- 이것은 미술의 주요 유형 중 하나입니다. 나타냅니다 예술적 이미지표면에 색깔 있는 페인트가 있는 물체 세계. 그림은 이젤, 기념비적, 장식용으로 구분됩니다.

- 주로 캔버스(판지, 나무판 또는 맨손)에 유성 페인트를 사용하여 작업한 작품으로 표현됩니다. 가장 인기 있는 그림 유형입니다. 일반적으로 "라는 용어에 적용되는 유형입니다. 그림".

건물과 건물의 건축 요소를 장식할 때 벽에 그림을 그리는 기법입니다. 특히 유럽에서 흔히 볼 수 있는 프레스코 - 수용성 페인트를 사용하여 젖은 석고에 기념비적인 그림을 그립니다. 이 그림 기법은 고대부터 잘 알려져 있습니다. 나중에 이 기술은 많은 기독교 종교 교회와 금고의 설계에 사용되었습니다.

장식 그림 — (장식하다라는 라틴어에서 유래)은 물체와 내부 세부 사항, 벽, 가구 및 기타 장식 물체에 이미지를 그리고 적용하는 방법입니다. 장식 및 응용 예술을 말합니다.

회화 예술의 가능성은 특히 대량 사용 순간부터 15 세기 이젤 회화를 통해 분명하게 드러납니다. 유성 페인트. 그 안에는 특별한 다양한 콘텐츠와 깊이 발전된 형식이 있습니다. 그림같은 풍경의 중심에 예술적 수단색상(페인트의 가능성)은 명암대비 및 선과 불가분의 통일성을 갖고 있습니다. 색상과 명암대비(chiaroscuro)는 다른 유형의 예술에서는 접근할 수 없는 완성도와 밝기를 갖춘 회화 기법으로 개발되고 발전됩니다. 이는 사실적인 회화에 내재된 체적 및 공간 모델링의 완성도, 현실의 생생하고 정확한 렌더링, 작가가 구상한 플롯(및 구성 구성 방법)의 실현 가능성 및 기타 시각적 이점을 결정합니다.

회화의 종류별 차이의 또 다른 차이점은 물감의 종류에 따른 시공기법이다. 항상 충분하지는 않음 공통적인 특징정의를 위해. 각 개별 사례에서 회화와 그래픽 사이의 경계는 다음과 같습니다. 예를 들어 수채화나 파스텔로 만든 작품은 예술가의 접근 방식과 그가 설정한 작업에 따라 두 영역 모두에 속할 수 있습니다. 종이에 그리는 그림은 그래픽으로 분류되지만, 다양한 페인팅 기술을 사용하면 페인팅과 그래픽의 구분이 모호해지는 경우가 있습니다.

의미론적 용어 "그림" 자체가 러시아어로 된 단어라는 점을 고려해야 합니다. 바로크 시대 러시아 미술이 형성되는 과정에서 사용된 용어이다. 당시 "회화"라는 단어의 사용은 특정 유형의 사실적인 그림에만 적용되었습니다. 그러나 원래 그것은 "쓰기"(쓰기와 관련됨)라는 단어를 사용하는 아이콘 그림의 교회 기술에서 유래했습니다. 왜냐하면 이 단어는 그리스어 텍스트("번역에서 손실됨")의 의미를 번역한 것이기 때문입니다. 러시아 자체 개발 미술 학교그리고 예술 분야에 대한 유럽 학술 지식의 계승은 러시아어 단어 "회화"의 범위를 발전시켜 이를 교육 용어와 문학적 언어에 포함시켰습니다. 그러나 러시아어에서는 그림을 쓰고 그리는 것과 관련하여 "쓰다"라는 동사의 의미의 특이성이 형성되었습니다.

회화의 장르

미술이 발전하는 과정에서 고유한 특성과 규칙을 획득한 여러 고전 회화 장르가 형성되었습니다.

초상화작가가 원작과의 유사성을 달성하려고 노력하는 인물의 사실적인 묘사입니다. 가장 인기 있는 그림 장르 중 하나. 대부분의 고객은 자신의 이미지를 영속시키기 위해 아티스트의 재능을 이용하거나 이미지를 얻고 싶어합니다. 사랑하는 사람, 친척 등 고객은 역사에 시각적인 구체화를 남기는 인물 사진의 유사성을 얻거나 심지어 장식하기를 원했습니다. 초상화 다양한 스타일대부분의 미술관과 개인 소장품 전시회에서 가장 큰 부분을 차지합니다. 이 장르에는 다음과 같은 유형의 초상화도 포함됩니다. 자화상 - 작가가 직접 그린 그림입니다.

경치- 작가가 자연, 자연의 아름다움 또는 특이성을 묘사하려는 인기 있는 그림 장르 중 하나입니다. 다양한 종류자연(계절의 기분과 날씨)이 밝다 정서적 영향모든 시청자에게 이것은 사람의 심리적 특징입니다. 풍경에서 감정적인 인상을 얻으려는 욕구로 인해 이 장르는 세계에서 가장 인기 있는 장르 중 하나가 되었습니다. 예술적 창의성.

- 이 장르는 여러 면에서 풍경과 유사하지만 중요한 특징이 있습니다. 그림은 건축물, 건물 또는 도시가 참여하는 풍경을 묘사합니다. 특별한 초점은 장소의 분위기를 전달하는 도시의 거리 풍경입니다. 이 장르의 또 다른 방향은 특정 ​​건물의 건축물의 아름다움을 묘사하는 것입니다. 모습또는 내부 이미지.

- 그림의 주요 주제가 역사적 사건이거나 작가의 해석인 장르입니다. 재미있는 건 이 장르에 속한다는 거예요. 엄청난 양성경을 주제로 한 그림. 중세 이후로 성경에 나오는 장면은 '역사적' 사건으로 간주되었으며 이 그림의 주요 고객은 교회였습니다. 대부분의 예술가들의 작품에는 "역사적" 성경적 주제가 등장합니다. 역사화의 두 번째 탄생은 신고전주의 시대에 예술가들이 잘 알려진 역사적 주제, 고대 사건 또는 국가 전설에 관심을 기울이는 동안 발생합니다.

