Budaya artistik Italia abad ke-17. Lukisan Italia. Seni Italia abad ke-17. Masalah umum

PERKENALAN

Dalam sejarah sastra Italia, batas-batas abad ke-17. sebagai era sastra, pada dasarnya mereka bertepatan dengan batas-batas abad ke-17, meskipun tentu saja tidak sepenuhnya akurat.

Pada tahun 1600, di Roma, di Piazza des Flowers, Giordano Bruno dibakar. Dia adalah penulis hebat terakhir Renaisans Italia. Namun Roma, yang mengelilingi kebakaran Bruno, sudah padat dibangun dengan gereja-gereja Barok. Baru gaya artistik berasal dari kedalaman abad sebelumnya. Itu adalah proses yang panjang dan bertahap. Namun, ada juga semacam “terobosan bertahap” di dalamnya, transisi ke kualitas baru. Terlepas dari kenyataan bahwa gejala Barok yang individual dan cukup mengesankan diamati di Italia sepanjang paruh kedua abad ke-16, “titik balik sebenarnya terjadi pada pergantian abad ke-16 dan ke-17, dan secara bersamaan di banyak seni - arsitektur, lukisan. , musik. Dan meskipun sisa-sisa tingkah laku di Italia masih terus dirasakan pada dekade pertama dan bahkan kedua abad ke-17, pada hakikatnya penanggulangan tingkah laku di Italia dapat dianggap selesai pada tahun 1600” (B.R. Wipper).

Pada tahun 1600, banyak penulis Italia abad ke-17. - Campanella, Sarpi, Galileo, Boccalini, Marino, Chiabrera, Tassoni - sudah

penulis yang sudah terbentuk sempurna; namun, karya Barok dan Klasisisme yang paling signifikan baru diciptakan oleh mereka pada dekade pertama abad baru. Garis antara kedua era tersebut tergambar jelas, dan sudah terlihat oleh orang-orang sezaman. “Kesenjangan bertahap” tercermin dalam kesadaran diri budaya dan memunculkan kontras yang tajam antara modernitas dan masa lalu, tidak hanya dari zaman kuno Yunani-Romawi, tetapi juga dari Renaisans klasik. “Baru”, “modern” menjadi pada awal abad ke-17. kata-kata modis. Mereka menjadi semacam seruan perang yang menyerang tradisi dan menggulingkan otoritas. Galileo menerbitkan wacana tentang “ilmu-ilmu baru”; Chiabrera berbicara tentang keinginan, seperti rekan senegaranya Columbus, untuk “menemukan negeri baru” dalam puisi; penyair paling populer abad ini, Marino, menyatakan bahwa dia sama sekali tidak tersenyum ketika “berdiri setara dengan Dante, Petrarch, Fra Guittone, dan orang lain yang serupa,” karena tujuannya adalah untuk “menyenangkan yang hidup”, dan ahli kecantikan Tesauro memastikan bahwa bahasa sastra pada masanya jauh melampaui bahasa para trecentis besar - Dante, Petrarch, dan Boccaccio. Pada awal abad ke-17. Para penulis Italia sering berbicara tentang keunggulan zaman mereka dibandingkan masa lalu, tentang pesatnya pertumbuhan pengetahuan manusia, tentang kemutlakan kemajuan. Ekspresi paling mencolok dari sikap baru terhadap otoritas dan tradisi mapan ditemukan dalam karya Alessandro Tassoni, penyair, humas dan salah satu penulis paling cemerlang. kritikus sastra

abad ke-17 “Refleksi Puisi Petrarch” (1609) dan khususnya sepuluh buku “Berbagai Pemikiran” (1608-1620) merupakan penghubung penting dalam persiapan “perselisihan tentang penulis kuno dan modern” yang akan terungkap di Prancis pada akhir abad ke-17. Sepintas, tampaknya dengan pemuliaan mereka terhadap Zaman Baru, kemajuan ilmu pengetahuan dan puisi, para penulis Italia abad ke-17. mengingatkan pada humanis Quattrocento - Gianozzo Manetti atau Marsilio Ficino. Sebenarnya hal ini tidak benar. Polemik yang sengit dengan masa lalu, pencarian yang terburu-buru akan hal-hal baru, tidak biasa, boros, yang menjadi ciri khas keseluruhan suasana seni. Italia XVII abad yang lalu tidak selalu berarti di kalangan penulis Italia abad ke-17. sikap antusias dan meminta maaf terhadap waktu sendiri. Sama-sama menyadari kesenjangan yang mendalam antara abad ke-17.

dan pada periode sebelumnya, penulis seperti Tesauro dan Campanella memiliki sikap yang sangat berbeda terhadap realitas sosio-politik Italia kontemporer. Jika Jesuit Tesauro, dengan segala “modernisme” baroknya, adalah seorang politikus konservatif yang mempunyai posisi yang sama dengan Gereja Katolik, maka Campanella yang “sesat” dan tidak dapat diperbaiki, dengan segala religiusitas abad pertengahannya dan pandangannya terhadap “zaman kuno”, menjadi sebuah reformis sosial yang melihat bahkan dalam astronomi tanda-tanda bencana sosial di masa depan yang dirancang untuk menyapu bersih sistem feodal dan membangun kerajaan buruh, keadilan dan kesetaraan properti di atas reruntuhannya. Perbedaan yang tidak terlalu tajam, tetapi juga mendasar dalam penilaian terhadap realitas modern dan isi “baru” dalam seni dan sastra ada antara Chiabrera dan Marino, antara Tassoni dan Lancellotti, antara Sarpi dan Sforza Pallavicino. Dari segi kandungan sastra dan estetikanya, abad ke-17 Italia merupakan periode yang kompleks, heterogen secara sosial, dan sangat kontradiktif. Hal ini jauh lebih kontradiktif dibandingkan era Renaisans yang mendahuluinya. Dan ini juga tercermin dalam kesadaran dirinya. Jika Renaisans klasik secara dialektis menyelesaikan kontradiksi-kontradiksi yang membawanya ke dalam harmoni yang tertinggi dan hampir mutlak dan sintesis ideologis, maka abad ke-17 Italia, sebaliknya, dengan segala cara memamerkan ketajaman kontradiksi yang melekat di dalamnya. Ia mengangkat ketidakharmonisan dinamis ke dalam prinsip struktural budaya dan menempatkan antitesis sebagai dasar gaya utamanya yang dominan. Di tempat “manusia universal” yang berkembang sepenuhnya dari Renaisans Italia, tenang, agung, dan “ilahi” dalam “kealamiannya”, di abad ke-17. seorang pria Barok Italia datang - seorang pesimis hedonistik, gugup, sangat gelisah, boros, dengan cara abad pertengahan, terpecah antara roh dan daging, antara "bumi" dan "surga", sangat percaya diri dan pada saat yang sama selalu gemetar sebelum Kematian dan Keberuntungan yang tidak dapat diatasi, menyembunyikan wajah aslinya dengan kedok topeng teater yang sangat cerah. Pada abad ke-17 bahkan para pemikir paling maju dan berani, yang melanjutkan tradisi Renaisans dalam kondisi sejarah baru, kehilangan integritas internal yang menjadi ciri khas para raksasa di masa lalu.

Sekaligus berbicara tentang kemunduran mutlak kebudayaan Italia pada abad ke-17. - seperti yang sering dilakukan - tidak mungkin karena fakta bahwa seichenist Italia terus menjadi bagian dari budaya dan budaya Eropa Barat

Ilustrasi:

Giovanni Lorenzo Bernini.
Ekstasi St. Teresa

1645-1652
Roma, Gereja Santa Maria della Vittoria

yang pada saat itu sedang meningkat, mengimbangi hilangnya integritas Renaisans tidak hanya dengan penemuan ilmu pengetahuan alam yang hebat, tetapi juga dengan pencapaian estetika yang signifikan. Pada paruh pertama abad ke-17. bahasa sastra Italia masih menjadi bahasa masyarakat terpelajar Eropa, meskipun sudah tergeser oleh bahasa Prancis dan sebagian Spanyol. Di beberapa bidang kehidupan budaya, Italia terus mempertahankan posisi terdepan di Eropa dan bahkan memperoleh posisi baru. Yang terakhir ini berlaku terutama untuk musik. Pada tahun 1600, penyair Ottavio Rinuccini dan komposer Jacopo Peri tampil di Florence"Eurydice", yang menandai dimulainya opera, atau, seperti yang mereka katakan saat itu, menekankan sinkretisme genre baru dan tidak dapat dipisahkan dari sastra, "melodrama". Eurydice diikuti oleh karya-karya besar Claudio Monteverdi: Orpheus (1607), Ariadne (1608), The Coronation of Poppea (1642). Dunia yang sampai sekarang tidak dikenal terbuka di hadapan umat manusia. Dalam musik - opera dan instrumental (Frescobaldi, Corelli) - abad ke-17 Italia meninggalkan banyak nilai estetika yang bertahan lama. Musik Italia memberikan gaya Barok - Monteverdi menyebutnya "stil concetato", gaya "bersemangat", "bersemangat" - tempat terhormat yang sama dalam budaya artistik Eropa yang sebelumnya ditempati oleh gaya tragedi Attic, katedral Gotik Prancis, dan puisi Italia di dalamnya.

