알렉산더 에크만 백조의 호수. 안무가 알렉산더 에크만(Alexander Ekman)이 현대 발레와 소셜 네트워크에 대해 이야기합니다. 그래서 당신에게는 발레보다 연극이 더 중요해요
당신은 줄거리 없는 희극 발레를 무대에 올리는 흔치 않은 재능을 가지고 있습니다. 예를 들어 Tulle에서 재미있는 것은 등장인물과 그들의 관계가 아니라 바로 고전적인 움직임과 그들의 실행 특성의 조합입니다. 귀하의 의견으로는 클래식 발레구식?
저는 클래식 발레를 좋아해요. 정말 멋져요. 하지만 그것은 단지 춤일 뿐이고, 재미있어야 하고, 게임이 있어야 합니다. 나는 고전적인 동작을 왜곡하지 않고 약간 다른 각도에서 보여줍니다. 약간의 터무니없는 것으로 판명되었습니다. 그리고 특히 배우들 사이에서 오해가 생길 수 있습니다. 드라마에서 일하는 것은 그들에게 그다지 익숙하지 않습니다. 나는 항상 그들에게 이렇게 말합니다. “코미디언이 되지 마세요. 웃겨야 할 건 당신이 아니라 상황이다.”
그렇다면 당신에게는 발레보다 연극이 여전히 더 중요하다는 건가요?
극장은 2,000명의 사람들이 서로 연결되어 있음을 느끼고, 같은 감정을 경험하고, “저거 봤어?”라고 토론할 수 있는 공간이다. 멋지죠? 이런 인간의 화합은 극장에서 가장 아름다운 것입니다.
대사, 독백, 대화 등 발레에 연설을 도입합니다. 말을 하지 않으면 청중이 당신의 계획을 이해하지 못할 것이라고 생각합니까?
그냥 이렇게 하는 게 더 재미있는 것 같아요. 나는 놀라움과 놀라움을 선사하고 청중을 놀라게하는 것을 좋아합니다. 연설이 나의 전문 분야라고 생각하십시오.
리뷰에서 나는 당신의 "Tulle"을 21세기의 아이러니한 학급 콘서트라고 불렀습니다. 첫째, 계층구조를 제시한다. 발레단, 둘째, 기계를 제외한 클래식 교육의 모든 섹션입니다.
모르겠어요. 발레 예술에 대해 아이러니하게 굴려는 의도는 없었거든요. 방금 파리 오페라에서 연극 'The Game'을 상연했고 그곳에서 일하면서 발레에 대한 존경심이 동경으로 커졌습니다. 이 극단 안에 있을 때, 예술가들이 어떻게 자신을 수행하는지, 에투알이 어떻게 홀에 들어가는지, 왕실의 태도와 당당한 자아감을 가지고 절대적으로 놀라운 연관성이 발생하는 것을 볼 수 있습니다. 계급 제도, 왕실, 태양의 루이(Louis the Sun)가 바로 그것이다. 파리 오페라에서는 누가 에투알인지, 솔리스트인지, 유명인인지를 즉시 확인할 수 있습니다. 즉, 그들이 자신을 붙잡는 방식, 움직이는 방식, 다른 사람들과 상호 작용하는 방식을 통해 확인할 수 있습니다. 이 모든 것은 사회에서의 그들의 지위와 지위를 반영합니다. 그리고 저는 이것이 기본이라는 것을 깨달았습니다. 이것이 자연 자체가 작동하는 방식입니다. 예를 들어, 닭장에 들어가서 즉시 주요 수탉을 봅니다. 그는 정말 아름답습니다. 아마도 프랑스와 러시아에서만 극장에서 이러한 절대주의의 그림자를 볼 수 있습니다. 이들 국가에서는 발레가 높이 평가되고 국가적 자부심이므로 프랑스와 러시아 문화 사이에는 깊은 연관성이 있는 것 같습니다.
그리고 파리의 수탉들과는 어떻게 작업하셨나요? 미리 만들어진 조합을 가지고 체육관에 오셨나요, 아니면 즉석에서 만들었나요? 아니면 예술가들이 즉흥적으로 행동하도록 강요받았는가?
모든면에서. 나는 항상 내가 만들고 싶은 것이 무엇인지에 대한 명확한 아이디어를 가지고 있지만 그 과정에서 구체적인 세부 사항이 나타납니다. 하지만 홀에 40명이 있다면 특정 조합이 나올 때까지 기다리도록 강요할 수는 없습니다. 그렇지 않으면 그들은 당신을 이렇게 볼 것입니다. 이것이 당신이 할 수있는 전부라고 그들은 말합니다. -즉시 환상의 잔재가 사라질 것입니다. 파리 오페라에서는 5~6명으로 구성된 무용수 그룹이 있었고 그들과 함께 자료를 작업했으며 완성된 그림을 발레단으로 옮겼습니다. 사실, 발레를 공연할 때, 결국 무슨 일이 일어날지 결코 알 수 없습니다. 알 수 없다는 공포에 사로잡히게 됩니다. 그 과정은 매우 흥미롭지만 매우 지치게 됩니다. 파리 이후 나는 잠시 휴식을 취하기로 결정했습니다.
