berbeda-beda, dan pendekatan seni terhadap objek pengetahuannya, perspektif visinya sangat spesifik dibandingkan dengan yang lain. bentuk kesadaran sosial. Objek utama pengetahuan dalam seni selalu dan tetap ada. Inilah sebabnya mengapa seni pada umumnya dan pada khususnya fiksi disebut studi manusia.

Fungsi pendidikan

Pendidikan fungsi - kemampuan untuk memberikan pengaruh penting pada perkembangan ideologi dan moral seseorang, melalui perbaikan atau penurunan diri.

Namun, fungsi kognitif dan pendidikan tidak spesifik untuk seni: bentuk kesadaran sosial lain juga menjalankan fungsi ini.

Fungsi estetika

Fungsi khusus seni, yang menjadikannya seni dalam arti sebenarnya, adalah seni estetis fungsi.

Mempersepsi dan memahami sebuah karya seni, kita tidak hanya mengasimilasi isinya (seperti isi fisika, biologi, matematika), tetapi kita menyampaikan konten ini melalui hati, emosi, dan memberikan gambaran sensual tertentu yang diciptakan oleh seniman sebagai penilaian estetika sebagai cantik atau jelek, luhur atau hina, tragis atau lucu. Seni membentuk dalam diri kita kemampuan memberikan penilaian estetis, membedakan yang benar-benar indah dan luhur dari segala jenis yang semu.

Fungsi hedonis

Kognitif, pendidikan dan estetika melebur menjadi satu dalam seni. Berkat momen estetis, kita menikmati isi sebuah karya seni dan dalam proses kenikmatan itulah kita tercerahkan dan terdidik. Dalam hal ini, mereka membicarakan hal ini hedonis(diterjemahkan dari bahasa Yunani - kesenangan) fungsi seni.

Berabad-abad dalam sosio-filosofis dan sastra estetika Perdebatan terus berlanjut mengenai hubungan antara keindahan dalam seni dan kenyataan. Dalam hal ini, dua posisi utama terungkap. Menurut salah satu dari mereka (di Rusia didukung oleh N.G. Chernyshevsky), keindahan dalam hidup selalu dan dalam segala hal lebih tinggi daripada keindahan dalam seni. Dalam hal ini, karya seni muncul sebagai salinan dari karakter khas dan objek realitas itu sendiri serta pengganti realitas. Jelas, konsep alternatif lebih disukai (G.V.F. Hegel, A.I. Herzen, dll.): keindahan dalam seni lebih tinggi daripada keindahan dalam hidup, karena seniman melihat lebih akurat dan lebih dalam, merasa lebih kuat dan cerah, dan itulah mengapa dia bisa menginspirasi dengan seninya orang lain. Jika tidak (sebagai pengganti atau bahkan duplikat), seni tidak akan dibutuhkan masyarakat.

Karya seni, sebagai perwujudan objektif kejeniusan manusia, menjadi spiritual dan nilai-nilai terpenting yang diwariskan dari generasi ke generasi, milik masyarakat estetika. Penguasaan budaya, pendidikan estetika mustahil tanpa pengenalan dengan seni. Karya seni abad yang lalu menangkap dunia spiritual ribuan generasi, tanpa menguasainya seseorang tidak dapat menjadi pribadi dalam arti sebenarnya. Setiap orang adalah semacam jembatan antara masa lalu dan masa depan. Ia harus menguasai apa yang ditinggalkan generasi sebelumnya, secara kreatif memahami pengalaman spiritualnya, memahami pikiran, perasaan, suka dan duka, suka dan duka, dan mewariskan semua itu kepada keturunannya. Ini adalah satu-satunya cara sejarah bergerak, dan dalam gerakan ini terdapat pasukan besar seni, yang mengekspresikan kompleksitas dan kekayaan dunia rohani orang.

Jenis seni

Bentuk utama seni adalah sesuatu yang istimewa sinkretis(tidak terdiferensiasi) kompleks aktivitas kreatif. Untuk manusia primitif tidak ada musik, atau sastra, atau teater yang terpisah. Semuanya digabung menjadi satu tindakan ritual. Belakangan, jenis seni tersendiri mulai bermunculan dari aksi sinkretis ini.