Italia juga meraih kesuksesan signifikan di bidang seni rupa. Dalam arsitektur, lukisan dan patung, Barok pertama kali dibentuk di Roma, tempat Giovanni Lorenzo Bernini, Pietro da Cortona, dan Francesco Borromini bekerja. Dari karya-karyanya, seniman dari Perancis, Spanyol, dan Jerman belajar tidak hanya dekorasi dan kemegahan, tetapi juga bentuk-bentuk ekspresi baru, reproduksi gerakan, pengalaman intim dan pribadi, dan keterampilan bahkan dalam potret pahatan menangkap kehidupan lingkungan manusia.

Namun, kita tidak boleh berpikir bahwa pengaruh Italia terhadap arsitektur, patung, dan lukisan di seluruh Eropa terbatas pada abad ke-17. bidang seni aristokrat istana. Bahkan lebih dari contoh Lorenzo Bernini dan Pietro da Cortona, budaya artistik Eropa dipengaruhi oleh eksperimen berani Annibale Carracci (“The Butcher’s Shop”, “Bean Stew”) dan kejeniusan Caravaggio, yang karya-karyanya diperkenalkan ke dalam Lukisan Italia abad ke-17 aspek baru dari dunia nyata, tema, situasi, gambar yang lebih demokratis dibandingkan dengan seni Renaisans klasik. Sampai taraf tertentu, “Caravaggisme” tercermin dalam karya hampir semua seniman luar biasa di Spanyol, Flanders, Belanda, dan khususnya mereka yang biasa disebut realis terbesar abad ke-17 - Velazquez dan Rembrandt.

Dia mencapai prestasi luar biasa di abad ke-17. ilmu pengetahuan Italia. Untuk menggantikan akademi sastra Renaisans yang mengalami kemunduran pada abad ke-17. Akademi ilmu pengetahuan alam datang ke salon masyarakat kelas atas yang mengubah puisi menjadi kesenangan dan lawak: Accademia dei Lincei (Akademi Lynxes) di Roma, Accademia degli Investiganti (Akademi Penjelajah) di Naples, Accademia del Cimento (Akademi Pengetahuan Berpengalaman) ) di Firenze. Dalam kehidupan sastra Italia pada abad ke-17.

mereka memainkan peran yang mirip dengan lingkaran filsafat Quattrocento. Biasanya, dengan merekalah pembentukan klasisisme Italia saat ini dikaitkan. Dalam hal ini, untuk

Italia abad ke-17 Karya Galileo Galilei, ilmuwan terhebat dan penulis terhebat Seicento, yang memiliki pengaruh yang tidak kalah pentingnya terhadap pembentukan prosa nasional Italia dibandingkan Dante dan Machiavelli, sangatlah khas.

Keberhasilan musisi, seniman, dan ilmuwan alam Italia tidak mengesampingkan fakta bahwa secara umum budaya seichentist Italia tidak naik ke tingkat Renaisans klasik. Selain itu, berbeda dengan budaya Belanda, Inggris dan Perancis, budaya ini berkembang terutama secara menurun. Jika pada awal abad ke-17, ketika pengaruh Barok Italia terhadap sastra Eropa Barat terwujud dengan sangat kuat, Giambattista Marino tidak hanya menjadi idola masyarakat istana Paris, tetapi juga mampu mempengaruhi Theophile de Viau dan Poussin, yang saat itu pada tahun 70-an menjadi legislator Eropa Barat "selera yang bagus". Boileau akan berkata dengan acuh:
Mari kita serahkan pada orang Italia
Perada kosong dengan kilap palsunya,

Yang terpenting adalah maknanya...

Pada akhir abad ke-16, reaksi feodal-Katolik meledak ke dalam bidang ekonomi dan mendapat dasar yang luas untuk perluasan lebih lanjut. Reaksi ini dipimpin oleh kepausan Roma, yang berhasil pada abad ke-17.

untuk mencaplok Ferrara dan Urbino ke wilayahnya, dan Spanyol feodal, yang menurut Perdamaian Cato-Cambresian, menjadi penguasa penuh atas sebagian besar Semenanjung Apennine. Hanya Venesia dan Kadipaten Savoy yang baru dibentuk yang mempertahankan kemerdekaan politik di Italia yang seichenist dan, dalam beberapa kasus, menolak tekanan dari Spanyol dan Roma. Memperkuat posisi gereja dan kaum bangsawan feodal di bidang ekonomi dan kehidupan publik Italia berkontribusi pada perluasan reaksi feodal-Katolik di semua bidang kebudayaan. Teror Inkuisisi, yang dimulai pada masa Konsili Trente, terus berlanjut. Orang-orang Spanyol mendukungnya. Campanela selama bertahun-tahun dihabiskan di penjara, dia menjadi sasaran penyiksaan brutal

. Pada tahun 1616, jemaah suci melalui dekrit khusus melarang membahas dan menguraikan ajaran Copernicus. Pada tahun 1633, pengadilan Galileo diatur.

Gubernur Spanyol Pedro Toledo membubarkan semua perkumpulan ilmiah dan akademi sastra di Naples, kecuali perkumpulan Jesuit. Pada abad ke-17 Gereja Katolik dan pihak berwenang Spanyol masih memandang kebudayaan maju tidak hanya sebagai musuh ideologis, tetapi juga musuh politik. Meski demikian, dalam kebijakan budaya reaksi feodal-Katolik terjadi pada abad ke-17.. Dia mendapat dukungan kuat dari Serikat Yesus, yang saat ini telah menjadi kekuatan sosial dan politik yang serius. Pada abad ke-17 Jesuit memperoleh monopoli atas pendidikan dan pendidikan generasi muda dan mendirikan perguruan tinggi mereka di sebagian besar Italia. Hampir di mana-mana sekolah mereka menjadi pusat propaganda gagasan dan pandangan kontra-reformasi.

Kontra-Reformasi secara luas dan, dalam arti tertentu, berhasil menggunakan kemungkinan gaya Barok untuk menciptakan literatur resmi feodal-aristokrat yang memenuhi kepentingan gereja dan kelas penguasa. Namun demi hal ini, reaksi feodal-Katolik di Italia harus mengorbankan kekakuan moral dan agama yang menjadi ciri kebijakan budayanya pada paruh kedua abad ke-16. Teori estetika gerakan kontra-reformasi, yang menyatakan bahwa sastra dan seni harus menetapkan tugas-tugas keagamaan dan pendidikan, digantikan pada abad ke-17.

konsep hedonisme estetika. Ideolog Kontra-Reformasi Italia yang sama, yang, tampaknya, baru-baru ini marah dengan ketelanjangan Penghakiman Terakhir yang menghujat, kini memberikan perlindungan kepada seniman yang memasukkan ke dalam karya mereka tidak hanya motif sensual yang tegas, tetapi juga motif erotis yang terbuka. Dan hal ini seharusnya tidak mengejutkan kita. Hal ini dijelaskan tidak hanya oleh fakta bahwa Barok, dengan kemegahan, warna-warni, metafora, dan retorikanya, dapat memberikan pengaruh yang jauh lebih kuat pada imajinasi khalayak umum daripada intelektualitas Renaisans yang ketat dan terkumpul. Hal lain yang ternyata tidak kalah pentingnya: dalam karya-karya barok aristokrat, sensualitas muncul sebagai salah satu manifestasi dari kelemahan dan sifat ilusi dari dunia material, dunia “duniawi”, dan erotisme, meskipun kelihatannya paradoks. sekilas berubah menjadi dakwah asketisme agama. Hal inilah yang memungkinkan Kontra-Reformasi Italia memanfaatkan kurangnya gagasan aristokrat barok untuk mempromosikan gagasan reaksionernya sendiri, mengubah hedonisme puisi dan prosa kelautan melawan rasionalisme ilmu pengetahuan dan filsafat materialis baru.

pandangan aristokrat dan picaro tentang dunia - karakteristik pandangan lumpen Neapolitan - ada titik kontak tertentu, dan ini menjelaskan beberapa ciri prosa barok, terutama olok-olok barok; namun, secara umum, cita-cita hidup kaum tani Italia dan kelas bawah perkotaan Italia muncul pada abad ke-17.

Gerakan populer anti-feodal abad ke-17. di Italia tidak dapat berkembang menjadi revolusi borjuis, seperti yang terjadi di Inggris, atau menjadi perang pembebasan nasional yang menang, seperti yang terjadi di Belanda. Di Italia pada abad ke-17. tidak ada kelas yang mampu memimpin perjuangan revolusioner melawan feodalisme dan mengakhirinya dengan kemenangan. Namun, ini tidak berarti sama sekali bahwa protes rakyat Italia terhadap penindas mereka sendiri dan asing sama sekali tidak membuahkan hasil, sehingga hal ini tidak tercermin dalam sastra Italia abad ke-17. dan tidak berpengaruh pada sifat gayanya. Dan intinya di sini bukanlah bahwa pemberontakan Masaniello mendapat tanggapan langsung dalam sindiran Salvator Rosa dan puisi Antonio Basso, yang membayar dengan nyawanya untuk partisipasi aktifnya dalam gerakan anti-feodal tahun 1647-1648. Protes rakyat tertindas jauh lebih penting; hal ini berkontribusi pada pembentukan sastra Italia abad ke-17. dari dalam, membobol tidak hanya karya Sarpi, Tassoni, Boccalini, tetapi juga penulis politik yang tampaknya sangat jauh seperti Giambattista Basile.

