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네덜란드 그림. 17세기 네덜란드 풍속화 네덜란드 17세기 회화

17 세기 세상에 두 가지를 보여주었다 미술 학교 - 네덜란드어 및 플랑드르. 둘 다 네덜란드의 예술적 전통의 상속인이었습니다. 유럽 국가는 그 당시 가톨릭 플랑드르가 형성되었으며 가장 중요한 지방의 이름을 따서 명명되었습니다 (오늘은 벨기에와 프랑스의 영토입니다). 개혁의 사상을 고수하는 것을 옹호한 다른 지방들은 연합하여 네덜란드 공화국 또는 단순히 네덜란드라고 부르기 시작했습니다. 17세기 네덜란드에서는 인구의 약 4분의 3이 도시인이었고 주요 계급은 중산층으로 간주되었습니다. 개혁 교회는 장식의 화려함을 포기했고 왕관을 쓴 고객과 부족 귀족이 없었습니다. 즉, 부르주아지의 대표자가 예술의 주요 소비자가되었습니다. 그림을 그리려는 공간은 버거의 집과 공공 건물로 제한되었습니다.

그림의 크기는 일반적으로 크지 않고(궁전의 그림이나 교회의 제단 구성에 비해), 플롯은 사적인 장면을 묘사하는 방 성격을 가지고 있습니다. 일상 생활. 17세기 네덜란드 미술의 주요 업적. - 안에 이젤 그림. 인간과 자연은 네덜란드 예술가들의 관찰과 묘사의 대상이었다. 근면, 근면, 질서와 청결에 대한 사랑은 네덜란드의 생활 방식을 묘사한 그림에 반영됩니다. 그래서 17세기 네덜란드의 거장들(렘브란트와 할스를 제외하고)이 "리틀 더치" 17세기 네덜란드 화가들의 광범위한 집단. 작품의 방적 성격, 회화의 작은 크기(풍경, 실내, 일상 장면)와 관련하여 발생했습니다. 리틀 더치의 그림은 글의 미묘함, 작은 세부 사항의 표현력, 빛과 색상 뉘앙스의 아름다움, 풍경이나 실내 환경에서 인물의 일반적인 편안함, 친밀감 및 통일감이 특징입니다. 가장 저명한 대표자 중에는 Jan Vermeer, Ostade 형제(Adrian van O. 및 Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu)가 있습니다.

대부분의 예술가는 그림에서 주제를 찾았습니다. 본국, 렘브란트의 조언에 따라: “우선 풍부한 자연을 따라가는 법을 배우고 무엇보다도 그곳에서 발견한 것을 전시하십시오. 하늘, 땅, 바다, 동물, 좋은 사람과 나쁜 사람 - 모두 우리의 운동을 위해 봉사합니다. 평원, 언덕, 개울, 나무는 예술가에게 충분한 작업을 제공합니다. 도시, 시장, 교회 및 수천 개의 천연 보물이 우리에게 외쳐 말합니다. 가서 지식에 목말라, 우리를 묵상하고 우리를 재생산하십시오. 예술가의 생산성은 놀라운 비율에 도달했으며 결과적으로 화가 간의 경쟁이 발생하여 마스터의 전문화로 이어졌습니다. 그리고 아마도 이 때문에 장르별로 다양한 차별화가 있었던 것 같다. 바다풍경 장르나 도시경관 장르에서만 작업하거나 건물(방, 사찰)의 내부를 묘사한 작가들이 등장했다. 회화의 역사에는 정물과 풍경의 예가 있었지만 17세기 네덜란드에서와 같이 이러한 장르가 대중적 성격과 자급자족에 도달한 적은 없었습니다.


네덜란드인은 다양한 세계를 사진으로 보고 싶어했습니다. 따라서 금세기의 광범위한 그림, 특정 유형의 주제에 대한 "좁은 전문화": 초상화와 풍경, 정물 및 동물적 장르. 네덜란드에서는 이탈리아와 아무런 관련이 없었고 고전 예술은 플랑드르에서와 같은 역할을 하지 않았습니다. 1720년대에는 사실주의적 경향의 숙달, 특정 범위의 주제 형성, 단일 프로세스로서의 장르 분할이 완료되었습니다.

17세기 네덜란드 회화의 역사 네덜란드에서 가장 큰 초상화 화가 중 한 사람의 작품의 진화를 완벽하게 보여줍니다. 프란스 할스(1580-1666) 그의 활동은 거의 대부분 할렘에서 이루어졌습니다. 이곳에서 이미 1616년경에 그는 진보된 주요 초상화 화가로 진급하여 생을 마감할 때까지 이 분야에서 그의 역할을 유지했습니다. Hals의 출현과 함께 엄격하게 사실적이고 예리한 개별 네덜란드 초상화가 성숙해집니다. 그의 전임자를 구별하는 소심하고 사소한 자연 주의적 인 모든 것이 극복됩니다.

Khals 예술의 초기 단계는 설명되지 않았습니다. 우리는 그룹 초상화의 가장 어려운 문제를 해결하는 마스터를 즉시 봅니다. 그는 St. Petersburg 회사의 저격수를 묘사 한 그림을 차례로 그립니다. 에이드리언과 세인트. George(Harlem, Frans Hals Museum), 붐비는 회의의 생동감과 참석한 사람들 각각의 유형의 밝기가 흉내낼 수 없을 정도로 쉽게 전달됩니다. 그룹의 회화 기술과 구성의 수완은 특징의 탁월한 선명도와 함께 이 초상화에서 함께 사용됩니다. Hals는 심리학자가 아닙니다. 그의 모델의 정신 생활은 일반적으로 그를 지나칩니다. 그렇습니다. 그는 평생 동안 강렬하고 활발한 활동을 하는 사람들의 대부분을 위해 글을 씁니다. 그러나 Hals는 다른 누구와도 달리 이 사람들의 모습을 포착하여 가장 덧없지만 동시에 표정, 자세, 제스처에서 가장 특징적인 것을 포착할 수 있습니다. 천성적으로 쾌활한 그는 소생과 기쁨의 순간에 모든 이미지를 포착하려고 노력하며 그처럼 미묘하고 다양성으로 웃음을 전달하는 사람은 없습니다. 장교의 초상(1624, 런던, 월리스 컬렉션), 의자에서 흔들리는 "Geytgeizen"(1630년대 후반, 브뤼셀, 미술관), "집시"(1620년대 후반, 루브르 박물관), 또는 소위 "할렘 위치" - "말리 바비"(베를린) 그의 날카롭고 종종 기발한 예술의 특징적인 예로 들 수 있습니다. 남성, 여성, 어린이는 동일한 감각의 살아있는 이미지로 묘사됩니다. 장갑을 낀 청년의 초상", 확인. 1650, 에르미타주). 생동감의 인상은 또한 Hals 기술 자체에 의해 촉진되며, 비정상적으로 자유롭고 그 폭이 수년에 걸쳐 성장합니다. 초기 작품의 장식적 광채는 이후에 완화되고, 색상은 은빛이 되며, 흑백 톤을 사용할 수 있는 자유는 대담한 회화적 대담함을 줄 수 있는 기술을 말합니다.

후기(50~60년대)의 초상화에서는 평온한 기량, 에너지, 압박감이 사라진다. 에르미타주 남성 초상화에서는 인물의 모든 인상에 대해 피로와 슬픔을 추적할 수 있습니다. 이러한 특징은 챙이 넓은 모자를 쓴 남자의 훌륭하게 그려진 초상화(카셀의 박물관)에서 더욱 강화됩니다. Hals는 결코 아첨하지 않고 민주주의 정신을 잃은 부유한 고객의 다시 태어난 취향에 이질적인 것으로 판명되기 때문에 이 기간 동안 인기를 멈췄습니다. 그러나 Hals가 숙달의 정점에 도달하고 가장 심오한 작품을 만드는 것은 창의성의 후반기입니다. 일부 작품에서는 색상 솔루션의 인상주의 기법이 설명됩니다. Hals는 말년까지 수많은 개인 초상화를 그렸지만 다시 단체 초상화로 돌아갑니다. 그는 섭정과 요양원의 섭정이라는 2 개의 초상화를 그립니다. 그 중 하나에서 그는 자신의 삶이 끝날 때 피난처를 찾았습니다. 섭정의 초상화에는 이전 구성의 동지애가 없으며 모델은 분열되고 무력하며 흐린 전망을 가지고 있으며 황폐함이 얼굴에 쓰여 있습니다. 우울한 색상 (검정, 회색 및 흰색)에서 섭정 중 한 사람의 무릎에 분홍빛이 도는 붉은 반점이 특별한 긴장을 가져옵니다. 그래서 9살의 나이에 병들고 외롭고 궁핍한 예술가는 장인 정신이라는 면에서 가장 극적이고 가장 절묘한 작품을 만듭니다.

Hals의 예술은 당시에 매우 중요했으며 초상화뿐만 아니라 일상 생활, 풍경, 정물 장르의 발전에도 영향을 미쳤습니다.

풍경 장르네덜란드 17세기 특히 흥미로운. 이것은 일반적으로 자연, 우주에 대한 특정한 일반적인 그림이 아니라, 우리가 현대 네덜란드에서 인식하는 국가적, 즉 네덜란드의 풍경, 즉 유명한 풍차, 사막의 모래 언덕입니다. 회색 하늘은 작곡에서 큰 부분을 차지합니다. 네덜란드는 이렇게 그려집니다. Jan Van Goyen(1596-1656)과 Salomon Van Ruysdael(1600-1670).

새벽 풍경화네덜란드 학교에서 ser를 나타냅니다. 17 세기 사실적인 풍경의 가장 위대한 대가는 야콥 반 루이스달(1628-1682), 무한한 상상력의 예술가. 그의 작품은 덤불("숲의 늪"), 폭포가 있는 풍경("폭포") 또는 묘지가 있는 낭만적인 풍경("유대인 묘지")이든지 간에 일반적으로 깊은 드라마로 가득 차 있습니다. Ruisdael의 자연은 역학, 영원한 갱신으로 나타납니다. 자연의 가장 어려운 주제조차도 예술가의 붓 아래에서 기념비적 인 성격을 얻습니다. Ruisdael은 이미지의 종합적 특성과 함께 매우 중요한 무결성과 신중한 글을 결합하는 경향이 있습니다.

그는 1628년 또는 1629년에 하를렘에서 태어났습니다. 1646년에 남아 있는 그의 첫 번째 작품은 성숙한 대가의 작품처럼 보입니다. 당시 그의 나이는 겨우 18세였습니다. 우리는 1648년에 Ruisdael이 Haarlem 예술가 길드의 일원이 되었다고 자신 있게 말할 수 있습니다.

젊었을 때 Ruisdael은 자연을 찾아 꽤 많이 여행했습니다. 그러나 그의 고향인 Haarlem에서 100마일 이상을 떠나지 않았습니다. 1650년대 중반, 예술가는 하를렘에서 암스테르담으로 이사하여 생을 마감할 때까지 그곳에서 살았습니다.

Ruisdael 당시의 메트로폴리탄 암스테르담은 지방 Haarlem과 현저하게 달랐습니다. Ruisdael은 개인 주문이 아닌 무료 판매를 위해 자신의 그림을 그렸습니다.1670년경 그는 도시의 가장 중심인 담 광장으로 이사하여 그림과 책의 딜러인 Hieronymus Sveerts의 상점 바로 위에 있는 아파트를 임대했습니다. .

마인데르트 호베마(1638, 암스테르담, - 1709년 12월 7일) - 그의 멘토 Jacob van Ruysdael 다음으로 네덜란드 풍경의 가장 중요한 대가.

Hobbema와 Ruisdael은 함께 여행하며 자연을 스케치한 것으로 알려져 있습니다. 1668년 11월, Hobbema는 암스테르담의 부르고마스터와 결혼하여 그녀를 통해 수입 와인 품질 검사관의 직위를 받았습니다. 오랫동안 이것이 그의 그림 수업의 끝이라고 믿어졌습니다.

그는 이전보다 그림에 더 적은 시간을 할애해야 했을지 모르지만 그의 최고의 작품인 미델하니스의 골목은 1689년이고 또 다른 런던 그림인 브레데로데 성 폐허는 1671년입니다. 이 후기 작품은 네덜란드 풍경화의 가장 성공적인 업적에 속하며 본질적으로 발전 과정에서 선을 그립니다.

작가는 가난하게 세상을 떠났지만 이미 18세기에 많이 모방되어 그의 작품은 수집가들 사이에서 경쟁의 대상이 되었습니다. 야생 동물을 포착하는 것을 선호했던 Ruisdael과 달리 Hobbem은 여기저기에 우뚝 솟은 나무 그룹에 의해 다양성이 부여되는 햇빛에 흠뻑 젖은 마을의 전망과 함께 조용한 시골 풍경에 매료되었습니다. 이 시골의 짧은 서사시에는 모든 것이 세심한 주의를 기울여 작성되었으며 특히 잎사귀가 있습니다.