얼마나 오랫동안?
6개월 동안. 아니면 1년 동안요. 나는 평생 동안 12년 동안 45개의 발레를 매우 집중적으로 무대에 올렸습니다. 끊임없는 경주 였고 결국에는 끝없는 생산을하고있는 것 같았습니다. 저는 성공을 원동력으로 삼았습니다. 우리는 모두 경력 지향적입니다. 나는 장벽을 하나씩 넘어갔고, 파리 오페라는 나의 목표이자 여행의 정점이었습니다. 그래서 그녀는 잡혔습니다. 내 인생 발레의 첫 번째 막이 끝났다. 이제 휴식 시간입니다.
당신은 이전에 발레를 잠시 쉬었던 경험이 있습니다. 당신의 설치 작품은 스톡홀름 박물관에서 전시되었습니다. 현대 미술.
글쎄요, 비평가는 다릅니다. 일부는 심지어 훌륭합니다.
당신을 사랑하는 사람들. 예를 들어 모스크바의 경우: 우리는 항상 당신의 공연을 칭찬하고 "선인장"을 좋아하며 볼쇼이의 Benois de la danse 콘서트에서 자신의 독백 "내가 생각하는 것은 무엇입니까?"에 맞춰 얼마나 훌륭하게 춤을 췄는지 기억합니다. 볼쇼이 극장" 그런 다음 당신은 백조의 호수 후보에 올랐지만 그들은 상도 주지 않았고 공연도 보여주지 않았습니다. 그들은 볼쇼이 무대에 6,000리터의 물을 붓고 싶지 않았습니다. 러시아 주요 발레단을 오슬로에서 공연하게 된 계기는 무엇이며, 프로토타입과 비교하면 어떤가요?
안 돼요. 처음에는 무대에 물을 많이 붓는 게 아이디어였다. 그런 다음 우리는 어떤 발레가 물과 관련이 있는지 생각했습니다. 물론, 백조의 호수. 그리고 지금은 발레 <백조의 호수>와는 아무런 관련이 없기 때문에 내 공연을 그렇게 부르는 것이 현명한 것인지 모르겠습니다.
스웨덴의 유명한 디자이너 Hendrik Vibskov와 함께 <백조의 호수>를 만들었어요. 그건 그렇고, 그는 어렸을 때 춤을 추고 싶었고 힙합 공연으로 상도 받았습니다.
예? 나는 몰랐다. Hendrik은 훌륭해요. 정말 그리워요. 그와 나는 창의적으로 완전히 일치합니다. 우리 둘 다 한 방향으로 구부러져 있고 뭔가 미친 것을 만들기로 결심한 것 같습니다. 그는 또한 즐거운 시간을 보내는 것을 좋아하고 노는 방법을 알고 있습니다. 패션쇼- 퍼포먼스 같은 거요. 파리에서 그와 나는 "백조의 호수" 형태의 패션쇼를 만들었습니다. 우리는 물웅덩이를 채우고 그 위에 연단을 놓았으며, 모델들은 마치 물 위를 걷는 것처럼 걷고, 공연 의상을 입은 댄서들이 그들 사이를 오갔습니다. .
그리고 인스타그램에 모든 게임을 게시하시나요? 당신은 소셜 네트워크에서 매우 활동적입니다.
소셜 네트워크는 매우 편리한 것입니다. 창의적인 사람. 완성된 작품을 발표할 수도 있고, 지금 작업 중인 작업을 보여줄 수도 있습니다. 마치 포트폴리오와 같습니다. 인스타그램에는 특별한 언어가 필요한데, 시각효과가 많은 제 작품이 인스타그램에 잘 맞는 것 같아요. 하지만 나는 사람들이 "보세요, 나 누구누구랑 여기 앉아 있어요"와 같이 온라인에 사진을 업로드하는 것을 좋아하지 않습니다. 현실은 보여지는 것이 아니라 살아봐야 합니다. 네트워크 형성 새 유니폼커뮤니케이션, 그리고 그것은 새로운 중독을 일으켰습니다. 사람들은 서로 대화하는 방법을 잊었지만 끊임없이 휴대폰을 봅니다. 거기에 좋아요가 몇 개 있습니까?
Instagram에는 3만 명이 넘는 팔로워가 있습니다. 예를 들어 유명한 NDT의 주요 안무가인 Paul Lightfoot과 Sol Leon의 두 배입니다.
나는 더 많은 것을 원한다. 하지만 작업 페이지에서는요. 저는 다른 사람들과 똑같은 일을 하기 때문에 제 개인적인 것을 삭제하겠습니다. 안녕하세요, 제가 얼마나 즐거운 시간을 보내고 있는지 보세요.
현실로 돌아가자. 여기 모스크바에서 제작 제안을 받지 않았나요? 아니면 적어도 이미 완료된 일부를 전송합니까?
여기서 뭔가 하고 싶습니다. 하지만 휴식시간이 있어요. 그런데 솔직히 리허설실에 끌리긴 해요.
