Seni terapan. Seni dekoratif dan terapan pertengahan abad ke-18 Monumen budaya Rusia

Pada paruh kedua abad ke-18, seni terapan Rusia mengalami peningkatan yang signifikan. Hal ini difasilitasi oleh perkembangan ekonomi, perdagangan, ilmu pengetahuan dan teknologi dan, sebagian besar, hubungan erat dengan arsitektur dan seni rupa. Jumlah pabrik besar dan kecil, pabrik, bengkel yang memproduksi kain, kaca, porselen, dan furnitur bertambah. Pemilik tanah mendirikan berbagai bengkel berdasarkan buruh budak di perkebunan mereka.

Ide-ide humanistik Pencerahan secara unik tercermin dalam seni terapan pada akhir abad ke-18. Para perajin masa ini dibedakan oleh perhatiannya terhadap selera pribadi dan kebutuhan manusia, serta pencarian kenyamanan dalam lingkungan.

Gaya baru - klasisisme Rusia - pada pergantian tahun 1770-1780an didirikan dalam segala bentuk seni terapan. Arsitek M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin menciptakan interior dalam semangat kesederhanaan dan pengekangan yang mulia dengan pembagian bagian-bagian yang jelas, dengan penataan plastik dan dekorasi arsitektur yang indah secara konstruktif.

Furnitur, tempat lilin, dan lampu gantung dirancang menggunakan prinsip yang sama untuk bangunan istana. Dalam ornamen furnitur, piring, dan kain, dibangun dengan ritme yang jelas, muncul motif antik - acanthus, liku-liku, ionik, bunga, karangan bunga, gambar dewa asmara, sphinx yang ditafsirkan dengan jelas. Penyepuhan dan warna menjadi lebih lembut dan terkendali dibandingkan pada pertengahan abad ke-18.

Pada akhir abad ke-18, kecintaan terhadap zaman kuno memaksa orang untuk meninggalkan kostum yang rumit dan megah sekalipun. Gaun ringan dan longgar dengan lipatan mengalir dan ikat pinggang tinggi dengan gaya antik mulai menjadi mode (V.L. Borovikovsky. “Portrait of M.I. Lopukhina.” 1797).

Sintesis seni dalam klasisisme Rusia didasarkan pada prinsip kombinasi harmonis semua jenis seni.

Mebel. Pada masa klasisisme, bentuknya sederhana, seimbang, tersusun jelas, dan ritmenya tenang. Garis luarnya masih tetap lembut dan bulat, namun garis vertikal dan horizontal sudah menonjol. Dekorasi (ukiran rendah, lukisan, pelat perunggu dan kuningan) menekankan ekspresi struktur. Ada lebih banyak perhatian terhadap kenyamanan. Suite dirancang untuk ruang depan untuk berbagai keperluan: ruang tamu, kantor, kamar tidur depan, aula. Bentuk furnitur baru telah muncul: meja untuk permainan kartu, kerajinan tangan, meja kacang portabel ringan (dengan penutup berbentuk kacang), berbagai jenis lemari berlaci. Sofa telah tersebar luas, dan di perabot kantor, sekretaris biro, biro dengan penutup silinder yang dapat digulung.

Seperti periode sebelumnya, furnitur Rusia, dibandingkan dengan furnitur Barat, lebih masif, lebih umum, dan detailnya lebih sederhana. Bahannya adalah spesies kayu lokal - linden, birch (disepuh dan dicat warna terang), kenari, oak, poplar, abu, pir, oak rawa. Pada akhir abad ke-18, kayu birch Karelia dan kayu mahoni, bayam, rosewood, dan spesies lain yang diimpor mulai digunakan. Para pengrajin tahu bagaimana menunjukkan keindahan, struktur, warna, kilau, yang ditekankan secara terampil dengan pemolesan.

Para master Rusia mencapai prestasi luar biasa dalam teknik tipografi (marquetry). Esensinya adalah menyusun ornamen dan lukisan utuh (biasanya berdasarkan ukiran) dari potongan kayu berwarna pada permukaan benda kayu. Pekerjaan semacam ini diketahui tidak hanya di kalangan pembuat furnitur istana ibu kota, tetapi juga di antara mantan budak yang bekerja di Moskow dan wilayah Moskow: Nikifor Vasilyev (sakit 78), Matvey Veretennikov dan pengrajin Tver dan Arkhangelsk yang tidak disebutkan namanya, yang memperkenalkan gading walrus ke dalam set. Sampel seni tinggi Ukiran furnitur Istana Ostankino milik budak Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov, dan lainnya. Petersburg, furnitur dan ukiran karya master dari Okhta, yang dipindahkan ke ibu kota dari berbagai tempat di bawah Peter I, terkenal dengan tampilan artistik furniturnya yang dilengkapi dengan pelapis dengan sutra bermotif, beludru, kain chintz bermotif, dan linen kain yang selaras dengan dekorasi dinding.

kain. Dari semua industri pada paruh kedua abad ke-18, tekstil berkembang paling sukses (provinsi Moskow, Ivanovo, Yaroslavl, Vladimir). Kebangkitannya tidak hanya ditentukan oleh pabrik-pabrik besar, tetapi juga oleh perusahaan-perusahaan petani kecil. Para pengrajin mencapai kesempurnaan khusus dalam kain linen bermotif baru dengan tenunan yang rumit, dengan permainan warna linen putih keperakan alami. Tradisi tenun petani dan pemahaman mendalam tentang bahan tercermin di sini. Barang-barang beraneka ragam dan diwarnai yang murah dan diproduksi secara massal juga diproduksi. Kualitas dekoratif kain berwarna dan kain wol telah meningkat secara signifikan.

Produksi kain sutra untuk gaun dan kain hias, syal, dan pita berkembang pesat (sakit 80). Pada akhir abad ke-18, kualitasnya tidak kalah dengan kualitas Prancis - yang terbaik di Eropa. Penenun Rusia belajar menggunakan berbagai benang dan pola tenun rumit yang mengingatkan pada sulaman. Teknik komposisi, kekayaan palet pada kain dekoratif mencapai transfer ruang, kehalusan transisi nada, dan keakuratan desain bunga, burung, dan lanskap. Kain seperti itu digunakan dalam dekorasi istana dan dikirim ke luar negeri sebagai hadiah.

Pada kain untuk gaun, terutama pada kain sundress, hingga tahun 1780-an - 1790-an, digunakan pola karangan bunga, pita, dan manik-manik yang rumit dan bergelombang. Namun lambat laun karangan bunga itu digantikan oleh garis-garis, polanya menjadi lebih sederhana, ritmenya lebih halus, warnanya lebih terang dan lembut.

Pada 1750-an-1760-an di St. Petersburg dan kemudian di Moskow, di desa. Ivanovo (sekarang kota Ivanovo) mengembangkan produksi calico (kain katun dengan pola cetak menggunakan pewarna yang diinfuskan dan tidak luntur serta pemolesan selanjutnya). Pada pola belacu, para perajin, khususnya yang berasal dari Ivanovo, mengolah motif kain sutra secara unik. Berdasarkan bahan cetakan rakyat, mereka menggabungkan titik gambar yang kaya dan potongan grafis (kontur pola, kisi, titik latar belakang). Pada awalnya, harga calico sangat mahal. Pada akhir abad ke-18, varietas murah mulai diproduksi.

Porselen. Pada akhir abad ke-18, porselen Rusia menjadi salah satu yang terbaik di Eropa. Pabrik Porselen Negara di St. Petersburg beroperasi dengan sukses. Produk-produknya dibedakan dari warna putihnya yang agak hangat, glasir yang mengkilat, dan kualitas teknis yang tinggi. Bentuk piring, vas, dan lukisannya pun tidak kalah dengan bentuk Barat.

Layanan yang paling signifikan diciptakan - Arabesque untuk resepsi pengadilan (1784, sakit. 77). Dekorasi meja dari sembilan patung alegoris ini mengagungkan aneksasi Georgia dan Krimea, "kebajikan" Catherine II (pematung J. D. Rashet). Didominasi oleh pose-pose tenang khas klasisisme akhir abad ke-18, penyepuhan ringan, proporsi ketat bentuk penyajian hidangan dengan lukisan berbentuk arabesque, berdasarkan ornamen kuno.

Pada 1780-an, serangkaian patung "Rakyat Rusia" (pemrosesan ukiran secara kreatif) diciptakan - dekoratif cerah, dengan gambar khas - perwakilan dari masing-masing negara (Yakut, Samoyed, Tatar). Patung-patung pedagang kaki lima dan pengrajin diproduksi, digambarkan dalam gerakan dan pekerjaan. Patung porselen telah menjadi dekorasi favorit interior bangsawan selama beberapa dekade.