Salah satu wujud inkonsistensi Italia abad ke-17. adalah bahwa perkembangan sosial saat ini tidak hanya berkontribusi pada aristokrasi, tetapi juga, dalam arti tertentu, pada demokratisasi sastra Italia. Jika budaya Renaisans Italia, yang basis sosio-ekonominya terutama dikaitkan dengan negara-kota paling maju pada abad 14-16, cenderung mengabaikan kaum tani, maka yang disebut refeudalisasi, dengan mengalihkan pusat kekuasaan. gravitasi perekonomian Italia terhadap pedesaan, membuat semua orang tereksploitasi dan kaum tani tertindas adalah sosok yang lewat pada abad ke-17. Perwakilan intelektual kreatif Italia yang paling sensitif, teliti, dan bijaksana tidak dapat melewatkannya. Kehidupan seluruh masyarakat Italia kini bergantung pada petani, dan hal ini tercermin dalam kesadaran estetika zaman tersebut. Pada abad ke-17 fakta Italia budaya nasional tidak hanya komedi rakyat topeng yang berasal dari abad ke-16 saja yang digarap. di pinggiran Renaisans Tinggi, tapi juga dongeng Giulio Cesare Croce tentang Bertoldo dan Bertoldino, yang didasarkan pada cerita rakyat petani. Kesenian rakyat memelihara dan memperkaya Barok Italia, memperkenalkan cita-cita estetika dan kehidupannya sendiri.

Oleh karena itu, pada dasarnya salah jika menganggap Barok sebagai gaya Kontra-Reformasi dan mengasosiasikannya hanya dengan kaum bangsawan feodal, meskipun Barok pada awalnya muncul tepat di negara-negara di mana kaum bangsawan adalah kelas penguasa. Dan dalam kaitannya dengan sastra Italia abad ke-17, dan dalam kaitannya dengan seni Italia pada masa ini, kita dapat berbicara tentang dua tren Barok - aristokrat, reaksioner, dan maju, folk. Hasrat yang menggebu-gebu dan menggebu-gebu akan hal-hal baru, yang, sebagaimana telah disebutkan, merupakan ciri khas semua sastra abad ke-17 Italia, dan khususnya Barok Italia, tidak hanya dipicu oleh perasaan putus dengan Renaisans dan penemuan-penemuan menakjubkan. dalam fisika atau astronomi, tetapi juga oleh keinginan rakyat dan massa tani terhadap kebebasan dan keadilan sosial. Bukan suatu kebetulan bahwa salah satu penyair Italia terpenting abad ke-17.

menjadi Tommaso Campanella, penulis besar barok demokrasi. Menjelaskan asal usul ide-ide inovatif dan proyek-proyeknya yang berani, ia mengatakan kepada para inkuisitor: “Saya mendengar keluhan dari setiap petani yang saya temui, dan dari setiap orang yang saya ajak bicara, saya mengetahui bahwa setiap orang cenderung untuk berubah.” Ini adalah hubungan antara karya sastra Italia paling penting pada abad ke-17. dengan rakyat, dengan perjuangan anti-feodalnya, tampaknya paling baik dijelaskan oleh fakta bahwa bahkan dalam kondisi kemerosotan ekonomi, sosial dan politik yang hampir absolut, sastra Italia tidak kehilangan muatan nasionalnya dan terus menciptakan nilai-nilai spiritual baru. Dalam perkembangannya, Italia sastra XVII

Periode kedua ditandai dengan kemunduran tertentu baik klasisisme maupun Marinisme. Pada saat ini, sistem sosial-politik di Italia mulai stabil, dan setelah kekalahan gerakan kerakyatan di akhir tahun 40-an, oposisi terhadap reaksi dalam sastra melemah secara nyata. Dalam sastra Italia pada paruh kedua abad ini, kecenderungan klasik dalam gaya Barok mendominasi, yang akhirnya merosot menjadi Rococo. Periode kedua dalam sastra Seicento terjadi di bawah tanda persiapan Arcadia. Itu berakhir pada tahun 1690, ketika pendirian akademi ini menandai dimulainya tahap baru dalam pembangunan puisi Italia, prosa dan teori sastra.

Universitas Regional Negeri Moskow

Abstrak tentang sejarah seni

Seni Italia abad ke-17.

Selesai:

siswa korespondensi

33 kelompok Fakultas Seni Rupa dan Sains

Minakova Evgenia Yurievna.

Diperiksa:

Moskow 2009

· Italia pada abad ke-17

· Arsitektur. Gaya Barok dalam arsitektur.

· Arsitektur. Barok Awal.

· Arsitektur. Tinggi, atau dewasa, barok.

· Arsitektur. Arsitektur Barok di luar Roma.

· Seni Rupa. Ciri-ciri umum.

· Seni Rupa. Barok Awal.

· Seni Rupa. Aliran realistis.

· Seni Rupa. Seniman generasi kedua dari sekolah Bolognese.

· Seni rupa. Tinggi, atau dewasa, barok.

· Seni rupa. Barok Akhir.

Posisi dominan dalam kehidupan publik Italia ditempati oleh aristokrasi dan pendeta Katolik tertinggi. Dalam konteks kemerosotan ekonomi negara yang parah, hanya penguasa feodal sekuler dan gerejawi yang besar yang masih memiliki kekayaan materi yang signifikan. Rakyat Italia - petani dan warga kota - berada dalam situasi yang sangat sulit, terancam kemiskinan dan bahkan kepunahan. Protes terhadap penindasan feodal dan asing tercermin dalam berbagai pemberontakan rakyat yang terjadi sepanjang abad ke-17 dan terkadang mencapai skala yang besar, seperti pemberontakan Masaniello di Naples.

Karakter umum budaya dan seni Italia pada abad ke-17 ditentukan oleh segala keistimewaannya perkembangan sejarah. Di Italia seni Barok lahir dan paling berkembang. Namun, karena dominan dalam seni rupa Italia abad ke-17, arah ini bukanlah satu-satunya. Selain itu dan bersamaan dengan itu, berkembang pula gerakan-gerakan realistis yang terkait dengan ideologi lapisan demokrasi masyarakat Italia dan mendapat perkembangan signifikan di banyak negara. pusat seni Italia.

Arsitektur monumental Italia abad ke-17 hampir secara eksklusif memenuhi kebutuhan Gereja Katolik dan aristokrasi sekuler tertinggi. Selama periode ini, sebagian besar gedung gereja, istana, dan vila dibangun.

Berat situasi ekonomi Italia tidak diberi kesempatan untuk membangun bangunan yang sangat besar. Pada saat yang sama, gereja dan bangsawan tertinggi perlu memperkuat prestise dan pengaruh mereka. Oleh karena itu keinginan akan solusi arsitektur yang tidak biasa, mewah, seremonial dan tajam, keinginan untuk meningkatkan dekorasi dan kemerduan bentuk.

Pembangunan gedung-gedung yang mengesankan, meski tidak terlalu besar, turut menciptakan ilusi kesejahteraan sosial dan politik negara.

Barok mencapai ketegangan dan ekspresi terbesarnya di tempat ibadah dan gedung gereja; bentuk arsitekturalnya sangat sesuai dengan prinsip keagamaan dan sisi ritual Katolik militan. Dengan membangun banyak gereja, Gereja Katolik berupaya memperkuat dan memperkuat gengsi dan pengaruhnya di negara tersebut.

Gaya Barok, yang dikembangkan dalam arsitektur masa ini, di satu sisi dicirikan oleh keinginan akan monumentalitas, di sisi lain, oleh dominasi prinsip-prinsip dekoratif dan indah di atas tektonik.

Seperti karya seni rupa, monumen arsitektur Barok (terutama bangunan gereja) dirancang untuk mempercantik dampak emosional pada penonton. Prinsip rasional yang mendasari seni dan arsitektur Renaisans digantikan oleh prinsip irasional, statis, ketenangan - dinamika, ketegangan.

Barok adalah gaya kontras dan distribusi elemen komposisi yang tidak merata. Bentuk melengkung yang besar dan berair, bentuk melengkung sangat penting di dalamnya. Bangunan Barok dicirikan oleh konstruksi frontalitas dan fasad. Bangunan dalam banyak kasus dilihat dari satu sisi - dari sisi fasad utama, yang seringkali mengaburkan volume struktur.