Jenis seni- ini adalah bentuk refleksi artistik dunia yang terbentuk secara historis, menggunakan cara khusus untuk membangun gambar - suara, warna, gerakan tubuh, kata-kata, dll. Setiap jenis seni memiliki ragam tersendiri - genera dan genre, yang bersama-sama memberikan keragaman sikap artistik terhadap kenyataan. Mari kita pertimbangkan secara singkat jenis seni utama dan beberapa ragamnya.

Literatur menggunakan cara verbal dan tertulis untuk membangun gambar. Ada tiga jenis utama sastra - drama, puisi epik dan lirik, dan berbagai genre - tragedi, komedi, novel, cerita, puisi, elegi, cerita pendek, esai, feuilleton, dll.

Musik kegunaan alat bantu suara. Musik dibagi menjadi vokal (dimaksudkan untuk bernyanyi) dan instrumental. Genre musik - opera, simfoni, pembukaan, suite, roman, sonata, dll.

Menari menggunakan gerakan plastik untuk membangun gambar. Ada ritual, folk, ballroom,

tari modern, balet. Arah dan gaya tarian - waltz, tango, foxtrot, samba, polonaise, dll.

Lukisan menampilkan realitas di pesawat menggunakan warna. Genre lukisan - potret, benda mati, lanskap, serta genre sehari-hari, kebinatangan (penggambaran binatang), sejarah.

Arsitektur membentuk lingkungan ruang berupa struktur dan bangunan bagi kehidupan manusia. Ini dibagi menjadi perumahan, publik, berkebun, industri, dll. Juga dibedakan gaya arsitektur- Gotik, Barok, Rococo, Art Nouveau, Klasisisme, dll.

Patung menciptakan karya seni mempunyai volume dan bentuk tiga dimensi. Patung itu bisa berbentuk bulat (payudara, patung) dan relief (gambar cembung). Berdasarkan ukurannya, itu dibagi menjadi kuda-kuda, dekoratif dan monumental.

Seni dan kerajinan berhubungan dengan kebutuhan yang diterapkan. Ini termasuk benda-benda artistik yang dapat digunakan dalam kehidupan sehari-hari - piring, kain, perkakas, furnitur, pakaian, perhiasan, dll.

Teater menyelenggarakan pertunjukan panggung khusus melalui penampilan para aktor. Teater bisa berupa drama, opera, boneka, dll.

Sirkus menyuguhkan pertunjukan spektakuler dan menghibur dengan angka-angka yang tidak biasa, berisiko dan lucu di arena khusus. Diantaranya adalah akrobatik, keseimbangan, senam, menunggang kuda, juggling, trik sulap, pantomim, badut, pelatihan binatang, dan lain-lain.

Film adalah pengembangan pertunjukan teater berdasarkan sarana audiovisual teknis modern. Jenis bioskop meliputi film layar lebar, dokumenter, dan animasi. Genrenya meliputi komedi, drama, melodrama, film petualangan, cerita detektif, thriller, dll.

Foto menangkap gambar visual dokumenter menggunakan sarana teknis - optik, kimia atau digital. Genre fotografi sesuai dengan genre lukisan.

Panggung mencakup bentuk-bentuk kecil seni pertunjukan - drama, musik, koreografi, ilusi, pertunjukan sirkus, pertunjukan orisinal, dll.

KE spesies yang terdaftar seni, Anda dapat menambahkan grafik, seni radio, dll.

Untuk menunjukkan fitur-fitur umum berbagai jenis seni dan perbedaannya, berbagai alasan untuk klasifikasinya telah diajukan. Jadi, jenis-jenis seni dibedakan:

berdasarkan jumlah sarana yang digunakan - sederhana (lukisan, patung, puisi, musik) dan kompleks atau sintetik (balet, teater, bioskop);
dalam kaitannya dengan hubungan antara karya seni dan realitas - bergambar, menggambarkan realitas, menyalinnya (lukisan realistis, patung, fotografi), dan ekspresif, di mana fantasi dan imajinasi seniman menciptakan realitas baru (ornamen, musik);
dalam kaitannya dengan ruang dan waktu - spasial ( seni rupa, patung, arsitektur), temporal (sastra, musik) dan ruang-waktu (teater, bioskop);
berdasarkan waktu asal - tradisional (puisi, tari, musik) dan baru (fotografi, bioskop, televisi, video), biasanya menggunakan sarana teknis yang cukup rumit untuk membangun sebuah gambar;
menurut tingkat penerapannya dalam kehidupan sehari-hari - terapan (seni dekoratif dan terapan) dan halus (musik, tari).