Dari pabrik porselen swasta, pabrik Franz Gardner (1765) (desa Verbilki dekat Moskow) ternyata yang paling layak. Pada akhir abad ke-18, ia membuat set untuk rumah kerajaan dengan penggunaan asli motif tatanan Rusia pada lukisannya. Peralatan makan porselen Gardner yang cukup murah, bercirikan kesederhanaan bentuk, lukisan bunga yang subur, dekat tradisi rakyat, sukses baik di ibu kota maupun di provinsi (sakit 79).

Kaca. Kaca berwarna membawa kejayaan sejati bagi kaca Rusia pada sepertiga terakhir abad ke-18. M.V. Lomonosov, dengan karyanya tentang teori warna dan teknologi kaca berwarna, membuka jalur baru bagi pembuatan kaca Rusia, memperkaya palet kaca, dan menghidupkan kembali mosaik Rusia. Dia mengorganisir sebuah pabrik untuk produksi smalt, manik-manik dan kaca di desa Ust-Ruditsa, provinsi St. Petersburg. Para master Pabrik Negara di St. Petersburg, Druzhinin dan Kirillov, dilatih dalam peleburan kaca berwarna oleh Lomonosov. Pabrik ini menguasai produksi kaca dengan warna yang dalam dan murni - biru, ungu, merah mawar, hijau zamrud. Kini produksinya tidak lagi didominasi oleh kristal berukir, melainkan kaca tipis berwarna dan tidak berwarna. Gelas, piala, dan decanter menerima bentuk halus yang membuat tubuh bertransisi dengan mulus ke batangnya, menciptakan kontur yang lembut dan anggun. Lukisan emas dan perak berupa karangan bunga, busur, bintang, dan monogram memiliki irama yang tenang dan menekankan volume plastik wadah.

Apa yang disebut gelas putih susu juga diproduksi (mug, decanter, benda gereja), mengingatkan penampilan dan sifat lukisannya adalah porselen yang lebih mahal.

Pada akhir abad ke-18, perusahaan swasta berkembang dan mencapai kesuksesan besar. pabrik kaca Bakhmetyev di provinsi Penza, keluarga Maltsev di provinsi Vladimir dan Oryol dan banyak lainnya. Kaca dan kristalnya yang tidak berwarna dan berwarna tersebar luas di seluruh Rusia.

Pemrosesan logam artistik. Perkembangan seni perhiasan di Rusia dimulai pada pertengahan abad ke-18 dan berlanjut sepanjang abad tersebut. Ini memiliki bahan artistik dengan keindahan luar biasa: berlian, zamrud, safir dan batu berharga dan semi mulia lainnya, enamel yang dicat, logam non-besi (emas, perak, platinum, paduan). Seni memotong batu mencapai tingkat kesempurnaan yang tinggi. Untuk meningkatkan permainan batu, pembuat perhiasan menemukan berbagai teknik artistik dan teknis untuk memasang dan mengamankan bagian-bagian yang dapat dipindahkan. Seniman perhiasan membuat perhiasan beraneka warna dengan bentuk yang rumit: anting, cincin, kotak tembakau, gesper sepatu, kancing untuk setelan mewah untuk pria dan wanita.

Pada sepertiga terakhir abad ke-18, bentuk perhiasan memperoleh keseimbangan dan warna batu mulia menjadi lebih ketat.

Selama periode ini, perajin perak mencapai kesuksesan besar. Sesuai dengan selera baru, bentuk jasa perak sederhana dan jelas. Semuanya dihiasi dengan seruling dan ornamen antik. Pada kacamata perak, kotak tembakau utama Veliky Ustyug mereproduksi gambar pemandangan kuno dan kemenangan pasukan Rusia dari ukiran.

Sebuah fenomena luar biasa dalam penerapannya seni XVII Abad ke-1 - produk seni baja dari para ahli Tula: furnitur, kotak, tempat lilin, kancing, gesper, kotak tembakau. Mereka membangun efek dekoratif karyanya pada penjajaran baja ringan halus dan dekorasi berupa potongan-potongan segi yang berkilau seperti berlian. Pengrajin menggunakan logam kebiruan (perlakuan panas di bengkel pada suhu berbeda), yang memberikan berbagai corak - hijau, biru, ungu, dari tebal hingga cerah. Tradisi kesenian rakyat tercermin dari kecintaan terhadap warna-warna cerah dan pemahaman mendalam terhadap materi.

Batu berwarna. Pada paruh kedua abad ke-18, endapan kelereng, orlet merah muda ceri di Ural, jasper multi-warna, breksi beraneka ragam, porfiri Altai, dan lapis lazuli Baikal biru ditemukan. Selain Peterhof (1722-1723) dan Yekaterinburg (awal 1730-an), pabrik Loktev mulai beroperasi di jantung kota Altai pada tahun 1787 (sejak 1802 digantikan oleh pabrik Kolyvan). Ada kemungkinan luas untuk menggunakan batu berwarna dalam finishing dan dekorasi karya monumental dan dekoratif interior istana.

Kemampuan untuk mengidentifikasi kualitas estetika suatu bahan selalu membedakan pengrajin Rusia, tetapi hal ini terutama terlihat jelas dalam seni memotong batu. Bekerja sesuai dengan desain arsitek, pemotong batu secara artistik mengungkapkan keindahan batu yang luar biasa, pola alaminya, corak warna yang luar biasa, kilau, menyempurnakannya dengan pemolesan yang sangat baik. Perunggu berlapis emas dalam bentuk gagang, gagangnya hanya melengkapi dan mempertegas bentuknya. Proyek ukiran batu, obelisk, vas, berdasarkan bentuk kuno, dibuat oleh Quarenghi dan Voronikhin.

Berkembangnya seni terapan Rusia abad ke-18 dikaitkan dengan karya arsitek Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin dan sejumlah ahli terlatih. seniman rakyat. Namun kejayaannya yang sebenarnya sebagian besar diciptakan oleh pengrajin budak yang masih belum diketahui - pembuat furnitur, pemahat, penenun, pemotong batu, perhiasan, pembuat kaca, pembuat keramik.

Sudah dalam seni rupa abad ke-17, khususnya paruh kedua, terdapat kecenderungan-kecenderungan yang membuka jalan bagi pesatnya perkembangan seni realistik sekuler abad ke-18. Konvensi ikonografi memberi jalan bagi reproduksi manusia, lanskap, dan peristiwa sejarah yang menyerupai kehidupan.

Setelah sekularisasi tanah pada tahun 1764, Trinity-Sergius Lavra kehilangan harta bendanya, tetapi kekayaannya pada saat itu begitu besar sehingga reformasi ini tidak mempengaruhi lingkup pekerjaan konstruksi di biara, atau kekayaan dekorasi interior gereja. kamar pribadi gubernur dan metropolitan yang tinggal di biara, serta dari kekayaan sakristi dan perbendaharaannya. Biara terus menerima sumbangan dari permaisuri dan pejabat tinggi istana, Metropolitan Moskow, dan pendeta lainnya. Biasanya, ini adalah karya yang dibuat master terbaik Moskow, St. Petersburg, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl dan pusat seni terapan lainnya. Oleh karena itu, koleksi seni terapan Lavra abad ke-18. mewakili jenis teknik perhiasan yang paling beragam saat ini.

Seni pembuatan koin perak memperoleh tampilan yang unik, terutama sejak pertengahan abad ke-18. Ini sebagian besar adalah gulungan barok besar yang dibuat dengan sangat baik dalam relief yang agak tinggi dikombinasikan dengan gambar buah-buahan, keranjang bunga, dewa asmara, karangan bunga dan dedaunan.

Embossnya sering kali dibuat kerawang dan dalam hal ini memiliki latar belakang tambahan yang menerangi polanya. Contoh klasik

Mata uang serupa adalah cetakan besar-besaran Injil yang dibuat di Moskow pada tahun 1754, yang disumbangkan oleh Permaisuri Elizabeth1. Piring-piring perak dengan lukisan enamel gambar Trinitas, Penginjil, dan pemandangan dari kehidupan Kristus ditempatkan dalam bingkai cincin dan kotak yang tinggi. Mereka dibedakan berdasarkan karakter sekulernya.