- 전쟁과 전투의 장면을 반영합니다. 특이한 점은 역사적 사건을 반영하려는 욕구뿐만 아니라 시청자에게 위업과 영웅주의의 감정적 고양을 전달하려는 욕구입니다. 결과적으로 이 장르는 정치적인 장르가 되어 아티스트가 현재 일어나고 있는 일에 대한 자신의 견해(자신의 태도)를 시청자에게 전달할 수 있게 됩니다. V. Vereshchagin의 작품에서 정치적 강조와 예술가의 재능의 힘이 비슷한 효과를 볼 수 있습니다.

꽃, 물건, 접시 등을 이용하여 무생물을 구도하여 그리는 회화 장르이다. 이 장르는 최신 장르 중 하나이며 네덜란드 회화 학교에서 형성되었습니다. 아마도 그 모습은 네덜란드 학교의 특성 때문일 것입니다. 17세기 네덜란드의 경제 호황은 상당수의 인구 사이에서 저렴한 사치품(그림)에 대한 욕구를 불러일으켰습니다. 이러한 상황은 많은 예술가들을 네덜란드로 끌어들였으며 그들 사이에 치열한 경쟁을 불러일으켰습니다. 가난한 예술가들은 모델과 작업장(적절한 옷을 입은 사람들)을 이용할 수 없었습니다. 판매용 그림을 그릴 때 그들은 즉석에서 만든 수단(물체)을 사용하여 그림을 구성했습니다. 네덜란드 학교 역사상 이러한 상황이 장르화 발전의 이유입니다.

장르화 - 그림의 주제는 일상적인 장면입니다. 일상 생활또는 휴일, 일반적으로 참여 평범한 사람들. 정물화와 마찬가지로 이 작품도 17세기 네덜란드 예술가들 사이에서 널리 퍼졌습니다. 낭만주의와 신고전주의 시대에 이 장르는 새로운 탄생을 맞이했습니다. 일상 생활플롯에 특정 의미나 도덕성을 도입하려면 그것을 얼마나 낭만적으로 표현해야 할까요?

마리나- 바다 풍경, 바다가 내려다보이는 해안 풍경, 바다에서의 일출과 일몰, 배 또는 심지어 해전까지 묘사하는 풍경 유형입니다. 별도의 전투 장르가 있지만 해전은 여전히 ​​'마리나' 장르에 속합니다. 이 장르의 발전과 대중화는 17세기 네덜란드 학파에서도 볼 수 있습니다. 그는 Aivazovsky의 작업 덕분에 러시아에서 인기를 얻었습니다.

— 이 장르의 특징은 동물과 새의 아름다움을 묘사한 사실적인 그림을 만드는 것입니다. 다음 중 하나 흥미로운 기능이 장르는 존재하지 않거나 신화적인 동물을 묘사하는 그림의 존재입니다. 동물 이미지를 전문으로 하는 예술가를 말합니다. 동물주의자.

회화의 역사

사실적인 이미지에 대한 필요성은 고대부터 존재해 왔지만, 기술의 부족과 체계적인 학교, 교육의 부족으로 인해 많은 단점을 안고 있었습니다. 고대에는 석고에 그림을 그리는 기술을 사용하여 적용되고 기념비적인 그림의 예를 더 자주 찾을 수 있습니다. 고대에는 예술가의 재능이 더 중요했고, 예술가들은 물감을 만드는 기술과 체계적인 교육을 받을 수 있는 기회가 제한되어 있었습니다. 그러나 고대에는 이미 전문적인 지식과 작품이 형성되었고(비트루비우스), 이는 새로운 번영의 기초가 될 것입니다. 유럽 ​​미술르네상스 동안. 장식 그림은 고대 그리스와 로마 시대에 상당한 발전을 이루었으며(학교는 중세 시대에 사라졌습니다), 그 수준은 15세기 이후에야 도달했습니다.

고대 회화 기술 수준의 예인 로마 프레스코화(기원전 1세기 폼페이) 그림:

중세의 "암흑시대", 호전적인 기독교, 종교재판으로 인해 학업이 금지되었습니다. 예술적 유산유물. 고대 거장의 방대한 경험, 비율, 구성, 건축 및 조각 분야의 지식이 금지되고 고대 신에 대한 헌신으로 인해 많은 예술적 보물이 파괴되었습니다. 유럽에서 예술과 과학의 가치로의 복귀는 르네상스(중생) 기간에만 발생합니다.

아티스트를 위한 초기 르네상스(부흥) 고대 예술가들의 업적과 수준을 보충하고 부활시켜야 한다. 예술가들의 작품에서 우리가 존경하는 것 초기 르네상스, 로마의 주인 수준이었습니다. 중세의 "암흑기", 전투적인 기독교 및 종교 재판 동안 수세기에 걸쳐 유럽 예술 (및 문명) 발전의 손실에 대한 명확한 예 -이 14 세기 그림의 차이점!

15세기 유성페인트 제조기술과 이를 이용한 회화기술의 출현과 확산은 발전을 가져왔다. 이젤 그림특별한 유형의 예술가 제품 - 프라이밍된 캔버스나 나무에 그린 컬러 유화.

회화는 르네상스 시대에 레온 바티스타 알베르티(Leon Battista Alberti, 1404-1472)의 작품 덕분에 질적 발전에서 큰 도약을 이루었습니다. 그는 회화에서 원근법의 기초를 처음으로 제시한 사람이었습니다(1436년 "회화에 관한" 논문). 그에게(그의 체계화 작업 과학적 지식) 유럽 미술 학교는 예술가의 그림에서 현실적인 관점과 자연스러운 비율의 출현(부흥)을 의무화하고 있습니다. Leonardo da Vinci의 유명하고 친숙한 그림 "비트루비안 맨"(인간 비율)은 비트루비우스의 비율과 구성에 대한 고대 지식의 체계화에 전념한 1493년에 알베르티의 논문 "회화에 관하여"보다 반세기 후에 레오나르도에 의해 만들어졌습니다. 그리고 레오나르도의 작품은 르네상스 유럽(이탈리아) 미술 학교 발전의 연속입니다.

그러나 회화는 유화의 기법이 널리 보급되고 다양한 물감 제조 기술이 등장하고 회화 학파가 형성되는 16, 17세기를 기점으로 밝고 폭넓은 발전을 이루었습니다. 유럽(바로크 시대)에서 미술의 급속한 번영을 이끈 것은 귀족과 군주의 미술 작품에 대한 수요와 결합된 지식 및 미술 교육(드로잉 기술) 시스템이었습니다.