프로그램 XXVII에서 국제페스티벌카잔의 R. Nuriev의 이름을 딴 클래식 발레에는 발레 "Cacti"를 포함하여 스웨덴 안무가 Alexander Ekman의 현대 단막 발레 3개가 포함되어 있습니다.
"Triptych"프로그램으로 통합 된 독일 극장의 발레는 발레 애호가들로부터 엇갈린 평가를 불러 일으켰습니다. 우리는 독자들에게 전문가인 발레리나 타타르스키의 정확한 관점을 소개할 기회가 있습니다. 학술 연극 M. Jalil의 이름을 딴 오페라와 발레.
시즌의 주요 발레 행사는 클래식 발레 축제로 자리 잡았지만, 여러 해에 걸쳐 현대 안무를 춤추는 예술가와 극단이 카잔에 왔습니다. 올해에도 발레토마인들은 '특이한' 대우를 받았습니다.
일반적으로 현대 안무, 즉 현대 무용은 지난 10년 동안 러시아에서 관련성을 높여 왔습니다. 서양에서 현대무용은 또 다른 이름이다. 현대 무용, 오랫동안 발전해 왔으며 풍부한 연극 생활을 살고 있으며 특정 형태를 얻었습니다. 다양한 안무가들의 일부 연출과 스타일은 이 장르의 고전이 되었습니다. 그럼에도 불구하고 현대 무용은 놀라움을 멈추지 않습니다.
카잔 관객들에게 도르트문트 발레단의 도착은 즐거운 놀라움이었다. 독일의 한 극단은 축제 이틀 동안 4개의 발레를 공연했습니다. 이 중에서 가장 눈에 띄는 공연은 자신있게 발레 '선인장'이라고 부를 수 있다고 생각합니다.
연극은 약간 터무니없는 철학적 음성 해설로 시작됩니다. 한심하게 전달되는 목소리는 현대무용과 현대사회에서 미술평론가의 역할을 반영하며, 그 중 한 사람의 의견이 많은 관객의 인식에 영향을 미칠 수 있다.
Ekman 자신은 인터뷰 중 하나에서 풍자 발레 "Cacti"를 그러한 비평가의 의견에 대한 최신 논평이라고 부릅니다. 그는 또한 시청자들이 그의 재치 있는 힌트를 이해해주기를 바란다. 그의 생각에 현대 미술은 그다지 심각하게 받아들여져서는 안 된다.
그런 다음 매혹적인 액션이 시작됩니다! 흰색 플랫폼 위에 체커보드 패턴으로 앉아 있는 16명의 무용수들은 조용히 요기 호흡 운동과 같은 동작을 시작하며 때때로 기괴한 자세로 얼어붙는다.
공연의 음악적 풍경은 무용수들의 공연만큼이나 흥미롭습니다. 살아 있는 현악4중주, 베토벤, 하이든, 슈베르트 등 위대한 작곡가들의 음악 콜라주를 연주하는 것은 "선인장" 안무에 특별한 분위기와 신랄함을 선사합니다. 무용수들은 몸 전체와 주변 공간을 활용하여 바닥에 손바닥을 치며 비트에 맞춰 소리를 지르며 전염성 있는 리듬을 만들어 인간 오케스트라의 필수적인 부분이 됩니다.
실제로 예술가들이 춤을 추는 1m x 1m 크기의 흰색 받침대는 자유와 한계의 이중성을 상징합니다. 한편으로는 모든 사람이 자신의 공간에 제한되어 있는 반면, 모든 사람은 자신의 작은 섬에서 자유롭게 자신을 표현할 수 있습니다. 특히 빛과 그림자의 작업이 인상적이다. 여기에서는 적절한 순간에 자신의 독백에서 적절한 댄서를 잡아낸 조명 디자이너에게 "브라보"라고 말해야 합니다.
훌리건 안무가 에크만(Ekman)은 놀라운 청중을 좋아하는 것 같고, 당연히 그렇습니다. 평범한 커플의 단순한 대사 댄스 도중 하늘에서 봉제인형이 떨어지는 등 무대 위에서 기상천외한 일이 일어나면 관객은 즉각 생생하게 반응한다. 그리하여 빠져드는 특이한 성능, 사람들은 일상적인 문제에서 잠시 벗어나 일상적인 것(예를 들어 동일한 선인장)을 다른 관점에서 보도록 영감을 줄 수 있습니다.
현대의 걸작은 가벼움, 아이러니, 편안함의 인상을 남기지만 무엇을 상상해 볼 수 있습니까? 신체 훈련이 안무는 아티스트에게 필요한 것 같아요. 도르트문트 발레단의 무용수들은 이 작업을 훌륭하게 수행했습니다! 곳곳의 안무는 아프리카 부족의 춤을 연상케 했고, 광란의 춤의 에너지가 너무 강했다. 무용수들이 춤의 요소에 완전히 빠져들면서도 몸의 모든 근육을 능숙하게 제어하고 있다는 느낌이 들었습니다.