Master Moskow P. Vorobey membuat mangkuk perak pada tahun 1768 (digunakan di biara sebagai mangkuk suci). Itu dihiasi dengan ornamen yang sangat bagus dari cartouches melengkung yang aneh dan daun lebar dengan latar belakang berlapis emas. Kaki mangkuk adalah cakar singa, memegang bola halus di cakarnya. Tempat garam yang dibuat pada tahun 1787 oleh seorang master Moskow, dihiasi dengan pengejaran dan niello, adalah hadiah dari Catherine II kepada Metropolitan Plato3. Pusat baru

Benda-benda untuk keperluan ritual juga memperoleh karakter dekoratif sekuler, dan kekhidmatannya ditekankan oleh ukurannya yang luar biasa besarnya. Khas untuk abad ke-18. satu set bejana liturgi (piala, paten, bintang dan dua piring) disumbangkan pada tahun 1789 oleh A. V. Sheremetyev6. Cangkir komuni yang tinggi di sini memiliki alas besar berbentuk lonceng, casing perak kerawang di badan cangkir, dan soket dengan enamel yang dicat. Paten dan piring berdiameter besar, yang dibuat khusus untuk piala ini, dihiasi dengan ukiran yang menggambarkan pemandangan ikonografi tradisional.

Seni kerawang memperoleh karakter yang sama sekali berbeda.

Alih-alih ikal datar dengan cabang-cabang yang melingkari permukaan halus logam dalam karya-karya kuno, gambar kerawang abad ke-18. hal ini semakin diperumit dengan dekorasi tambahan yang ditempatkan di atasnya, terkadang dikombinasikan dengan enamel dan batu mulia. Dalam beberapa kasus, kerawang dibuat kerawang dan ditumpangkan pada latar belakang tambahan. Terkadang barang itu dibuat dari benang kerawang.

Karya kerawang yang luar biasa adalah tabernakel tahun 1789, yang disumbangkan oleh Metropolitan Plato7. Berikut adalah kerawang kerawang, kerawang yang dipadukan dengan enamel, dan kerawang yang ditumpangkan pada latar belakang perak halus.

Tabernakel tampak seperti kotak sekuler, terbukti dari bentuknya yang sama sekali non-gereja, dekorasinya yang elegan, dan bunga-bunga yang ditanam di sudut-sudutnya terbuat dari bagian logam tipis dengan enamel. Contoh kerawang bantuan yang terampil adalah sampul buku “Officer of the Bishop's Service”, yang juga merupakan kontribusi Metropolitan Platon pada tahun 17898. Perkembangan besar dicapai pada abad ke-18. Enamel Solvychegodsk dan Veliky Ustyug dengan latar belakang satu warna (biru atau putih), yang diaplikasikan dalam bentuk pelat logam terpisah

figur manusia , bunga dan gambar lainnya, terkadang juga diwarnai dengan enamel. Museum ini memiliki banyak koleksi barang-barang rumah tangga dari Solvychegodsk dan Ustyug. Pada abad ke-18 Untuk bagian dalam kuil Lavra, struktur monumental dibuat dari perak sesuai gambar artis terkenal Moskow dan St. Petersburg. Untuk altar Katedral Tritunggal, atas perintah Metropolitan Plato, sebuah tujuh kandil perak besar berbentuk pohon laurel dibuat9; tiblas ikonostasis Katedral Tritunggal juga dihiasi dengan perak. Master Moskow David Prif membuat kanopi perak di atas kuil Sergius dari Radonezh dari desain Caravacca (ditugaskan oleh Kaisar Anna Ivanovna10). Jadi, diterapkan

seni XVIII kerajinan artistik dalam koleksi museum memungkinkan untuk menelusuri perkembangannya dari monumen awal Grand Ducal Moskow hingga akhir abad ke-18. Dalam jangka waktu yang lama ini keterampilan teknis berubah dan meningkat, bentuk-bentuk benda lama menghilang dan muncul bentuk-bentuk baru, sifat dekorasi berubah, selalu bergantung pada pandangan estetika yang ditentukan oleh kondisi sosial-ekonomi dan politik pada saat itu, perkembangan. pasar dalam dan luar negeri, skala dan metode produksi.

Pada karya abad XIV-XV. gambaran kebangkitan bertahap kerajinan artistik setelah kehancuran Tatar-Mongol di tanah Rusia pada abad ke-13 terungkap. Master of Moscow dan pusat seni lainnya Rus Kuno menguasai berbagai teknik seni dan meningkatkan keterampilannya.

Pada abad ke-16 Moskow akhirnya mendapatkan posisi terdepan kehidupan budaya negara. Seni terapan pada periode ini dibedakan oleh keragaman bentuk dan dekorasi artistik, serta keterampilan teknis yang hebat. Seni enamel yang kompleks, yang sebagian besar bersifat ornamen, sedang ditingkatkan, dan seni niello emas, emboss, dan ukiran mencapai penguasaan yang lebih besar.

Karya yang terbuat dari perak untuk keperluan rumah tangga dan gereja mengikuti tradisi kesenian rakyat dan dikaitkan dengan kondisi kehidupan masyarakat, ritual dan cara hidup mereka.

Warna-warni dan dekorasi produk abad ke-17, kerumitan ornamen, tampilan enamel yang dicat, dan penggunaan batu mulia, mutiara, dan kaca berwarna dalam jumlah besar memberikan karakter yang lebih sekuler pada seni terapan.

Pada abad ke-18 bentuk objek baru, karakter ornamen realistis, dan lukisan enamel diadopsi. Dalam koleksi Museum Zagorsk, periode ini diwakili oleh bengkel terbaik di Moskow dan St. Karya-karya mereka memungkinkan seseorang untuk menilai perubahan baru yang terjadi dalam seni terapan.

Tinggi keterampilan artistik karya seni terapan, yang dipresentasikan selama lebih dari lima abad, menempatkan koleksi Museum Zagorsk di tempat yang menonjol dalam sejarah budaya artistik Rusia

Sejarah Rusia pada akhir abad ke-17 – kuartal pertama abad ke-18 tidak terlepas dari nama salah satu tokoh politik terbesar di Rusia – Peter I. Inovasi-inovasi signifikan yang menyerbu saat ini tidak hanya di bidang budaya dan seni, tetapi juga industri - metalurgi, pembuatan kapal, dll. Pada awal abad ke-18, mekanisme dan mesin pertama untuk pemrosesan logam muncul. Banyak yang telah dilakukan di bidang ini oleh mekanik Rusia Nartov, Surnin, Sobakin dan lainnya.

Pada saat yang sama, fondasi sistem pendidikan umum dan khusus negara diletakkan. Pada tahun 1725, Akademi Ilmu Pengetahuan didirikan, dan departemen kerajinan artistik dibuka.

A.Nartov. Mesin bubut. zaman Petrus. abad ke-18

Pada abad ke-18, prinsip-prinsip baru arsitektur dan tata kota terbentuk. Periode ini ditandai dengan menguatnya ciri khas Barok Eropa Barat (Belanda, Inggris) dalam pembentukan produk.

Sebagai hasil dari inisiatif Peter I, produk-produk bentuk tradisional Rusia dengan cepat menghilang dari kehidupan kerajaan dan aristokrat istana, meskipun produk-produk tersebut masih tetap berada di rumah-rumah masyarakat pedesaan dan perkotaan, serta digunakan di gereja. . Pada kuartal pertama abad ke-18 muncul perbedaan signifikan dalam perkembangan gaya, yang untuk waktu yang lama tetap menjadi ciri kreativitas profesional dan kerajinan seni rakyat. Yang terakhir, tradisi seni terapan Rusia, Ukraina, Estonia, dll. yang berusia berabad-abad dikembangkan secara langsung dan organik.

Norma-norma kehidupan yang mulia menuntut adanya perwujudan kekayaan, kecanggihan dan kemegahan dalam kehidupan seorang yang berdaulat. Bentuk-bentuk cara hidup lama, termasuk gaya hidup Peter the Great (yang masih bersifat bisnis dan ketat), akhirnya tergeser pada pertengahan abad ke-18. Posisi dominan dalam seni Rusia ditempati oleh apa yang disebut gaya Rococo, yang secara logis melengkapi tren Barok akhir. Interior seremonial kali ini, misalnya beberapa ruangan di istana Peterhof dan Tsarskoe Selo, hampir seluruhnya dihiasi dengan ukiran yang rumit.