네덜란드 풍경과 밀접한 관련이 있습니다. 동물적 장르. 풍경화의 많은 대표자들은 동물의 이동에 관심이 있습니다. 후자는 순전히 풍경 요소와 동일한 것으로 판명되며 때로는 풍경이 배경에 불과합니다. 동물의 품종, 구조, 색상, 특징적인 움직임을 식별하는 능력은 네덜란드인의 놀라운 특성 중 하나입니다. 이 기술과 결합된 대기와 빛의 미묘함 전달은 일부 동물 화가의 경우 탁월한 완성도에 도달합니다. 이는 수많은 작품으로 증명된다. 파울루스 포터(1625-1654) 및 알버트 쿠이프(1620-1691). 두 사람 모두 야외에서 풀을 뜯거나 쉬고 ​​있는 동물을 묘사한 그림(Potter's Farm, Hermitage, 1649)과 함께 개별 사본을 클로즈업하여 썼습니다. Potter는 일반적인 장면 외에도 풍경을 배경으로 한 마리 이상의 동물을 클로즈업하여 묘사하는 것을 좋아합니다("사슬 위의 개"). 케이프에서 가장 좋아하는 모티브는 물웅덩이에 있는 소("강의 석양", "시냇가의 소")입니다. 그림 "무리, 기수, 농민이 있는 풍경".
평화로운 시골 풍경은 석양의 황금빛으로 물들어 있습니다. 따뜻한 빛이 컴포지션의 모든 세부 사항에 스며들어 빛나는 효과를 만듭니다. 이것은 케이프의 색상을 다음과 같은 동시대의 차가운 파란색 및 녹색과 현저하게 구별합니다. 마인데르트 호베마. 빛과 그림자의 놀이를 보여주기 위해 동물의 배열이 무작위로 보이는 것처럼 보이지만 실제로는 신중하게 고려됩니다.

케이프는 또한 순수한 풍경의 대표자 중 첫 번째 장소 중 하나에 속합니다. 그의 그림은 황금빛, 햇빛, 동기가 매우 다양하고 많은 정박지(바다 전망)를 전달하는 탁월한 기술로 구별됩니다.

바다 경치만(마리나) 약혼했다 얀 포첼리스(1584-1632). 마리나는 17세기 네덜란드 미술에서 매우 중요한 역할을 했으며 다수의 일류 전문가를 배출했습니다. 마리나의 일반적인 개발 과정은 네덜란드 경관의 역사에서 일반적으로 관찰되는 것과 같습니다. 초기 단계에서 구성은 간단합니다. 작가는 드넓은 바다, 그 위에 흔들리는 배, 그리고 가장 가능성 있는 물 바로 그 물을 전달해야 목표가 달성된다고 본다. Jan Porcellis는 이렇게 씁니다. 다음 세대에는 해양 종의 전파 특성이 더 큰 역동성으로 바뀝니다. 그러나 이전과 마찬가지로 물 요소의 고요함을 묘사하는 그림이 만들어 지지만 지금은 충분하지 않습니다. 폭풍이 배를 바위에 던지기 시작하고, 거대한 파도가 배를 죽음으로 위협하고, 선원들을 항구로 피신하게 합니다. 두 경우 모두 Backhuizen(1631-1709)에게는 어려움이 없습니다. 같은 기교를 지닌 그의 붓은 구름 없는 하늘, 사이클론, 물보라, 바위, 잔해의 흔적을 전달합니다.

화려한 전개가 정물에 이릅니다. 네덜란드 정물화는 플랑드르와 달리 크기가 작고 친밀한 성격의 그림에 대한 동기가 적습니다. 피터 클래스 (1597-1661), 빌렘 케다(1594-1680) 가장 자주 소위 묘사되었습니다. 아침 식사: 비교적 소박하게 제공되는 테이블에 햄이나 파이를 곁들인 요리. 숙련 된 레이아웃에서 개체는 사물의 내부 생활을 느끼는 방식으로 표시됩니다 (네덜란드 인이 정물을 "정물"- "조용한 삶"이라고 부른 것은 아무 것도 아니 었습니다. "자연 morte"- "죽은 자연"). 착색이 억제되고 세련됨(Heda "Breakfast with Lobster", 1658; Class "Still Life with Candles", 1627)

Willem Heda는 Haarlem에서 일했고 Pieter Claesz의 영향을 받았습니다. 겸손한 정물 - 일반적으로 작은 가정 용품 세트와 식사를 묘사하는 Head의 "아침 식사"는 사물의 질감, ​​신중한 은녹색 또는 은갈색을 전달하는 훌륭한 장인 정신이 특징입니다. "블랙베리 파이를 곁들인 아침 식사", 1631, 드레스덴 미술관, "햄과 은그릇", 1649, 주립 박물관미술, 모스크바).

2층에서 네덜란드 커뮤니티의 삶의 변화와 함께. 17세기에는 귀족화에 대한 부르주아지의 욕구가 점차 증가하고 이전의 민주주의가 상실되면서 정물화의 성격도 변한다. Kheda의 "아침식사"는 호화로운 "디저트"로 대체됩니다. 빌렘 칼프(1619-1693).간단한 식기는 대리석 테이블, 카펫 식탁보, 은잔, 자개 조개 및 수정 유리잔으로 대체되고 있습니다. Kalf는 복숭아, 포도 및 수정 표면의 질감을 전달하는 데 놀라운 기교를 구현합니다. 이전 시대 정물의 단조로운 색조는 가장 절묘한 다채로운 색조의 풍부한 그라데이션으로 대체됩니다.

네덜란드 화가. 1640-1645년에 그는 프랑스에서, 1653년부터 암스테르담에서 일했습니다. 미래에 빌렘 칼프는 주로 암스테르담에서 살면서 일했습니다. 그의 그림의 깊고 풍부한 색상, 이 정물화 화가는 동시대의 얀 베르메르(Jan Vermeer) 작품의 영향 때문일 수 있습니다. 네덜란드 정물학파의 가장 큰 거장 중 한 명인 Kalf는 가난한 부엌과 뒤뜰을 묘사한 겸손한 그림으로 썼습니다("농민 집 안뜰", 스테이트 에르미타주, St. Petersburg) 뿐만 아니라 귀중한 식기와 이국적인 남부 과일로 구성된 장엄한 구성("Breakfast", State Museum, Amsterdam; "Still Life", State Hermitage Museum, St. Petersburg). 정물화가로서의 칼프의 기교는 공간 구성의 고전적인 세련미, 각 사물의 독창성과 고유한 가치에 대한 미묘한 감각, 명암과 색상 관계의 정교함과 풍부함, 다양한 질감의 장엄한 대조 비교에서 나타났습니다. 및 재료.

"가재, 와인 뿔, 안경이 있는 정물"탁자 위에 놓인 이국적이고 고급스러운 오브제들의 컬렉션은 화려한 장인 정신과 깊은 색감으로 채색되어 있습니다. 랍스터, 반짝이는 은색 테두리가 있는 와인 뿔, 투명한 유리잔, 레몬, 터키식 카펫은 손으로 만질 수 있을 정도로 실제와 같은 착각이 들 정도로 세심하게 표현되어 있습니다. 각 항목을 배치하는 장소는 그룹 전체가 색상, 모양 및 질감의 조화를 형성하도록 신중하게 선택됩니다. 물건을 감싸는 따뜻한 빛은 귀중한 보석의 위엄을 부여하며, 그 희소성, 화려함, 기발함은 정물화가 엄청나게 유행했던 17세기 네덜란드 수집가의 세련된 취향을 반영합니다.

네덜란드 정물- 네덜란드 예술의 가장 중요한 주제의 예술적 구현 중 하나 - 평범한 사람의 사생활 주제. 이 테마는 장르 그림에 완전히 구현되어 있습니다. 20~30대. 17 세기 네덜란드인은 특별한 유형의 작은 그림을 만들었습니다. 40-60대 - 회화의 개화, 네덜란드의 고요한 버거 생활을 찬미하는, 일상의 실존을 측정. 플랑드르 화가인 아드리안 브라우어(Adrian Brouwer)가 발전한 할스(Hals)의 서클에서도 농민 생활의 주제에 대한 뚜렷한 관심이 형성되었습니다. 아드리안 반 오스타드(1610-1685) - 농민 생활의 묘사에서 회화 적 장점면에서 가장 컸습니다. 그는 일반적으로 자신의 어두운 면을 묘사합니다("투쟁"). 다른 대표자들과 마찬가지로 그는 일반적으로 전적으로 지배계급의 이데올로기의 정신으로 자신의 주제에 접근하고 현실을 이상화하거나 관습이 발생하는 농민의 재미있는 생물 만 봅니다. 웃음과 농담. (“마을 주점에서”1660).

그의 작품은 후기에 서정적인 성격을 갖게 되며, 이전의 플롯은 오두막 문턱이나 마을 선술집 안뜰에서 평화롭게 휴식을 취하는 이미지와 가족의 고요한 안락함을 담은 인테리어로 대체된다. 콘서트”, 1655, 에르미타주). 이러한 작은 그림 외에도 Ostade는 종종 더 많은 그림을 그렸습니다. 확대다양한 공예품 대표자의 엄격하게 현실적인 반쪽 그림. 바로, 오스타드의 그림 "작업실의 화가"(1663)는 예술가가 선언이나 파토스에 의지하지 않고 인간 노동을 미화하는 회화의 걸작으로 간주됩니다.

하지만 메인 테마"스몰 더치"는 여전히 농민이 아니라 버거 생활이다. 일반적으로 흥미로운 줄거리가 없는 이미지입니다. 이 장르의 그림에서는 아무 일도 일어나지 않는 것 같습니다. 한 여성이 편지를 읽고 있고, 신사와 여성이 음악을 연주하고 있습니다. 또는 그들은 방금 만났고 m / 그들은 첫 느낌을 가지고 있지만 이것은 단지 요약되어 있으며 시청자는 자신을 추측 할 권리가 있습니다. 이런 종류의 사진에서 가장 재미있는 이야기꾼은 얀 스탠(1626-1679). Stan의 경우 대부분의 동시대 사람들과 달리 스토리 측면은 무관심하지 않습니다. 그는 그의 그림에서 시작되는 내러티브에 중요한 역할을 할당하고 쁘띠 부르주아지의 일상 생활에서 재미있는 특정 장면을 묘사하는 것을 좋아합니다. 그 속에서 주인은 예리한 관찰력을 발휘하고, 유형을 적절하게 특성화하며, 미묘한 쾌활한 유머로 자신이 선택한 에피소드를 이야기합니다. 그림 "병든 여자와 의사"(c. 1660, 암자)는 그를 나타냅니다. 스텐의 활동 후기에 이러한 특징들은 날카로움을 잃고, 일반적인 경향에 따라 예술의 길에 들어서며, 보다 우아하고 현실 세계에 대한 순전한 시각적 인식의 문제에 전념합니다.

대단한 실력을 뽐냈다 제라드 터보흐(1617-1681). 그는 가장 민주적인 주제("그라인더")로 시작했습니다. 그는 비단과 새틴, 유리잔의 투명도, 모든 것의 표면을 묘사하는 데 최고의 기술로 구별되었습니다. Terborch의 인물은 귀족의 환경에서 선택한 모델로 설명되는 잘 알려진 귀족의 모습이 특징인 경우가 많습니다. Terborch 예술의 세련미는 주로 절묘한 은빛 톤이 지배하는 색상 때문입니다. 작가의 최고의 그림 중에는 "레모네이드 한 잔"(Hermitage)과 "콘서트"(Berlin, Dahlem)가 있습니다.

내부는 작은 네덜란드인들 사이에서 특히 시적입니다. 네덜란드인의 삶은 주로 집에서 진행되었습니다. 이 테마의 진짜 가수는 피터 드 후치(1629-1689). 사물의 이동이라는 환상적 성격은 이 주인의 배경으로 물러나고 공간 관계의 발전, 특히 내부의 묘사, 그리고 그 뒤에 열리는 안뜰과 거리에 대한 묘사에 관심이 집중됩니다. 하인”, 에르미타주, 1660년경). 실수로 신발이 던져지거나 빗자루가 남겨진 반쯤 열린 창문이있는 그의 방은 일반적으로 인간의 모습없이 묘사되지만 사람들은 보이지 않게 여기에 존재하며 항상 내부와 사람들 사이의 연결이 있습니다. 그는 사람을 묘사할 때 의도적으로 얼어붙은 리듬을 강조하고 삶을 얼어붙은 것처럼, 사물 자체("마당")처럼 움직이지 않는 것으로 묘사합니다.

삶의 느린 리듬, 일상의 정확성, 존재의 어떤 단조로움을 완벽하게 전달합니다. 가브리엘 메츠(1629-1667, "아침 식사"). 그의 장르 이미지의 일반적인 성격에서 그는 Terborch에 가깝지만 색상이 더 밝습니다.

장르 회화의 새로운 단계는 50 년대에 시작되며 소위와 관련이 있습니다. 델프트 학교, 다음과 같은 아티스트의 이름으로 카렐 파브리시우스, 에마뉘엘 드 비테, 얀 베르메르(1632-1675), 예술사에서 델프트의 베르메르(그의 활동 장소의 이름을 따서 명명됨)로 알려져 있습니다. 델프트의 베르메르의 예술은 네덜란드 발전 후기에 속합니다. 영웅적이지만 무례한 독립투사 세대와 자본주의 경제의 조직자인 냉철한 사업가의 세대는 과거에 속했습니다. 그들의 손자들은 획득한 혜택을 안전하게 사용할 수 있는 역사적 영역에 들어갔습니다. 이러한 상황에서 네덜란드 공화국 전성기의 마지막 단계의 활기차고 즐거운 예술이 형성되고 있습니다.

이 특별한 시기에는 델프트의 베르메르(Vermeer of Delft)의 기술인 기술의 모든 정교함에도 불구하고 성숙하고 관통하며 동시에 명확하고 단순합니다. Vermeer의 진정한 작품은 거의 없으며 소수의 박물관에만 Delft 마스터의 작고 항상 귀중한 그림이 있습니다. Vermeer의 주제는 다소 전통적입니다. 편지를 읽고 있는 젊은 여성들, 신사와 함께 이젤 앞에서 화가, 그저 창가에서 꿈꾸는 소녀 등) - 한마디로 네덜란드 화가가 두 번 이상 묘사 한 모든 것. 주제 면에서 좁은 의미의 베르메르는 독창적이지 않다. 드문 경우지만 그는 재미있는 플롯으로 전환하고 구성 요소에 액션 요소를 도입합니다("중매인에서", 1656, 드레스덴). 그러나 그의 모든 이미지에는 완전히 개별적인 성격이 있습니다. 그가 그리는 모든 인물에는 일종의 가볍고 가벼운 시가 있으며, 이 시와 부드러움과 함께 그의 모든 작품에는 엄숙한 단순함, 진정으로 고전적인 것의 특별한 느낌이 새겨져 있습니다.