Barok menaruh perhatian besar pada ansambel arsitektur - kota dan taman, tetapi ansambel saat ini didasarkan pada prinsip yang berbeda dari ansambel Renaisans. Ansambel Barok di Italia dibangun berdasarkan prinsip dekoratif. Mereka dicirikan oleh isolasi, kemandirian komparatif dari sistem umum perencanaan kawasan kota. Contohnya adalah ansambel terbesar di Roma - alun-alun di depan Katedral St. Louis. Petra.

Barisan tiang dan dinding dekoratif yang menutupi ruang di depan pintu masuk katedral menutupi bangunan acak dan tidak beraturan yang terletak di belakangnya. Tidak ada hubungan antara alun-alun dan jaringan kompleks gang dan rumah-rumah acak yang berdekatan. Bangunan individu yang merupakan bagian dari ansambel barok tampaknya kehilangan independensinya, sepenuhnya tunduk pada rencana komposisi umum.

Barok mengajukan masalah sintesis seni dengan cara baru. Patung dan lukisan, yang memainkan peran yang sangat penting dalam bangunan-bangunan pada masa ini, saling terkait satu sama lain dan sering kali mengaburkan atau mengubah bentuk arsitektur secara ilusi, berkontribusi pada penciptaan kesan kekayaan, kemegahan, dan kemegahan yang selalu dihasilkan oleh monumen Barok.

Karya Michelangelo sangat penting untuk pembentukan gaya baru. Dalam karyanya ia mengembangkan sejumlah bentuk dan teknik yang kemudian digunakan dalam arsitektur Barok. Arsitek Vignola juga dapat digambarkan sebagai salah satu pendahulu Barok; dalam karya-karyanya dapat dicatat seluruh seri tanda-tanda awal gaya ini.

Gaya baru- Gaya Barok dalam arsitektur Italia - menggantikan Renaisans pada tahun 80-an abad ke-16 dan berkembang sepanjang paruh ke-17 dan pertama abad ke-18.

Secara konvensional, dalam arsitektur masa ini, tiga tahap dapat dibedakan: Barok awal - dari tahun 1580-an hingga akhir tahun 1620-an, Barok tinggi, atau dewasa, - hingga akhir abad ke-17 dan kemudian - paruh pertama abad ke-17. abad ke-18.

Ahli Barok pertama dianggap sebagai arsitek Giacomo della Porta dan Domenico Fontana. Mereka termasuk generasi penerus Vignola, Alessi, Ammanati, Vasari dan mengakhiri aktivitasnya pada awal abad ke-17. Pada saat yang sama, seperti disebutkan sebelumnya, tradisi terus hidup dalam karya para empu ini akhir Renaisans.

Giacomo della Porta. Giacomo della Porta (1541-1608) adalah murid Vignola. Konstruksi paling awal - Gereja Penglihatan Catarina di Funari (1564) - termasuk dalam gaya Renaisans. Namun, fasad Gereja del Gesù, yang diselesaikan arsitek ini setelah kematian Vignola (dari tahun 1573), jauh lebih bergaya Barok daripada proyek asli gurunya. Fasad gereja ini, dengan ciri khasnya yang terbagi menjadi dua tingkat dan volute samping, serta rencana pembangunannya menjadi model bagi sejumlah gereja Katolik di Italia dan negara lain. Sepeninggal Michelangelo, Giacomo della Porta menyelesaikan pembangunan kubah besar Katedral St. Louis. Petra. Master ini juga penulis Villa Aldobrandini yang terkenal di Frascati dekat Roma (1598-1603). Seperti biasa, bangunan utama vila terletak di lereng gunung; Jalan melingkar dua arah mengarah ke pintu masuk utama. Di seberang bangunan terdapat taman. Di kaki gunung terdapat gua berbentuk setengah lingkaran dengan lengkungan; di atasnya terdapat air terjun yang dibingkai oleh tangga. Bangunannya sendiri berbentuk prismatik yang sangat sederhana dan dilengkapi dengan pedimen besar yang rusak.

Dalam komposisi vila, dalam struktur taman yang menyusunnya, dan dalam sifat detail plastiknya, keinginan untuk keindahan dan kehalusan arsitektur yang disengaja, yang menjadi ciri khas Barok di Italia, terlihat jelas.

Pada saat peninjauan, sistem taman Italia akhirnya mulai terbentuk. Hal ini ditandai dengan adanya satu poros taman yang terletak di lereng gunung dengan banyak lereng dan teras. Bangunan induk terletak pada poros yang sama. Contoh khas kompleks tersebut adalah Villa Aldobrandini.

Domenico Fontana. Arsitek besar Barok awal lainnya adalah Domenico Fontana (1543-1607), yang merupakan salah satu penerus Michelangelo dan Vignola dari Romawi. Karya terbesarnya adalah Istana Lateran di Roma. Bentuk istana yang diberikan Fontana adalah persegi yang hampir beraturan dengan halaman persegi di dalamnya. Desain fasad istana seluruhnya didasarkan pada arsitektur Palazzo Farnese karya Antonio Sangallo the Younger. Secara umum, pembangunan istana Italia pada abad ke-17 didasarkan pada pengembangan lebih lanjut dari jenis komposisi istana-palazzo, yang dikembangkan oleh arsitektur Renaisans.

Bersama saudaranya Giovanni Fontana, Domenico membangun air mancur Acqua Paolo di Roma pada tahun 1585-1590 (tanpa loteng, yang kemudian dibuat oleh Carlo Maderna). Arsitekturnya didasarkan pada pengerjaan ulang bentuk lengkungan kemenangan kuno.

Sejak pertengahan abad ke-16, perkembangan sejarah Italia ditandai dengan kemajuan dan kemenangan reaksi feodal-Katolik. Secara ekonomi lemah, terpecah menjadi negara-negara merdeka yang terpisah, Italia tidak mampu menahan serangan negara-negara yang lebih kuat - Perancis dan Spanyol. Perjuangan panjang negara-negara ini untuk mendapatkan dominasi di Italia berakhir dengan kemenangan Spanyol, yang dijamin dengan perjanjian damai Cateau Cambresi (1559). Sejak saat itu, nasib Italia erat kaitannya dengan Spanyol. Dengan pengecualian Venesia, Genoa, Piedmont, dan Negara Kepausan, Italia secara efektif merupakan provinsi di Spanyol selama hampir dua abad. Spanyol melibatkan Italia dalam perang dahsyat yang sering terjadi di wilayah negara-negara Italia, dan berkontribusi pada penyebaran dan penguatan reaksi feodal di Italia baik dalam bidang ekonomi maupun kehidupan budaya.
Posisi dominan dalam kehidupan publik Italchi ditempati oleh kaum bangsawan dan pendeta Katolik tertinggi. Dalam konteks kemerosotan ekonomi negara yang parah, hanya penguasa feodal sekuler dan gerejawi yang besar yang masih memiliki kekayaan materi yang signifikan. Rakyat Italia - petani dan warga kota - berada dalam situasi yang sangat sulit, terancam kemiskinan dan bahkan kepunahan. Protes terhadap penindasan feodal dan asing tercermin dalam berbagai pemberontakan rakyat yang terjadi sepanjang abad ke-17 dan terkadang mencapai skala yang besar, seperti pemberontakan Masaniello di Naples.
Sifat umum budaya dan seni Italia pada abad ke-17 ditentukan oleh semua ciri perkembangan sejarahnya. Di Italia seni Barok lahir dan paling berkembang. Namun, karena dominan dalam seni rupa Italia abad ke-17, arah ini bukanlah satu-satunya. Selain itu dan bersamaan dengan itu, berkembang pula gerakan-gerakan realistis yang terkait dengan ideologi lapisan demokrasi masyarakat Italia dan mendapat perkembangan signifikan di banyak pusat seni Italia.

Italia seni XVII abad

Pusat perkembangan seni barok baru pada pergantian abad 16-17. adalah Roma. "Roman Baroque" adalah gaya artistik paling kuat dalam seni Italia pada paruh kedua abad 16-17. lahir terutama di bidang arsitektur dan secara ideologis terkait dengan Katolik, dengan Vatikan. Arsitektur kota ini pada abad ke-17. tampaknya dalam segala hal berlawanan dengan klasisisme Renaisans dan pada saat yang sama terkait erat dengannya. Bukan suatu kebetulan bahwa pendahulunya, sebagaimana telah disebutkan, adalah Michelangelo.

Para master Barok melanggar banyak tradisi artistik Renaisans, dengan volumenya yang harmonis dan seimbang. Arsitek Barok memasukkan dalam ansambel arsitektur holistik tidak hanya bangunan dan alun-alun individu, tetapi juga jalan. Awal dan akhir jalan tentunya ditandai dengan semacam aksen arsitektural (persegi) atau pahatan (monumen). Perwakilan dari arsitek Barok awal Domenico Fontana (1543-1607), untuk pertama kalinya dalam sejarah perencanaan kota, menggunakan sistem jalan tiga sinar yang menyimpang dari Piazza del Popolo ("Lapangan Rakyat"), sehingga mencapai koneksi antara pintu masuk utama ke kota dan ansambel utama Roma. Obelisk dan air mancur yang ditempatkan di titik hilang jalan radial dan di ujungnya menciptakan efek teatrikal dari perspektif yang semakin menjauh. Prinsip Air Mancur sangat penting untuk semua perencanaan kota Eropa berikutnya (ingat sistem tiga sinar di St. Petersburg, misalnya).