Ciri-ciri umum ornamen rocaille (kelengkungan garis, susunan bunga, daun, cangkang, mata, dll. yang bergaya atau mirip dengan alam yang melimpah dan asimetris) sepenuhnya direproduksi dalam arsitektur dan furnitur Rusia pada masa itu, keramik, pakaian, gerbong, senjata upacara, dll. d. Namun perkembangan seni terapan Rusia tetap mengikuti jalur yang sepenuhnya independen. Terlepas dari kesamaan tanpa syarat antara bentuk produk kita dengan produk Eropa Barat, tidak sulit untuk melihat perbedaan di antara keduanya. Jadi, dibandingkan dengan produk furnitur Prancis, produk furnitur Rusia memiliki bentuk yang jauh lebih bebas dan garis serta gambarnya lebih lembut. Para empunya masih mempertahankan keterampilan ukiran rakyat, lebih besar dan lebih umum daripada di Barat. Yang tidak kalah khasnya adalah sifat polikrom produk Rusia dan kombinasi penyepuhan dan lukisan, yang jarang ditemukan di Prancis, tetapi diterima di mana-mana di Rusia.

Sejak tahun 60-an abad ke-18, transisi ke klasisisme dimulai dalam arsitektur Rusia dengan bentuknya yang singkat dan ketat, diarahkan ke zaman kuno dan ditandai dengan pengekangan dan keanggunan yang besar. Proses yang sama terjadi dalam seni terapan.

Dalam tata letak, peralatan dan dekorasi rumah-rumah besar dan istana kota (arsitek Kokorinov, Bazhenov, Quarenghi, Starov, dll.) muncul simetri yang jelas dan kejelasan proporsional. Dinding kamar (di antara jendela atau di seberangnya) disembunyikan dengan cermin dan panel yang terbuat dari sutra damask, kain katun dekoratif, dan kain.

.

Sofa - Gaya Rococo. Rusia (fragmen). Pertengahan abad ke-18

Kursi bergaya klasik. Rusia. Paruh kedua abad ke-18.

Lantainya terbuat dari kayu dari berbagai jenis, terkadang dilapisi kanvas atau kain; langit-langitnya dicat (misalnya menggunakan teknik grisaille, meniru pemodelan relief). Alih-alih parket bertumpuk, papan cemara “di bawah lilin” digunakan. Dinding dan langit-langit sering kali dilapisi kain atau dilapisi kertas dinding. Jika perapian marmer berukuran mengesankan dipasang di ruang utama, maka di ruang intim kompor yang lebih tradisional dibuat di atas meja atau kaki, dilapisi dengan ubin. Perbedaan lampu juga terlihat jelas: di aula terdapat lampu gantung, tempat lilin, sconce yang terbuat dari perhiasan dan mahal, di dalam ruangan terdapat tempat lilin dan lampu yang jauh lebih sederhana. Ada lebih banyak kontras pada bentuk furnitur formal dan rumah tangga. Semua ini tidak banyak berbicara tentang keinginan pemilik istana dan rumah besar untuk menghemat uang, tetapi tentang pertimbangan mereka terhadap lingkungan subjek sebagai faktor penting dalam suasana yang sesuai secara psikologis.

Sebagian besar furnitur dan sejumlah produk lainnya pada akhir abad ke-18 dan paruh pertama abad ke-19 tidak selalu dibutuhkan; jika tidak diperlukan, barang-barang tersebut dipindahkan atau dipindahkan ke bagian bangunan yang tidak digunakan secara aktif. Perabotan tempat duduk harus tertutup. Dalam hal yang sama, furnitur yang dapat diubah dengan permukaan kerja telah mengalami perkembangan besar - meja teh dan kartu, meja makan lipat, meja untuk menjahit, sistem meja dengan tinggi tidak rata yang saling bertumpukan, dll. Semua ini meningkat secara signifikan kenyamanan hidup, diferensiasi halus dari dukungan fungsionalnya dan variasi tampilan tempat dalam situasi sehari-hari yang berbeda. Pada saat yang sama, sejumlah proses sehari-hari yang terjadi di luar gedung selama musim panas - di teras dan di taman - disorot secara khusus. Akibatnya, jenis produk baru tersebar luas - furnitur taman, tenda payung, lampu taman, dll. Pada abad ke-18, bengkel budak diselenggarakan di perkebunan individu, memproduksi furnitur, porselen, permadani, dan produk lainnya dalam jumlah yang cukup besar.

Pada akhir abad ke-18, dalam perlengkapan istana-istana besar, pemisahan desain produk yang sebenarnya (furnitur, lampu, jam, permadani dan peralatan serta perabotan lainnya) sebagai area khusus kegiatan kreatif dari produksi kerajinan mereka. sudah sangat mempengaruhi. Peran desainer terutama dimainkan oleh arsitek dan seniman profesional. Produksi produk untuk pasar massal menggunakan mesin dan metode mekanis dalam pemrosesan bahan, menjadikan insinyur sebagai tokoh terdepan dalam produksi. Hal ini menyebabkan distorsi dan hilangnya kualitas estetika tinggi yang melekat pada produk konsumen, hingga terpisahnya industri dari seni. Tren ini wajar dalam kondisi perkembangan masyarakat kapitalis dan salah satu tren utama sepanjang abad ke-19.

Selama perkembangan intensif hubungan kapitalis di Rusia pada abad ke-19, kapasitas produksi industri meningkat. Pada pertengahan abad ke-19, sudah ada kebutuhan mendesak akan personel pengembang dan pengrajin produk yang profesional secara artistik. Untuk pelatihan mereka, lembaga pendidikan khusus dibuka di Moskow (Count Stroganov) dan St. Petersburg (Baron Stieglitz). Nama mereka - "sekolah menggambar teknik" - berbicara tentang munculnya seniman jenis baru. Sejak tahun 1860, pendidikan kerajinan khusus untuk seniman ulung telah dikembangkan. Banyak buku diterbitkan tentang teknologi pengolahan berbagai bahan: kayu, perunggu, besi, emas, dll. Katalog perdagangan diterbitkan, menggantikan majalah Economic Store yang diterbitkan sebelumnya. Sejak pertengahan abad ke-19, ilmu-ilmu yang berkaitan dengan masalah kebersihan kerja dan penggunaan barang-barang rumah tangga telah terbentuk. Namun, sepanjang abad ke-19, semua produk pabrik massal secara artistik tetap tunduk sepenuhnya pada gagasan dominan tentang keindahan sebagai desain dekoratif dan ornamen produk. Konsekuensinya adalah masuknya unsur gaya klasisisme ke dalam bentuk sebagian besar produk: penyelesaian profil yang rumit, kolom bergalur, mawar, karangan bunga, ornamen berdasarkan motif kuno, dll. bahkan menjadi bentuk peralatan industri - peralatan mesin.

Dalam perkembangan stilistika seni terapan dan produk rumah tangga pada abad ke-19, tiga periode utama dibedakan secara kronologis dan konvensional: kelanjutan tren klasisisme sejalan dengan apa yang disebut gaya Empire (kuartal pertama abad ini); klasisisme akhir (sekitar tahun 1830-1860) dan eklektisisme (setelah tahun 1860-an).

Kuartal pertama abad ke-19 ditandai dengan peningkatan umum dalam gagasan dan ruang lingkup konstruksi dalam arsitektur Rusia, yang menyebabkan kebangkitan signifikan dalam seni terapan.

Kursi berlengan bergaya kerajaan. Kuartal pertama abad ke-19.

Kemenangan dalam Perang tahun 1812 sampai batas tertentu mempercepat dan melengkapi proses pembentukan budaya nasional Rusia, yang memperoleh signifikansi umum di Eropa. Aktivitas arsitek paling terkenal - Voronikhin, Quarenghi, Kazakov, yang terkait erat dengan klasisisme periode sebelumnya, hanya terjadi pada dekade pertama abad ini. Mereka digantikan oleh galaksi para master hebat seperti Rossi, Stasov, Grigoriev, Bove, yang membawa ide-ide baru dan semangat gaya yang berbeda ke dalam seni Rusia.

Keparahan dan monumentalitas merupakan ciri khas arsitektur dan bentuk berbagai perlengkapan rumah tangga bergaya Empire. Yang terakhir, motif dekoratif berubah secara nyata, atau lebih tepatnya, tipologinya meluas melalui penggunaan simbol dekoratif Mesir Kuno dan Roma - griffin, sphinx, fasces, atribut militer (“piala”), karangan bunga yang dijalin dengan karangan bunga, dll. dengan contoh klasisisme awal secara umum jumlah dekorasi, “bobot visual” dalam desain komposisi produk meningkat. Monumentalisasi, terkadang seolah-olah bentuk yang kasar, terjadi karena semakin besarnya generalisasi dan geometriisasi motif hias klasik - tepian, karangan bunga, kecapi, baju besi, dll., yang semakin menjauh dari prototipe aslinya. Lukisan objek (pemandangan, pemandangan alam, karangan bunga) hampir hilang seluruhnya. Ornamennya cenderung jerawatan, berkontur, dan aplikatif. Sebagian besar produk, terutama furnitur, berukuran besar, masif, tetapi bervariasi dalam konfigurasi keseluruhan dan siluetnya. Beratnya gaya Empire pada furnitur hampir menghilang pada tahun 1830-an.