Vermeer는 의심할 여지 없이 서유럽 미술 역사상 가장 위대한 색채 화가 중 한 명입니다. 색상 선택에 대한 그의 섬세한 취향뿐만 아니라 색상 간의 관계를 찾는 능력은 Vermeer를 가장 세련된 색상 마스터 중 하나로 만듭니다. 최고의 비율 감각과 재치로 그는 레몬 옐로우, 블루, 다양한 색조의 퍼플, 스칼렛 및 옅은 그린 색상을 하나의 음색 범위로 결합합니다. 네덜란드의 전통적인 빛 예술 문제가 가장 완벽한 해결책을 얻은 것은 델프트의 베르메르의 작품에서였습니다. 무지개 빛깔의 자개 빛은 델프트 거장의 그림의 가장 특징적인 특징 중 하나입니다. 또한 델프트의 베르메르가 당대에 가장 뛰어난 기술자 중 한 명이라는 데도 의심의 여지가 없습니다. 그의 몇 안 되는 그림은 풍부하고 다양한 질감으로 쓰여져 있습니다. 인상파 화가들의 후기 기법을 미리 결정한 그의 물감 적용 방법은 베르메르 자신이 사물을 감싸는 빛을 모든 회화적 구체성으로 묘사하는 것을 가능하게 했습니다. Vermeer의 그림에서 빛은 단순한 투명한 매체가 아니라 은빛 톤의 미묘한 전환이 풍부한 공기입니다.

Wermeer는 17세기에 누구도 하지 못한 일을 했습니다. 그는 자연에서 풍경화를 그렸습니다("거리", "델프트의 전망"). 그들은 플레인 에어 페인팅의 첫 번째 예라고 할 수 있습니다. 성숙하고 고전적인 단순함을 지닌 베르메르의 예술은 미래 시대에 매우 중요했습니다.

네덜란드 리얼리즘의 정점, 17세기 네덜란드 문화의 회화적 성과. 렘브란트의 작품이다. 그러나 R.의 중요성은 모든 뛰어난 예술가와 마찬가지로 네덜란드 미술과 네덜란드 학교의 경계를 뛰어 넘습니다. 전성기의 네덜란드 학교에서 중심적인 위치를 차지하고 있는 렘브란트는 여전히 조국의 수많은 예술가들과 구별됩니다. 그것들은 렘브란트의 예술적 관심의 범위와 그의 작품의 심오한 심리학과는 거리가 멀었습니다.

하르멘시 반 레인 렘브란트 1606년 라이덴에서 부유한 제분소 주인의 아들로 태어났습니다. 그는 일찍이 그림에 대한 매력을 발견했고 라이덴 대학교에 잠시 머문 후 전적으로 예술에 전념했습니다. 보잘것없는 지역 예술가 Jacob Swannenburg와 함께 하는 보통의 3년의 연구 기간이 끝나면 Rembrandt는 개선을 위해 암스테르담으로 가서 Lastman의 학생이 되었습니다. 이탈리아에서 훈련받은 숙련된 장인인 Lastman은 렘브란트에게 볼륨을 전달하고 액션의 드라마를 드러내는 데 사용되는 키아로스쿠로 효과를 소개했습니다. 이 기술은 작가의 작업에서 가장 중요한 요소가 될 것입니다. 다음 몇 년 동안 Rembrandt는 Leiden에서 일하면서 성서 및 신화 장면의 대가로 명성을 얻었습니다. 따라서 일반적으로 1625-1632년이라고 합니다. 그의 작업의 라이덴 기간.

1632년 그는 암스테르담으로 이주하여 "Tulp 박사의 해부학 강의"를 집필함으로써 즉시 명성을 얻었습니다. 30대는 최고의 전성기이자 '해부학 레슨'이라는 별명이 붙은 이 사진으로 화가에게 kt의 길이 열렸다. 이 캔버스에서 사람들은 행동으로 뭉쳤고 모두 자연스러운 포즈로 표현되었으며 시체의 근육 구조를 보여주는 주인공인 Dr. Tulp에게 관심이 집중됩니다. 그는 그를 후원하는 미술상인 Hendrick van Uylenborch와 함께 살고 있으며 초상화 주문을 주선하여 젊은 예술가에게 패셔너블한 성공적인 대가라는 명성을 얻었습니다. 1634년에 렘브란트는 헨드릭의 조카인 사스키아와 성공적으로 결혼했고, 1639년에는 아내와 함께 수도에서 멋진 집을 얻었다. 1640년대 초반까지. 그는 고객과 함께 큰 성공을 누리고 있습니다. 지금은 개인 웰빙의 시간입니다. 이 시기의 유명한 걸작인 "사스키아가 무릎을 꿇고 있는 자화상"(1635년경, 드레스덴 미술관)에서 렘브란트는 젊은 아내와 함께 자신을 묘사했습니다. 축제 테이블. 잔잔한 황금빛 톤, 그림을 관통하는 빛의 흐름은 희망과 꿈으로 가득 찬 젊고 성공적인 예술가와 그의 아내의 즐거운 분위기를 전달합니다.

이 전체 기간은 로맨스로 덮여 있습니다. 말하자면 화가는 지루한 일상에서 벗어나고자 작업을 하고 있다. 그는 호화로운 의상, 환상적인 의상 및 머리 장식으로 자신과 Saskia를 칠하고 모든 것, 포즈, 움직임에서 멋진 구성을 만들어냅니다. 일반적인 것이 우선합니다 - 존재의 기쁨. (플로라 역의 사스키아). 바로크 언어는 이러한 높은 정신을 표현하는 데 가장 가깝습니다. 이 시기의 렘브란트는 이탈리아 바로크 양식의 영향을 크게 받았다.

복잡한 각도에서 "아브라함의 희생"(1635) 그림의 인물이 우리 앞에 나타납니다. 그림은 갑작스런 천사의 등장으로 가혹한 희생에서 해방된 기쁨도 감사도 느낄 시간이 없었고, 지금까지 지치고 당혹스러웠던 아브라함의 마음의 상태를 추적하고 있다.

렘브란트는 항상 에칭(조각)과 그림에 많은 관심을 기울였으며 곧 유럽에서 가장 큰 그래픽 기술의 대가가 되었습니다. 그가 에칭 기법으로 수행한 초상화와 풍경, 일상적이고 종교적인 장면은 예술적 기법의 참신함, 이미지의 심오한 심리학, chiaroscuro의 풍부함, 표현력과 선의 간결함으로 구별됩니다. Rembrandt의 약 2,000개의 그림이 우리에게 내려왔습니다. 그 중에는 예비 스케치, 회화를 위한 스케치 드로잉, 일상 생활의 장면 스케치, 그의 상상 속에서 태어난 아이디어 등이 있습니다.

창의성 초기의 전환기에 그의 가장 유명한 그림 중 하나인 "야경"이 나타납니다. 이는 소총 길드의 그룹 초상화입니다. 그러나 그룹 포터는 고객의 욕망에서 비롯된 제품의 정식 이름입니다. The Night Watch에서 렘브란트는 네덜란드 미술의 전통인 단체 초상화 장르에 새로운 접근 방식을 취합니다. 이 그림(1642, 암스테르담 암스테르담 국립미술관)은 배닝콕 대위의 사격 길드원들의 단체 초상화로 실제 거리의 풍경으로 작가에 의해 해결되었다. 렘브란트는 당시 수용되었던 모든 참가자들의 정적인 배치를 버리고 움직임이 넘치는 장면을 만들었다. 빛과 그림자의 대비, 그림의 감성이 사건의 설렘을 전한다. 사진이 점점 역사적 인물손에 무기를 들고 조국의 자유와 민족 독립을 지킬 준비가 된 용감한 사람들에 대해 이야기합니다. 고객들은 작가의 의도를 이해하지 못했고, 이 그림을 기점으로 지배적인 환경과의 갈등이 심화되겠지만, 그것이 주인의 에너지를 감소시키지는 않을 것이며, 렘브란트는 계속해서 그들의 감성적 임팩트가 두드러지는 사실적인 캔버스를 만들 것이다. . 이미 언급한 바와 같이 훌륭하고 의심할 여지 없이 다소 연극적이며 자유로운 구성은 각 고객을 대표하는 것을 목표로 하지 않았습니다. 많은 얼굴은 날카로운 chiaroscuro에서 단순히 "읽기"가 좋지 않습니다. 두꺼운 그림자와 밝은 햇빛과 대조적으로 CT에 분리가 나옵니다 (19 세기에는 그림이 너무 어두워서 야경의 이미지로 간주되었으므로 잘못된 이름 중위의 밝은 옷을 입은 대위는 밤이 아니라 낮임을 증명합니다). 이 장면에서 낯선 사람, 특히 황금빛 노란색 드레스를 입은 어린 소녀의 모습은 보는 사람에게 이해하기 어렵고 부조리하게 보였습니다. 여기에 있는 모든 것이 대중에게 당혹감과 짜증을 불러일으켰고, 이 그림에서 작가와 사회의 갈등이 시작된다고 말할 수 있다. 같은 해에 사스키아의 죽음과 함께 렘브란트는 그에게 외계인인 버거 서클과의 자연스러운 단절이 발생한다.

렘브란트의 사실적 기술은 수년에 걸쳐 심화되었습니다. 그는 예술적 이미지의 깊이와 감정적 강렬함을 위해 불필요한 디테일과 장식적인 효과를 거부합니다. 작가의 작업에서 아주 큰 자리가 실내 초상화를 찍기 시작한다. 렘브란트는 마치 시간과 공간에 지속되는 것처럼 사람의 영적 삶을 드러냅니다. 이것은 일종의 초상화 전기입니다. 예를 들어 "노인의 초상", "창가의 헨드리케", "티투스를 읽고 있는 중", 예술가의 친구 N. Breining, J. Six의 초상화, 수많은 자화상(기름에 백 개가 넘는 및 숯).

40-50대 - 지금은 창의적 성숙의 시기입니다.이것은 많은 것이 과거의 것이 되고 새롭고 귀중한 자질을 획득할 그의 창조적인 시스템을 추가하는 시간입니다. 이 기간 동안 그는 종종 오래된 작품을 새로운 방식으로 리메이크합니다. 1636년에 그린 <다나에>도 마찬가지였다. 1940년대의 그림으로 돌아가서 작가는 감정의 기복을 고조시켰다. 그는 히로인과 메이드로 중앙 부분을 다시 썼다. 다나에에게 손을 든 새로운 제스처를 주면서 그는 그녀에게 큰 흥분, 기쁨, 희망, 호소의 표현을 말했습니다. 빛은 큰 역할을 합니다. 즉, 광속은 Danae의 모습을 감싸고, 그녀는 모두 사랑과 행복으로 빛나고 있으며, 이 빛은 인간 감정의 표현으로 인식됩니다.

50년대 초반, 작가는 하나의 걸작을 만듭니다. 그는 이미 유행에서 벗어 났지만 부유 한 고객은 번역되지 않았습니다.

이 기간 동안 그는 해석을 위해 인간 존재의 가장 서정적이고 시적인 측면, 즉 영원하고 보편적인 인간인 모성애, 연민을 선택합니다. 가장 큰 재료는 그에게 성경, 그리고 그것에서 - 거룩한 가족의 삶의 장면. 주제에 있어서는 종교적이지만 줄거리에 대한 해석에 있어서는 순전히 장르인 에르미타주 그림 <성가족>(1645)은 그 당시의 매우 특징적입니다.

성서 장르의 작곡과 함께 이 시기는 렘브란트에게 새로운 종류의 현실 묘사인 풍경화로 가득 차 있습니다. 어떤 경우에는 그의 낭만적인 성향에 경의를 표하며, 이와 함께 그는 엄격한 접근 방식으로 매료되는 꾸밈 없는 네덜란드 마을의 그림을 만듭니다. 맑은 서리가 내린 날에 비추어 농민 안뜰과 얼어붙은 운하의 매끄러운 표면에 여러 인물을 묘사한 작은 “Winter View”(1646, Kassel) 감각의 미묘함과 시각적 지각의 진실성.

이 기간 동안 창조된 것의 광대함과 예술적 가치에도 불구하고 렘브란트의 재정 상황은 1650년대 중반에 극도로 어려운 것으로 판명되었습니다. 주문 수의 감소, 그림 판매의 어려움, 특히 그의 업무 수행에 대한 주인의 태만으로 인해 렘브란트는 큰 재정적 어려움을 겪었습니다. Saskia의 생애 동안 값비싼 집을 구입하는 것과 관련된 부채는 완전한 파멸의 위협을 받았습니다. 부채에서 벗어나려고 노력하는 것은 재앙을 지연시킬 수 있을 뿐이지만 여전히 발생했습니다. 1656년 여름, 렘브란트는 파산 선고를 받았고 그의 모든 재산은 경매에서 팔렸습니다. 평소에 살던 집도 박탈당한 그는 가족과 함께 상업 수도의 가난한 유대인 구역으로 이사해야 했고, 이곳에서 극심한 빈곤 속에서 마지막 날을 보냈습니다.

나중에 렘브란트에게 닥친 불행(헨드릭의 죽음, 그의 외아들 티투스의 죽음)과 같은 이러한 역경은 그의 천재성을 더 이상 성장시키는 것을 막을 수 없었습니다.