Patung sebagai permulaan yang menata alun-alun digantikan oleh obelisk dengan daya dorongnya yang dinamis ke atas, dan bahkan lebih sering lagi dengan air mancur, yang dihiasi dengan pahatan yang kaya. Contoh cemerlang dari air mancur Barok adalah air mancur Bernini: "Triton" (1643) di Piazza Barberini dan air mancur "Empat Sungai" (1648-1651) di Piazza Navona.

Pada saat yang sama, di era Barok awal, tidak hanya istana, vila, dan gereja jenis baru yang diciptakan, tetapi elemen dekoratifnya diperkuat: interior banyak palazzo Renaisans diubah menjadi rangkaian kamar megah, dekorasi istana, vila, dan gereja. portal menjadi lebih kompleks, dan para master Barok mulai menaruh banyak perhatian pada halaman dan taman istana. Arsitektur vila dengan taman yang kaya dan ansambel taman mencapai skala khusus. Biasanya, prinsip konstruksi aksial yang sama seperti dalam perencanaan kota telah berkembang di sini: jalan akses pusat, aula utama vila, dan gang utama taman di sisi lain fasad berada di sepanjang sumbu yang sama. Gua, langkan, patung, dan air mancur menghiasi taman secara melimpah, dan efek dekoratifnya semakin ditingkatkan dengan penataan seluruh ansambel di teras di medan yang curam.

Lorenzo Bernini. Air Mancur Empat Sungai di Piazza Navona. Roma

Dekorasi arsitektur menjadi lebih megah selama periode Barok dewasa, dari sepertiga kedua abad ke-17. Tidak hanya fasad utama yang dihias, tetapi juga dinding di sisi taman; dari lobi depan Anda bisa langsung menuju ke taman, yang merupakan ansambel taman yang megah; dari sisi fasad utama, sayap samping bangunan memanjang dan membentuk halaman depan - yang disebut cour d'honneur (French cour d "honneur, lit. - court of honor).

Dalam arsitektur kultus Barok dewasa, ekspresi plastis dan dinamisme ditingkatkan. Banyaknya bukaan dan patahan pada batang, cornice, dan pedimen dalam kontras cahaya dan bayangan yang tajam menciptakan fasad yang sangat indah. Bidang lurus digantikan oleh bidang melengkung, pergantian bidang lengkung dan cekung juga meningkatkan efek plastis. Interior gereja Barok sebagai tempat ritus teatrikal kebaktian Katolik yang megah merupakan sintesis dari semua jenis seni rupa (dan dengan munculnya organ, musik). Berbagai bahan (marmer berwarna, ukiran batu dan kayu, plesteran, penyepuhan), lukisan dengan efek ilusionisnya - semua ini, bersama dengan volume yang aneh, menciptakan perasaan tidak nyata, memperluas ruang candi hingga tak terbatas. Kekayaan dekoratif, kecanggihan permainan bidang, serbuan oval dan persegi panjang, bukan lingkaran dan bujur sangkar yang disukai para empu Renaisans, semakin intensif dari satu kreasi arsitektur ke kreasi arsitektur lainnya. Cukup membandingkan gereja Il Gesu (1575) karya Giacomo della Porta (c. 1540-1602) dengan gereja Sant'Ivo (1642-1660) karya Francesco Borromini (1599-1667): berikut proyeksi segitiga tajam dinding dan kubah berbentuk bintang menciptakan kesan yang sangat bervariasi, menghilangkan objektivitas bentuk; atau dengan gerejanya sendiri di San Carlo alle Cuatro Fontane (1634-1667).

Francesco Borromini. Gereja Sant'Ivo alla Sanienza. Roma

Francesco Boromini. Kubah Gereja San Carlo alle Cuatro Fontane di Roma

Patung erat kaitannya dengan arsitektur. Itu menghiasi fasad dan interior gereja, vila, palazzo kota, kebun dan taman, altar, batu nisan, air mancur. Dalam Barok terkadang tidak mungkin memisahkan karya arsitek dan pematung. Artis yang menggabungkan kedua bakat itu adalah Giovanni Lorenzo Bernini(1598-1680). Sebagai arsitek istana dan pematung para paus, Bernini menjalankan perintah dan memimpin semua pekerjaan arsitektur, patung, dan dekoratif utama yang dilakukan untuk menghiasi ibu kota. Berkat gereja-gereja yang dibangun sesuai desainnya, ibu kota Katolik memperoleh karakter Barok (Gereja Sant'Andrea al Quirinale, 1658-1678). Di Istana Vatikan, Bernini merancang “Tangga Kerajaan” (Scala regia), yang menghubungkan istana kepausan dengan katedral. Dia memiliki kreasi Barok yang paling khas - kanopi (ciborium) di Katedral Santo Petrus (1657-1666), mempesona dengan kekayaan dekoratif berbagai bahan, imajinasi artistik yang tak terkendali, serta banyak patung, relief, dan batu nisan katedral. . Namun ciptaan utama Bernini adalah barisan tiang megah Katedral Santo Petrus dan desain alun-alun raksasa di dekat katedral ini (1656-1667). Kedalaman area tersebut adalah 280 m; di tengahnya ada obelisk; air mancur di sisinya menekankan sumbu melintang, dan alun-alun itu sendiri dibentuk oleh barisan tiang yang kuat dari empat baris kolom tatanan Tuscan, setinggi sembilan belas meter, membentuk lingkaran terbuka yang ketat, "seperti tangan terbuka", seperti yang dikatakan Bernini sendiri .

Barisan tiang, seperti karangan bunga, memahkotai katedral, yang disentuh oleh tangan semua arsitek besar Renaisans dari Bramante hingga Raphael, Michelangelo, Baldassare Peruzzi (1481-1536), Antonio da Sangalla the Younger (1483-1546) . Yang terakhir menghiasi serambi utama adalah murid Bramante, Carlo Maderna (1556-1629).

Lorenzo Bernini. Barisan tiang alun-alun di depan Basilika Santo Petrus. Roma

Bernini adalah pematung yang sama terkenalnya. Seperti para master Renaisans, ia beralih ke subjek-subjek kuno dan Kristen. Namun gambarannya tentang "David" (1623), misalnya, terdengar berbeda dengan gambaran Donatello, Verrocchio, atau Michelangelo. "David" karya Bernini adalah "orang kampungan yang militan", seorang pemberontak; tidak mengandung kejelasan dan kesederhanaan gambar Quattrocento, atau harmoni klasik dari High Renaissance. Bibir tipisnya terkatup rapat, mata kecilnya menyipit karena marah, sosoknya sangat dinamis, tubuhnya hampir berputar pada porosnya.

Bernini menciptakan banyak patung altar untuk gereja Romawi, batu nisan orang-orang terkenal pada masanya, air mancur di alun-alun utama Roma (air mancur yang telah disebutkan di Piazza Barberini, Piazza Navona, dll.), dan dalam semua karya ini mereka koneksi organik dengan lingkungan arsitektur. Bernini adalah tipikal seniman yang berkarya atas nama Gereja Katolik, oleh karena itu, dalam seratus altar, dibuat dengan kecemerlangan dekoratif yang sama dengan karya pahatan lainnya, bahasa plastisitas barok (transfer ilusi tekstur benda, kecintaan pada kombinasi dari bahan yang berbeda tidak hanya dalam tekstur, tetapi juga dalam warna, sandiwara aksi, “keindahan” umum dari patung tersebut) gagasan keagamaan tertentu selalu diungkapkan dengan jelas (“Ekstasi Santo Teresa dari Avila” di Gereja Santa Maria della Vittoria di Roma).

Bernini adalah pencipta potret Barok di mana semua fitur Barok terungkap sepenuhnya: gambar ini bersifat seremonial, teatrikal, dekoratif, tetapi keseluruhan gambar tidak mengaburkan penampilan sebenarnya dari model (potret Duke d'Ests, Louis XIV).

Dalam lukisan Italia pergantian abad XVI-XVII. dua yang utama dapat dibedakan arah artistik: yang satu dikaitkan dengan karya Carracci bersaudara dan diberi nama "Akademisi Bolognese", yang lain - dengan seni salah satu seniman terpenting Italia pada abad ke-17. Caravaggio.

Annibale dan Agostino Carracci serta sepupu mereka Lodovico mendirikan Akademi Mereka yang Memasuki Jalan Benar (Accademia degli incamminati) di Bologna pada tahun 1585, di mana para seniman belajar menurut program tertentu. Oleh karena itu namanya - "Akademisi Bologna" (atau "sekolah Bologna"). Prinsip-prinsip Akademi Bologna, yang merupakan prototipe dari semua akademi Eropa di masa depan, dapat ditelusuri dalam karya saudara-saudara yang paling berbakat - Annibale Carracci (1560-1609).