Sejak pertengahan abad ke-19, pencarian baru dimulai di bidang arsitektur, kreativitas terapan dan industri.

Sebuah gerakan artistik pan-Eropa lahir, yang disebut “Biedermeier”, yang diambil dari nama borjuasi salah satu karakternya. penulis Jerman L. Eichrodt (karyanya diterbitkan pada tahun 1870-an) dengan cita-citanya tentang kenyamanan dan keintiman.

Besi buatan pabrik. Rusia. Paruh kedua abad ke-11.

Pada paruh kedua abad ke-19, tenaga kerja manual semakin tergeser dari produksi produk-produk rumah tangga yang bermanfaat. Selama berabad-abad, metode dan teknik solusi artistik mereka, prinsip-prinsip pembentukan bentuk, yang telah berkembang selama berabad-abad, bertentangan dengan tren ekonomi baru dalam produksi massal dan profitabilitas produksi barang untuk pasar. Respons terhadap perubahan situasi ada dua. Beberapa master – mayoritas dari mereka – membuat kompromi. Mengingat pandangan tradisional terhadap segala benda sehari-hari sebagai objek seni dekoratif dan terapan tidak dapat diganggu gugat, mereka mulai mengadaptasi motif hias klasisisme dengan kemampuan mesin dan teknologi serial. Jenis dekorasi dan finishing produk yang “efektif” muncul. Pada tahun 1830-an di Inggris, Henry Kuhl mengemukakan slogan yang tampaknya reformis untuk menghiasi produk-produk pabrik dengan unsur-unsur “dari dunia bentuk seni rupa.” Banyak industrialis yang rela menggunakan slogan tersebut, mencoba memanfaatkan secara maksimal keterikatan konsumen terhadap dekorasi luar, bentuk-bentuk perabot rumah tangga yang diperkaya dengan ornamen.

Ahli teori dan praktisi seni terapan lainnya (D. Ruskin, W. Morris), sebaliknya, mengusulkan pengorganisasian boikot terhadap industri. Kredo mereka adalah kemurnian tradisi kerajinan abad pertengahan.

Di negara-negara Eropa Barat Dan di Rusia, untuk pertama kalinya, artel dan pengrajin kerajinan tangan, yang karyanya masih mempertahankan tradisi rakyat yang dalam, menarik perhatian para ahli teori dan seniman profesional. Di Rusia, pameran Nizhny Novgorod pada tahun 1870-an-1890-an menunjukkan kelangsungan tradisi ini dalam kondisi baru. Banyak seniman profesional - V. Vasnetsov, M. Vrubel, E. Polenova, K. Korovin, N. Roerich, dan lainnya - dengan antusias beralih ke asal usul seni dekoratif rakyat. Di berbagai wilayah dan provinsi Rusia, di kota-kota seperti Pskov, Voronezh, Tambov, Moskow, Kamenets-Podolsk, dll., perusahaan kerajinan bermunculan, yang basisnya adalah tenaga kerja manual. Pekerjaan bengkel di Abramtsovo dekat Moskow, di Talashkino dekat Smolensk, perusahaan P. Vaulin dekat St. Petersburg, dan artel keramik Murava di Moskow sangat penting untuk kebangkitan kerajinan tangan kreatif yang sekarat.

Samovar. abad XIX

Rusia. Babak kedua

Pompa industri. abad XIX

Namun, produk-produk dari semua bengkel ini merupakan bagian yang sangat kecil dari total konsumsi sehingga tidak memberikan pengaruh yang nyata terhadap produksi massal, meskipun produk-produk tersebut membuktikan keabsahan keberadaan, bersama dengan produksi mesin massal, barang-barang seni dekoratif yang melestarikan. tradisi rakyat. Hal ini kemudian diperkuat dengan serbuan teknologi mesin ke bidang seni dekoratif dan terapan seperti perhiasan, tenun karpet, dan penjahitan, yang menyebabkan penurunan tajam kualitas artistiknya.

Dalam bentuk sebagian besar produk manufaktur pada paruh kedua abad ke-19, praktis belum ada hal baru yang dikembangkan. Namun, kebaruan situasi umum saat ini berkontribusi pada pembentukan prasyarat internal untuk pencarian inovatif - kesadaran akan pencarian gaya sebagai kebutuhan kreatif yang penting, sebagai manifestasi dari individualitas artistik sang master. Jika hingga saat ini tren gaya (Gotik, Renaisans, Barok, Klasisisme, dll.) lahir dan menyebar, sebagai suatu peraturan, sebagai akibat dari tren umum, hampir “global”, yang mengkristal secara spontan dalam perkembangan estetika dunia, maka dari pertengahan abad ke-19, orisinalitas gaya dianggap sebagai pencapaian kreatif langsung dari seorang seniman atau arsitek. Dalam hal ini, minat terhadap warisan seni sepanjang masa dan masyarakat semakin meningkat. Warisan yang kaya ini menjadi sumber tiruan, pinjaman langsung, atau mengalami proses kreatif yang aneh.

Meja bergaya Art Nouveau dengan kursi. Akhir abad ke-19

Hasilnya, sebagian besar produk menghadirkan gambaran beraneka ragam yang luar biasa, yang berisi kenangan nyata atau halus tentang zaman kuno, era Romawi, Gotik, Renaisans Italia atau Prancis, seni Bizantium dan Rusia Kuno, Barok, dll. sering kali dipadukan secara eklektik ke dalam desain satu produk, interior, bangunan. Oleh karena itu, periode dalam sejarah arsitektur dan seni terapan ini disebut eklektik. DI DALAM kehidupan rakyat Namun demikian, produk mulai diperkenalkan (lampu, ember logam, bak, piring, bangku, dll.), relatif murah, tetapi dibuat tanpa tujuan artistik, seringkali dalam bentuk yang jelek dan kualitasnya buruk.

Pencarian gaya baru dilakukan dengan mempertimbangkan kebutuhan nyata dalam kondisi produksi mesin, pendekatan baru yang fundamental terhadap pembentukan produk, di satu sisi, dan pelestarian tradisi dekoratif masa lalu, di sisi lain. lainnya. Kaum borjuis, yang pada akhir abad ke-19 telah menduduki posisi yang kuat dalam perekonomian Rusia, memperjuangkan ideologi artistiknya sendiri dalam arsitektur dan desain - pemujaan terhadap kebebasan rasional dan relatif dari arkaisme budaya mulia, yang mendorong dalam seni segala sesuatu yang bisa bersaing dengan gaya masa lalu. Beginilah gaya Art Nouveau muncul pada akhir abad ke-19 - “seni baru” di Belgia, Inggris Raya dan Amerika Serikat, “Jugendstil” di Jerman, “Gaya Secessions” di Austria, “gaya bebas” di Italia. Namanya - "modern" (dari bahasa Prancis moderne) berarti "baru, modern" - dari lat. modo - “baru saja, baru-baru ini.” Dalam bentuknya yang murni, memudar dan bercampur dengan gerakan stilistika lainnya, ia bertahan relatif singkat, hingga sekitar tahun 1920, yaitu sekitar 20-25 tahun, seperti hampir semua gerakan stilistika abad 17-20.

Art Nouveau beragam di berbagai negara dan dalam karya masing-masing master, yang memperumit pemahaman tentang masalah yang mereka pecahkan. Namun, penghapusan hampir seluruh motif dan teknik dekoratif dan ornamen yang digunakan sebelumnya serta pembaruan radikalnya menjadi ciri khasnya. Cornice tradisional, mawar, ibu kota, seruling, ikat pinggang “gelombang bergulir”, dll. digantikan oleh tanaman lokal bergaya (lili, iris, anyelir, dll.), kepala wanita dengan rambut keriting panjang, dll. Seringkali tidak ada hiasan sama sekali , dan efek artistik dicapai karena ekspresi siluet, pembagian bentuk, garis, biasanya digambar dengan halus, seolah mengalir bebas, berdenyut. Dalam bentuk produk Art Nouveau hampir selalu orang dapat merasakan keinginan aneh sang seniman, ketegangan tali yang diregangkan dengan erat, dan proporsi yang berlebihan. Dalam manifestasinya yang ekstrem, semua ini diperburuk secara tajam, diangkat menjadi sebuah prinsip. Kadang-kadang ada pengabaian terhadap logika konstruktif bentuk, antusiasme yang hampir palsu terhadap sisi spektakuler dari tugas tersebut, terutama dalam desain interior, yang sering kali dibuat secara teatrikal secara spektakuler.