공연이 끝나면 모든 캐릭터는 동일한 플랫폼 상자에서 놀라운 구성을 구축하는데, 이는 중력의 법칙을 거스르는 것처럼 보였고 어쩐지 가장자리에 서 있는 것처럼 보였습니다. 모두가 손에 선인장을 들고 있습니다. 이것은 상징이자 우화입니다. 현대인, 각각은 가시가 많고 소박하지만 여전히 강하고 빛의 광선이 있다면 아스팔트의 돌 토양도 뚫을 준비가 된 자신의 냄비에 살고 있습니다.
회오리바람처럼 관객을 그 시대의 놀라운 안무가이자 예술가인 알렉산더 에크만의 세계로 데려가는 유난히 가볍고 신선하며 역동적인 발레입니다.
이 발레는 가장 빛나는 대표자새로운 예술 – 관중과 전문가 모두에게 필수 시청을 권장합니다.
리뷰 작성자는 2011년에 카잔 안무 학교(I.Sh. Khakimova 수업)를 졸업하고 이름을 딴 TAGTOiB 극단에 합류했습니다. M. 잘릴. 그녀는 10개 이상의 연극 공연에 참여하고 있습니다. 가장 최근에 우리는 발레에서 그녀를 보았습니다. " 골든 호드": 뷔 동양무용그녀는 공작으로 나타났습니다. 그녀는 스파르타쿠스의 늑대 엄마 역과 백조의 호수의 신부 역을 맡았습니다. 그녀는 연극단과 함께 유럽 국가를 여행했습니다.
Aisylu는 S. Saidashev IFMK의 이름을 딴 고등 예술 학교의 3학년 학생입니다.
프로그램 이름은 안무가의 이름을 따서 명명되었습니다. 첫 번째에 이어 – “Lifar. 킬리안. Forsythe" - 댄스 4중주곡을 선보였습니다: "Balanchine. 테일러. 가르니에. 에크만." 총 7개의 이름과 7개의 발레가 있습니다. 파리 오페라 출신의 끈질긴 프랑스인의 생각은 읽기 쉽습니다. Iler는 역사적으로 확립된 다막 플롯 경로를 따라 자신에게 맡겨진 팀을 이끌기 위해 서두르지 않습니다. 그는 다양한 스타일의 단막으로 구성된 구불구불한 형식을 선호합니다(비슷한 형식의 프로그램이 두 개 더 계획되어 있습니다). 최근 약 36명의 젊은 예술가들이 떠나는 것을 경험한 이 극단은 기록적인 속도로 회복되었으며 첫 작품에 합당해 보입니다. Iler가 아직 "초대" 아티스트에게 극장 문을 열지 않고 자신의 팀을 부지런히 육성하고 있다는 점을 고려하면 특히 진전이 눈에 띕니다.
초연의 첫 번째 공연은 George Balanchine의 "Serenade"였는데 Stanislavites는 이전에 춤을 춰본 적이 없었습니다. 차이콥스키의 음악에 대한 이 낭만적인 애가는 1934년 초 신세계에 발레 학교를 개설한 위대한 안무가의 미국 시대를 시작합니다. 아직 무용의 문법을 완전히 익히지는 못했지만 고전을 꿈꾸는 첫 학생들을 위해 발란신은 러시아 정신이 담긴 '세레나데'를 무대에 올렸다. 수정, 천상의, 무중력. Muztheater의 아티스트는 첫 번째 공연자와 동일한 방식으로 공연을 진행합니다. 깨지기 쉬운 보물을 조심스럽게 만지는 것 같습니다. 안무가가 주장한 내부 이동성도 부족하지만 새로운 것을 이해하려는 욕구가 분명합니다. 그러나 시적 창조물에 대한 복종과 존경심은 자신의 기술에 자신감을 갖고 있는 극단이 세레나데를 추는 쾌활함과 용기보다 더 낫습니다. 작품의 주인공인 여성 발레단은 이미 동이 트기 전에 퇴각하고 있는 잠 못 이루는 밤의 꿈 속에서 살아난다. 줄거리 없는 분위기 구성에서 Erika Mikirticheva, Oksana Kardash, Natalya Somova는 이름 없는 여주인공을 꿈꾸던 "왕자" Ivan Mikhalev와 Sergei Manuilov처럼 멋지게 보입니다.