1650년대 말과 1660년대는 R.의 생애에서 가장 비극적인 해이지만, 렘브란트의 장대한 힘의 창조적 활동으로 가득 차 있다. 그것은 말하자면 그의 이전의 모든 심리적, 그림적 탐구의 종합을 나타냅니다. 이 사진에서 모든 것은 일시적이고 우연적인 것이 아닙니다. 세부 사항은 최소한으로 유지하고 몸짓, 자세, 머리 기울기를 신중하게 고려하고 이해합니다. 그림은 캔버스의 전면에 가깝게 확대됩니다. 이 시대의 작은 작품들도 비범한 웅장함과 진정한 기념비적인 인상을 줍니다. 기본 표현 수단빛과 선이다. 그의 캔버스에서 빛과 색은 하나이고 그의 색은 빛을 발산하는 것처럼 보이기 때문에 후기 R.에 대해 그의 색이 "빛난다"고 말하는 것이 더 정확할 것입니다. 색상과 빛의 이러한 복잡한 상호 작용은 그 자체로 끝이 아니며 이미지의 특정 정서적 환경과 심리적 특성을 만듭니다.

초상화에서 렘브란트는 이제 모델을 선택하는 데 더 자유로워졌고 대부분 뚜렷한 개성이 있는 얼굴을 그렸습니다. 이들은 주로 나이든 여성과 나이든 유대인들이다. 하지만 같은 날카로움으로 그는 젊은이의 매력을 전달할 수 있습니다. 여성의 얼굴또는 젊은 외모의 매력. 이 초상화의 모든 사소한 것은 일반화되었지만 동시에 이미지의 비정상적으로 선명한 표현으로 자리 잡았습니다. 이는 기술 실행 방식의 폭이 증가함에 따라 크게 촉진됩니다.

그룹 초상화의 역사에서 마지막은 소위 옷감 가게의 장로 렘브란트의 이미지였습니다. "Syndics"(1662, 암스테르담). 렘브란트 작품의 정점 중 하나로 간주됨). 날카로운 심리적 특성, 구조의 단순함, 선과 덩어리의 리듬의 무류성을 숨기는 것, 색채 수의 인색함, 그러나 강렬한 색채는 초상화가로서의 렘브란트의 이전 행로를 요약한다.

50년대의 성숙기에 렘브란트는 최고의 에칭을 만들었습니다. 렘브란트를 구별 짓는 심리 분석의 깊이, 이미지의 표현적 사실주의, 예술적 기법의 완성도는 거장의 그림보다 주제적으로 훨씬 더 다양한 훌륭한 시트의 긴 시리즈에 반영되었습니다. 가장 유명한 것 중에는 "병자를 치료하는 그리스도"(소위 "100 플로린의 잎", 1649년경), "세 개의 십자가"(1653), Lutma의 초상화(1656), Haring(1655), Six가 있습니다. (1647), The Three Trees (1643) 및 The Estate of the Gold Weigher (1651)로 알려진 풍경.

렘브란트의 그래픽 유산에서 똑같이 중요한 위치는 그림으로 가득 차 있습니다. 주변 세계에 대한 렘브란트의 인식의 날카로움과 독창성은 이 수많은 다양한 시트에 특별한 힘으로 반영되었습니다. 렘브란트의 회화 스타일과 마찬가지로 그리는 방식은 거장의 창조적 발전을 통해 눈에 띄게 발전합니다. 렘브란트의 초기 그림이 세부적으로 작업되고 구성이 다소 복잡했다면 더 성숙한시기에 그는 비정상적으로 간결하고 단순한 광범위한 그림 방식으로 그림을 수행했습니다. 렘브란트는 보통 거위나 갈대 펜으로 그림을 그렸고 가장 단순한 기술의 도움으로 탁월한 표현력을 얻을 수 있었습니다. R.은 2000개의 그림을 남겼습니다. 그의 그림은 비록 평범한 동기의 미세한 스케치일지라도 자연의 모든 다양성을 충분히 전달하는 완전한 전체입니다.

R. 작업의 에필로그는 그의 장대한 캔버스 "귀환"이라고 할 수 있다. 탕자”(1668-1669년경, 에르미타주)에서 작가의 미학적 높이와 회화적 솜씨가 가장 완벽하게 드러났습니다. 고향을 떠나 재산을 탕진하고 비참하고 헐벗고 굴욕적인 아버지에게로 돌아온 한 청년에 대한 복음의 비유는 작가의 깊은 인간적 내용으로 가득 차 있다. 고통받는 사람에 대한 고귀한 사랑의 아이디어는 생생한 설득력이 인상적인 이미지에서 여기 드러납니다. 반쯤 눈먼 늙은 아버지의 얼굴과 손짓은 무한한 친절을 표현하고, 더러운 누더기 옷을 입고 아버지에게 매달리는 아들의 모습은 진심과 깊은 회개를 담고 있다. 아마도 렘브란트의 다른 어떤 그림도 이토록 깊고 동정심 많은 감정을 불러일으키지 못할 것입니다. 렘브란트는 시청자들에게 사랑과 용서에 대해 가르쳤습니다. 앞으로, 최근 몇 개월 동안 렘브란트의 삶은 차분하게 외적으로 진행됩니다. Hendrickje와 Titus보다 오래 살았던 그는 1669년 10월 4일에 사망했습니다.

R.은 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 네덜란드에는 페르디난트 볼(Ferdinand Bol, 1616-1680), 게르브란트 반 덴 에크고트(Gerbrand van den Eckgout, 1621-1674), 아르 드 겔더(Art de Gelder, 1645-1727)가 가장 유명해진 위대한 예술가의 영향을 경험하지 않은 화가는 없었다. 주제, 구성 기법 및 교사 유형을 마스터했지만 그럼에도 불구하고 그들은 렘브란트 기법을 외부에서 모방하는 것 이상으로 인물화에 더 이상 나아가지 않았습니다. 반대로 주인의 살아있는 영향은 필립스 코닌크(Philips Koninck)(1619-1688), 두머(1622-1700) 등 주변의 수많은 풍경화가들에게 확실히 영향을 미쳤습니다. 그러나 대다수는 그를 배신하고 학문적 위치로 옮겨 당시 유행하던 플레밍과 프랑스를 모방했습니다.

예술사에서 자주 일어나는 일이지만 그의 뛰어난 재능에도 불구하고 렘브란트는 잊혀지고 쓸모없는 주인이 되어 가난과 외로움 속에서 사망했습니다. 그러나 시간이 흐를수록 예술가의 유산은 인류의 눈에 더 가치가 있습니다. 렘브란트가 가장 위대한 인물 중 하나라고 해도 과언이 아니다. 가장 위대한 예술가들세계 미술의 역사에서. 많은 사람들이 그것을 타의 추종을 불허한다고 부를 것입니다. 렘브란트의 무덤은 사라졌지만 그의 작품은 수세기 동안 살아 있을 것입니다.

17세기 후반에 네덜란드 회화의 쇠퇴가 시작되고 국가 정체성의 상실이 시작됩니다. 18 세기 네덜란드 리얼리즘의 위대한 시대의 끝이 다가오고 있습니다.

네덜란드 예술가들은 17세기에 작업을 시작하여 지금까지 멈추지 않은 대가들의 작업에 큰 공헌을 했습니다. 그러나 그들은 동료들뿐만 아니라 문학 전문가(Valentin Proust, Donna Tartt)와 사진 전문가(Ellen Cooy, Bill Gekas 등)에게도 영향을 미쳤습니다.

개발 시작

1648년 네덜란드는 독립했지만 새로운 국가를 건설하기 위해 네덜란드는 스페인의 복수를 견뎌야 했고, 당시 플랑드르 도시 앤트워프에서 약 1만 명이 사망했습니다. 학살의 결과 플랑드르 주민들은 스페인 당국이 통제하는 영토에서 이주했습니다.

이를 바탕으로 독립 네덜란드 예술가들의 원동력이 바로 플랑드르의 창의성에서 나왔다는 것을 인정하는 것이 논리적일 것입니다.

17 세기 이래로 국가 및 예술 분야가 모두 발생하여 국적으로 구분되는 두 개의 예술 학교가 형성되었습니다. 그들이 있었다 공통 기원, 그러나 그들은 기능면에서 상당히 달랐습니다. 플랑드르가 천주교의 날개 아래 남아있는 동안 네덜란드는 완전히 새로운 개화를 경험했습니다. XVII 세기.

네덜란드 문화

17 세기에 새로운 국가는 과거 시대의 예술과의 연결을 완전히 끊고 발전의 길에 착수했습니다.

스페인과의 싸움은 점차 가라앉았다. 국민적 분위기는 당국이 일찌감치 부과한 천주교에서 벗어나면서 대중들 사이에서 추적되기 시작했다.

개신교의 지배는 장식에 대한 논란의 여지가있는 견해를 가지고있어 종교 주제에 대한 작업이 줄어들었고 나중에는 세속 예술의 손에만 영향을 미쳤습니다.

실제 주변 현실이 사진에 이렇게 자주 묘사된 적이 없었습니다. 그들의 작품에서 네덜란드 예술가들은 꾸밈이 없는 평범한 일상, 세련된 취향, 고귀함을 보여주고 싶었다.

세속적인 예술적 폭발은 풍경, 초상화, 일상 장르 및 정물(이탈리아와 프랑스에서 가장 발달한 중심지조차도 존재하지 않는)과 같은 수많은 경향을 일으켰습니다.

초상화, 풍경, 인테리어 작품 및 정물화로 표현된 네덜란드 예술가들의 리얼리즘에 대한 자신의 비전은 이 기술에 대한 사회의 모든 부문의 관심을 불러일으켰습니다.

그리하여 17세기 네덜란드 미술은 '네덜란드 회화의 황금기'라 불리며 네덜란드 회화에서 가장 뛰어난 시대의 위상을 확보하게 되었다.

아는 것이 중요합니다. 네덜란드 학파는 인간 존재의 평범함만을 묘사했지만 그 시대의 주인은 뻔뻔하게 그들의 틀을 파괴했다는 잘못된 의견이 있습니다. 환상적인 작품(예: "세례 요한이 있는 풍경" Blumart).

17세기 네덜란드 화가. 렘브란트

Rembrandt Harmensz van Rijn은 네덜란드에서 가장 큰 예술적 인물 중 한 명으로 간주됩니다. 예술가의 활동 외에도 그는 조각에도 종사했으며 정당하게 chiaroscuro의 마스터로 간주되었습니다.

그의 유산은 인물, 장르 장면, 정물, 풍경뿐만 아니라 역사, 종교 및 신화를 주제로 한 그림 등 개인의 다양성이 풍부합니다.

chiaroscuro를 마스터하는 그의 능력은 사람의 감정 표현과 영성을 향상시키는 것을 가능하게했습니다.

인물화 작업을 하면서 사람의 표정을 작업했습니다.

가슴 아픈 비극적 사건과 관련하여 그의 후기 작품은 사람들의 깊은 감정을 드러내는 희미한 빛으로 가득 차 있었고 그 결과 빛나는 작품은 누구에게도 관심이 없었습니다.

그 당시에는 겉으로 드러나는 아름다움은 깊이 파고들려는 시도 없이 유행했고, 노골적인 사실주의와 상반된 자연주의도 유행했다.

이 작품은 상트 페테르부르크의 Hermitage에 있기 때문에 모든 러시아 예술 애호가는 "탕자의 귀환"이라는 그림을 자신의 눈으로 볼 수 있습니다.

프란스 할스

Frans Hals는 위대한 네덜란드 예술가이자 러시아 예술에 자유 글쓰기 장르를 도입하는 데 도움을 준 주요 초상화 화가입니다.

그에게 명성을 안겨준 작품은 1616년에 그린 "The Banquet of the Officers of the Officer of the Rifle Company of St. George"라는 그림이었습니다.

당시 그의 초상화 작업은 너무 자연스러워서 오늘날과 어울리지 않았다. 예술가가 여전히 오해를 받았다는 사실 때문에 그는 위대한 렘브란트처럼 가난하게 생을 마감했습니다. 집시 여인(1625-1630)은 그의 가장 유명한 작품 중 하나입니다.

얀 스틴

Jan Steen은 첫눈에 가장 재치 있고 유쾌한 네덜란드 예술가 중 한 명입니다. 사회적 악덕을 조롱하고 사회적 풍자의 기술에 의존하는 것을 좋아했습니다. 그는 방랑자와 쉬운 미덕의 무해하고 재미있는 이미지로 시청자를 즐겁게하면서 실제로 그러한 생활 방식에 대해 경고했습니다.

예술가는 또한 언뜻보기에는 절대적으로 순진한 행동처럼 보이는 작품 "아침 화장실"과 같은 더 차분한 그림을 가지고있었습니다. 그러나 세부 사항을 자세히 보면 그들의 폭로에 상당히 놀랄 수 있습니다. 이전에 다리를 짜낸 스타킹의 흔적, 밤에 음란 한 것으로 가득 찬 냄비, 그리고 스스로 옳다고 생각하는 개입니다. 안주인의 베개에.

자신의 최고의 작품에서 예술가는 색상 팔레트의 우아하고 숙련 된 조합과 그림자의 숙달에서 동료보다 앞서있었습니다.

다른 네덜란드 예술가들

이 기사에는 수십 명 중 단 세 명만이 나열되어 있으며 같은 목록에서 그들과 대등할 가치가 있습니다.


따라서이 기사에서는 17 세기 네덜란드 예술가와 그들의 작품에 대해 알게되었습니다.