Setiap jenis, genus atau genre menampilkan sisi atau segi khusus kehidupan manusia, namun jika digabungkan, komponen-komponen seni ini memberikan gambaran yang komprehensif lukisan artistik perdamaian.

Perlu untuk kreativitas seni atau kenikmatan terhadap karya seni meningkat seiring dengan tumbuhnya tingkat budaya seseorang. Seni menjadi semakin penting ketika seseorang semakin jauh dari kondisi binatang.

Pendahuluan 3

1.Konsep seni 4

2. Jenis seni 5

3. Ciri-ciri kualitatif seni 6

4. Prinsip klasifikasi seni 12

5. Interaksi seni 16

Kesimpulan 17

Referensi 18

Perkenalan

Seni adalah salah satu bentuk kesadaran sosial, bagian integral dari budaya spiritual umat manusia, suatu jenis eksplorasi praktis-spiritual dunia. Dalam hal ini, seni mencakup sekelompok jenis aktivitas manusia - lukisan, musik, teater, fiksi, dll., yang disatukan karena bersifat spesifik - bentuk artistik dan figuratif yang mereproduksi realitas.

Aktivitas seni dan kreatif manusia terungkap dalam berbagai bentuk, yang disebut jenis seni, jenis dan genrenya. Setiap jenis seni secara langsung dicirikan oleh cara keberadaan material karyanya dan jenis tanda figuratif yang digunakan. Dengan demikian, seni, secara keseluruhan, adalah sistem yang terbentuk secara historis dari berbagai metode spesifik eksplorasi artistik dunia, yang masing-masing memiliki ciri-ciri yang umum bagi semua orang dan unik secara individual.

Tujuan dari tes ini adalah untuk mempelajari semua masalah yang berkaitan dengan seni.

Untuk mencapai tujuan ini, perlu untuk menyelesaikan tugas-tugas berikut:

mengungkapkan konsep seni

pertimbangkan konsep bentuk seni

mengenal ciri-ciri bentuk seni

mempelajari prinsip-prinsip klasifikasi bentuk seni

pertimbangkan interaksi seni

Konsep seni

Seni adalah salah satu bidang kebudayaan yang paling penting, dan tidak seperti bidang kegiatan lainnya (pekerjaan, profesi, jabatan, dll.), seni bersifat penting secara universal, tanpanya mustahil membayangkan kehidupan masyarakat. Awal mula aktivitas seni tercatat pada masyarakat primitif, jauh sebelum munculnya ilmu pengetahuan dan filsafat. Dan, meskipun seni kuno, perannya yang tak tergantikan dalam kehidupan manusia, sejarah panjang estetika, masalah esensi dan kekhususan seni sebagian besar masih belum terselesaikan. Apa rahasia seni dan mengapa sulit memberikan definisi ilmiah yang ketat tentangnya? Intinya, pertama-tama, seni tidak bisa menerima formalisasi logis; upaya untuk mengidentifikasi esensi abstraknya selalu berakhir dengan perkiraan atau kegagalan. 1

Ada tiga arti yang berbeda kata ini, berkaitan erat satu sama lain, tetapi berbeda dalam ruang lingkup dan isinya.

Dalam arti luas, konsep “seni” ( dan ini , tampaknya penggunaannya yang paling kuno) berarti keterampilan apa pun , suatu kegiatan yang dilakukan secara terampil dan teknis, yang hasilnya bersifat artifisial dibandingkan dengan yang alami. Arti inilah yang berasal dari kata Yunani kuno "techne" - seni, keterampilan.

Arti kedua yang lebih sempit dari kata “seni” adalah kreativitas menurut hukum keindahan . Kreativitas tersebut mengacu pada berbagai aktivitas: penciptaan hal-hal yang berguna, mesin, ini juga harus mencakup desain dan pengorganisasian kehidupan publik dan pribadi, budaya perilaku sehari-hari, komunikasi antar manusia, dll. Saat ini, kreativitas berfungsi dengan sukses menurut dengan hukum keindahan di berbagai bidang desain.