다른 세 개의 초연 작품은 Muscovites에게 생소합니다. "헤일로(Halo)"는 모더니스트 안무가인 폴 테일러(Paul Taylor)가 움직임의 본질을 논의하는 밝고 삶을 긍정하는 몸짓입니다. 역동적이고 화려한 춤은 끊임없이 변화하며 독립적인 캐릭터를 연상시키며, 일반적인 포즈와 점프를 깨고, 팔은 때로는 나뭇가지처럼 땋아지고, 때로는 스포츠 장비에서 뛰어내리는 체조선수처럼 던져진다. 반세기 전에 혁신적인 것으로 인식되었던 안무는 추진력과 유머, 진지한 격언에서 아이러니한 탈선으로 번개처럼 빠르게 전환되면서 구원을 받았습니다. 하얀 드레스를 입은 맨발의 나탈리아 소모바(Natalya Somova), 아나스타샤 페르셴코바(Anastasia Pershenkova), 엘레나 솔로얀코(Elena Solomyanko)는 구성의 우아한 대조를 보여주는 취향을 보여줍니다. Georgi Smilevski는 극적인 긴장감, 스타일 및 축제의 아름다움을 솔로에 가져오는 방법을 알고 있는 극장의 자부심이자 탁월한 초연인 느린 동작을 담당합니다. Dmitry Sobolevsky는 거장이고 두려움이 없으며 감정적입니다. 놀랍게도 헨델의 의례음악은 무대 위에서 실제 댄스 마라톤을 펼치는 테일러의 환상에 쉽게 '수용'된다. 두 공연 모두 재현 다양한 스타일미국 안무와 함께 심포니 오케스트라재능 있는 거장 안톤 그리샤닌(Anton Grishanin)이 지휘하는 극장.
차이콥스키와 헨델 이후 - 아코디언 연주자 Christian Pache와 Gerard Baraton의 사운드트랙과 듀엣, 프랑스 안무가 Jacques Garnier "Onis"의 12분 미니어처에 "동반". Maurice Pache의 음악에 맞춰 공연은 파리 오페라 발레단의 전 감독이자 같은 생각을 가진 Laurent Hilaire Brigitte Lefebvre가 리허설했습니다. 그녀가 Jacques Garnier와 함께 일련의 실험을 통해 설립한 "침묵의 극장"에서 현대 안무 40년 전 '오니스'의 첫 공연이 열렸습니다. 안무가가 형에게 헌정하고 직접 연주한 곡이다. 나중에 그는 세 명의 솔리스트를 위한 작곡을 재작업했는데, 현재 프레젠테이션에서 그들의 춤은 시큼한 수제 와인과 비슷하여 머리를 약간 때렸습니다. 친척 관계는 아니더라도 강한 우정으로 연결된 남자들은 자신이 어떻게 자랐는지, 사랑에 빠졌고, 결혼하고, 자녀를 간호하고, 일하고, 즐겁게 지냈는지에 대해 유쾌하고 징징 거리지 않고 이야기합니다. 보통 마을 휴일에 들을 수 있는 너겟 "하모니스트"의 소박한 뽑기와 함께 간단한 동작이 프랑스의 작은 지방인 Onis에서 이루어집니다. Evgeny Zhukov, Georgi Smilevski Jr., Innokenty Yuldashev는 실제로 민속적 풍미가 가미된 팝 넘버를 젊고 자연스럽고 열정적으로 연주합니다.
스웨덴 출신의 알렉산더 에크만(Alexander Ekman)은 조커이자 괴짜의 대가로 알려져 있습니다. 그의 "백조의 호수"를 위한 Benois de la Danse 페스티벌에서 그는 러시아 주요 극장 무대에 6,000리터의 물이 담긴 수영장을 설치하고 그 안에 춤추는 예술가들을 초대하기를 원했습니다. 그는 거절당했고 즉석에서 물 한 잔과 함께 "내가 볼쇼이 극장에서 생각하고 있는 것"이라고 부르는 재미있는 솔로를 연주했습니다. 그의 "선인장"은 기이한 발견물이 흩어져 있는 것으로도 기억됩니다.
Tulle에서 Ekman은 춤이 아니라 연극 생활 자체를 분석합니다. 땀에 젖은 밑바닥과 의식적 기반을 보여주고, 공연자들의 야망과 진부함을 비웃습니다. 검은 옷을 입은 감독자 아나스타샤 페르셴코바(Anastasia Pershenkova)는 뾰족한 신발을 신고 흔들리는 걸음걸이를 하고 있는데, 그녀의 극단 지도자는 영웅적으로 내려오지 않으며, 들떠 있는 모델 디바처럼 보입니다. 배우들은 순진한 무언극의 어리 석음을 연습하는 데 집중하고 지루한 연습 단계를 계속해서 반복합니다. 지친 발레단은 절망에 빠진다. 지친 무용수들은 동시성을 잃고 몸을 구부리고 발을 구르고 무대에서 발을 세게 때린다. 최근에 그들이 손끝으로 미끄러졌다는 것을 어떻게 믿을 수 있습니까?
그리고 Ekman은 "태양왕" 루이 14세의 궁정 발레단의 커플이나 카메라를 들고 호기심 많은 관광객을 무대에 올리면서 그의 절충주의에 놀라움을 멈추지 않습니다. 무대를 뒤덮은 군중의 광란을 배경으로 오케스트라 피트는 위아래로 '점프'하고, 알 수 없는 눈과 얼굴의 화면 이미지가 바뀌고, 번역 라인은 질주한다. 미카엘 칼슨이 히트한 댄스 리듬과 치직거리는 소리, 소음과 뾰족구두의 달그락거리는 소리, 리허설실의 악보, 그리고 백조의 발걸음을 연습하는 발레단의 무로 구성된 악보는 아찔하다. 과잉은 유머러스한 줄거리의 조화를 해치고 맛이 나빠집니다. 예술가들이 이 대규모 안무의 재미에 빠져들지 않는다는 것은 좋은 일이다. 모두가 즐거운 놀이의 요소를 즐기며 무대 뒤의 미친 세계를 즐겁고 사랑스럽게 놀립니다. <튤>의 최고의 장면은 그로테스크한 서커스 파드되이다. 광대 의상을 입은 옥사나 카다쉬(Oksana Kardash)와 드미트리 소볼레프스키(Dmitry Sobolevsky)가 푸에테와 피루엣의 수를 세고 있는 동료들에 둘러싸여 그들의 묘기를 즐기고 있습니다. Valery Todorovsky의 영화 "Bolshoi"와 같습니다.