Carracci dengan cermat mempelajari dan mempelajari alam. Ia percaya bahwa alam tidak sempurna dan perlu diubah, dimuliakan, agar menjadi subjek penggambaran yang layak sesuai dengan norma klasik. Oleh karena itu, abstraksi yang tak terelakkan, sifat retoris dari gambaran Carracci, kesedihan, bukan kepahlawanan dan keindahan sejati. Karya seni Carracci ternyata sangat tepat waktu, sesuai dengan semangat ideologi resmi, dan mendapat pengakuan dan penyebaran yang cepat.

Annibale Carracci. Venus dan Adonis. Wina, Museum Kunsthistorisches

Carracci bersaudara adalah ahli lukisan monumental dan dekoratif. Karya mereka yang paling terkenal adalah lukisan galeri di Palazzo Farnese di Roma dengan subjek "Metamorphoses" karya Ovid (1597-1604), khas lukisan Barok. Selain itu, Annibale Carracci adalah pencipta apa yang disebut lanskap heroik - lanskap fiktif yang diidealkan, karena alam, seperti manusia (menurut Bolognese), tidak sempurna, kasar, dan memerlukan kehalusan agar dapat direpresentasikan dalam seni. Ini adalah lanskap yang dibentangkan dengan bantuan pemandangan secara mendalam, dengan kumpulan pepohonan yang seimbang dan reruntuhan yang hampir wajib, dengan sejumlah kecil orang yang hanya berfungsi sebagai staf untuk menekankan keagungan alam. Pewarnaan Bolognese juga sama konvensionalnya: bayangan gelap, warna lokal yang tersusun jelas, cahaya meluncur melalui volume. Ide-ide Carracci dikembangkan oleh sejumlah muridnya (Guido Reni, Domenichino, dll), yang dalam karyanya prinsip-prinsip akademisme hampir dikanonisasi dan menyebar ke seluruh Eropa.

Michelangelo Merisi(1573-1610), dijuluki Caravaggio (sesuai tempat kelahirannya), adalah seorang seniman yang memberi nama pada gerakan realistis kuat dalam seni yang berbatasan dengan naturalisme - Caravaggisme, yang memperoleh pengikut di seluruh Eropa Barat. Satu-satunya sumber yang menurut Caravaggio layak untuk menggambarkan tema seni adalah realitas di sekitarnya. Prinsip realistis Caravaggio menjadikannya pewaris Renaisans, meskipun ia menumbangkan tradisi klasik. Metode Caravaggio adalah antitesis dari akademisisme, dan sang seniman sendiri memberontak melawannya, dengan menegaskan prinsipnya sendiri. Oleh karena itu seruan (bukannya tanpa menantang norma-norma yang diterima) untuk karakter yang tidak biasa seperti penjudi, penajam, peramal, berbagai jenis petualang, yang citranya menjadi fondasi Caravaggio lukisan rumah tangga semangat yang sangat realistis, menggabungkan keterampilan observasi genre Belanda dengan kejelasan dan ketepatan bentuk sekolah Italia ("The Lute Player", c. 1595; "The Players", 1594-1595).

Namun yang utama bagi sang master tetaplah tema keagamaan (gambar altar), yang ingin diwujudkan Caravaggio dengan keberanian yang benar-benar inovatif sebagai penopang kehidupan. Dalam “The Evangelist Matthew with the Angel” (1599-1602) rasul terlihat seperti seorang petani, ia memiliki tangan kasar yang akrab dengan kerja keras, wajahnya yang keriput tegang karena aktivitas yang tidak biasa - membaca.

Caravaggio. Panggilan Rasul Matius. Gereja San Luigi Dei Francesi di Roma

Caravaggio memiliki bentuk pahatan plastik yang kuat; ia mengaplikasikan cat pada bidang yang besar dan lebar, mengambil bagian terpenting komposisi dari kegelapan dengan cahaya. Cahaya chiaroscuro yang tajam ini, kontras bintik-bintik warna, jarak dekat, kedinamisan komposisi menciptakan suasana ketegangan batin, drama, kegembiraan dan ketulusan yang besar. Caravaggio mendandani karakternya dengan pakaian modern dan menempatkannya dalam suasana yang sederhana dan familiar, yang membuatnya semakin meyakinkan. Karya-karya Caravaggio terkadang mencapai kekuatan ekspresi yang realistis, sayangnya, terkadang mencapai titik naturalisme, sehingga pelanggan menolaknya, tidak melihat kesalehan dan idealitas yang tepat dalam gambar (bukan tanpa alasan beberapa peneliti menggunakan istilah “realisme yang kejam ” sehubungan dengan Caravaggio). Hal yang sama terjadi pada gambar altar “Asumsi Bunda Allah”: pelanggan menolaknya, dengan alasan bahwa sang master tidak menggambarkan kehebatan Maria Diangkat ke Surga, tetapi kematian dengan segala keburukannya.

Kecenderungan pada detail naturalistik dan keaslian situasi tidak mengaburkan hal utama di dalamnya karya Caravaggio, yang terbaik adalah ekspresif secara emosional, sangat dramatis dan luhur (“Entombment”, 1602). Karya matang sang master dicirikan oleh monumentalitas, keagungan komposisi, bentuk pahatan, dan kejelasan desain klasik. Pada saat yang sama, gradasi cahaya dan bayangan menjadi lebih lembut, nuansa warna menjadi lebih halus, ruang menjadi lapang (yang telah disebutkan “Assumption of Mary”, 1606).

Seni Caravaggio melahirkan pengikut sejatinya metode artistik, dan peniru dangkal yang hanya menguasai teknik eksternal. Di antara para pengikutnya yang paling serius di Italia, kita dapat menyebutkan Crespi, Gentilleschi, dan semua “Tenebrists” Venesia; di Belanda - Terbruggen dan secara umum seluruh apa yang disebut “sekolah Kavarajis Utrecht”. Pengaruh Caravaggio dialami oleh Rembrandt muda, di Spanyol - Ribera, Zurbaran, Velazquez.

Sejak periode paling awal, gaya Barok Italia sebagian besar dibentuk berdasarkan prinsip-prinsip yang sama dengan sistem akademik Bolognese. Idealisasi dan kesedihan sangat dekat dengan kalangan resmi masyarakat Italia dan gereja - pelanggan utama karya seni. Namun gaya ini juga mengambil sesuatu dari Caravaggio: materialitas bentuk, energi dan drama, inovasi dalam pemahaman pemodelan cahaya dan bayangan. Akibat perpaduan dua hal yang berbeda sistem artistik dan seni Barok Italia lahir: lukisan monumental dan dekoratif Guercino (Francesco Barbieri, 1591 - 1666) dengan tipe realistiknya dan chiaroscuro Caravaggist, Pietro da Cortona (Berrettini, 1596-1669), Luca Giordano (1632-1705 ); lukisan kuda-kuda Caravaggio yang paling dekat adalah Bernardo Strozzi (1581 -1644), pewarna hebat Domenico Fetti (1588/89-1623), yang sangat dipengaruhi oleh Rubens (dan juga Strozzi). Beberapa saat kemudian, di pertengahan abad ini, komposisi romantis kelam karya Salvator Rosa (1615-1673), yang cemerlang dalam keindahan warnanya, muncul.

Caravaggio. Posisi di peti mati. Vatikan, Pinakothek

Pada sepertiga terakhir abad ke-17. dalam seni Barok Italia, perubahan tertentu direncanakan. Dekorasinya meningkat tak terkendali, komposisi dan sudut menjadi lebih kompleks, nampaknya sosok-sosok itu bergerak cepat dan tidak teratur. Lukisan dengan ilusionisme perspektifnya pada hakikatnya menghancurkan tembok, “merobek” langit-langit atau kubah, yang selama ini selalu bertentangan dengan kaidah seni klasik. Plafon gereja Roma Sant'Ignazio "The Apotheosis of St. Ignatius", dikerjakan oleh Andrea del Pozzo (1642-1709), seorang arsitek, pelukis, ahli teori seni, yang bukan tanpa alasan disebut sebagai kepala "Jesuit style", adalah contoh paling jelas dari lukisan plafon dengan "penipuan mata", ekspresif sarana ekspresif, mistisisme dan suasana gembira (Roma, 1684).

Pada akhir abad ini, sikap dingin, retorika, dan kesedihan yang salah semakin mendominasi komposisi, baik monumental maupun dekoratif dan kuda-kuda. Namun, seniman terbaik masih tahu bagaimana mengatasi ciri-ciri mendiang Barok ini. Begitulah pemandangan romantis Alessandro Magnasco (1667-1749), lukisan monumental (plafon, altar) dan kuda-kuda (potret) karya Giuseppe Crespi (1665-1747) - seniman yang berdiri di pergantian abad baru.

Penyelamat Rosa.

Barok(sok, mewah) - gaya yang berkembang pada paruh pertama abad ke-17 dan ke-18. Dalam seni seri negara-negara Eropa, terutama di Italia, tetapi juga di Spanyol, Jerman, Prancis.