유럽 ​​군주제, 귀족 및 기업가의 무제한적인 재정적 능력은 17~19세기 회화의 발전을 위한 훌륭한 토양이 되었습니다. 그리고 교회와 세속적 생활 방식의 약화되는 영향력(개신교의 발전으로 배가됨)으로 인해 회화(바로크와 로코코)에서 많은 주제, 스타일 및 움직임이 탄생할 수 있었습니다.

미술이 발전하는 과정에서 예술가들은 자신의 작품에서 최고 수준의 사실성을 이끌어내는 다양한 스타일과 기법을 개발해 왔습니다. 19세기 말(모더니즘 운동의 도래와 함께) 회화에서는 흥미로운 변화가 시작되었습니다.

미술 교육의 가용성, 대중 경쟁, 대중(및 구매자)의 예술가 기술에 대한 높은 요구는 표현 방법에 새로운 방향을 제시하고 있습니다.

미술은 더 이상 기술의 수준에만 국한되지 않습니다. 예술가는 작품에 특별한 의미, '보는' 방식, 철학을 도입하려고 노력합니다.

• 종종 성능 수준을 희생하면서 발생하는 것은 추측이나 충격적인 방법이 됩니다. 다양한 새로운 스타일, 활발한 토론, 심지어 스캔들도 새로운 형태의 회화에 대한 관심을 불러일으킵니다.
• 현대 컴퓨터 (디지털) 드로잉 기술은 그래픽에 속하며 페인팅이라고 부를 수는 없지만 많은 컴퓨터 프로그램과 장비를 사용하면 페인트를 사용하여 페인팅 기술을 완전히 반복할 수 있습니다.
• 회화는 미술의 한 종류이다. 회화는 다음과 같은 유형으로 구분됩니다.
• 기념비적인;
• 화가;

연극 및 장식; 장식적인;세밀화.

다른 유형과 달리 메인 페인팅에 있어서

표현적 의미 미학적, 교육적, 이념적, 다큐멘터리적 역할을 하는 색상이 있습니다.페인팅은 그래픽이 아닌 액체 페인트를 사용하여 이미지를 전송하는 것입니다. 사용되는 물감은 유성페인트, 템페라, 구아슈, 에나멜, 수채화 등이다.

그림 스타일은 다음과 같은 방향입니다.

일반적인 아이디어

, 실행 기술, 특징적인 이미지 기술. 스타일의 형성은 정치와 경제, 이념과 종교의 영향을 받았습니다. 그러므로 각 스타일은 그 시대를 대표하는 것으로 간주될 수 있습니다. 그림의 방향과 스타일은 묘사 수단만큼 다양합니다. 때로는 스타일이 명확하게 구분되지 않는 경우도 있습니다. 여러 스타일을 혼합하면 새로운 스타일이 생깁니다. 그러나 모든 다양성에도 불구하고 몇 가지 주요 방향이 있습니다.고딕

이 유럽 스타일은 9~14세기에 널리 퍼졌습니다.

성경 이야기

, 관점 부족, 감정성 및 허세가 이 스타일의 주요 특징입니다. 대표자 : Giotto, Traini.

16세기 회화의 방향. 스타일은 르네상스와 반대입니다. 이름은 "매너"라는 단어에서 유래되었습니다. 이 방향의 대표자는 Vasari와 Duve입니다.

바로크

16~18세기 유럽의 화려하고 고급스러운 스타일의 그림입니다. 색상의 밝기, 디테일 및 장식에 대한 관심이 특징입니다.

로코코

16세기. 바로크 스타일의 더욱 세련되고 정교하며 친밀한 연속입니다. 대표자: Boucher, Watteau.

고전주의

고유한 스타일 유럽 ​​문화 17~19세기. 고전주의의 관점에서 볼 때, 그림은 엄격한 기준에 따라 만들어져야 합니다. 고전주의 스타일은 고대와 르네상스의 계승자입니다. 이 스타일의 주요 대표자는 Raphael과 Poussin입니다.

엠파이어 스타일

19세기 스타일. 스타일의 이름은 "제국"이라는 단어에서 유래되었습니다. 이는 장엄함, 럭셔리함, 정교함 속에서 고전주의 발전의 연속입니다. 주요 대표자는 J. L. David이다.

낭만주의

고전주의 이전의 19세기 스타일. 감성, 개성, 이미지 표현력. 그는 공포와 경외감과 같은 감정을 묘사하는 것이 특징이었습니다. 홍보 민속 전통, 전설, 국가사. 대표자 : Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

원시주의

19세기 회화 스타일. 양식화되고 단순화된 이미지로 인해 원시 도면을 연상시키는 원시 형태가 생성됩니다. 대표적인 대표자는 피로스마니(Pirosmani)이다.

실재론

19~20세기 스타일. 기본적으로 과도한 감정 없이 객관적인 현실을 진실되게 반영합니다. 사람들은 직장에서 종종 묘사되었습니다. 아티스트: Repin, Shishkin, Savrasov, Manet.

추상화주의

19~20세기 스타일. 조화로운 색상 조합 기하학적 모양, 다양한 협회를 달성하는 것을 목표로합니다. 대표자 : 피카소, 칸딘스키.

인상주의

19~20세기 스타일. 야외에서 그림을 그리는 스타일, 외풍. 특징적인 방식, 빛의 유희, 작은 획의 기술, 대가가 전달하는 움직임으로 수행됩니다. 이 스타일의 이름은 모네의 그림 '인상'에서 따왔습니다. 이 스타일의 주요 대표자는 Renoir, Monet, Degas입니다.

표현주의

20세기 스타일. 시청자에게 더 큰 효과를 주기 위해 감정을 과장되게 묘사합니다. 이 스타일의 대표자 중에는 Modigliani와 Munch가 있습니다.

입체파

20세기 아방가르드 스타일. 이는 여러 관점에서 동시에 보이는 개체의 특정 조합인 끊어진(입방체) 선이 특징입니다. 피카소는 이 스타일의 창시자로 간주됩니다.

모더니즘

19~20세기 스타일. 보수적인 사실주의 이미지와는 정반대이다. 충격적이고 조형적인 스타일의 그림은 자신의 생각을 반영하는 독창적인 그림을 제시합니다. 내면의 세계아티스트. 대표자 : 피카소, 마티스.

팝아트

20세기 스타일. 평범하고 종종 저속한 사물을 아이러니하게 묘사한 작품입니다. 일반적으로 마케팅 및 광고에 사용됩니다. 밝은 대표이번 디렉션은 앤디 워홀입니다.