부르주아 체제와 칼빈주의의 승리로 네덜란드의 기념비적, 장식적, 교회적 예술의 본거지가 무너졌습니다. 군주제 국가의 바로크 예술가들이 설정 한 궁전과 성을 그리는 작업은 네덜란드에서 거의 일어나지 않았습니다. 귀족은 훌륭한 장식 예술의 존재를 보장하기에는 너무 약했습니다. 반면에 칼빈주의는 사원의 그림에 반대했습니다.
그럼에도 불구하고 그림에 대한 수요는 매우 높았다. 그것은 주로 사적인 개인들에게서 나왔고, 게다가 물질적으로 큰 부를 갖지 못한 서클에서 상당 부분 나왔습니다. 적당한 크기의 방에 걸도록 설계된 작은 이젤 그림 유형이 발전하여 지배적입니다. 커미션과 함께 그림은 미술 시장을 위해 훨씬 더 자주 실행되었으며 거래가 널리 퍼졌습니다. 그림에 대한 수요가 많아 대량 생산이 이루어졌고, 과잉 생산으로 인해 많은 예술가들이 직접 직업을 추구하는 것 외에 다른 생계 수단을 찾아야 했습니다. 뛰어난 화가는 종종 정원사, 선술집 주인 또는 직원(Goyen, Sten, Gobbema 등)으로 밝혀집니다.
17세기 네덜란드 회화의 주제와 회화 기법은 사실주의의 시작이 완전히 지배적이다. 무엇보다 작가는 다양한 현상 속에서 주변 생명체의 외적 형태를 충실히 전달해야 했다.
새로운 부르주아 사회에서 개인의 중요성이 높아짐에 따라 초상화가 비정상적으로 퍼졌습니다. 승자가 자신의 힘을 느낀 오랜 투쟁이 이 과정에 기여했다. 그 당시 다양한 조직과 주로 촬영 사회가 수행한 큰 역할은 널리 개발되어 네덜란드 회화의 특정 현상 중 하나가 된 특별한 유형의 그룹 공개 초상화에 생명을 불어 넣었습니다. 저격수들의 수많은 단체 초상화에 이어 다양한 무역상, 의료 회사(소위 "해부체"), 구빈원의 대표 그룹이 비슷한 성격을 띠고 있습니다.
외국 침략자들에 대한 저항의 강도는 민족 감정을 날카롭게했습니다. 예술에서 진실성이 요구되기 시작했을 뿐만 아니라, 자신의 민속 민족과 오늘날의 상황, 꾸미지 않은 자연의 그림, 마음이 자랑스러워하고 눈으로 보는 데 익숙한 모든 것을 묘사해야 했습니다. 배, 아름다운 소, 풍부한 음식, 꽃. 초상화와 함께 장르, 풍경, 동물의 이미지, 정물이 지배적인 주제 유형이 되었습니다. 개신교에서 거부당한 종교화는 배제되지 않았지만 주요 역할을하지 않았으며 천주교 통치 국가와 완전히 다른 성격을 얻었습니다. 신비로운 시작은 플롯에 대한 사실적인 해석으로 대체되었으며이 원의 그림은 주로 일상 회화의 형태로 옷을 입었습니다. 고대 역사의 장면은 예외로 발생하며 현재의 정치적 사건을 암시하는 데 사용됩니다. 모든 우화와 마찬가지로 문학 및 인도주의적 관심과 관련된 좁은 범위에서 성공했습니다.
이 시대 네덜란드 학교의 전형적인 특징은 특정 유형의 주제에서 대표자들 사이에서 지속적으로 관찰되는 좁은 전문화입니다. 이 전문화는 장르의 차별화로 이어집니다. 일부 예술가는 부르주아지 중상층의 삶에서 거의 독점적으로 일상적인 장면을 개발하고 다른 예술가의 모든 관심은 농민 생활; 풍경화가들 사이에서는 평야, 운하, 마을, 목초지 외에는 거의 찾을 수 없습니다. 다른 사람들은 숲 모티브에 매료되고 다른 사람들은 바다 묘사를 전문으로합니다. 네덜란드 예술가들은 묘사된 대상과 현상을 정확하게 전달하는 작업을 스스로 설정했을 뿐만 아니라 공간에 대한 인상과 이를 둘러싸고 있는 분위기와 빛의 형태에 영향을 주기 위해 노력합니다. 빛과 공기의 전달 문제는 17세기 네덜란드 학파의 일반적이고 기본적인 회화적 탐색이다. 따라서 회화는 무의식적으로 감정의 시작을 획득하여 청중에게 특정 분위기를 유발합니다.
17 세기의 1/4 분기는 방금 언급한 기능이 아직 완전히 발전하지 못한 네덜란드 회화의 과도기입니다. 주제적 측면에서 볼 때 네덜란드 회화의 주요 유형인 풍경과 일상 생활은 여전히 ​​상대적으로 거의 차별화되지 않습니다. 이 시대의 그림에서 장르와 풍경 요소는 종종 동일합니다. 다음과 같이 순수한 시각적 이미지에는 많은 규칙이 있습니다. 일반 건설풍경과 색채.
지역의 현실적 전통이 살아 숨쉬는 것과 함께 이탈리아의 영향이 강하며, 특히 매너리즘 경향과 카라바조의 사실적 예술이 모두 강하다. 가장 대표적인 대표마지막 방향은 혼토르스트(1590-1656)였습니다. 17세기 초에 작업한 독일 화가 아담 엘스하이머(1578-1610)가 네덜란드에 미친 영향도 눈에 띈다. 성경이나 성경에서 선택한 주제를 다루는 낭만주의 고대 문학, 유형, 복장 및 기타 세부 사항의 선택으로 표현되는 잘 알려진 오리엔탈리즘(동양의 매력)은 그의 작업에서 장식 효과에 대한 증가된 욕구와 결합됩니다. 어떻게 메이저 아티스트이 그룹은 Pieter Lastman(1583-1633)에 의해 촉진되었습니다.
프란스 할스. Frans Hals(c. 1580-1666)는 네덜란드 학교가 만개한 첫 번째 예술가입니다. 그의 활동은 거의 전적으로 할렘에서 이루어졌습니다. 이곳에서 이미 1616년경에 그는 진보된 주요 초상화 화가로 진급하여 생을 마감할 때까지 이 분야에서 그의 역할을 유지했습니다. Hals의 출현과 함께 엄격하게 사실적이고 예리한 개별 네덜란드 초상화가 성숙해집니다. 그의 전임자를 구별하는 소심하고 사소한 자연 주의적 인 모든 것이 극복됩니다.
Khals 예술의 초기 단계는 설명되지 않았습니다. 우리는 그룹 초상화의 가장 어려운 문제를 해결하는 마스터를 즉시 봅니다. 그는 St. Petersburg 회사의 저격수를 묘사 한 그림을 차례로 그립니다. 에이드리언과 세인트. George(Harlem, Frans Hals Museum), 붐비는 회의의 생동감과 참석한 사람들 각각의 유형의 밝기가 흉내낼 수 없을 정도로 쉽게 전달됩니다. 그룹의 회화 기술과 구성의 수완은 특징의 탁월한 선명도와 함께 이 초상화에서 함께 사용됩니다. Hals는 심리학자가 아닙니다. 그의 모델의 정신 생활은 일반적으로 그를 지나칩니다. 그렇습니다. 그는 평생 동안 강렬하고 활발한 활동을 하는 사람들의 대부분을 위해 글을 씁니다. 그러나 Hals는 다른 누구와도 달리 이 사람들의 모습을 포착하여 가장 덧없지만 동시에 표정, 자세, 제스처에서 가장 특징적인 것을 포착할 수 있습니다. 천성적으로 쾌활한 그는 소생과 기쁨의 순간에 모든 이미지를 포착하려고 노력하며 그처럼 미묘하고 다양성으로 웃음을 전달하는 사람은 없습니다. 장교의 초상(1624, 런던, 월리스 컬렉션), 의자 "게이트하우젠"(1630년대 후반, 브뤼셀, 미술관), "집시"(1620년대 후반, 루브르 박물관), 또는 소위 "할렘 마녀", - "말레 보베"(베를린)는 그의 날카롭고 종종 기발한 예술의 특징적인 예로 들 수 있습니다. 남자, 여자, 어린이는 살아있는 이미지와 같은 느낌으로 그에게 묘사됩니다 ( "장갑을 든 청년의 초상", 1650 년경, Hermitage). 생동감의 인상은 또한 Hals 기술 자체에 의해 촉진되며, 비정상적으로 자유롭고 그 폭이 수년에 걸쳐 성장합니다. 초기 작품의 장식적 광채는 이후에 완화되고, 색상은 은빛이 되며, 흑백 톤을 사용할 수 있는 자유는 대담한 회화적 대담함을 줄 수 있는 기술을 말합니다. 일부 작품에서는 색상 솔루션의 인상주의 기법이 설명됩니다. Hals는 말년까지 수많은 개인 초상화를 그렸지만, 다시 단체 초상화로 끝이 났습니다. 그림에서 손의 노쇠한 약점을 드러내는 색상으로 일반화되었지만 그럼에도 불구하고 그들은 비정상적으로 표현력이 뛰어납니다. 그들의 캐릭터는 80세의 예술가가 마지막 피난처를 찾은 사설 구빈원(1664, Harlem, Frans Hals Museum)의 장로 그룹을 나타냅니다. 그의 예술은 당시 부르주아 사회 환경에서 물질적 성공을 보장하기에는 너무 진보했습니다.
렘브란트. 할스보다 한 세대 늦은 네덜란드 리얼리즘을 배경으로 렘브란트(1606-1669)의 거대한 인물이 등장합니다. 그의 작품은 네덜란드의 가장 큰 자부심이지만 이 주인의 중요성은 한 국적에 국한되지 않습니다. 렘브란트는 모든 시간의 가장 위대한 사실주의 화가 중 한 명이자 동시에 가장 위대한 회화 대가 중 하나로 간주됩니다.
Rembrandt Harmenszoon van Rijn은 1606년 라이덴에서 부유한 제분소 주인의 아들로 태어났습니다. 그는 일찍이 그림에 대한 매력을 발견했고 라이덴 대학교에 잠시 머문 후 전적으로 예술에 전념했습니다. 보잘것없는 지역 예술가 Jacob Swannenburg와 함께 하는 보통의 3년의 연구 기간이 끝나면 Rembrandt는 개선을 위해 암스테르담으로 가서 Lastman의 학생이 되었습니다. 후자의 여러 기술을 숙달한 그는 또한 대상의 현실적인 방향의 영향을 인식했습니다.
라이덴으로 돌아온 렘브란트는 독립적인 대가로 일하기 시작하여 큰 성공을 거두었으며, 이 성공으로 인해 그는 암스테르담으로 이주하여 1631년부터 그곳에 정착했습니다. 여기에서 렘브란트는 곧 유행하는 예술가가 되었고 많은 학생들에게 둘러싸여 명령을 받았습니다. 동시에 그의 개인 생활에서 가장 밝은 시간이 열렸습니다.
1634년 그는 암스테르담의 저명한 부르주아 가문에 속한 젊고 예쁜 소녀 Saskia van Ulenborg와 결혼하여 지참금으로 큰 재산을 가져왔습니다. 그것은 성공적인 주인의 이미 성장하는 번영을 증가시키고 물질적 독립성을 제공했으며 동시에 예술 작품과 모든 종류의 골동품 수집에 대한 열정에 굴복하도록 허용했습니다.
이미 렘브란트가 라이덴에 머무는 동안, 그리고 암스테르담으로 이사한 후에는 더욱 그렇습니다. 그의 예술의 주요 특징은 확실하게 영향을 미칩니다. 그의 이미지의 원은 종교적 주제, 역사, 신화, 초상화, 장르, 동물의 세계, 풍경, 정물을 다룹니다. 렘브란트의 관심의 중심에는 여전히 인물, 심리적으로 올바른 캐릭터 전달 및 영적 움직임이 있습니다. 심리적 문제에 대한 이러한 관심은 수많은 초상화와 렘브란트가 가장 좋아하는 성서 주제에서 분명하게 나타나며, 이는 렘브란트에게 인간 관계와 등장인물을 묘사하는 데 좋은 기회를 제공합니다. 주인에게 내재된 내레이션의 놀라운 선물은 이미지의 표현력뿐만 아니라 선택한 플롯의 재미있는 프레젠테이션으로 청중을 사로잡을 수 있습니다.
렘브란트의 이미지는 예술의 과제에 대한 그의 깊고 현실적인 이해를 보여줍니다. 그는 끊임없이 자연을 연구하고 주변 현실의 모든 형태를 주의 깊게 관찰합니다. 그의 관심은 표정, 몸짓, 움직임, 의상과 같이 특성이 명확하게 표현되는 모든 것에 매료됩니다. 그는 그림이나 그림 같은 스케치로 관찰한 내용을 수정합니다. 후자는 주로 그의 초기 기간에 떨어집니다. 형식과 그 표현력에 대한 습득된 지식은 렘브란트의 모든 작곡 작업에서 없어서는 안될 부분이 되며 놀라운 진실성을 부여합니다.
현상의 본질에 대한 높은 관심과 병행하여 렘브란트는 순수한 그림 문제, 주로 chiaroscuro의 문제에 완전히 몰두했습니다. 그녀의 결정의 독창성과 기술은 그에게 명성을 가져다주었습니다. 가장 위대한 화가. 색채 효과와 결합된 렘브란트 빛의 정교함은 거장의 그림에서 높은 예술적 가치를 지닌다. 그러나 이것은 자급 자족적인 장식 가치 일뿐입니다. 조명 효과에 대한 렘브란트의 해석은 동시에 주요 수단이미지의 본질을 드러낸다. 그의 구성은 조명 평면과 그림자 평면의 비율을 기반으로 합니다. 어떤 형식은 강조하고 다른 형식은 숨기는 분포는 내러티브나 캐릭터화에서 특히 중요한 것에 대한 관객의 관심을 유도하여 표현력을 향상시킵니다. 그림 같은 면은 콘텐츠와 유기적으로 연결되어 있습니다.