Jenis kegiatan sosial yang khusus adalah kreativitas seni itu sendiri. , yang produknya merupakan nilai estetika spiritual khusus - inilah arti ketiga dan tersempit dari kata “seni”. Hal ini akan menjadi bahan pertimbangan lebih lanjut.

Dari Masterweb

11.06.2018 20:00

Dalam pengertiannya yang paling sederhana, seni adalah kemampuan seseorang untuk mewujudkan sesuatu yang indah menjadi kenyataan dan memperoleh kenikmatan estetis dari benda-benda tersebut. Bisa juga menjadi salah satu cara memperoleh pengetahuan, yang disebut keterampilan, namun satu hal yang pasti: tanpa seni, dunia kita akan hambar, membosankan, dan sama sekali tidak mengasyikkan.

Perhentian terminologis

Dalam arti luas, seni adalah suatu jenis keterampilan yang produknya mendatangkan kenikmatan estetis. Menurut Encyclopaedia Britannica, kriteria utama seni adalah kemampuannya membangkitkan respons orang lain. Pada gilirannya, Besar Ensiklopedia Soviet mengatakan bahwa seni merupakan salah satu wujud kesadaran sosial yang merupakan komponen utama kebudayaan manusia.

Tidak peduli apa kata orang, perdebatan seputar istilah “seni” telah berlangsung lama. Misalnya, di era romantisme, seni dianggap sebagai ciri pikiran manusia. Artinya, mereka memahami istilah ini sama seperti agama dan sains.

Kerajinan khusus

Dalam pengertian pertama dan paling luas, konsep seni diartikan sebagai “kerajinan” atau “komposisi” (alias kreasi). Sederhananya, seni dapat disebut segala sesuatu yang diciptakan manusia dalam proses menciptakan dan memahami suatu komposisi tertentu.

Hingga abad ke-19, seni adalah kemampuan seorang seniman atau penyanyi untuk mengekspresikan bakatnya, memikat penonton, dan membuat mereka merasa.

Konsep “seni” dapat digunakan dalam berbagai bidang aktivitas manusia:

proses mengekspresikan bakat vokal, koreografi atau akting;
karya, benda fisik yang diciptakan oleh ahli keahliannya;
proses konsumsi karya seni oleh penontonnya.

Ringkasnya, kita dapat mengatakan hal berikut: seni adalah subsistem unik dari bidang kehidupan spiritual, yang merupakan reproduksi kreatif realitas dalam gambar artistik. Ini adalah keterampilan unik yang dapat menimbulkan kekaguman di kalangan masyarakat.

Sedikit sejarah

Dalam budaya dunia, orang mulai berbicara tentang seni sejak zaman kuno. Seni primitif(yaitu kreativitas visual, juga dikenal sebagai seni cadas) muncul bersama manusia di era Paleolitik Tengah. Objek pertama yang dapat diidentifikasi dengan seni muncul pada Paleolitik Muda. Karya seni tertua, misalnya kalung kerang, berasal dari 75 ribu tahun SM.

Di Zaman Batu, seni disebut ritual primitif, musik, tarian, dan perhiasan. Secara umum seni modern bersumber dari ritual, tradisi, permainan kuno, yang ditentukan oleh gagasan dan kepercayaan mitologis dan magis.

Dari manusia primitif

Dalam dunia seni rupa, sudah menjadi kebiasaan untuk membedakan beberapa era perkembangannya. Masing-masing dari mereka mengadopsi sesuatu dari nenek moyangnya, menambahkan sesuatu miliknya sendiri dan mewariskannya kepada keturunannya. Dari abad ke abad seni memperoleh bentuk yang semakin kompleks.