Terlepas dari semua kelemahannya - kepura-puraan, terkadang bentuk yang keras, pendekatan baru untuk menyelesaikan bangunan, interior, perabotan dengan logika solusi fungsional, konstruktif, dan teknologi muncul.

Tempat lilin gaya Art Nouveau. Awal abad ke-20

Seperangkat piring. Akhir abad ke-19

Meja rias dari zaman Art Nouveau. Awal abad ke-20

Art Nouveau pada sebagian besar contohnya tidak meninggalkan dekorasi produk, tetapi hanya mengganti motif dan teknik dekoratif lama dengan yang baru. Sudah di awal abad ke-20, pada masa kejayaan gaya baru, mode gaya lama kembali lagi, awalnya dengan takut-takut, kemudian meluas, yang memiliki hubungan terkenal dengan dimulainya persiapan perayaan. dari seratus tahun Perang Patriotik 1812. Pameran “Seni Modern”, yang diselenggarakan di St. Petersburg pada tahun 1903, dengan jelas menunjukkan lahirnya “klasifikasi modernitas”.

Akibat modernitas sangatlah kompleks. Ini adalah pemurnian seni terapan dari eklektisisme, dan dari “anti-machinisme” para ahli kerajinan tangan, dan dari upaya yang gagal untuk mengembalikan gaya masa lalu. Inilah gejala awal arsitektur dan seni terapan memasuki jalur fungsionalisme dan konstruktivisme, jalur desain modern. Pada saat yang sama, Art Nouveau yang segera menunjukkan kecenderungan untuk menasionalisasi gaya, menyebabkan gelombang baru pencarian dekoratif murni. Banyak pelukis beralih ke seni terapan dan desain interior (S. Malyutin, V. Vasnetsov, A. Benois, S. Golovin, dll.), tertarik pada warna-warni dongeng Rusia, “roti jahe”, dll. proses sejarah selanjutnya , solusi terhadap masalah-masalah mendesak produksi industri massal, eksperimen semacam itu tidak dapat memiliki signifikansi ideologis dan artistik yang serius, meskipun eksperimen tersebut memberikan dorongan pada pengembangan cabang seni terapan lainnya - kerajinan artistik dan khususnya seni teater dan dekoratif.

Modernitas seolah-olah membuka dan membuka jalan bagi pembentukan prinsip-prinsip estetika dan kreatif baru dalam seni menciptakan benda sehari-hari, dan mempercepat munculnya profesi seni baru - desain artistik.

Pembentukan fungsionalisme dan konstruktivisme ke dalam tren khusus dalam arsitektur dan desain artistik negara-negara Barat terjadi pada akhir tahun 1910-an sehubungan dengan stabilisasi kehidupan dan kesuksesan ekonomi setelah Perang Dunia Pertama. Namun landasan fundamental arsitektur modern baru ditentukan pada periode sebelum perang dalam karya arsitek seperti T. Garnier dan O. Perret (Prancis), H. Berlaga (Belanda), A. Loos (Austria), P. Behrens (Jerman), F. Wright (AS), I. Shekhtel, I. Rerberg (Rusia), dll. Masing-masing dengan caranya sendiri mengatasi pengaruh modernitas dan berjuang.

Pada tahun 1918, departemen khusus arsitektur dan industri seni dibentuk di bawah Departemen Seni Rupa Komisariat Pendidikan Rakyat. Perhatian serius diberikan pada masalah pelatihan spesialis. Pada tahun 1920, V.I. Lenin menandatangani dekrit tentang pembentukan Lokakarya Seni dan Teknik Negara Tinggi (VKHUTEMAS). Lulusan menciptakan sampel baru dari kain, furnitur, piring, dll.

Pelatihan lokakarya (pada tahun 1927 diubah menjadi Institut Seni dan Teknik All-Union VKHUTEIN) dilakukan di fakultas: arsitektur, keramik, tekstil, dll. Di fakultas pengolahan kayu dan logam di bawah arahan A. Rodchenko, D. . Lisitsky, V. Tatlin dan master lainnya mencari bentuk dan desain baru dari berbagai objek. Semua kegiatan VKHUTEMAS ditujukan untuk mengembangkan keterampilan siswa dalam pendekatan terpadu dalam merancang lingkungan subjek kehidupan sehari-hari dan produksi.

Pada tahun 1920-an, sebuah gerakan “seni industri” muncul, mengembangkan prinsip-prinsip fungsionalisme dan konstruktivisme, yang berupaya membangun cita-cita estetika produksi material yang terorganisir secara rasional di benak para seniman. Segala bentuk seni sebelumnya dinyatakan sebagai “produksionis” borjuis dan tidak dapat diterima oleh kaum proletar. Oleh karena itu penolakan mereka tidak hanya terhadap seni rupa yang “praktis tidak berguna”, tetapi juga terhadap semua kreativitas dekoratif murni, misalnya perhiasan. Pada tahun 20-an, kondisi teknis dan ekonomi di negara kita belum matang untuk implementasi ide-ide mereka.

VKHUTEMAS dan “produser” tahun 1920-an secara ideologis dan estetis terkait erat dengan Bauhaus dan dalam beberapa momen penting pada dasarnya mewakili satu gerakan tunggal dalam desain artistik pada masa itu. Dalam kerangka gerakan baru ini, terbentuklah estetika desain modern yang mengatasi kontradiksi-kontradiksi seni terapan pada periode sebelumnya. Aktivitas artistik praktis para pendiri desain juga merupakan pengembangan gudang sarana artistik dan ekspresif seni menciptakan sesuatu. Dalam karya-karya mereka (furnitur, lampu, piring, kain, dll.), perhatian paling dekat diberikan pada sifat-sifat bahan dan bentuk seperti tekstur, warna, ekspresi plastis, struktur ritme, siluet, dll., yang menjadi sangat penting dalam karya-karya mereka. komposisi produk, tanpa bertentangan dengan persyaratan logika konstruktif dan kemampuan manufaktur formulir. Arah lain yang berhasil berkembang di negara kita pada tahun 20-an adalah desain teknik. Pada tahun 1925, di Moskow, sesuai dengan desain insinyur luar biasa V. Shukhov, menara radio terkenal didirikan, siluet kerawang yang telah lama menjadi simbol radio Soviet. Setahun sebelumnya, J. Gakkel menciptakan, berdasarkan kemajuan teknologi terkini, lokomotif diesel Soviet pertama, yang bentuknya hingga saat ini terlihat cukup modern. Pada tahun 1920-an, kebutuhan akan penelitian ilmiah terhadap pola aktivitas manusia di lingkungan buatan disadari. Institut Perburuhan Pusat sedang diorganisir, di dalam dindingnya penelitian sedang dilakukan mengenai isu-isu organisasi ilmiah tenaga kerja dan budaya produksi. Perhatian para ilmuwan dan desainer tertuju pada isu-isu biomekanik, organoleptik, dll. Di antara karya-karya penting pada tahun-tahun itu adalah desain tempat kerja pengemudi trem (N. Bernstein).

Ya.Gakkel. Lokomotif. Awal tahun 1930-an

Perubahan kehidupan sehari-hari dan dampaknya terhadap seni dan kerajinan. Fitur ornamen dan dekorasi gaya artistik Barok, Rococo, Klasisisme.

Pembuatan perak dan emas: Sekolah St. Petersburg, pengrajin dan pabrik Moskow, niello perak dari Veliky Ustyug. Jenis peralatan makan baru yang terbuat dari logam mulia dan non-besi: teko, teko kopi, bouillotte, samovar. Peralatan rumah tangga dan gereja. Tanda kebesaran negara. Pesanan dan medali. Enamel. Seniman enamel A.G. Ovsov, G.S.

Munculnya porselen Rusia. D.I.Vinogradov. Kekaisaran dan pribadi pabrik porselen. Majolica, faience. Kaca seni. Kain dekoratif dan permadani. Baru dalam pakaian. Kabinet dan furnitur pengaturan tipe. Marquetri. Ukiran kayu pada interior sipil dan gereja. kru. Batu hias. akting cemerlang.