렘브란트의 예술 활동은 ​​처음부터 끝까지 내적 통일성을 지니고 있습니다. 그러나 그의 창조적 인 길은 그럼에도 불구하고 몇 가지 특정 기능을 특징으로하는 명확하게 표현 된 여러 단계를 구별하는 것을 가능하게합니다.
수년간의 견습과 첫 번째 독립 단계를 거친 1630년대는 새로운 단계입니다. 이 기간 동안 렘브란트는 한편으로 낭만적인 요소와 환상이 강하고 다른 한편으로 바로크 미술의 형식적 특징이 강하다. 이 경우 환상의 인상은 주로 특정 소스에 의존하는 것이 아니라 물체 자체의 빛나는 능력에 의해 생성되는 조명 효과에 의해 주로 유발됩니다. 이 시기 렘브란트 미술의 바로크적 경향은 예술적 언어의 흥분, 구성의 역동성과 파토스, 부분적으로는 색채의 선명함을 시사한다. 이 단계에서 렘브란트는 이미지를 연극화하는 경향이 있어 주인이 자신과 사랑하는 사람들에게 멋진 망토, 투구, 터번, 베레모를 두른 그림을 그리거나 사스키아를 성서의 여주인공이나 고대 여신으로 묘사하게 합니다.
물론 그는 다른 방식으로 의뢰받은 초상화에 접근합니다. 생동감, 조각 형식의 숙달, 우아함을 추구하는 동시에 특정 엄격함으로 구별되는 특징은 초상화 화가로서의 그의 명성을 정당화합니다. "The Anatomy of Dr. Tulip"(1632, The Hague, Mauritshuis,)으로 알려진 그룹 초상화는 해부학에서 튤립이 한 강의에 공통된 관심을 갖고 묘사된 얼굴을 결합하는 능력으로 표시된 특징과 결합되었습니다. 테이블은 렘브란트의 첫 번째 특히 큰 성공이었습니다.
고려 중인 10년에 매우 풍부한 초상화 작품이 등장하면서 렘브란트는 그를 매료시킨 형상적이고 내러티브한 그림을 위한 시간도 마련했습니다. 토비아스의 가족을 떠나는 천사(1637, 루브르 박물관)는 이 시기의 두드러진 바로크 양식의 한 예입니다. 도비아스의 아들을 도운 천사가 자신이 축복한 가족을 떠나는 순간을 그린 성경에서 빌린 줄거리는 장르적 요소로 가득 차 있다. 주제에 대한 훨씬 더 확실한 장르적 접근은 에르미타주 그림 포도주 재배자의 비유(1637)에서 포착됩니다. 이 경우 복음의 비유는 부자 주인과 일꾼의 타협이라는 순전히 사실적인 장면으로 변한다. 여기에서 제스처와 표정의 충실함은 작은 창을 통해 흐르는 빛을 전달하고 높고 반 어두운 방의 깊이에서 퇴색하는 그림 문제만큼이나 렘브란트의 특징입니다.
1630년대 렘브란트의 특징인 회화적 기량과 녹색을 띤 황금빛 색조는 그의 가장 유명한 그림 중 하나인 에르미타주의 다나에(1636)에서 충분히 드러난다. 몸의 이동, 몸짓, 얼굴의 표현에서 삶의 느낌을 통해 그의 창조적 발전 시기에 마스터의 예술적 개념의 현실성을 이례적으로 명확하게 드러냅니다.
1640년대가 시작되면서 렘브란트의 작업은 다음 10년 중반까지 지속되는 새로운 국면에 접어듭니다. 예술의 과제에 대한 주인의 독립적인 이해, 삶의 깊은 진리에 대한 열망, 세월이 흐르면서 점점 더 분명해지는 심리적 문제에 대한 관심, 부르주아 문화보다 훨씬 앞서 렘브란트에서 드러난 가장 위대한 창조적 개성 그를 둘러싼 사회. 렘브란트 예술의 깊은 내용은 후자에게 접근할 수 없었습니다. 현실적이지만 더 피상적인 예술을 원했습니다. 렘브란트의 회화 기법의 독창성은 차례로 일반적으로 받아 들여지는 신중하고 세련된 글쓰기 방식과 상반됩니다. 민족적 영웅적 독립투쟁의 시대가 과거로 흘러감에 따라 지배환경의 취향이 우아함과 이미지의 이상화를 지향하는 경향이 커졌다. 물질적 독립으로 강화된 렘브란트의 견해에 대한 비타협적 태도는 그를 사회로부터 완전히 분리하도록 이끌었습니다. 부르주아 환경과의 이러한 단절은 암스테르담 저격수 길드의 대규모 그룹 초상화의 주인에게 명령과 관련하여 명확하게 반영되었습니다. 이 명령(1642, 암스테르담)의 결과로 그려진 그림은 고객들에게 만족을 주지 못했고, 미술계에서도 오해를 받았다. 다소 일반적인 초상화 그룹 대신 렘브란트는 지도자를 따라 북 소리에 달려가는 무장 분대의 공연 사진을 제공했습니다. 묘사된 인물들의 초상화적 특징은 장면의 역동성 이전에 배경으로 물러났다. chiaroscuro의 대조에 대한 광범위하게 생각되는 그림 같은 것은 이 그림에 낭만적인 캐릭터를 부여하여 조건부 이름인 "Night Watch"를 발생시켰습니다.
지배적 인 환경과의 갈등과 결과적으로 주문의 급격한 하락은 주인의 창조적 인 에너지에 영향을 미치지 않았습니다. 그것은 또한 그의 여성 이미지의 끊임없는 영감을 주었던 방금 언급한 그림이 창작된 해에 사랑하는 아내를 잃은 렘브란트의 가정 상황의 변화를 반영하지 않았습니다. 몇 년 후 다른 사람이 그 자리를 차지합니다. 처음에는 겸손한 하녀 역할로 등장한 헨드리크 스토펠스(Hendrique Stoffels)는 이후 주인의 충실한 친구가 되어 가족의 위안과 같은 평화와 고요함을 제공합니다.
다가오는 기간은 렘브란트의 예술 발전에 유리했습니다. 그의 작업에서 젊음의 열정이 사라집니다. 그것은 더 집중되고 균형이 잡히고 더 깊어집니다. 구성과 파토스의 복잡성은 단순성을 향한 경향으로 대체됩니다. 감정의 진정성은 외부 효과에 대한 탐색에 의해 침해되지 않습니다. chiaroscuro의 문제는 여전히 마스터의 관심을 끌고 있습니다. 색상이 더 따뜻해집니다. 황금색 노란색과 빨간색 톤이 지배적입니다. 주제에 있어서는 종교적이지만 줄거리에 대한 해석에 있어서는 순전히 장르인 에르미타주 그림 <성가족>(1645)은 그 당시의 매우 특징적입니다.
성서 장르의 작곡과 함께 이 시기는 렘브란트에게 새로운 종류의 현실 묘사인 풍경화로 가득 차 있습니다. 어떤 경우에는 그의 낭만적인 성향에 경의를 표하며, 이와 함께 그는 엄격한 접근 방식으로 매료되는 꾸밈 없는 네덜란드 마을의 그림을 만듭니다. 맑은 서리가 내린 날에 비추어 농민 안뜰과 얼어붙은 운하의 매끄러운 표면에 여러 인물을 묘사한 작은 “Winter View”(1646, Kassel) 감각의 미묘함과 시각적 지각의 진실성.
초상화에서 렘브란트는 이제 모델을 선택하는 데 더 자유로워졌고 대부분 뚜렷한 개성이 있는 얼굴을 그렸습니다. 이들은 주로 나이든 여성과 나이든 유대인들이다. 하지만 같은 날카로움으로 젊은 여성의 얼굴 매력이나 풋풋한 외모의 매력을 전달할 수 있다. 이 초상화의 모든 사소한 것은 일반화되었지만 동시에 이미지의 비정상적으로 선명한 표현으로 자리 잡았습니다. 이는 기술 실행 방식의 폭이 증가함에 따라 크게 촉진됩니다.
이 기간 동안 창조된 것의 광대함과 예술적 가치에도 불구하고 렘브란트의 재정 상황은 1650년대 중반에 극도로 어려운 것으로 판명되었습니다. 주문 수의 감소, 그림 판매의 어려움, 특히 그의 업무 수행에 대한 주인의 태만으로 인해 렘브란트는 큰 재정적 어려움을 겪었습니다. Saskia의 생애 동안 값비싼 집을 구입하는 것과 관련된 부채는 완전한 파멸의 위협을 받았습니다. 부채에서 벗어나려고 노력하는 것은 재앙을 지연시킬 수 있을 뿐이지만 여전히 발생했습니다. 1656년 여름, 렘브란트는 파산 선고를 받았고 그의 모든 재산은 경매에서 팔렸습니다. 평소에 살던 집도 박탈당한 그는 가족과 함께 상업 수도의 가난한 유대인 구역으로 이사해야 했고, 이곳에서 극심한 빈곤 속에서 마지막 날을 보냈습니다.
나중에 렘브란트에게 닥친 불행(헨드릭의 죽음, 그의 외아들 티투스의 죽음)과 같은 이러한 역경은 그의 천재성을 더 이상 성장시키는 것을 막을 수 없었습니다. 1650년대와 1660년대의 끝은 렘브란트의 작업에서 가장 장엄한 단계입니다. 그것은 말하자면 그의 이전의 모든 심리적, 그림적 탐구의 종합을 나타냅니다. 이미지의 탁월한 힘, 아이디어의 단순함, 뜨거운 색의 강렬함, 회화적 질감의 범위가 이 시기의 주요 특징입니다. 이러한 특성은 초상화와 성서 작품 모두에서 똑같이 분명합니다. 이 시기에 만들어진 "신디키"(1662, 암스테르담의 옷가게 장로)의 단체 초상화는 당연히 렘브란트 작품의 정점 중 하나로 간주됩니다. 날카로운 심리적 특성, 구조의 단순함, 선과 덩어리의 리듬의 무류성을 숨기는 것, 색채 수의 인색함, 그러나 강렬한 색채는 초상화가로서의 렘브란트의 이전 행로를 요약한다. 성서 회화 분야에서 같은 역할은 에르미타주에 위치한 탕자의 귀환에 속합니다. 방탕함을 회개한 아들과 모든 것을 용서하는 아버지가 화해하는 장면은 인간 경험의 전달이라는 단순함, 드라마, 미묘함 면에서 세계 미술계에서 유례를 찾아볼 수 없다. 그녀는 풍부한 어조와 글의 폭 면에서 동등한 것을 찾기가 어렵습니다.
탕자는 주인의 마지막 그림 중 하나이며 분명히 렘브란트가 사망한 해인 1669년으로 거슬러 올라갑니다. 이 죽음은 완전히 눈에 띄지 않게 지나갔고 몇 년 후인 18세기에 이 위대한 예술가의 예술에 대한 이해가 자라기 시작했습니다.
렘브란트의 중요성은 거장의 그림과 함께 그래픽 아티스트로서의 그의 거대한 유산에 기인합니다. 위에서 언급한 렘브란트 작품의 모든 속성은 회화에서보다 그래픽 작품에서 덜 두드러지지 않았으며, 더욱이 원본 그림과 인쇄된 그래픽 및 판화 분야에서 모두 두드러졌습니다. 에 마지막 존경렘브란트는 에칭의 가장 위대한 대가입니다.
그 특성화를 위해 에칭은 그림보다 덜 중요하지 않습니다. 렘브란트를 구별 짓는 심리 분석의 깊이, 이미지의 표현적 사실주의, 예술적 기법의 완성도는 거장의 그림보다 주제적으로 훨씬 더 다양한 훌륭한 시트의 긴 시리즈에 반영되었습니다. 가장 유명한 것 중에는 "병자를 치료하는 그리스도"(소위 "100 플로린의 잎", 1649년경), "세 개의 십자가"(1653), Lutma의 초상화(1656), Haring(1655), Six가 있습니다. (1647), The Three Trees (1643) 및 The Estate of the Gold Weigher (1651)로 알려진 풍경.
렘브란트의 그래픽 유산에서 똑같이 중요한 위치는 그림으로 가득 차 있습니다. 주변 세계에 대한 렘브란트의 인식의 날카로움과 독창성은 이 수많은 다양한 시트에 특별한 힘으로 반영되었습니다. 렘브란트의 회화 스타일과 마찬가지로 그리는 방식은 거장의 창조적 발전을 통해 눈에 띄게 발전합니다. 렘브란트의 초기 그림이 세부적으로 작업되고 구성이 다소 복잡했다면 더 성숙한시기에 그는 비정상적으로 간결하고 단순한 광범위한 그림 방식으로 그림을 수행했습니다. 렘브란트는 보통 거위나 갈대 펜으로 그림을 그렸고 가장 단순한 기술의 도움으로 탁월한 표현력을 얻을 수 있었습니다. 그의 그림은 비록 평범한 동기의 미세한 스케치일지라도 자연의 모든 다양성을 충분히 전달하는 완전한 전체입니다.
동시대 사람들은 렘브란트의 예술 전체를 오해했습니다. 그러나 성공의 기간 동안 그를 중심으로 매우 많은 학생 학교가 만들어졌으며, 그 중 가장 유명한 학생은 Ferdinand Bol(1616-1680), Gerbrand van den Eckgoat(1621-1674) 및 Art de Gelder(1645-1727)였습니다. ). 주제, 구성 기법 및 교사 유형을 마스터했지만 그럼에도 불구하고 그들은 렘브란트 기법을 외부에서 모방하는 것 이상으로 인물화에 더 이상 나아가지 않았습니다. 반대로 주인의 살아있는 영향은 필립스 코닌크(Philips Koninck)(1619-1688), 두머(1622-1700) 등 주변의 수많은 풍경화가들에게 확실히 영향을 미쳤습니다. 그럼에도 불구하고 빛의 문제에 대한 그의 발전은 이후의 모든 네덜란드 회화의 발전을 위한 초석이 되었습니다.
그러나 렘브란트의 작품은 19세기에 와서야 완전한 인정을 받았습니다. 그리고 그 순간부터 그는 현실적이고 동시에 그림 같은 이미지 구현의 가장 높은 예 중 하나를 중단하지 않습니다.