상징주의

19~20세기 방향. 영성, 꿈, 신화 및 전설. 종종 모호한 상징이 이 스타일의 특징입니다. 표현주의와 초현실주의의 전신이다. 대표자 : Vrubel, Vasnetsov, Nesterov.

초현실주의

20세기 스타일. 암시, 현실과 꿈의 혼합 공간, 특이한 콜라주. 잠재 의식에 인상을 남깁니다. Dali와 Magritte는 이 스타일에 큰 공헌을 했습니다.

지하철

실험 방향 현대 미술, 일반적으로 받아 들여지는 도덕을 위반하는 반사회적 행동을 반영합니다. 윤리적 원칙. 스타일의 대표자는 Shemyakin입니다.

스타일이란 무엇입니까?

예술에서 스타일이란 정확히 무엇을 의미하나요? 이것은 예술가들이 특정 주제와 특별한 시각적 수단을 선호하는 덕분에 일종의 이념적, 예술적 통일체입니다. 그들은 개별적으로 남아 있지만 이 그림이나 저 그림을 보면 시대와 스타일을 거의 틀림없이 결정할 수 있습니다.

유럽은 중세에 형성되었습니다. 그리고 그림은 아이콘 페인팅에서 발전한 것입니다. 러시아 땅에는 과도기적 장르 인 parsuna도있었습니다. 이것은 더 이상 아이콘이 아니지만 아직 초상화는 아닙니다. 그리고 예술이 점차 교회의 권력에서 해방되고 더욱 세속적이고 세속화될 때만 예술 형식으로서의 회화는 모든 권리를 획득합니다.

스타일별 스타일

그림의 첫 번째 범유럽 스타일은 로마네스크 양식과 고딕 양식(주로 건축물이 있음)이 아니라 바로크 양식으로 간주될 수 있습니다.

이것은 힌트, 생략, 우화의 스타일, 우화 및 은유의 스타일입니다. 렘브란트와 루벤스는 그의 작품이다. 전형적인 대표자. 로코코는 일종의 퇴보적인 바로크 양식이다. 그림에서는 스타일이 그리 중요하지 않습니다. 응용 예술. F. Boucher와 A. Watteau는 로코코 그림의 가장 눈에 띄는 예를 남겼습니다. 이 그림 자체는 정교하고 에로티시즘적인 느낌이 가미되어 있으며, 신화적인 모티브가 가득한 파스텔 색상으로 디자인되어 있습니다. 18세기는 고전주의가 지배하는 세기가 된다. 이것은 이미 통치자와 장군을 찬양하는 영웅적인 그림입니다. 예술가들 사이에는 신화적이고 역사적인 주제를 선호하는 경향이 있습니다. 엄격한 비율, 내용과 형식의 통일성, 문자를 긍정적인 것과 부정적인 것, 주와 보조로 나누는 것 등은 고전주의의 특징 중 일부일 뿐입니다. 그리고 짧지만 찬란한 감상주의의 시대가 온다. 그의 영향권에는 회화 외에도 시도 포함된다. 감상주의자들은 예술의 내용을 심화시켜 심리적 긴장감을 조성합니다. 그들은 그림을 평범한 사람들의 필요와 요구에 맞춰 바꿉니다. 예술이 민주화되고 있다. 이제 캔버스에는 신과 영웅이 아닌 요리사, 세탁부, 노동자가 묘사됩니다. 가장 보기 흉한 작업을 위해. 낭만주의가 감상주의를 대체하고 있다. 격렬한 열정, 독특하고 특별한 캐릭터, 영감의 숭배. Kiprensky와 Tropinin의 Pushkin 초상화를 비교하면 근본적인 차이점을 느낄 수 있습니다. 낭만적인 Kiprensky는 거문고를 배경으로 낭만적인 푸쉬킨을 가지고 있습니다. 현실주의자인 트로피닌은 손에 펜을 들고 있음에도 불구하고 셔츠 칼라를 자연스럽게 벌린 채 시인을 남자로 그립니다.

사실주의 - 오랫동안 진지하게 사실주의 예술은 정확히 19세기 30년대부터 시작되었습니다. 그리고 곧 그것은 상당수 대중의 예술적 취향을 결정하고 형성하기 시작합니다. 현실주의는 주변 현실에 대한 진실되고 포괄적인 반영, 부르주아 가치에 대한 비판적 태도, 강력한 사회적 지향에 대한 열망에 기반을 두고 있습니다. 러시아에서는 사실적인 그림이 우선 순회 예술가들에 의해 수행됩니다. 세기가 바뀌면서 사실주의는 일시적인 위기를 겪고 있었습니다. 그러나 모더니즘이 등장하기에는 그것만으로도 충분하다는 것이 밝혀졌다. 이 용어는 일반적으로 예술의 족쇄를 떨쳐내려는 예술 운동과 학교의 잡다한 집합을 지정하는 데 사용됩니다. 전통 예술, 현실주의와 그 실질적인 표현을 깨뜨립니다.

대체 또는 거짓 광택?

모더니즘은 인상주의, 야수파, 상징주의, 미래주의이다. 대중이 캔버스에서 보는 사람, 자연, 동물은 점점 줄어들고 있습니다. 대신 왜곡된 비율과 불분명한 톤이 존재한다. 모든 것은 한 작가 또는 다른 작가의 감정과 순간적인 기분에 의해 채색됩니다. 그들이 말했듯이, 더 많은 것이 올 것입니다. 모더니즘 이후 - 추상화. 이것은 색상의 반점, 곡선, 기하학적 몸체의 기괴한 조합입니다. 큐비즘, 레이온주의, 초현실주의. 오직 재능만이 나를 구했습니다. 피카소나 달리에 관한 것입니다. 평범함은 레테에게 삼켜졌다. 그들의 운명은 역사 속 망각이다. 마지막으로, 터무니없이 긴 삶을 살아온 포스트모더니즘이다. 여기에는 더 이상 규칙이나 표준이 없습니다. 고백이나 설교가 없습니다. 모든 것이 허용됩니다. 완전한 절충주의, 즉 스타일과 이질적인 요소의 혼합. 상업적 성공에 베팅하세요.