Kerajinan rakyat artistik. Bagian bawah Gorodets diukir dan bertatahkan. Ukiran tulang Kholmogory. Sulaman emas dari provinsi Tver. Renda Galich dan Vologda. Keramik Gzhel.

Musik dan teater pada abad ke-18

Nyanyian paduan suara polifonik. Tepian. Musik instrumental dan orkestra. Seni opera. Balet. Musik di istana, kehidupan kota dan petani. Munculnya sekolah komposisi nasional. E.I.Fomin. I.E.Khandoshkin. D.S. Bortnyansky. M.S.Berezovsky. A.O.

Upaya untuk menciptakan teater publik yang dapat diakses di bawah Peter the Great. Pertunjukan amatir di pengadilan. Teater sekolah secara spiritual dan sekuler lembaga pendidikan. Rombongan profesional aktor asing.

Dramaturgi klasisisme Rusia: tragedi dan komedi. Pengaruh sentimentalisme terhadap repertoar teater. Munculnya drama dan opera komik di panggung Rusia. A.P. Sumarokov - penulis naskah drama dan tokoh teater. Pencipta teater profesional Rusia, aktor dan sutradara F.G. Teman dan pengikutnya I.A. Pertunjukan teater massal.

Teater benteng. Rombongan Pangeran P.B. Sheremetev. P.I.Kovaleva-Zhemchugova, T.V. Shlykova-Granatova dan seniman lainnya. Teater Istana di Ostankino. Teater Rakyat.

SINGKATAN NAMA KOLEKSI MUSEUM UTAMA YANG TERCANTUM DALAM DAFTAR MONUMEN BUDAYA

LARANGAN - Perpustakaan Akademi Rusia Sains (St.Petersburg)

VMDPNI - Museum Seluruh Rusia seni dekoratif, terapan dan rakyat (Moskow)

Museum Sejarah Negara - Negara Museum Sejarah(Moskow)

HMGS - Museum Patung Perkotaan Negara (St. Petersburg)

GMMK - Museum Negara Kremlin Moskow (Moskow)

GNIMA - Museum Penelitian Ilmiah Negara Arsitektur (Moskow)

GOP - Kamar Gudang Senjata Negara (Moskow)

Museum Negara Rusia - Museum Negara Rusia (St. Petersburg)

Galeri Tretyakov - Negara Bagian Galeri Tretyakov(Moskow)

GE - Museum Pertapaan Negara(St.Petersburg)

ZIKHMZ - bekas Zagorsk (sekarang Sergiev-Posad) bersejarah- museum seni-cadangan (Sergiev Posad, wilayah Moskow)

MIFA - Museum Harta Karun Bersejarah Ukraina (Kiev)

MPIB - Museum Seni Terapan dan Kehidupan Abad ke-17 "Katedral Dua Belas Rasul dan Kamar Patriarkat di Kremlin Moskow" (Moskow)

GPS - Cagar Museum Amerika Serikat Novgorod (Novgorod)

NGP - Kamar Segi Novgorod (Novgorod)

SHM - Museum Seni Samara (Samara)

MONUMEN KEBUDAYAAN RUSIA

BAGIAN I. SEJARAH KEBUDAYAAN RUSIA PADA USIA KUNO DAN TENGAH

(SAMPAI AKHIR ABAD KE-17)

ARSITEKTUR KAYU RAKYAT

BANGUNAN BUDAYA

1. Gereja Kletsky: Gereja Lazarus dari Biara Murom (abad 14-16) - Cagar Alam Kizhi; Gereja Deposisi Jubah dari desa Borodavy (abad ke-15) - Cagar Museum Kirilo-Belozersky; Gereja Transfigurasi dari desa Spas-Vezhi (abad ke-17) - Cagar Museum Kostroma; Gereja St. Nicholas dari desa Tukholya (abad ke-17) - Cagar Museum Novgorod "Vitoslavlitsy"; Kapel Michael sang Malaikat Agung dari desa Lelikozero (abad ke-18) - Cagar Museum Kizhi; Gereja St. Nicholas dari desa Glotova (abad ke-18) - Cagar Museum Suzdal.

2. Gereja tenda: Gereja St. Nicholas di desa Lyavlya (abad ke-16); Gereja St. George dari desa Vershina (abad ke-17) - Cagar Museum Arkhangelsk "Malye Korely"; Gereja Kebangkitan dari desa Patakino (abad ke-18) - Cagar Museum Suzdal; Gereja Asumsi (abad ke-18) di kota Kondopoga.

Tempat penting dalam budaya abad ke-18. ditempati oleh seni dekoratif dan terapan. Desain interior bergaya Rococo membuat ruangan menjadi terang, dinding tampak tipis, tersembunyi di balik panel dekoratif dan cermin yang saling memantulkan, dan layar memainkan peran penting. Perabotan menjadi elegan, tampak rapuh, dan bentuknya aneh. Skema warna wallpaper dan furnitur didominasi warna pastel.

Ruangan itu seharusnya memberi kesan kamar kerja (ruangan yang dimaksudkan untuk komunikasi hanya dengan orang-orang terdekat).

Interior Rococo sering kali dilengkapi dengan produk asli Tiongkok: layar, porselen, lukisan pernis, atau komposisi dekoratif bergaya lukisan Tiongkok.

Sejak pertengahan abad ke-18. Dengan berkembangnya neoklasikisme, desain interior menjadi sederhana dan cukup ketat. Jika interior Prancis adalah contoh Rococo, maka interior Inggris adalah contoh Neoklasikisme. Interior arsitek Inggris menjadi sangat terkenal Robert Adam(1728-1792). Saat membuat rumah bangsawan, sang seniman menghiasinya dengan kolom, pilaster, dan patung. Gaya ini disebut “gaya Adam”. Ini dibedakan oleh keanggunan dan dekorasinya, yang kadang-kadang secara organik mencakup barang-barang antik asli.

Dalam pakaian dan gaya rambut abad ke-18. perubahan gaya juga terungkap. Di era Louis XV, penampilan seseorang menjadi sebuah karya seni: toilet para bangsawan rumit dan canggih, gaya rambut yang fantastis (wig menjadi mode), bintik-bintik hitam di wajah yang diberi bedak menjadi bahasa khusus dalam dialog cinta. “Seorang wanita, berdandan dan bersisir seperti mainan, serta memakai sepatu hak tinggi yang sempit, harus melangkah dengan sangat hati-hati untuk menjaga keseimbangan dan tidak berantakan - hal ini mengembangkan kebiasaan gaya berjalan mengambang dan gerakan minuet yang halus. Mereka ingin melihat wanita sebagai boneka berharga, burung cendrawasih, atau bunga yang indah. Makhluk seperti itu cocok dengan lingkungan lapang yang fantastis dan berubah-ubah di interior rocaille” (2, 45).

Setelan jas, khususnya wanita, menjadi sebuah karya seni. Kostum ini tidak nyaman dan tidak praktis, namun sangat menarik.

Setelan pria sama anggunnya dengan setelan wanita, dan warna-warna pastel dipilih dengan lembut.

Kecintaan pada segala sesuatu yang elegan berkontribusi pada berkembangnya perhiasan dan porselen.

Masa kejayaan seni porselen Eropa juga terjadi pada pertengahan abad ke-18. dan dikaitkan dengan gaya Rococo. Yang paling terkenal adalah porselen Perancis dari kota Sevres dan porselen Jerman dari Meissen (Saxony). Dalam komposisinya, para master Meissen menggambarkan "perayaan yang gagah" - hiburan canggih para bangsawan.

Rococo bukanlah gaya seperti Gotik dan Barok; ia tidak menjadi gerakan artistik yang besar dan holistik. Penyebaran cita rasa era Kabupaten dipersiapkan oleh nasib bangsawan Perancis yang makmur pada abad ke-18. hanya dalam satu hal - dalam menciptakan kehidupan yang sejahtera dan bahagia. Itu adalah kehidupan yang menganggur, dikelilingi oleh kemewahan yang elegan. Seni adalah hiasan kehidupan menganggur bangsawan Perancis.

Seni dekoratif memainkan peran khusus (bahkan keahlian memasak diangkat ke tingkat seni).

Tugas utama seni adalah untuk menyenangkan; seni itu sendiri diidentikkan dengan kemewahan, kesenangan, dan ejekan.

Cermin menjadi hiasan dinding favorit; ditempatkan saling berhadapan, memberikan pantulan yang tak ada habisnya.