한편, 이것은 당시 네덜란드 사람들의 원래 삶을 반영하는 더 자세한 연구 가치가있는 유럽 문화의 특별한 영역입니다.

등장의 역사

예술의 밝은 대표자는 17 세기에 나라에 나타나기 시작했습니다. 프랑스 문화학자들은 그들에게 일반 이름- 재능의 규모와 관련이 없고 일상 생활의 특정 주제에 대한 애착을 나타내는 "작은 네덜란드어", 역사적 또는 신화적 주제에 대한 큰 캔버스가 있는 "큰" 스타일과 반대입니다. 네덜란드 회화의 출현 역사는 19 세기에 자세히 설명되었으며 이에 관한 작품의 작가들도이 용어를 사용했습니다. "작은 네덜란드 인"은 세속적 인 사실주의로 구별되었으며 주변 세계와 사람들로 향했으며 색조가 풍부한 그림을 사용했습니다.

개발 이정표

네덜란드 회화의 출현 역사는 여러 시대로 나눌 수 있습니다. 첫 번째는 대략 1620년에서 1630년까지 지속되었습니다. 국가 예술리얼리즘이 자리 잡았습니다. 네덜란드 회화의 두 번째 시기는 1640년에서 1660년 사이입니다. 지역예대 본격 전성기가 몰락하는 시기다. 마지막으로 1670년부터 18세기 초까지 네덜란드 회화가 쇠퇴하기 시작한 세 번째 시기.

주목할 가치가 있습니다. 문화 센터이 기간 동안 변경되었습니다. 첫 번째 기간에는 주요 예술가들이 Haarlem에서 작업했으며 Halsa가 주요 대표자였습니다. 그런 다음 센터는 암스테르담으로 옮겨 렘브란트와 베르메르의 가장 중요한 작품을 공연했습니다.

일상의 장면들

네덜란드 회화의 가장 중요한 장르를 나열할 때는 역사상 가장 인상적이고 독창적인 일상 생활부터 시작해야 합니다. 일상의 풍경을 세계에 공개한 것은 플레밍스였다. 보통 사람들, 농민과 마을 사람들 또는 burghers. 개척자는 Ostade와 그의 추종자 Oudenrogge, Bega 및 Dusart였습니다. Ostade의 초기 그림에서 사람들은 카드 놀이를 하고 말다툼을 하고 심지어 선술집에서 싸웁니다. 각 그림은 역동적이고 다소 잔인한 성격으로 구별됩니다. 그 당시의 네덜란드 그림은 또한 평화로운 장면에 대해 알려줍니다. 일부 작품에서는 농부가 파이프와 맥주 한 잔으로 이야기하고 박람회에서 또는 가족과 함께 시간을 보냅니다. 렘브란트의 영향으로 부드러운 황금색 키아로스쿠로가 널리 사용되었습니다. 도시의 장면은 Hals, Leyster, Molenaer 및 Codde와 같은 예술가들에게 영감을 주었습니다. 17세기 중반에 대가들은 의사, 작업 중인 과학자, 자신의 작업장, 가사일 또는 모든 플롯이 재미있고 때로는 기괴할 정도로 교훈적이어야 한다고 묘사했습니다. 일부 마스터는 일상 생활을 시적으로 표현하는 경향이 있습니다. 예를 들어 Terborch는 음악을 연주하거나 유혹하는 장면을 묘사했습니다. Metsu는 밝은 색상을 사용하여 일상 생활을 휴가로 바꾸고 de Hooch는 확산된 일광으로 가득한 가족 생활의 단순함에서 영감을 받았습니다. 네덜란드의 거장 Van der Werf와 Van der Neer와 같은 이 장르의 후기 대표자들은 종종 우아한 묘사를 추구하기 위해 다소 가식적인 주제를 만들었습니다.

자연과 풍경

또한 네덜란드 회화는 풍경 장르에서 널리 대표됩니다. 그것은 van Goyen, de Moleyn 및 van Ruisdael과 같은 Haarlem의 거장들의 작업에서 처음 시작되었습니다. 시골의 모퉁이를 은빛 빛으로 묘사하기 시작한 것은 바로 그들이었습니다. 자연의 물질적 통일성은 작품에서 두드러졌다. 이와 별도로 바다 경치를 언급할 가치가 있습니다. 17세기의 해양 화가로는 Porcellis, de Vlieger 및 van de Capelle이 있습니다. 그들은 물 자체, 물 위에서 그리고 하늘에서 빛의 놀이를 묘사하려고 노력하면서 특정 바다 장면을 전달하려고 많이 노력하지 않았습니다.

17세기 후반에는 더 감성적인 작품이 장르에 등장했습니다. 철학적 아이디어. Jan van Ruisdael은 네덜란드 풍경의 아름다움을 극대화하여 모든 드라마, 역동성 및 기념비로 묘사했습니다. 햇볕이 잘 드는 풍경을 선호했던 Hobbem은 그의 전통의 계승자가 되었습니다. Koninck는 파노라마를 묘사했으며 van der Neer는 야간 풍경과 전송의 생성에 종사했습니다. 월광, 일출과 일몰. 많은 예술가들은 예를 들어 풀을 뜯는 소와 말, 사냥과 기병과의 장면과 같은 풍경의 동물 묘사가 특징입니다. 나중에 예술가들은 외국 자연에 참여하기 시작했습니다. Bot, van Laer, Venix, Berchem 및 Hackert는 이탈리아가 남쪽 태양 광선에 목욕하는 모습을 묘사했습니다. 장르의 개척자는 Berkheide와 Jan van der Heyden 형제를 가장 추종하는 Sanredam이었습니다.

인테리어 이미지

교회와 궁궐, 방이 있는 장면은 전성기에 네덜란드 회화를 구별짓는 별개의 장르라고 할 수 있다. 인테리어는 방향의 주요 대표자가 된 Delft-Haukgest, van der Vliet 및 de Witte의 주인에 의해 17 세기 후반의 그림에 나타났습니다. 작가들은 베르메르의 기법을 사용하여 햇살이 가득한 장면을 감정과 볼륨으로 가득 채웠습니다.

그림 같은 접시와 기구

마지막으로 네덜란드 회화의 또 다른 특징적인 장르는 정물, 특히 아침 식사의 이미지입니다. 처음으로 할렘의 Klas와 Kheda는 고급스러운 그릇으로 테이블을 그렸습니다. 그림 같은 엉망진창과 아늑한 인테리어의 특별한 표현은 은과 백랍 식기의 특징인 은회색 빛으로 채워집니다. 위트레흐트 예술가들은 무성한 꽃 정물화를 그렸고 헤이그에서는 마스터들이 특히 물고기와 해양 파충류를 묘사하는 데 성공했습니다. Leiden에서 두개골과 모래 시계가 감각적 인 쾌락 또는 세속적 영광의 상징에 인접하여 시간의 무상함을 상기시키도록 설계된 장르의 철학적 방향이 나타났습니다. 민주적인 주방 정물화는 로테르담 미술 학교의 특징이 되었습니다.

17세기에 네덜란드는 모범적인 자본주의 국가가 되었습니다. 그녀는 광범위한 식민지 무역을 수행했으며 강력한 함대를 보유했으며 조선은 주요 산업 중 하나였습니다.

17세기 네덜란드 회화의 역사. 네덜란드에서 가장 큰 초상화 화가 중 한 사람의 작품의 진화를 완벽하게 보여줍니다. 프란스 할스(약 1580-1666). 10-30년대에 Hals는 단체 초상화 장르에서 많은 작업을 했습니다. 이것은 기본적으로 소총 길드의 묘사입니다 - 도시의 방어와 보호를 위한 장교의 기업. 버거들은 캔버스에 불후의 존재가 되기를 원했고, 그들은 묘사될 권리를 위해 어느 정도 기여했으며, 예술가는 각 모델에 대해 동등한 관심을 기억해야 했습니다. 그러나 이 할스의 작품에서 우리를 사로잡는 것은 초상화의 닮음이 아니다. 그들은 젊은 공화국의 이상, 자유, 평등 및 동지애를 표현합니다. 이 시대의 캔버스에서 명랑하고 활력이 넘치며 진취적인 사람들은 자신의 능력과 미래에 자신감을 가지고 있습니다 ( "St. Adrian 's Shooting Guild", 1627 and 1633; "St. George 's Shooting Guild", 1627). Khale는 일반적으로 동지적인 잔치, 즐거운 잔치에서 그들을 묘사합니다. 가로로 길게 뻗은 구도의 큰 사이즈, 넓고 자신 있는 글씨체, 강렬하고 채도가 높은 색채(노랑, 빨강, 파랑 등)는 기념비적인 이미지를 만든다. 작가는 한 시대 전체의 역사가로 활동한다.m

네덜란드 학교에서 풍경화의 전성기는 17세기 중반으로 거슬러 올라갑니다. 사실적 풍경의 가장 위대한 대가는 무한한 상상력의 예술가 Jacob van Ruysdael(1628/29-1682)이었습니다. 그의 작품은 숲이 우거진 덤불("숲의 늪"), 폭포가 있는 풍경("폭포"), 묘지가 있는 낭만적인 풍경("유대인 묘지")을 묘사하는 것과 같이 일반적으로 깊은 드라마로 가득 차 있습니다. Ruisdael의 자연은 역학, 영원한 갱신으로 나타납니다. 자연의 가장 단순한 모티프조차도 작가의 붓 아래에서 기념비적 인 성격을 얻습니다. Ruisdael은 세심한 글과 큰 활력, 합성 이미지를 결합하는 경향이 있습니다.

Jan Porcellis(1584-1632년경)만이 바다 경치(마리나)에 종사했습니다. 사실적이고 순수한 네덜란드 풍경 옆에 그 당시 또 다른 방향이 존재했습니다. 신화적인 인물, 사람 및 동물의 인물에 의해 움직이는 이탈리아 자연의 풍경입니다.

네덜란드 정물화는 네덜란드 미술에서 가장 중요한 주제인 사생활이라는 주제의 예술적 표현 중 하나입니다. 평범한 사람. 이 테마는 장르 그림에 완전히 구현되어 있습니다. XVII 세기의 20-30 년대. 네덜란드인은 특별한 유형의 작고 작은 그림을 만들었습니다. 40-60년대 - 회화의 전성기, 네덜란드의 고요한 시민 생활, 측정된 일상 생활을 찬미함.

40~50대는 창의적 성숙의 시기입니다. 겉모습만 변한 것이 아니라 렘브란트,우선 그는 자신을 변화시켰다. 이것은 많은 것이 과거의 일이되고 다른 귀중한 자질을 얻을 수있는 그의 창조적 인 시스템이 형성되는 시간입니다. 이 기간 동안 그는 종종 오래된 작품을 새로운 방식으로 리메이크합니다. 예를 들어 그가 1636년에 쓴 Danae의 경우가 그러했습니다. 그럼에도 불구하고 이 이미지에서 중요한 것은 이 이미지에 표현되었습니다. 복잡한 정서적 경험, 단일 영적 충동의 표현에 일반적입니다. 고전적이고 아름답지만 추상적인 아름다움의 이상은 삶의 진실, 물리적 창고의 밝은 개성의 표현으로 대체되었습니다. 이 추악한 몸은 매우 사실적으로 전달되었습니다. 그러나 렘브란트는 외적인 진리에 만족하지 않았습니다. 작가는 40년대 사진으로 돌아가 감정 상태를 강화했다. 그는 히로인과 메이드로 중앙 부분을 다시 썼다.

후기 렘브란트의 초상화는 30~40년대의 초상화와 매우 다릅니다. 내부 구조에서 예술가와 가까운 사람들의 매우 단순한(절반 또는 세대) 이미지는 항상 불안정하고 파악하기 어려운 영적 움직임을 전달하는 주인의 능력에 충격을 주는 다면적인 인간 성격의 비유적인 표현입니다.

Rembrandt는 초상화 전기를 만드는 방법을 알고 있었습니다. 얼굴과 손만을 강조하여 인생의 모든 역사를 표현했습니다.

17세기 프랑스 미술

15세기 프랑스 미술 프랑스 르네상스의 전통을 기반으로 합니다. 푸케와 클루에의 회화와 소묘, 구종과 필롱의 조각품, 프랑수아 1세 시대의 성, 퐁텐블로 궁전과 루브르 박물관, 론자르의 시와 라블레의 산문, 몽테뉴의 철학적 실험 등 이것은 형식, 엄격한 논리, 합리주의, 발전된 은혜의 감각에 대한 고전적 이해의 흔적을 지니고 있습니다. 15세기에 완전히 구현될 예정입니다. 데카르트의 철학, 코르네유와 라신의 극작, 푸생과 로랭의 그림에서.

미술 분야에서 고전주의의 형성 과정은 그렇게 통일되지 않았습니다.

건축에서 새 스타일의 첫 번째 기능은 완전히 추가되지는 않지만 개략적으로 설명되어 있습니다. Salomon de Bros가 Henry IV의 미망인인 Maria Medici를 위해 지은 룩셈부르크 궁전에서 고딕 양식과 르네상스 양식에서 많은 것을 가져왔지만 외관은 이미 고전주의의 전형이 될 질서와 연결되어 있습니다. François Mansart의 Maisons-Lafitte는 볼륨의 복잡성이 모두 포함된 단일 전체이며 고전주의적 규범에 끌리는 명확한 구성입니다.

회화에서는 매너리즘, 플랑드르, 이탈리아 바로크의 영향이 여기에 얽혀 있기 때문에 상황이 더 복잡했습니다. 에 프랑스 회화세기 전반부, caravagism과 사실적인 예술네덜란드. 어쨌든 이러한 영향은 Le Nain 형제의 작업에서 분명히 볼 수 있습니다. Louis Lenain의 그림에는 내러티브, 설명이 없으며 구성은 엄격하게 고려되고 정적이고 세부 사항은 신중하게 확인되고 선택되어 무엇보다도 작업의 윤리적, 도덕적 기반이 드러납니다. Lenain의 그림에서 가장 중요한 것은 풍경입니다.