언제나 실험에 열려 있는 음악극장은 세계 안무의 낯선 공간을 쉽게 탐구합니다. 댄스가 어떻게 발전했는지, 전문가와 관객의 선호도가 어떻게 변했는지 보여주려는 목표가 달성되었습니다. 공연은 또한 1935년 - "Serenade", 1962 - "Halo", 1979 - "Onis", 2012 - "Tulle" 등 엄격한 연대순으로 정렬됩니다. 합계 - 거의 80년. 그림은 Balanchine의 고전적인 걸작부터 Paul Taylor의 정교한 모더니즘과 Jacques Garnier의 민속 양식화를 거쳐 Alexander Ekman의 혼돈에 이르기까지 흥미로운 것으로 밝혀졌습니다.
발표 당시 사진: Svetlana Avvakum
다시 Laurent Hilaire가 단막 발레의 저녁을 조직합니다. 20세기 안무를 전공하는 학생들도 MAMT에 가야 합니다. 두 번의 여행을 통해 이제 7명의 안무가를 다룰 수 있게 되었습니다. 처음에는 Lifar, Kilian 및 Forsythe(), 그 다음에는 Balanchine, Taylor, Garnier 및 Ekman(11월 25일 초연)입니다. 각각 "세레나데"(1935), "헤일로"(1962), "오니스"(1979), "튤레"(2012). 신고전주의, 미국 현대, 신고전주의와 에크만으로부터의 프랑스 도피주의.
극단 뮤지컬 극장 Balanchine 댄스는 처음으로 선보였으며 Taylor와 Ekman은 러시아에서 상연된 적이 없습니다. 극장 예술감독에 따르면 솔리스트에게는 자신을 표현할 수 있는 기회가, 발레단에게는 작업할 수 있는 기회가 주어져야 한다고 한다.
« 저는 젊은이들에게 자신을 표현할 수 있는 기회를 주고 싶었습니다. 우리는 외부 아티스트를 초대하지 않습니다. 이것이 저의 원칙입니다. 저는 이 극단에 엄청난 열정을 가지고 작업하고 새로운 레퍼토리에서 완전히 예상치 못한 방식으로 자신을 드러내는 놀라운 솔리스트가 있다고 믿습니다.(오니스 소개)
…훌륭한 안무, 멋진 음악, 스무 명의 여성 - 왜 그런 기회를 거부합니까? 또한, 두 명의 출연진을 준비함으로써 극단 내 여성 대부분을 차지할 수 있다.(“세레나데”에 대해)” Kommersant 인터뷰에서 발췌.
사진: 스베틀라나 아바쿰(Svetlana Avvakum) 발란신은 미국 발레 학교의 성인 학생들을 위해 세레나데를 만들었습니다. " 방금 학생들을 가르치고 그들이 얼마나 춤을 잘 추는지 알 수 없는 발레를 만들었어요." 그는 발레에 대한 낭만적 인 해석과 숨겨진 음모를 모두 부인하고 학교에서 수업을 기초로 삼았다고 말했습니다. 누군가 늦으면 넘어 질 것입니다. 17 명의 학생을 차지해야했기 때문에 그림은 비대칭이고 끊임없이 변화하고 얽혀있는 것으로 나타났습니다. 종종 소녀들은 손을 잡고 얽혀 있습니다. 댄서들이 의도적으로 손으로 만지는 낮은 조명 점프, 다진 대시, 파란색 반투명 쇼팽-모든 것이 바람이 잘 통하고 마시멜로입니다. 무용수들이 거의 춤을 추기 시작하는 차이콥스키의 세레나데 "러시아 주제의 피날레"의 네 부분 중 하나도 포함하지 않습니다. 민속춤클래식에 가려져 있습니다.
사진: 스베틀라나 아바쿰(Svetlana Avvakum) 발란신의 신고전주의 이후, 비록 <에피소드>에서 전자와 춤을 추긴 했지만 대조적으로 보이는 폴 테일러의 모더니즘은 마사 그레이엄의 극단에서 활동했다. Guendal의 음악에 대한 "Halo"는 단순히 현대 동작에 대한 교과서입니다. V 자 모양의 손, 발가락이 당신을 향하고 재즈 준비 위치가 있고 엉덩이에서 6 번째 패스가 있습니다. 여기에도 고전이 남아 있지만 모두 맨발로 춤을 춥니 다. 이러한 골동품은 박물관에 있는 것처럼 보이지만 러시아 대중은 그것에 대해 너무 열광했습니다.