Seni B. dicirikan oleh keagungan, kemegahan dan dinamika, kegembiraan yang menyedihkan, intensitas perasaan, kecenderungan pada tontonan spektakuler, kontras skala dan ritme yang kuat, bahan dan tekstur, cahaya dan bayangan. Berkat plastisitas fasad yang mewah dan aneh, permainan chiaroscuro yang gelisah, serta denah dan garis lengkung yang rumit, istana dan gereja Belarus memperoleh keindahan dan dinamisme dan menyatu dengan ruang di sekitarnya.

Kubah memiliki bentuk yang rumit, seringkali bertingkat, seperti yang ada di Katedral Santo Petrus di Roma. Detail karakteristik Barok - Atlantis, caryatid, mascaron. Interior seremonial bangunan dihiasi dengan model dan ukiran warna-warni; cermin dan lukisan di dinding serta penutup lampu memperluas ruang secara ilusi. Kombinasi warna kontras, palet warna yang kaya (dari zamrud hingga merah anggur). Kombinasi yang populer adalah putih dan emas. Garis – pola asimetris cembung-cekung; berbentuk setengah lingkaran, persegi panjang, lonjong; garis vertikal kolom; pembagian horizontal yang jelas. Simetri umum. Kemewahan yang berlebihan, banyak lukisan, perabotan rumit, dihiasi dengan plesteran dan tatahan. Setiap sudut interiornya didekorasi dengan mewah.

DI DALAM seni rupa Komposisi dekoratif yang bersifat religius, mitologis, dan alegoris mendominasi. Dalam lukisan ada emosi, kebebasan guratan yang mudah, dalam seni pahat ada fluiditas bentuk yang indah, rasa mudah berubah. Master terkenalnya adalah arsitek dan pematung Bernini. Dalam seni lukis, ciri-ciri Barok muncul pada karya Tiepolo dan Rubens.

Barok Rusia berkembang pada paruh pertama abad ke-18, terutama dalam arsitektur Rastrelli dan para ahli yang dekat dengannya. Contoh cemerlang adalah ansambel Istana Musim Dingin di St. Petersburg, Istana Catherine di Tsarskoe Selo, dan karya pahatan Rastrelli sang Ayah (Monumen Peter I, potret Menshikov, “Anna Ioannovna with the Little Arab”).

Arsitektur Barok

Carlo Maderna- salah satu pendiri Barok Italia, perwakilan terkemuka Barok di Italia. Kreasi utamanya adalah fasad gereja Roma Santa Susanna (1603).

Giovanni Lorenzo Bernini- seorang arsitek dan pematung Italia yang hebat, perwakilan terbesar dari Barok Romawi dan seluruh Italia. Karyanya dianggap sebagai standar estetika Barok. Karya Bernini yang paling terkenal adalah Lapangan Santo Petrus dan Basilika di Roma. Alun-alun ini dibingkai oleh barisan tiang setengah lingkaran dari tatanan Tuscan, dirancang oleh Bernini, yang, jika dikombinasikan dengan katedral, membentuk bentuk simbolis dari "kunci St. Peter". Di tengahnya ada obelisk Mesir.

Lapangan Santo Petrus di Roma

Francesco Bartolomeo Rastrelli- Arsitek terkenal Rusia asal Italia, akademisi arsitektur. Dua karyanya yang paling terkenal adalah ansambel Biara Smolny dan Istana Musim Dingin dengan Tangga Jordan yang terkenal. Proyek Rastrelli di Kyiv yang terkenal adalah Istana Mariinsky dan Gereja St. Andrew di Kyiv. Dibangun atas perintah Permaisuri Elizabeth Petrovna di bawah kepemimpinan I.F.Michurin.

Barok adalah gaya seni Italia yang dominan pada abad ke-17, terutama dalam arsitektur dan patung. Namun seiring dengan itu ada pula arah realistik, yang terekspresikan paling lengkap dalam karya seniman Caravaggio, yang memberikan pengaruh luar biasa terhadap perkembangan seluruh seni lukis realistik di Eropa.

Lukisan Barok.

Michelangelo Merisi da Caravaggio ( 1573-1610)

"Pemuda dengan Kecapi." Di atas meja di depannya ada biola, lembaran musik, dan buah-buahan. Semua objek ini dilukis dengan keterampilan halus dalam kebulatan, materialitas, dan wujudnya yang padat. Wajah dan sosoknya dipahat dengan chiaroscuro, latar belakang gelap menekankan kekayaan warna terang yang menonjol ke depan, objektivitas segala sesuatu yang disajikan. Caravaggio menegaskan keunggulan reproduksi kehidupan secara langsung. Dia mengontraskan keanggunan yang tidak wajar dari tingkah laku yang masih meluas dan kesedihan dari perkembangan barok dengan kesederhanaan dan kealamian kehidupan sehari-hari. Menggeneralisasikan bentuk-bentuk, mengidentifikasi yang esensial, ia memberi makna dan monumentalitas pada yang paling penting benda sederhana. Komposisi Caravaggio dengan figur yang terpotong di bagian pinggang dibuat secara presisi, memiliki pola yang ketat, integritas, isolasi, membawa Caravaggio lebih dekat dengan para empu Renaisans. Hal ini memberikan monumentalitas dan signifikansi tidak hanya pada kesehariannya, tetapi juga pada adegan keagamaan, seperti, misalnya, “Ketidakpercayaan Thomas”.

"Pemuda dengan Kecapi"

Caravaggio dengan berani menafsirkan gambaran keagamaan, tidak takut akan kekasaran dan kekerasan, memberi mereka ciri-ciri yang mirip dengan masyarakat umum. Dia menemukan pahlawannya di antara para nelayan, pengrajin, tentara - orang-orang yang berintegritas, diberkahi dengan kekuatan karakter. Dengan kontras chiaroscuro yang tajam, ia meningkatkan pemodelan bentuk yang kuat dan hampir plastis, mendekatkan figur ke latar depan gambar, menampilkannya dari sudut yang rumit, menekankan signifikansi dan monumentalitasnya.

Komposisi “Panggilan Rasul Matius” diselesaikan sebagai sebuah adegan bergenre - di mana dua pria muda digambarkan dengan kostum yang modis pada saat itu, memandang dengan rasa ingin tahu pada masuknya Kristus. Matthew mengalihkan pandangannya kepada Kristus, sementara pemuda ketiga, tanpa mengangkat kepalanya, terus menghitung uang. Seberkas cahaya terang, menembus pintu yang terbuka, mengeluarkan sosok-sosok hidup berkarakter tajam dari kegelapan ruangan. Solusi cahaya dan bayangan membantu tidak hanya mengungkapkan volume bentuk, tetapi juga meningkatkan efektivitas dramatis dan emosionalitas gambar.

Orang-orang kudus dan para martir besar muncul dalam karya-karya Caravaggio sebagai orang-orang yang kuat dan berdarah murni: Matius yang berpikiran sederhana dan kasar, Petrus dan Paulus yang tegas dan menginspirasi. Tidak ada yang aneh pada sosok mereka yang berwujud plastik. Sebagian besar komposisi “Conversion of Paul” ditempati oleh gambar seekor kuda, di bawah kukunya seseorang dapat melihat sosok Paul muda yang bersujud, diterangi oleh cahaya terang, disajikan dalam perspektif yang luar biasa kompleks. Dengan menggunakan efek optik, seniman mencapai monumentalitas dan kekuatan dari solusi keseluruhan.

Dalam karya-karya Caravaggio selanjutnya, sifat dramatis dari pandangan dunianya semakin intensif. Kesatuan dan intensitas tindakan, suasana hati, kelengkapan dan keunikan struktur komposisi, kekuatan luar biasa dari pemodelan cut-off memberi mereka karakter adegan nyata, lengkap perasaan yang besar dan pikiran. Itu tumbuh dari gambar ke gambar kekuatan yang tragis gambar Caravaggio. Dalam lukisan “The Entombment”, dengan latar belakang gelap pekat, sekelompok orang yang dekat dengan Kristus tampak menonjol dengan cahaya terang saat mereka menurunkan tubuh-Nya ke dalam kubur. Mereka kasar dan pendiam dalam perasaannya, tetapi setiap gerakan ditandai dengan ketenangan khusus. Dan hanya tangan Maria, yang terangkat dalam keputusasaan yang menyedihkan, memicu kesedihan yang mendalam dari tokoh-tokoh lainnya, kontras dengan beban berat yang menindas dari tubuh Kristus yang tak bernyawa. Nisan, di tepi tempat mereka yang membawa jenazah berhenti, menekankan soliditas seluruh kelompok. Pemandangan dari bawah menambah kesan keagungan.

Sang seniman mencapai emosi yang luar biasa dalam komposisi “The Assumption of Mary”, dengan ketulusan emosi yang menakjubkan yang diekspresikan dalam pose, gerak tubuh, dan wajah para murid Kristus yang berduka yang mengelilingi tempat tidur almarhum. Segala sesuatu di sini tunduk pada ekspresi kesadaran sedih akan tragedi kehidupan, akhir yang tak terhindarkan. Intinya, ini adalah gambaran orang-orang pemberani dari masyarakat, diberkahi dengan kedalaman persepsi, signifikansi dan sekaligus spontanitas ekspresi gerakan mental yang kompleks. Ketajaman pengamatan dalam penokohan setiap tokoh dipadukan dengan singkatnya monumental dan keagungan tragis.