Seni masyarakat primitif terdiri dari musik, lagu, ritual, tarian dan gambar yang diaplikasikan pada kulit binatang, tanah dan benda alam lainnya. Di dunia kuno, seni mengambil bentuk yang lebih kompleks. Ini berkembang di peradaban Mesir, Mesopotamia, Persia, India, Cina dan lainnya. Masing-masing pusat ini mempunyai pusatnya sendiri gaya yang unik seni yang telah bertahan lebih dari satu milenium dan bahkan hingga saat ini mempengaruhi budaya. Ngomong-ngomong, seniman Yunani kuno dianggap yang terbaik (bahkan lebih baik dari seniman modern) dalam menggambarkan tubuh manusia. Hanya mereka yang berhasil, dengan cara yang luar biasa, menggambarkan otot, postur, dan pemilihan secara menyeluruh proporsi yang benar dan menyampaikan keindahan alam yang alami.

Abad Pertengahan

Pada Abad Pertengahan, agama mempunyai pengaruh yang signifikan terhadap perkembangan seni. Hal ini terutama berlaku di Eropa. Seni Gotik dan Bizantium didasarkan pada kebenaran spiritual dan cerita-cerita alkitabiah. Saat ini, di Timur dan di negara-negara Islam, diyakini bahwa menggambar seseorang tidak lebih dari penciptaan berhala, yang dilarang. Oleh karena itu, dalam seni rupa ada arsitektur dan ornamen, tetapi tidak ada orangnya. Kaligrafi dan pembuatan perhiasan berkembang. Di India dan Tibet, bentuk seni utama adalah tarian keagamaan, diikuti oleh patung.

Berbagai macam varietas tumbuh subur di Tiongkok jenis yang berbeda seni, mereka tidak dipengaruhi atau ditekan oleh agama apa pun. Setiap era memiliki masternya sendiri, masing-masing memiliki gayanya sendiri, yang mereka sempurnakan. Oleh karena itu, setiap karya seni menyandang nama zaman penciptaannya. Misalnya vas dari zaman Ming atau lukisan dari zaman Tang. Situasi di Jepang sama dengan di Tiongkok. Perkembangan budaya dan seni di negara-negara tersebut cukup orisinal.

Renaisans

Selama Renaisans, seni kembali lagi aset material dan humanisme. Tokoh manusia mereka memperoleh fisik yang hilang, perspektif muncul dalam ruang, dan seniman berusaha untuk mencerminkan kepastian fisik dan rasional.

Di era Romantisisme, emosi muncul dalam seni. Para master mencoba menunjukkan individualitas manusia dan kedalaman pengalaman. Berbagai gaya seni mulai bermunculan, seperti akademisme, simbolisme, fauvisme, dll. Benar, hidup mereka hanya berumur pendek, dan tren sebelumnya, yang dipicu oleh kengerian perang yang mereka alami, bisa dikatakan telah terlahir kembali dari abu.

Dalam perjalanan menuju modernitas

Pada abad ke-20, para master mencari kemungkinan artistik baru dan standar kecantikan. Karena globalisasi yang semakin meningkat, budaya mulai saling menembus dan mempengaruhi satu sama lain. Misalnya, kaum Impresionis terinspirasi oleh cetakan Jepang; karya Picasso sangat dipengaruhi oleh seni rupa India. Pada paruh kedua abad ke-20, perkembangan berbagai bidang seni dipengaruhi oleh modernisme dengan pencarian kebenaran yang pantang menyerah dan norma-norma yang ketat. Periode seni kontemporer terjadi ketika diputuskan bahwa nilai-nilai itu relatif.

Fungsi dan properti

Selama ini, para ahli teori sejarah seni dan kajian budaya mengatakan bahwa seni, seperti fenomena sosial lainnya, memiliki fungsi dan sifat yang berbeda. Semua fungsi seni secara kondisional dibagi menjadi termotivasi dan tidak termotivasi.

Fungsi tidak termotivasi adalah properti yang merupakan bagian integral dari sifat manusia. Sederhananya, seni adalah apa yang didorong oleh naluri seseorang dan melampaui hal-hal praktis dan berguna. Fungsi-fungsi ini meliputi:

Naluri dasar harmoni, ritme dan keseimbangan. Di sini seni diwujudkan bukan dalam bentuk material, tetapi dalam keinginan batin yang sensual akan harmoni dan keindahan.
Perasaan misteri. Seni diyakini sebagai salah satu cara untuk merasa terhubung dengan Alam Semesta. Perasaan ini muncul secara tak terduga ketika merenungkan lukisan, mendengarkan musik, dan lain-lain.
Imajinasi. Berkat seni, seseorang memiliki kesempatan untuk menggunakan imajinasinya tanpa batasan.
Menarik bagi banyak orang. Seni memungkinkan penciptanya menyapa seluruh dunia.
Ritual dan simbol. Dalam beberapa budaya modern ada ritual, tarian, dan pertunjukan yang penuh warna. Itu adalah simbol orisinal, dan terkadang hanya cara untuk mendiversifikasi acara. Dengan sendirinya mereka tidak mengejar tujuan apapun, namun para antropolog melihat dalam setiap gerakannya makna yang melekat dalam proses perkembangan kebudayaan nasional.