“헤일로” 폴 테일러 사진: Svetlana Avvakum 한때 학구주의와 음모에서 벗어나 춤 그 자체와 인체에 집중했던 자크 가르니에의 <오니스>처럼 말이다. 아코디언 연주자 2명이 무대 구석에 있고, 무용수 3명이 누워있습니다. 그들은 몸을 쭉 뻗고, 흔들고, 일어서서 회전하고, 구르며, 때리며 흥겨운 춤을 추기 시작합니다. 여기에는 Garnier가 미국에서 기술을 연구한 민속과 Alvin Ailey(Cunningham의 기술도 포함)가 있습니다. 1972년 브리짓 르페브르(Brigitte Lefebvre)와 함께 파리 오페라단을 떠나 침묵의 극장(Theatre of Silence)을 창설하여 실험뿐만 아니라 교육 활동그의 레퍼토리에 미국 안무가들의 작품을 포함시킨 프랑스 최초의 사람 중 한 명이었습니다. 이제 Lefevre는 Garnier의 안무를 연습하기 위해 모스크바로 왔는데, 이는 분명히 러시아 무용수들을 기쁘게했으며 Lefevre 자신도 그들 덕분에 이 안무의 새로운 뉘앙스를 발견했습니다.
“Onis” Jacques Garnier 사진: Svetlana Avvakum 그러나 저녁의 주요 초연은 스웨덴 Alexander Ekman의 발레 "Tulle"이었습니다. 2010년에는 스웨덴 왕립발레단이 그를 공연 무대에 초대했습니다. Ekman은 이 문제에 철학적으로 그리고 아이러니하게 접근했습니다(그가 다른 창작물에서 그랬던 것처럼). "Tulle"은 "클래식 발레란 무엇인가"라는 주제에 대한 반성입니다. 아이의 호기심으로 그는 발레가 무엇인지, 어디서 왔는지, 왜 필요한지, 왜 그렇게 매력적인지 질문합니다.
“발레 튀튀를 좋아해요. 사방으로 튀어나와요.”, “발레는 서커스예요”-무용수들이 무대에서 몸을 풀고 있는 동안 알려지지 않은 사람들이 맨 처음에 말합니다. Ekman은 무대 위의 비디오 프로젝션에서 카메라 렌즈가 발레 투투 위로 미끄러지는 것처럼 돋보기를 사용하여 "발레"의 개념을 조사하고 있는 것 같습니다. 프레임에는 격자만 있고 가까이서 보면 모든 것이 다르게 보입니다.
“튤레” Alexander Ekman 사진: Svetlana Avvakum 그렇다면 발레란 무엇인가?
이것은 계산하는 훈련입니다. 무대에서는 발레리나가 동기화 된 운동을하고 스피커에서는 뾰족한 신발의 큰 소리와 거친 호흡이 있습니다.
이는 변경되지 않은 다섯 가지 위치입니다. 관광객은 마치 박물관에서 댄서를 클릭하는 것처럼 카메라를 들고 무대에 나타납니다.
이것은 사랑과 증오입니다. 발레리나들은 무대 위에서 자신의 꿈과 두려움, 고통과 행복감에 대해 이야기합니다. 나는 내 포인트 슈즈를 좋아하기도 하고 싫어하기도 한다”.
이것은 서커스입니다. 할리퀸 의상을 입은 커플(발레리나는 머리에 말처럼 깃털이 달려 있습니다)이 다른 댄서들의 야유와 비명에 맞춰 복잡한 묘기를 선보입니다.
이것은 관객을 압도하는 힘이다. 미국 작곡가 마이클 칼슨은 '스완'을 공격적인 비트로 일렉트로닉 각색했고, 냉혈한 웅장함을 지닌 무용수들은 발레의 상징인 발레의 명언을 발췌해 선보이며 관객은 마치 못 박히는 듯한 느낌을 받는다. 이 강력한 미학에 의한 콘크리트 슬래브.
"Tulle"은 아이러니하고 사랑이 담긴 발레의 가벼운 준비입니다. 이것은 침묵의 예술에 말할 권리가 주어지고, 추론하고, 자기 아이러니하지만 자신있게 그 위대함을 선언하는 때입니다.
글: 니나 쿠디야코바
스웨덴 안무가 알렉산더 에크만(Alexander Ekman)은 10세에 스웨덴 왕립발레학교(Royal Swedish Ballet School) 학생으로 발레의 길을 걷기 시작했습니다. 학업을 마친 후 그는 스톡홀름 왕립 오페라의 댄서가 되었고, 그 후 네덜란드 댄스 극단의 일원으로 3년 동안 공연했습니다. 댄서로서 그는 나초 두아토(Nacho Duato)와 같은 안무가들과 함께 작업했다. 2005년은 그의 창조적 운명에 전환점이 되었습니다. 쿨베리 발레단의 무용수로서 그는 처음으로 안무가로서 자신을 보여주었고 하노버 국제 안무 콩쿠르에서 그의 발레 3부작 "자매들"의 첫 번째 부분을 선보였습니다. “아마를 돌리는 자매들”. 이번 대회에서 그는 2위를 차지했고 비평가상도 수상했다. 무용수로서의 경력을 마친 에크만은 그때부터 안무가 활동에만 전념했다.