무슨 일로 왔나요? 불행히도 회화 스타일의 발전은 "예술의 비인간화"세기의 도래에 대한 스페인 철학자 J. Ortega y Gaseta의 추측을 확인시켜줍니다. 누구도 자기 표현의 필요성을 부인하지 않으며 예술가가 그 수단을 선택하는 데 제한을 두는 사람도 없습니다. 유일한 슬픈 점은 많은 사람들이 만화 속 샤포크랴크 할머니처럼 “선한 일을 해서 유명해질 수는 없다”고 생각하는 경향이 있다는 것이다. 추악한 일이 많을수록 예상되는 성공의 규모는 더욱 커집니다. 그리고 그러한 "예술가"는 시간이 여전히 모든 슬래그와 껍질을 제거할 것이지만 진정한 예술은 남을 것이라는 사실을 전혀 모릅니다. 먼지가 달라붙지 않습니다.

• 강의. OKSANA RYMARENKO: “추상 미술의 “이즘” 중 루시즘”

회화와 그 종류?

회화는 공간과 양이 환영 속에만 존재하는 평면이자 하나의 시점의 예술이다.

그림이 구현할 수 있는 현상, 인상, 효과의 매우 다양하고 완전성. 감정, 인물, 관계, 경험의 전 세계를 그림으로 접근할 수 있습니다. 그녀는 자연에 대한 가장 미묘한 관찰, 영원한 아이디어, 인상, 미묘한 분위기에 접근할 수 있습니다.

그림이라는 단어는 '생생하게'와 '쓰다'라는 단어에서 파생되었습니다. Dahl은 "그림을 그리는 것, 붓이나 단어, 펜을 사용하여 충실하고 생생하게 묘사하는 것"이라고 설명합니다. 화가에게 있어서 바르게 그린다는 것은 자신이 본 것, 자신이 본 것의 외양을 정확하게 전달하는 것을 의미한다. 가장 중요한 징후. 선과 톤이라는 그래픽적 수단을 사용하여 정확하게 전달하는 것이 가능했습니다. 그러나 이러한 제한된 수단으로 주변 세계의 다색, 물체의 착색 표면 1cm마다 생명의 맥동, 이 생명의 매력을 생생하게 전달하는 것은 끊임없는 움직임그리고 변화는 불가능합니다. 색상을 그대로 반영해 현실 세계그림은 미술의 한 유형 중 하나입니다.

컬러는 메인 비주얼이며, 표현의 수단그림에서 - 톤, 채도 및 밝기가 있습니다. 그것은 선으로 묘사할 수 있는 것과 접근할 수 없는 것 모두를 대상의 특징인 전체로 융합하는 것처럼 보입니다.

페인팅은 그래픽과 마찬가지로 밝고 어두운 선, 획 및 점을 사용하지만 이와 달리 이러한 선, 획 및 점은 색상이 지정됩니다. 눈부심과 밝게 빛나는 표면을 통해 광원의 색상을 전달하고, 대상(국소적) 색상과 환경에 의해 반사되는 색상으로 입체적인 형태를 조각하고, 공간적 관계와 깊이를 설정하고, 대상의 질감과 물질성을 묘사합니다.

그림의 임무는 무엇인가를 보여주는 것뿐만 아니라 묘사된 것의 내면적 본질을 드러내는 것이기도 하다. 일반적인 상황" 그러므로 삶의 현상에 대한 진실한 예술적 일반화는 사실주의 회화의 기초가 된다.

1. 그림의 종류

그림은 기념비적, 장식적, 연극적 및 장식적, 미니어처 및 이젤로 구분됩니다.

기념비적인 그림건축물의 벽과 천장을 장식하는 특별한 형태의 대형 회화이다. 주요 내용을 공개합니다. 사회 현상, 제공한 사람 긍정적인 영향사회 발전을 위해 그들을 영광스럽게 하고 영속시키며 애국심, 진보, 인류애 정신으로 사람들을 교육하는 데 도움을 줍니다. 기념비적 그림의 내용의 숭고함, 작품의 상당한 크기, 건축물과의 연결에는 큰 색상 질량, 엄격한 단순성과 간결한 구성, 윤곽의 명확성 및 플라스틱 형태의 일반성이 필요합니다.

장식 그림사실적인 이미지로 벽을 뚫고 나오는 듯한 착각을 불러일으키고 시각적으로 방의 크기를 늘리거나 반대로 의도적으로 평평한 형태를 사용하여 건물과 인테리어를 장식하는 데 사용됩니다. 벽과 공간의 인클로저. 기념비적인 그림과 조각 작품을 장식하는 패턴, 화환, 화환 및 기타 유형의 장식은 내부의 모든 요소를 ​​하나로 묶어 아름다움과 건축물의 일관성을 강조합니다.

연극 및 장식 그림(풍경, 의상, 분장, 소품, 작가의 스케치에 따라 제작)은 공연의 내용을 더욱 드러내는 데 도움이 됩니다. 풍경을 인식하기 위한 특별한 연극 조건에서는 관객의 다양한 관점, 먼 거리, 인공 조명 및 컬러 백라이트의 영향을 고려해야 합니다. 풍경은 액션의 장소와 시간에 대한 아이디어를 제공하고 무대에서 무슨 일이 일어나고 있는지에 대한 관객의 인식을 활성화합니다. 연극 예술가는 등장 인물의 개성과 성격을 극명하게 표현하기 위해 의상과 분장 스케치에 힘쓰고 있습니다. 사회적 지위, 시대의 스타일 등.

미니어처 그림받았다 대단한 발전인쇄술이 발명되기 전인 중세 시대. 손으로 쓴 책은 최고급 헤드피스, 엔딩, 상세한 미니어처 일러스트레이션으로 장식되었습니다. 세밀화 기법을 사용한 러시아 예술가들은 최초로 19세기 중반작은 (주로 수채화) 초상화를 만드는 데 수세기가 능숙하게 사용되었습니다. 순수하고 깊은 수채화 물감과 절묘한 조합, 절묘한 글씨체는 우아함과 고귀함으로 가득 찬 이 초상화를 돋보이게 합니다.

이젤 그림, 기계에서 수행되는 이젤은 목재, 판지, 종이를 재료 기반으로 사용하지만 대부분의 경우 들것에 늘어진 캔버스를 사용합니다. 독립적인 작품인 이젤 그림은 예술가의 사실과 허구, 무생물과 사람, 현대성과 역사, 한마디로 모든 표현의 삶 등 절대적으로 모든 것을 묘사할 수 있습니다. 그래픽과 달리 이젤 페인팅은 색상이 풍부하여 우리 주변 세계의 아름다움을 감정적으로, 심리적으로, 다면적이고 미묘하게 전달하는 데 도움이 됩니다.