Kebutuhan akan barang-barang mewah menciptakan seluruh cabang produksi seni di Prancis berkat karya para pembuat furnitur, penenun, pemodel, pembuat perhiasan, dan penyulam.

Favorit motif dekoratif Rococo - cangkang, batang dan bunga.

Di bidang dekorasi, neoklasikisme beralih ke interior aula yang dilengkapi perabotan antik. Eksploitasi tentara Napoleon membawa motif dekoratif baru: pedang, spanduk. Pada masa Napoleon, perubahan terjadi pada pakaian dan gaya rambut. Fashion menyebar ke segala sesuatu yang antik: mulai dari siluet dan potongan gaun yang mengingatkan pada chiton dan tunik, hingga rambut ikal yang longgar. Tidak hanya crinoline dan lingkaran yang menghilang, tetapi juga berlian; batu berukir yang dibingkai (permata) mulai populer.

Berbeda dengan bentuk seni lainnya, musik XVIII V. Barok sebagai gerakan gaya masih terwakili secara luas. Master musik terbesar era Barok adalah Bach dan Handel.

Johann Sebastian Bach(1685-1750) adalah musisi terhebat abad ke-18, dan kekuatan musiknya semakin meningkat. Karya mengarangnya ternyata sangat serbaguna meskipun ia terlihat sederhana (dia adalah seorang penyanyi - pemimpin dan konduktor paduan suara gereja). Sejak kecil, Bach sangat religius, dan menganut agama Protestan. Reformasi di Jermanlah yang mengedepankan semangat paduan suara Protestan. Dengan menjadikan ritual gereja lebih sederhana dan ketat, Protestantisme meningkatkan pentingnya musik di dalamnya. Gereja menjadi pusat seni musik, dan organis gereja menjadi wakilnya. Seni organ sangat tersebar luas di Jerman dan oleh karena itu tidak mengherankan jika organ menemani seluruh hidup Bach. Warisan organnya mencakup beberapa genre, di antaranya pendahuluan paduan suara dan siklus polifonik dua bagian yang menonjol. aku fuga. Musik Bach mengungkapkan kerendahan hati religius, kesedihan, lirik, dan dorongan hati. Selain kealamian dan kesederhanaan, karya-karyanya juga bercirikan keagungan dan signifikansi. Di antara kreasi musik Bach ada banyak sekali mahakarya sejati yang telah mendapat pengakuan dunia.

Di samping Bach berdiri tokoh utama musikal Barok lainnya -George Frideric Handel(1685-1759). Hidupnya dihabiskan di kota-kota besar Eropa, ia mendapat penghargaan yang sangat baik pendidikan musik. Opera pertama Rinaldo yang dipentaskan di London membawa ketenaran bagi Handel. Handel menulis musik dalam banyak genre, tetapi puncak warisannya dibentuk oleh oratorio (karya simfoni vokal besar dengan plot yang dikembangkan). Sumber sastra Oratorio komposer yang paling terkenal adalah bagian pertama dari Alkitab - Perjanjian Lama. Handel tinggal di Inggris dan kejadiannya sejarah politik, serta cakupan epik cerita-cerita alkitabiah, pasti membangkitkan minatnya.

Komposer terutama dicirikan oleh tema-tema sipil. Memilih cerita-cerita alkitabiah, Handel mengagumi kekuatan nafsu manusia. Gairah, dinamisme, dan gambaran konfrontasi itulah yang menjadi ciri khas Barok.

Jika paruh pertama abad ke-18. Dalam musik, Barok diartikan sebagai gaya musik, kemudian paruh kedua menjadi masa kejayaan karya komposer sekolah klasik Wina:

Gluck, Haydn, Mozart dan Beethoven. Pencapaian tertinggi klasisisme dikaitkan dengan Wina, ibu kota Kekaisaran Austria yang luas, sebuah kota yang penuh dengan musik.

Aliran klasik Wina menanggapi sentimen dan gagasan Pencerahan. seni musik mencerminkan pencarian spiritual dan proses artistik kontroversial pada masanya. Misalnya, Lessing mempengaruhi karya Mozart.

Prinsip-prinsip klasisisme diterapkan dalam musik Pencerahan.

Christoph Willibald Gluck(1714-1787) memasuki sejarah musik sebagai pembaharu seni opera, yang meletakkan dasar bagi gaya opera baru. Opera-opera yang ditulis Gluck tidak biasa baik dari segi isi maupun cara mengungkapkan perasaan para tokohnya. Kegiatan Gluck berlangsung di Wina dan Paris dan juga dikaitkan dengan polemik filsafat dan estetika yang melibatkan para pendidik. Mereka mengkritik opera istana dan percaya bahwa teater kuno secara ideal menggabungkan musik, plastik, dan deklamasi.

Gluck mencoba mendramatisasi opera tersebut, memberikannya kejujuran dan kealamian. Semua opera terbaik Gluck, dimulai dengan Orpheus, ditulis dengan tepat cerita antik, di dalamnya komposer menemukan karakter yang kuat dan hasrat yang kuat. Selama masa hidup Gluck, opera-operanya menimbulkan kontroversi yang sengit, tetapi waktu telah menunjukkan kelayakan prinsip-prinsip tersebut, dan bukan suatu kebetulan bahwa komposer-komposer terkemuka lainnya juga menerapkannya.

Joseph Haydn(1732-1809) tetap menjadi konduktor (pemimpin kapel paduan suara dan orkestra) selama hampir tiga dekade, dan hanya mencurahkan waktu luangnya untuk menggubah musik. Jika Gluck mereformasi opera, Haydn menciptakan simfoni yang sempurna. Jalur kreatifnya melewati era seni yang berbeda, namun karya komposernya terhubung secara khusus dengan Zaman Pencerahan. Pencerahan percaya pada kemajuan masyarakat dan manusia, dan musik Haydn mengungkapkan optimisme dan keinginan akan kebahagiaan. Ciptaan Haydn cukup rasionalistik: bercirikan perhatian dan harmoni, yang juga selaras dengan prinsip-prinsip rasionalistik Pencerahan.

Dalam oratorionya, Haydn beralih ke tema alam, yang pemujaannya merupakan ciri khas seorang pencerahan seperti Rousseau. Haydn-lah yang menjadi komposer paling cerdas era Pencerahan.

Wolfgang Amadeus Mozart(1756-1791) mulai menulis sejak masa kanak-kanak, ia sering bepergian, dan mendapatkan ketenaran sejak dini. Seperti Gluck, Mozart menjadi pembaharu opera yang hebat, tidak hanya menyimfonkannya, tetapi juga memperbaruinya. Dengan memilih drama seperti “Crazy Day atau The Marriage of Figaro,” Mozart menunjukkan komitmennya terhadap ide-ide pendidikan. Dalam The Magic Flute, komposer menyajikan semacam utopia, dekat dengan keyakinan Pencerahan terhadap kemajuan moral umat manusia. Musik Mozart luar biasa menggabungkan kealamian dan harmoni, ketulusan dan kesempurnaan, kejelasan sempurna dan kegembiraan yang penuh hormat. Pencapaian tertinggi musik Mozart adalah "Requiem" yang terkenal - komposisi terakhirnya.

Jerman komposer Ludwig van Beethoven(1770-1827) menghabiskan sebagian besar hidupnya di Wina. Tulisan-tulisannya juga mengandung jejak Pencerahan. Komposer justru membedakan dirinya dalam genre sonata dan simfoni, yang akhirnya terbentuk di era ini. Karya-karyanya mengungkapkan perhatian dari keseluruhan rencana dan detail individu, serta kejelasan bentuk.

Dalam karya-karyanya yang paling terkenal, tema heroik, tema perjuangan, diwujudkan, yang dikaitkan baik dengan kepribadian komposer itu sendiri maupun dengan kekhasan biografinya: peristiwa-peristiwa Agung. revolusi Perancis dia bertahan saat remaja berusia sembilan belas tahun. Meskipun ide-ide Pencerahan merupakan ciri khas musik Beethoven, dia sudah mewakilinya era baru, mengantisipasi romantisme. Gaya musik komposernya berbeda dengan seni orang lain klasik Wina ruang lingkup, drama, kekuatan emosional. Ini adalah “Pathétique Sonata”, Simfoni Ketiga (“Eroic”), Simfoni Kelima dan Kesembilan, terutama “Ode to Joy”, yang mengakhiri simfoni terakhir. Seluruh warisan Beethoven mempunyai pengaruh yang luar biasa terhadap perkembangan musik, terutama terhadap pembentukan romantisme.