컬버그 발레단과 함께 그는 예테보리 발레단, 플랑드르 왕립 발레단, 노르웨이 국립 발레단, 라인 발레단, 베른 발레단 및 기타 여러 발레단과 협력하고 있습니다. 그는 클래식 무용수로 경력을 시작했지만, 안무가로서 어떤 규칙이나 확립된 전통에 얽매이지 않고 자유로운 현대무용을 선호했다. 안무가가이 작품이나 저 작품을 만들 때 항상 자신을 위해 설정하는 주요 목표, 즉 시청자에게 "무언가를 말하는 것", "사람의 무언가를 바꾸는 것, 심지어 감정의 이미지까지 바꾸는 것"을 달성 할 수있는 기회를 느낀 것은 바로 이러한 스타일이었습니다. .” 주요 질문, 안무가는 작품 작업을 시작하기 전에 스스로에게 "왜 필요한가요? "라고 묻습니다. Ekman에 따르면 예술에 적합한 것은 명성에 대한 욕구가 아니라 이러한 접근 방식입니다. “나는 지친 스타와 함께 일하는 것보다 재능은 부족하지만 일에 굶주린 댄서와 함께 일하고 싶습니다.”라고 Ekman은 말합니다.
안무가 인 "발레의 대가"(Alexander Ekman이 그의 작품이라고 부름)는 대중의 "감정의 이미지를 바꾸려는"노력으로 항상 예상치 못한 것을 만들어냅니다. 심지어 일부 작품의 음악도 그에 의해 작곡되었습니다. Ekman의 작품은 항상 특이하기 때문에 전 세계의 관심을 끌고 있습니다. 예를 들어 발레 "Cacti"는 18개 무대에서 선보였습니다. 음악의 사용은 특히 예상치 못한 해결책인 것 같습니다. 이를 바탕으로 현대 무용에 대한 약간 아이러니한 관점을 구현하는 재치 있는 작품이 만들어졌습니다. 그의 첫 번째 다막 발레인 "에크만의 삼부작 - 놀이 훈련"은 그에 못지않은 명성을 얻었습니다.
그러나 Ekman이 현대 무용을 선택했지만 이것이 그가 고전 전통에 전혀 시선을 돌리지 않는다는 의미는 아닙니다. 따라서 2010년에 스웨덴 왕립 발레단의 작품을 제작하겠다는 제안을 받은 그는 2012년에 클래식 발레를 주제로 한 일종의 "성찰"인 발레 "Tulle"을 선보였습니다.
그러나 알렉산더 에크만(Alexander Ekman)은 과거의 대중적 명작을 소재로 삼아 근본적으로 새로운 해석을 제시합니다. 이것이 2014년 안무가가 선보인 '백조의 호수'의 혁신적인 해석인 '백조의 호수'입니다. 노르웨이 발레단은 춤을 추기 때문에 어려움을 겪었습니다. 물 위에서 안무가는 무대에 물을 채워 실제 "호수"를 만들었습니다. 이를 위해서는 1000리터 이상의 물이 필요했습니다(안무가에 따르면 이 아이디어는 그가 화장실에 있는 동안 그에게 왔습니다). 그러나 이것이 작품의 유일한 독창성은 아니었습니다. 안무가는 줄거리 제시를 거부했습니다. 캐릭터- Siegfried 왕자와 Odette가 아니라 Observer와 두 백조-White와 Black의 충돌이 공연의 정점이됩니다. 순수와 함께 댄스 동작퍼포먼스에는 피겨 스케이팅이나 심지어 서커스 공연에 어울리는 모티브도 포함되어 있습니다.
2015년에는 "백조의 호수"가 Benois de la Dance 상 후보에 올랐고, Alexander Ekman이 후보 콘서트에서 청중을 놀라게 하지 않았다면 그 자신이 아닐 것입니다. 한동안 무용수 활동을 하지 않았음에도 불구하고 안무가가 직접 무대에 올라 이번 콘서트를 위해 특별히 고안한 유머러스한 곡 '볼쇼이 극장에서 생각하고 있는 것'을 선보였다. 간결한 숫자는 기교가 아닌 기쁨, 불확실성, 두려움, 행복 등 다양한 감정으로 청중을 사로 잡았으며 물론 안무가의 창작에 대한 힌트도있었습니다. Ekman이 무대에 물 한 잔을 부었습니다. 2016년에는 안무가의 또 다른 작품 '한여름 밤의 꿈'이 이 상 후보에 올랐다.
Alexander Ekman의 작품에는 다양한 얼굴이 있습니다. 전통적인 형태의 발레에만 국한되지 않고, 안무가는 스웨덴 현대미술관을 위해 발레 무용수들의 참여로 설치 작품을 제작합니다. 2011년부터 안무가는 뉴욕 줄리어드 음악원에서 가르치고 있다.
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