회화는 기법과 제작방식에 따라 유채, 템페라, 프레스코, 밀랍, 모자이크, 스테인드글라스, 수채, 구아슈, 파스텔로 구분된다. 이 이름은 바인더 또는 재료 및 기술적 수단을 사용하는 방법에서 비롯됩니다.

유화식물성 기름으로 씻은 페인트로 완성되었습니다. 두꺼운 페인트는 오일이나 특수 신너, 바니시를 첨가하면 얇아집니다. 유성 페인트는 캔버스, 목재, 판지, 종이 및 금속에 사용할 수 있습니다.

템페라 화법그림은 달걀 노른자나 카세인으로 만든 페인트로 칠합니다. 템페라페인트는 물에 녹여 풀이나 액체를 벽, 캔버스, 종이, 목재 등에 도포합니다. Rus에서는 템페라를 사용하여 일상적인 물건에 벽화, 아이콘 및 패턴을 만들었습니다. 요즘 템페라는 회화와 그래픽, 장식 예술과 응용 예술, 예술적 디자인에 사용됩니다.

프레스코화수성 페인트로 젖은 석고에 적용된 기념비적이고 장식적인 구성의 형태로 인테리어를 장식합니다. 프레스코는 쾌적한 무광택 표면을 가지고 있으며 실내 조건에서 내구성이 뛰어납니다.

왁스 페인팅(encaustic)은 유명한 "Fayum 초상화"(AD 1세기)에서 알 수 있듯이 고대 이집트의 예술가들에 의해 사용되었습니다. 불타오르는 그림의 바인더는 표백된 왁스입니다. 왁스 페인트는 용융된 상태로 가열된 베이스에 도포된 후 연소됩니다.

모자이크 페인팅, 또는 모자이크는 스몰트 또는 유색 돌의 개별 조각으로 조립되어 특수 시멘트 프라이머에 고정됩니다. 땅에 다양한 각도로 삽입된 투명한 스몰트가 빛을 반사하거나 굴절시켜 색이 번쩍거리고 반짝거리게 만듭니다. 모자이크 패널은 지하철, 극장, 박물관 내부 등에서 찾아볼 수 있습니다. 스테인드글라스 그림 - 작품 장식 예술, 모든 창 개구부 장식용 건축 구조. 스테인드 글라스는 색유리 조각을 튼튼한 금속 프레임으로 묶어서 만듭니다. 스테인드 글라스 창문의 유색 표면을 뚫고 나오는 광속은 실내 바닥과 벽에 장식적으로 화려한 다색 패턴을 그립니다.

회화 작품의 재료.

회화는 기법과 제작방식에 따라 유채, 템페라, 프레스코, 밀랍, 모자이크, 스테인드글라스, 수채, 구아슈, 파스텔로 구분된다.

이젤 그림의 재료는 원래 이집트에서 사용된 나무였습니다. 고대 그리스.

14세기 초기 르네상스 시대에는 그림과 액자가 하나의 작품으로 만들어졌습니다. (15~16세기 이탈리아에서는 포플러가 가장 자주 사용되었고 버드나무, 물푸레나무, 호두는 덜 사용되었습니다. 초기에는 뒷면을 대패질하지 않고 두꺼운 판자를 사용했습니다. 네덜란드, 프랑스에서는 16세기에는 참나무 판자가 독일에서 사용되기 시작했습니다.

18세기 이후부터 나무는 점점 인기를 잃어가고 있는데, 이미 고대 예술가들 사이에서 발견되고 있는데, 이 시대에도 여전히 캔버스는 산발적으로 사용되고 있다. 캔버스는 15~16세기에만 널리 사용되었습니다.

16세기 후반부터 작은 그림에 구리판이 등장했습니다(특히 플랑드르에서 인기가 있음).

19세기에는 때때로 스케치를 위해 판지가 사용되었습니다.

중세와 초기 르네상스 그림에서는 석고와 분필로 만든 풍부한 광택이 나는 바닥이 지배적입니다. 13~14세기에는 흰색 프라이머를 덮는 데 금이 사용되었습니다. 14세기 말에 금 프라이머는 점차 사라졌습니다. 석고나 분필 대신에 유성 페인트로 밑칠을 하는 것이 16세기 말 이탈리아에서는 적갈색 프라이머로 널리 인정받았습니다.

결정적인 조치가 취해졌습니다. XVIII 초기세기에는 세 개의 연필 기법에 분기가 발생합니다.

18세기는 침대의 전성기였습니다(가장 위대한 거장은 샤르댕, 라투르, 리오타르였습니다).

수채화는 파스텔보다 아주 늦게 시작됩니다. 수채화 기법은 이미 오래전부터 알려져 왔습니다. 고대 이집트, 중국에서는 중세 소형화가들이 수채화를 사용했습니다.

15세기 말부터 유화의 인기가 높아졌다. 16세기에는 템페라를 대체했습니다.

프랑스 낭만주의 초기 XIX수세기 동안 역청(또는 아스팔트)을 좋아했습니다.

회화의 주요 관점 유형

원근법은 자연에서 관찰되는 크기, 모양 및 빛과 그림자 관계의 명백한 변화에 따라 평면이나 표면의 공간에 있는 물체를 묘사하는 과학입니다.

(고전적 관점은 자신의 관점이 다른 관점과 다를 수 없는 특정 지적 수준에 해당하며, 실제 구현은 실제로 자급자족할 수 있는 기술적 완벽성을 나타낼 수 있습니다.

동적 관점은 원시 관점의 특별한 형태입니다.

미술의 종류.

그림

회화는 그 중 하나이다. 가장 오래된 종견고하거나 유연한 바닥에 페인트를 적용하여 시각적 이미지를 전달하는 것과 관련된 예술. 가장 일반적인 회화 작품은 들것에 늘어뜨린 캔버스, 나무, 판지, 종이, 처리된 벽면 등과 같이 평평하거나 거의 평평한 표면에서 실행되는 작품입니다. 좁은 의미에서 회화라는 용어는 위에서 만든 작품과 대조됩니다. 용어가 사용되는 종이 - 제도법

이리나 샨코
"3월, 핀란드 만 해안에서"
캔버스에 유채
33/58
2011년

분류.

그림은 이젤과 기념비로 나눌 수도 있습니다. 이젤 그림의 거의 모든 재료가 기념비적 그림에 사용될 수 있지만 다음은 이러한 유형으로 대략적인 구분입니다. 이젤 그림에는 이젤이나 여러 개 위에 놓을 수 있는 "작은" 작품이 포함됩니다. 벽, 천장 등 일반적으로 허용되지 않는 기념비적 인 그림.