Fitur Termotivasi

Fungsi motivasi seni adalah tujuan yang secara sadar ditetapkan oleh pencipta bagi dirinya sendiri ketika mulai menciptakan suatu karya seni.

Dalam hal ini seni dapat berupa:

Sarana komunikasi. Dengan sendirinya versi sederhana seni adalah cara komunikasi antar manusia, melalui mana informasi dapat disampaikan.
Hiburan. Seni dapat menciptakan suasana hati yang tepat, membantu Anda rileks dan mengalihkan pikiran dari masalah.
Demi perubahan. Pada awal abad ke-20, banyak tercipta karya-karya yang memicu perubahan politik.
Demi psikoterapi. Psikolog sering menggunakan seni untuk tujuan terapeutik. Teknik berdasarkan analisis pola memungkinkan untuk membuat diagnosis yang lebih akurat.
Demi protes. Seni sering digunakan untuk memprotes sesuatu atau seseorang.
Propaganda. Seni juga dapat menjadi cara untuk menyebarkan propaganda, yang melaluinya seseorang dapat secara halus mempengaruhi pembentukan selera dan sikap baru di kalangan masyarakat.

Dilihat dari fungsinya, seni mempunyai peranan penting dalam kehidupan masyarakat, mempengaruhi segala bidang kehidupan manusia.

Jenis dan bentuk

Awalnya, seni dianggap sebagai sesuatu yang tidak terbagi, yaitu suatu kompleks umum aktivitas kreatif. Bagi manusia primitif, tidak ada contoh seni tersendiri seperti teater, musik atau sastra. Semuanya digabungkan menjadi satu. Baru setelah beberapa waktu berbagai jenis seni mulai bermunculan. Ini adalah nama yang diberikan untuk bentuk refleksi artistik dunia yang terbentuk secara historis, yang diciptakan dengan menggunakan cara yang berbeda.

Tergantung pada cara yang digunakan, bentuk seni berikut dibedakan:

Literatur. Menggunakan cara verbal dan tertulis untuk membuat contoh seni. Ada tiga tipe utama di sini - drama, epik, dan lirik.
Musik. Ini dibagi menjadi vokal dan instrumental; sarana suara digunakan untuk membuat contoh seni.
Menari. Gerakan plastik digunakan untuk membuat pola baru. Ada balet, ritual, ballroom, modern dan seni rakyat menari.
Lukisan. Dengan bantuan warna, realitas ditampilkan di pesawat.
Arsitektur. Seni diwujudkan dalam transformasi lingkungan spasial dengan struktur dan bangunan.
Patung. Merupakan karya seni yang mempunyai volume dan bentuk tiga dimensi.
Seni dekoratif dan terapan. Bentuk ini berkaitan langsung dengan kebutuhan terapan; yaitu benda-benda seni yang dapat digunakan dalam kehidupan sehari-hari. Misalnya piring yang dicat, furnitur, dll.
Teater. Dengan bantuan akting, aksi panggung dengan tema dan karakter tertentu dimainkan di atas panggung.
Sirkus. Semacam aksi spektakuler dan menghibur dengan angka-angka yang lucu, tidak biasa dan berisiko.
Film. Bisa dikatakan ini adalah evolusi aksi teatrikal, ketika sarana audiovisual modern masih digunakan.
Foto. Ini melibatkan pengambilan gambar visual menggunakan cara teknis.

Ke formulir yang terdaftar Anda juga dapat menambahkan genre seni seperti pop, grafik, radio, dll.

Peran seni dalam kehidupan manusia

Aneh memang, tapi entah kenapa ada anggapan bahwa seni hanya ditujukan untuk strata atas populasi, yang disebut elit. Konsep seperti ini disinyalir asing bagi orang lain.