Pengaruh karya Caravaggio terhadap perkembangan realisme seni rupa Eropa sangat besar. Di Italia sendiri banyak pengikutnya yang disebut Caravaggist. Namun pengaruhnya di luar Italia bahkan lebih signifikan. Tidak ada satu pun pelukis besar pada masa itu yang melewatkan kecintaannya pada Caravaggisme, yang merupakan tahap penting dalam jalur seni realistik Eropa.

Seni Italia abad ke-17. Masalah umum.

Pusat perkembangan seni Barok baru pada pergantian abad ke-16 abad ke-17 adalah Roma. Arsitektur kota ini pada abad ke-17. tampaknya khas era Barok.

Para master Barok melanggar banyak tradisi artistik Renaisans, dengan volumenya yang harmonis dan seimbang. Arsitek Barok memasukkan dalam ansambel arsitektur holistik tidak hanya bangunan dan alun-alun individu, tetapi juga jalan. Awal dan akhir jalan tentunya ditandai dengan semacam aksen arsitektural (persegi) atau pahatan (monumen). Untuk pertama kalinya dalam sejarah perencanaan kota, Domenico Fontana menggunakan sistem jalan tiga sinar yang menyimpang dari Piazza del Popolo, sehingga mencapai hubungan antara pintu masuk utama kota dan ansambel utama Roma. Obelisk dan air mancur yang ditempatkan di titik hilang jalan radial dan di ujungnya menciptakan efek teatrikal dari perspektif yang semakin menjauh. Prinsip Air Mancur sangat penting untuk semua perencanaan kota Eropa selanjutnya.

Selama periode Barok dewasa, dari sepertiga kedua abad ke-17, dekorasi arsitektur menjadi lebih megah. Tidak hanya fasad utama yang dihias, tetapi juga dinding di sisi taman; dari lobi depan Anda bisa langsung menuju ke taman, yang merupakan ansambel taman yang megah; dari sisi fasad utama, sayap samping bangunan memanjang dan membentuk cour d'honneur (pengadilan kehormatan).

Pada sepertiga terakhir abad ke-17. Dalam seni Barok Italia, perubahan-perubahan tertentu digariskan: dekorasi semakin intensif, sudut-sudut gambar menjadi lebih kompleks, dan gerakan-gerakan tampak “semakin cepat”. Arsitektur dan patung hadir dalam sintesis dengan karya-karya yang diciptakan dengan teknik ilusionisme bergambar. Ilusionisme perspektif menghancurkan tembok yang selalu bertentangan dengan aturan seni klasik. Dalam komposisi, baik monumental maupun dekoratif dan kuda-kuda, sikap dingin, retorika, dan kesedihan yang salah semakin diunggulkan. Namun, seniman terbaik masih tahu bagaimana mengatasi sifat-sifat berbahaya dari mendiang Barok. Begitulah pemandangan romantis Alessandro Magnasco, lukisan monumental (plafon, altar) dan kuda-kuda (potret) karya Giuseppe Crespi - seniman yang berdiri di pergantian abad baru.

Seni Italia sekitar tahun 1600: tren perkembangan utama

Dalam lukisan Italia pada pergantian abad 16-17. Dua gerakan artistik utama muncul: satu dikaitkan dengan karya Carracci bersaudara dan disebut “Akademisi Bolognese”, yang lain dikaitkan dengan seni salah satu seniman terpenting di Italia pada abad ke-17. Caravaggio.

Annibale dan Agostino Carracci serta sepupu mereka Lodovico mendirikan Akademi Jalan Sejati di Bologna pada tahun 1585, di mana para seniman belajar menurut program tertentu. Oleh karena itu namanya – “Akademisi Bologna”.

Prinsip Akademi Bologna, yang merupakan prototipe semua akademi Eropa di masa depan, dapat ditelusuri dalam karya saudara paling berbakat, Annibale Carracci (1560–1609). Carracci dengan cermat mempelajari dan mempelajari alam. Ia percaya bahwa alam tidak sempurna dan perlu diubah, dimuliakan agar menjadi subjek penggambaran yang layak sesuai dengan norma klasik. Oleh karena itu, abstraksi yang tak terelakkan, sifat retoris dari gambaran Carracci, kesedihan, bukan kepahlawanan dan keindahan sejati. Karya seni Carracci ternyata sangat tepat waktu, sesuai dengan semangat ideologi resmi, dan mendapat pengakuan dan penyebaran yang cepat. Carracci bersaudara adalah ahli lukisan monumental dan dekoratif.

Karya mereka yang paling terkenal - lukisan galeri Palazzo Farnese di Roma dengan subjek "Metamorphoses" karya Ovid (1597-1604) - adalah ciri khas lukisan Barok. Annibale Carracci juga merupakan pencipta lanskap heroik, yaitu lanskap fiktif yang diidealkan, karena alam, seperti manusia (menurut Bolognese), tidak sempurna, kasar, dan memerlukan kehalusan agar dapat direpresentasikan dalam seni.

Carracci Ludovico - Pertunangan Maria. Perjamuan di Emaus, 1599-1602 –

Michelangelo Merisi de Caravaggio

Michelangelo Merisi, dijuluki Caravaggio (1573 - 1610), adalah seniman yang memberikan namanya pada gerakan seni realistik yang kuat, yang memperoleh pengikut di seluruh Eropa Barat. Satu-satunya sumber yang menurut Caravaggio layak untuk menggambarkan tema seni adalah realitas di sekitarnya. Prinsip realistis Caravaggio menjadikannya pewaris Renaisans, meskipun ia menumbangkan tradisi klasik. Metode Caravaggio adalah antitesis dari akademisisme, dan sang seniman sendiri memberontak melawannya, dengan menegaskan prinsipnya sendiri. Oleh karena itu daya tarik (bukan tanpa menantang norma-norma yang diterima) terhadap karakter-karakter yang tidak biasa seperti penjudi, penajam, peramal, dan berbagai jenis petualang, yang gambarnya Caravaggio meletakkan dasar untuk lukisan sehari-hari dengan semangat yang sangat realistis, menggabungkan keterampilan observasi dari genre Belanda dengan kejelasan dan ketepatan bentuk aliran Italia (“The Lute Player,” sekitar tahun 1595; “The Players”, 1594–1595).

3. Caravaggio. Kreativitas awal

Dalam karya awalnya, Caravaggio memperkenalkan konsep "genre" ke dalam lukisan Italia, yang sebelumnya hanya menjadi ciri khas seniman Belanda. Namun tidak seperti orang Belanda, Caravaggio tidak begitu tertarik dengan apa yang sedang terjadi atau akan terjadi; baginya, tipe jalanan itu sendiri lebih menarik - seorang peramal dengan sorban putih, seorang pemuda necis bertopi bulu dan sejenisnya.

Tahun-tahun pertama kehidupan sang seniman di Roma, tempat ia tiba sekitar tahun 1590, sangatlah sulit. Untuk mendapatkan uang, ia melukis bunga dan buah-buahan pada lukisan karya seniman lain, dan kemudian mulai secara mandiri membuat adegan bergenre unik dan benda mati. Menggambarkan anak jalanan, pengunjung kedai minuman, dan keranjang buah, dia adalah salah satu orang pertama yang menegaskan hak untuk eksisnya genre-genre ini. Hal utama dalam karya Caravaggio bukanlah narasinya, melainkan tipe karakteristiknya.

Lukisan-lukisan tersebut termasuk “Pemuda dengan Kecapi” (sekitar tahun 1595, St. Petersburg, Hermitage).

Di atas meja di depannya ada biola, lembaran musik, dan buah-buahan. Semua objek ini dilukis dengan keterampilan halus dalam kebulatan, materialitas, dan wujudnya yang padat. Wajah dan sosoknya dipahat dengan chiaroscuro, latar belakang gelap menekankan kekayaan warna terang yang menonjol ke depan, objektivitas segala sesuatu yang disajikan. Caravaggio menegaskan keunggulan reproduksi kehidupan secara langsung. Dia mengontraskan keanggunan yang tidak wajar dari tingkah laku yang masih meluas dan kesedihan dari perkembangan barok dengan kesederhanaan dan kealamian kehidupan sehari-hari. Menggeneralisasikan bentuk-bentuk, mengidentifikasi yang esensial, ia memberikan makna dan monumentalitas pada objek-objek paling sederhana. Komposisi Caravaggio dengan figur yang terpotong di bagian pinggang dibuat secara presisi, memiliki pola yang ketat, integritas, isolasi, membawa Caravaggio lebih dekat dengan para empu Renaisans. Hal ini memberikan monumentalitas dan signifikansi tidak hanya pada kesehariannya, tetapi juga pada adegan keagamaan, seperti, misalnya, “Ketidakpercayaan Thomas” (sekitar tahun 1603, Florence, Uffizi; versi – Potsdam, Galeri Seni Sanssouci).