화가:

유화는 식물성 기름을 주재료로 한 물감을 ​​사용하는 기법이다. 유성 페인트는 건성 안료와 건성유로 구성됩니다.

샨코 이리나, "잠자는 배", 캔버스에 유채, 50/60, 2014

템페라 페인팅, 바인더는 닭고기 달걀의 노른자입니다.

이 유형의 그림은 페인트 이름 인 템페라에서 이름을 얻었습니다. 이 단어는 "섞다"를 의미하는 라틴어 온도에 기초합니다. 이 페인트의 생산 기술은 대략 다음과 같습니다. 안료를 물로 분쇄하고 건조시켰다. 그런 다음 계란, 희석 접착제, 식초, 와인 또는 맥주와 섞였습니다.

템페라 기법은 여러 층을 순차적으로 적용하는 방식으로 이루어졌습니다. 준비된 표면에 페인트를 가볍게 칠했습니다. 먼저 예술가들은 윤곽선을 그리고 환경, 자연, 의복을 묘사했습니다. 사람들의 이미지가 그려져 있었습니다 최종 단계. 동시에, 온도 회화각 층을 잘 건조시키는 것이 매우 중요했습니다. 그렇지 않으면 후속 층이 흐려질 수 있습니다. 다행스럽게도 페인트의 구조로 인해 페인트가 매우 빨리 건조되었습니다. 따라서 작가의 이미지 작업은 거의 지속적으로 진행되었습니다.

안드레이 루블료프, "삼위일체", 1411 또는 1425-27, 나무, 템페라, 142/114 cm, 상태 트레차코프 갤러리, 모스크바.

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동물성 접착제를 기반으로 한 접착제 페인팅입니다. 접착제가 동물(생선, 살, 뼈, 카제인) 또는 식물(전분, 고무, 트라가칸스)의 안료를 위한 결합제 역할을 하는 기술입니다.

글루 페인팅의 페인트는 불투명하고 불투명하며 페인팅 표면은 무광택입니다. ~에 훌륭한 콘텐츠페인트에 접착제를 바르면 표면이 빛나고 색상이 더욱 강해집니다.

잠자는 예수와 함께 있는 마리아, 1455년

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불길한 그림, 왁스 페인트로 그림.

Encaustic (고대 그리스어 ἐγκαυστική - [불타는 기술]에서 유래)은 왁스가 페인트의 결합제인 페인팅 기술입니다. 페인팅은 녹은 페인트(따라서 이름)로 수행됩니다.

사도 베드로 (6세기 초)

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기념비적인:

프레스코(Fresco)는 젖은 회반죽에 그림을 그리는 것이 특징인 벽화기법 중 하나이다.

Fresco (이탈리아 프레스코 - 신선함), affresco (이탈리아어 affresco) - 젖은 석고에 그림을 그리는 것은 "A secco"(건조한 그림)와 반대되는 벽화 기술 중 하나입니다. 건조되면 회반죽에 함유된 석회가 얇고 투명한 칼슘막을 형성하여 프레스코화의 내구성을 높여줍니다.

현재 “프레스코”라는 용어는 기법(세코, 템페라, 유화, 아크릴 페인팅 등)에 관계없이 모든 벽화를 가리키는 데 사용될 수 있습니다. 때로는 이미 건조된 프레스코화에 템페라로 그림을 그리는 경우도 있습니다.

로마 프레스코화, 기원전 40~30년. 이자형.

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그리고 세코(Secco)는 프레스코와 달리 마른 회반죽 위에 그림을 그리는 것입니다.

그리고 secco는 건조된 석고에 카세인 및 규산염 페인팅이라고도 합니다(광물 페인팅은 수용성 유리를 바인더로 사용하는 기술적 유형의 기념비적 페인팅입니다.). 건물의 내부 및 외부 표면 모두에서 작업을 수행하는 데 사용됩니다. 이 기술을 사용하면 온도를 조정하고 깨끗한 물로 세척할 수 있습니다.

레오나르도 다빈치. 최후의 만찬.1498

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Sgraphito, 벽화, 그 본질은 페인트의 다단계 적용입니다.

Sgraffito(이탈리아어: sgraffito) 또는 graffito(이탈리아어: graffito)는 벽 이미지를 만드는 기술로 내구성이 뛰어나다는 장점이 있습니다.

2색 스그라피토의 가장 간단한 사례는 바닥과 색상이 다른 석고 한 겹을 벽에 적용하는 것입니다. 레이어의 일부분을 긁으면 아래쪽의 다른 색상의 레이어가 노출되어 두 가지 색상의 패턴이 나타납니다. 다색 그라피토를 얻으려면 다양한 색상의 여러 층의 석고를 벽에 적용합니다(석고는 다른 안료로 칠해집니다). 그런 다음 석고를 다양한 깊이로 긁어내어 원하는 색상의 층을 노출시킵니다.

이러한 그림은 매우 노동 집약적이고 수정하기 어렵기 때문에 이 기술을 사용하여 그림을 그릴 때 실수를 피하기 위해 스텐실을 사용하는 경우가 많습니다.

두 가지 색상의 그라피토, 브르제즈니체, 체코

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아크릴, 수분산성 페인트.

아크릴 물감은 건조되면서 색이 진해집니다. 또한 잘 알려진 기술을 사용하여 유성 페인트의 대안으로 사용할 수도 있습니다. 그들은 매우 빨리 건조됩니다. 이것이 다른 페인트에 비해 장점입니다. 매우 액체 상태, 희석 상태 (물로 희석) 또는 예술가가 사용하는 특수 증점제로 걸쭉해진 페이스트 상태로 도포 할 수 있으며 아크릴은 유성 페인트와 달리 균열이 생기지 않습니다. 도료는 균일한 도막으로 도포되고 약간의 광택이 있으며 고착제나 바니시로 고정할 필요가 없으며 특수 용제로만 건조시킨 후 씻어낼 수 있는 도막을 형성하는 성질이 있습니다.

아크릴 페인트와 바니시는 기름기가 없는 베이스에 사용할 수 있습니다.

신선한 아크릴 페인트는 물을 사용하면 쉽게 제거할 수 있지만 건조할 때는 특수 용제가 필요합니다.