Seni biasanya diidentikkan dengan kekayaan, pengaruh, dan kekuasaan. Bagaimanapun, mereka adalah orang-orang yang mampu membeli barang-barang yang indah, sangat mahal, dan tidak berguna. Ambil contoh, Hermitage atau Istana Versailles, yang menyimpan banyak koleksi raja masa lalu. Saat ini, koleksi tersebut dapat diperoleh dari pemerintah, beberapa organisasi swasta, dan orang-orang kaya.

Terkadang nampaknya peran utama seni dalam kehidupan seseorang adalah untuk menunjukkannya kepada orang lain status sosial. Dalam banyak budaya, barang-barang mahal dan elegan menunjukkan posisi seseorang dalam masyarakat. Di sisi lain, dua abad yang lalu upaya dilakukan seni tinggi lebih mudah diakses oleh masyarakat umum. Misalnya, pada tahun 1793 Louvre dibuka untuk semua orang (sampai saat itu merupakan milik raja-raja Prancis). Seiring waktu, ide ini diambil di Rusia ( Galeri Tretyakov), AS (Museum Metropolitan) dan negara-negara Eropa lainnya. Namun, orang yang memiliki koleksi karya seni sendiri akan selalu dianggap lebih berpengaruh.

Sintetis atau nyata

DI DALAM dunia modern terdapat berbagai macam seni. Mereka mengambil berbagai jenis, bentuk, dan cara penciptaan. Satu-satunya hal yang tidak berubah adalah kesenian rakyat, dalam bentuk primitifnya.

bahkan hari ini ide sederhana dianggap seni. Berkat ide, opini publik, dan ulasan kritis, karya seperti “Kotak Hitam”, satu set teh yang dilapisi bulu alami, atau foto Sungai Rhine yang terjual seharga $4 juta. Sulit untuk menyebut benda-benda ini dan benda-benda serupa sebagai seni nyata.

Jadi apa itu seni yang sebenarnya? Pada umumnya, ini adalah karya yang membuat Anda berpikir, bertanya, dan mencari jawaban. Seni nyata menarik, Anda ingin mendapatkan barang ini dengan cara apa pun. Bahkan dalam sastra, karya klasik Rusia menulis tentang kekuatan yang menarik ini. Jadi, dalam cerita Gogol “Potret” karakter utama menghabiskan tabungan terakhirnya untuk membeli potret.

Seni sejati selalu membuat seseorang lebih baik hati, lebih kuat dan lebih bijaksana. Dengan memiliki pengetahuan dan pengalaman yang sangat berharga yang telah dikumpulkan selama beberapa generasi, dan kini tersedia dalam bentuk yang dapat dipahami, seseorang memiliki kesempatan untuk berkembang dan berkembang.

Seni nyata selalu berasal dari hati yang murni. Tidak peduli apa jadinya - buku, lukisan, musik, drama. Penonton akan merasakannya. Anda pasti akan merasakan apa yang ingin disampaikan oleh penciptanya. Dia akan merasakan emosinya, memahami pikirannya, dan pergi bersamanya mencari jawaban. Seni nyata adalah percakapan tak terdengar antara pengarang dan seseorang, setelah itu pendengar/pembaca/pemirsa tidak lagi sama. Inilah seni yang sebenarnya. Kumpulan perasaan yang benar-benar terkonsentrasi. Seperti yang ditulis Pushkin, itu harus membakar hati orang-orang, dan apa pun yang terjadi - kata kerja, kuas, atau alat musik. Seni seperti ini seharusnya dapat melayani masyarakat dan menginspirasi mereka untuk berubah, menghibur mereka ketika mereka sedih, dan menanamkan harapan, terutama ketika tampaknya tidak ada jalan keluar. Hanya ini satu-satunya cara yang bisa dilakukan, tidak bisa dengan cara lain.

Saat ini banyak sekali benda-benda aneh, bahkan terkadang konyol yang disebut sebagai karya seni. Namun jika mereka tidak mampu “mengejutkan”, maka mereka tidak bisa berhubungan dengan seni secara apriori.

Jalan Kievyan, 16 0016 Armenia, Yerevan +374 11 233 255