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회화에는 장르라는 개념이 비교적 최근에 등장했지만, 고대부터 구석기 시대 동굴 속의 동물 이미지, 초상화 등 일정한 장르적 차이가 존재해 왔습니다.고대 이집트기원전 3000년의 메소포타미아, 헬레니즘과 로마의 모자이크와 프레스코화의 풍경과 정물화. 이젤화의 체계로서 이 장르의 형성은 15~16세기 유럽에서 시작되었습니다. 미술을 장르로 나누는 것 외에도 소위 개념이 등장한 17 세기에 주로 끝났습니다. 이미지의 주제, 테마, 줄거리에 따라 "높음" 및 "낮음" 장르가 있습니다. '하이' 장르에는 역사, 신화 장르가 포함되고, '로우' 장르에는 초상화, 풍경, 정물 등이 포함됩니다. 이러한 장르의 그라데이션은 19세기까지 지속되었습니다. 예외는 있지만.

그러니까 17세기에요. 네덜란드에서는 회화 (풍경, 일상, 정물)를 주도하게 된 것이 '낮은'장르 였지만 공식적으로 '낮은'장르의 초상화에 속했던 의식 초상화는 이에 속하지 않았습니다. 회화라는 장르를 안정감 있게 표현하는 형태가 되면서, 공통적인 특징불변하는 것이 아니며 삶과 함께 발전하고 예술이 발전함에 따라 변화합니다. 일부 장르는 사라지거나 새로운 의미를 갖게 되며(예: 신화 장르), 일반적으로 이전에 존재했던 장르 내에서(예: 풍경 장르, 건축 풍경그리고 선착장). 서로 다른 장르를 결합한 작품이 등장한다. 일상 장르풍경, 역사 장르의 그룹 초상화).

자화상(프랑스 자동 초상화에서) - 자신의 초상화. 일반적으로 이는 그림 이미지를 나타냅니다. 그러나 자화상은 조각, 문학, 영화, 사진 등이 될 수도 있습니다.

렘브란트 '자화상'.

우화(그리스어 알레고리아 - 우화) - 구체적인 도움을 받아 추상적 아이디어를 표현 예술적 이미지. 예: “정의”는 저울을 가진 여성입니다.

모레토 다 브레시아 <신앙의 우화>

동물(라틴어 동물 - 동물) - 그림, 조각 및 그래픽에서 동물을 묘사하는 것과 관련된 장르입니다.

D. 스텁스. 강가 풍경 속의 암말과 망아지. 1763년부터 1768년까지

전투(프랑스어 bataille - 전투에서) - 군사 행동과 군사 생활 묘사에 전념합니다.

Averyanov Alexander Yurievich. href="http://www.realartist.ru/names/averyanov/30/">워털루.

국내의- 개인의 일상 생활 묘사와 관련이 있습니다.

니콜라이 드미트리예비치 DMITRIEV-ORENBURG(1837-1898).마을에 불이 났어요

용감한- '예의바르다, 예의바르다, 예의바르다, 예의바르다, 흥미롭다'는 시대에 뒤떨어진 표현이다. 주로 18세기 예술 작품에서 궁중 숙녀와 신사의 삶의 절묘한 서정적 장면을 묘사하는 것과 관련이 있습니다.

Gerard ter Borch the Younger. 용감한 군인.

역사적인- 과거와 현재의 역사적 사건, 민족 역사상 사회적으로 중요한 현상에 전념하는 미술의 주요 장르 중 하나입니다.

파벨 리젠코. 페레스베트의 승리.

풍자 만화-풍자, 유머, 그로테스크, 캐리커처 등의 수단을 사용하여 특징적인 특징을 과장하고 선명하게하여 코믹한 효과를내는 이미지를 사용하는 미술 장르입니다. 캐리커처는 인물과 주변 사람들의 관심을 끌기 위해, 인물이 더 나은 방향으로 변화하도록 강요하기 위해 인물의 결점이나 타락을 조롱합니다.

신화적인- 신화가 말하는 이벤트와 영웅에 전념합니다. 신들, 조물주들, 영웅들, 악마들, 신화 속의 생물, 역사적, 신화적 인물. 19세기에는 신화 장르가 고귀하고 이상적인 예술의 표준으로 자리 잡았습니다.

알렉산더 이바노프. 벨레로폰은 키메라에 맞서 캠페인을 시작합니다.

정물- 미술 장르, 실제 일상 환경에 배치되고 특정 그룹으로 구성된 무생물의 이미지입니다. 가정용품, 꽃, 과일, 사냥감, 잡은 물고기 등을 묘사한 그림.

엔반크 테오도어

나체상(알몸) - 예술 장르조각, 회화, 사진, 영화에서 주로 여성의 벌거벗은 인체의 아름다움을 묘사합니다.

우르비노의 비너스, 티치아노

목장(프랑스 목회 - 목가적, 시골) - 문학, 회화, 음악, 연극 장르로 자연 속에서 목자와 목자들의 목가적인 삶을 묘사합니다.

경치(프랑스어 paysage, from pays - country, 지역)은 강, 산, 들판, 숲, 시골 또는 도시 풍경 등 모든 지역을 묘사하는 데 전념하는 장르입니다.

Href="http://solsand.com/wiki/doku.php?id=ostade&DokuWiki=7593bff333e2d137d17806744c6dbf83" >아드리아나 반 오스타데

초상화(프랑스 초상화, "특징별로 무언가를 재현하다")는 사람이나 집단을 묘사하는 데 전념하는 미술 장르입니다. 품종 - 자화상, 단체 초상화, 의식, 실내, 의상 초상화, 초상화 미니어처.

Borovikovsky V. "M. I. Lopukhina의 초상화"

주제별 사진- 명확하게 정의된 줄거리, 줄거리 액션 및 다중 인물 구성을 통해 사회적으로 중요한 주제에 대한 대규모 작품을 만드는 데 기여한 전통적인 회화 장르의 독특한 교차점을 정의합니다. 간략하게: - 일상 생활, 역사, 전투, 구성 초상화, 풍경 등 전통적인 회화 장르를 혼합합니다.

로버트, 휴버트 - 오래된 교회 검사

만화 또는 친근한 만화(프랑스 담당) - 유머러스하거나 풍자적 이미지, 여기서 특징모델은 일반적인 캐리커처에서처럼 굴욕감을 주거나 모욕하는 것이 아니라 재미를 주기 위한 목적으로 정상적인 한계 내에 있습니다.