에 최근점차 미술사 문헌에서 루이 르네인이 속한 방향의 이름을 '현실 세계의 회화'라는 용어로 정의하고 있다. 예술가 조르주 드 라투르(Georges de Latour)의 작업도 같은 방향에 속한다. 장르를 주제로 한 첫 작품에서 라투르는 카라바조와 가까운 예술가로 등장한다. 이미 Latour의 초기 작품에서 가장 중요한 자질 중 하나가 나타납니다. 그의 이미지의 무궁무진한 다양성, 색상의 화려함, 장르 회화에서 기념비적인 중요한 이미지를 만드는 능력입니다.

30~40대 후반 - 라투르의 창조적 성숙기. 이 기간 동안 그는 장르 주제로 전환하지 않고 주로 종교 그림을 그립니다. Latour의 예술적 언어는 고전주의 스타일의 선구자입니다: 엄격함, 건설적 명확성, 구성의 명확성, 일반화된 형태의 플라스틱 균형, 실루엣의 완벽한 무결성, 정적. 예를 들어 그의 후기 작품 중 하나인 "St. Sebastian and the Holy Wives"가 전경에 이상적으로 아름다운 Sebastian의 모습이 있으며, 순교의 상징으로 그의 몸은 단 하나의 찔린 화살만을 묘사하고 있습니다. .

고전주의는 프랑스 국가와 프랑스 국가의 사회적 고양의 정점에서 발생했습니다. 고전주의 이론의 기초는 합리주의였으며 데카르트의 철학적 체계를 기반으로 고전 예술의 주제는 아름답고 숭고한 것으로 선언되었으며 고대는 윤리적이고 미학적인 이상으로 봉사했습니다. 15세기 프랑스 회화의 고전주의 경향의 창시자. 니콜라 푸생이었다. Poussin의 캔버스 테마는 신화, 역사, 신약 및 구약 등 다양합니다. 푸생의 영웅들은 강인한 성격과 위엄 있는 행동, 사회와 국가에 대한 높은 의무감의 사람들입니다. 예술의 공공 목적은 푸생에게 매우 중요했습니다. 이러한 모든 기능은 신흥 고전주의 프로그램에 포함되어 있습니다. 의미심장한 사고와 맑은 정신의 기술은 또한 특정 언어를 발전시킵니다. 측량과 질서, 구도의 균형은 고전주의 회화 작업의 기초가 된다. 매끄럽고 명확한 선형 리듬, 조각상 플라스틱은 아이디어와 캐릭터의 심각성과 장엄함을 완벽하게 전달합니다. 컬러링은 강하고 깊은 톤의 조화를 기반으로 합니다. 바로크 시대처럼 회화적 공간을 초월하지 않는 조화로운 세계 그 자체다.

독창성 푸생은 프랑스의 사회적, 예술적 삶의 부상과 활발한 사회 투쟁으로 특징 지어진 세기 전반기에 속합니다. 따라서 그의 예술의 일반적인 진보적 방향, 그 내용의 풍부함. 17세기의 마지막 수십 년 동안, 절대주의적 억압과 사회 사상의 진보적 현상의 억압이 가장 강화된 시기, 왕립 아카데미에 뭉친 예술가들에게 집중화가 확산되고 그들의 예술에 봉사해야 했던 다른 상황이 전개되었습니다. 왕실의 영광. 이러한 조건에서 그들의 예술은 깊은 사회적 내용을 상실하고 고전적 방법의 약하고 제한된 기능이 전면에 나타났습니다.

17세기 플랑드르 미술.

플랑드르 예술은 무엇보다도 먼저 루벤스이고 다시 한 번 루벤스입니다. 동시에 플랑드르에는 다른 뛰어난 예술가들이 있었지만 그들은 모두 루벤스의 태양 주위를 도는 행성과 같은 "루벤스의 원", "루벤스 학파"로 생각됩니다.

17세기는 플랑드르에 국립 회화 학교가 설립된 시기였습니다. 이탈리아에서와 마찬가지로 바로크 양식이 공식적으로 지배적인 경향이 되었습니다. 그러나 플랑드르 바로크는 여러 면에서 이탈리아와 크게 다릅니다. 바로크 양식은 삶의 부글부글 끓는 감각과 세계의 다채로운 풍요로움, 인간과 자연의 성장의 근원적 힘의 감각으로 가득 차 있습니다. 바로크의 틀 내에서 이탈리아보다 훨씬 더 사실적인 특징이 개발되고 있습니다.

사실주의, 민족주의, 밝은 쾌활함, 엄숙한 축제 등 플랑드르 예술 문화의 기초는 회화에서 가장 잘 표현되었습니다. 플랑드르 화가들은 세계의 시적인 관능적 아름다움과 건강하고 지칠 줄 모르는 에너지로 가득 찬 사람의 이미지를 캔버스에 포착했습니다.

가족 성을 장식하는 작업, 귀족의 궁전, 가톨릭 교회는 색상 효과를 기반으로 한 강력한 장식주의의 그림에 널리 사용되는 데 기여했습니다.

플랑드르 회화 학교의 수장은 Peter Paul Rubens(1577-1640)였습니다. 종합적으로 재능이 있고 훌륭하게 교육받은 Rubens는 엄청난 창조적 범위와 폭풍 같은 기질을 가진 예술가였습니다. 타고난 기념비적인 화가, 여러 언어를 구사하는 재능 있는 외교관, 인문주의 과학자인 그는 만토바, 마드리드, 파리, 런던의 왕실과 왕실에서 높은 평가를 받았습니다. 생동감 넘치는 상상력의 예술가인 루벤스는 엄청난 한심한 작곡의 창시자였습니다. 형태의 역동성, 조형적 상상력의 힘, 장식적 원리의 승리는 그의 작업의 기초를 형성한다. 그러나 Rubens의 예술은 기본적으로 현실적입니다. 삶에 대한 인식의 신선함과 묘사된 모든 것에 진실의 신뢰성을 주고자 하는 열망은 그의 작품의 본질이다.

플랑드르 정물. 17세기에 정물은 독립 장르로 자리 잡았다. 이는 15세기 초 네덜란드 미술의 '사물화'에서 비롯된 물질세계에 대한 관심, 즉 사생활 숭배를 반영한다. 플랑드르의 "생물 상점"은 시끄러운 쾌활함과 축제 장식 효과로 놀라움을 금치 못합니다. 크기가 크고 색상이 밝은 캔버스는 플랑드르 귀족의 넓은 궁전 벽을 장식하여 지상 존재의 아름다움, 농촌 생활의 풍요 로움, 대지, 바다, 강의 과일을 찬미합니다.

Anthony (Anton, Anthony) 반 다이크 플랑드르 사람화가이자 그래픽 아티스트, 법원 초상화 및 스타일의 종교 장면 마스터 바로크.

Van Dyck은 일찍이 종교적이고 신화적인 주제에 대한 초상화와 회화의 대가임을 입증했습니다. 에서 1618 ~에 1620 그는 작업장에서 일했다 루벤스. 그는 종종 여러 버전으로 종교적인 주제에 대한 작품을 만듭니다. 가시로 왕관을 씌우다» « 유다의 키스» "십자가를 지고" "St. 마틴과 거지", "성 베드로의 순교" 세바스찬"

제이콥 요르단스( 네덜란드제이콥 요르단스) ( 1593년 5월 19일, 앤트워프 - 1678년 10월 18일, 앤트워프) - 플랑드르 사람화가. 1607년부터 그는 아담 반 노르트. 1616년 그는 딸과 결혼했다. 평생을 살았다. 네덜란드 남부, 1641년에만 그는 짧은 기간 동안 영국. 그의 그림은 앤트워프의 모든 교회에서 찾을 수 있습니다. 그의 호소 후에도 칼빈주의 1645년에 가톨릭 교회는 계속해서 그에게 작품을 의뢰했습니다. Jordanes는 특히 사후에 고려됩니다. 루벤스, 그에게 큰 영향을 미친 플랑드르의 저명한 대표자 중 한 명 바로크.

19세기 프랑스 회화

20대 19 세기 프랑스에서는 낭만주의 예술이 형성되는 시기였습니다. 젊은 예술가들은 교사들에게 진정한 전쟁을 선포했습니다. 역사가들은 그들의 공연을 "낭만적인 전투"라고 불렀고 화가 Eugene Ferdinand Victor Delacroix가 영웅이 되었습니다. 들라크루아 - 프랑스어 화가그리고 일정, 지도자 로맨틱유럽 ​​회화의 경향. 낭만주의 예술가들, 미술이전 시대에는 광기, 초자연적 현상, 폭력 또는 이국적(즉, "정상" 이상)과 관련된 비정상적인 음모로 기꺼이 바뀌었습니다. 프랑스의 들라크루아가 이 방향의 리더였습니다. Eugene Delacroix는 파리 근교의 Charenton-Saint-Maurice라는 마을에서 태어났습니다. 미래의 예술가는 일찍 고아가되었습니다. 1815년 그는 최근에 테오도르 제리코에게 사사한 피에르 나르시스 게랭(Pierre Narcisse Guerin, 1774-1833)의 화실에 견습생으로 들어갔다. 들라크루아의 동시대인들은 1821-1829년에 그리스에서 일어난 해방 혁명의 과정을 밀접하게 따랐습니다. (15세기부터 그리스는 터키의 지배하에 있었다). 들라크루아는 아마도 그리스 서사시에서 가장 비극적인 페이지를 선택했을 것입니다. 1821년 9월, 터키의 처벌자들은 소아시아 연안의 에게 해에 있는 그리스 섬 키오스의 민간인을 파괴했습니다. 4만 명 이상의 그리스인이 죽임을 당했고 약 2만 명이 노예가 되었습니다. 이 사건에 대한 예술가의 반응은 "키오스의 학살"(1824) 그림이었습니다. 전경에는 다채로운 누더기를 입은 운명의 키오스 인물이 있습니다. 배경은 무장한 터키인의 어두운 실루엣입니다. 대부분의 포로들은 자신의 운명에 무관심하고 아이들만이 부모에게 자신을 보호해 달라고 애원하지만 들라크루아는 근대성에 대한 관심을 느껴 1830년 "민중을 이끄는 자유의 여신상(1830년 7월 28일)"이라는 그림을 그렸습니다. 들라크루아는 1832년에 알제리와 모로코에 외교 사절단을 동반하여 단순한 시가전 에피소드에 시대를 초월한 장엄한 사운드를 선사했습니다. 파리로 돌아온 직후 화가는 "방에 있는 알제리 여성들"(1833) 그림 작업에 착수했습니다. 20대 후반부터. 19 세기 화가는 중세 시대에 헌정된 수많은 전투 그림을 그렸습니다. 프랑스 역사. 낭시 전투(Battle of Nancy)(1828-1834)에서 군대(여러 가지 빛깔의 얼굴과 깃발을 가진 회색 집결 군중)는 흐릿한 노을이 지는 하늘 아래 눈 덮인 평원을 서투르게 이동합니다. 외젠 들라크루아는 19세기 전반 프랑스에서 가장 독립적인 화가입니다.

JACQUES LOUIS DAVID(1748-1825) 19세기 초. 프랑스 예술가들 사이에서 일반적으로 인정받는 지도자는 회화에서 가장 일관된 신고전주의의 대표자이자 격동의 시대에 대한 민감한 연대기 작가인 자크 루이 다비드(Jacques Louis David)였습니다.다비드는 파리의 부유한 부르주아 가정에서 태어났습니다. 1766년 그는 왕립 회화 및 조각 아카데미에 입학했습니다. 그 당시 프랑스 문화의 특징은 고대에 대한 일반적인 매력이었습니다. 1781년 다비드는 왕립 아카데미의 회원으로 받아들여졌고 루브르 살롱이라는 전시회에 참가할 수 있는 권리를 받았습니다. 이미 1776년에 "미덕과 애국심을 되살리기 위해 고안된" 대형 그림의 제작을 장려하는 정부 프로그램이 개발되었습니다. David는 Horatii의 귀족 가문에서 온 세 형제의 위업인 초기 로마 역사의 음모를 제안받았고 "The Oath of the Horatii"(1784) 그림을 작업하기 위해 로마로 갔다. 캔버스가 완성되고 예술가가 그것을 대중에게 전시했을 때 전체 구성은 세 개의 아치, 세 개의 캐릭터 그룹, 세 개의 검, 세 개의 손, 팔 준비가 된 숫자 3을 기반으로 합니다. 1795-1799년. David는 제자들과 함께 "로마인과 사비인의 전투를 막는 사비인"이라는 그림을 그렸습니다. 그에 따르면 그는 "그리스인과 로마인이 내 작품을 볼 기회가 있다면 나를 그들의 관습에서 외계인으로 여기지 않을 정도로 정확하게 고대 풍습을 묘사하고 싶었습니다." 1799년, 나폴레옹 보나파르트가 또 다른 쿠데타의 결과로 집권했습니다. 다윗은 이전의 많은 혁명가들처럼 이 사건을 기쁘게 환영했습니다. (1807) David는 또 다른 신화를 만들었습니다. 제단의 광채와 궁정의 옷의 훌륭함은 시청자에게 비참한 가구와 Marat의 오래된 시트보다 더 나쁘지 않은 영향을 미칩니다. 루이 16세의 사형 선고를 위한 협약은 강제로 프랑스를 떠나게 되었다. 예술가는 브뤼셀 (당시 네덜란드 왕국에 속함)으로 가서 죽을 때까지 살았습니다. 그는 계속해서 일했습니다. 부지런하지만 이미 열정이 없는 그는 그와 같은 망명자들의 초상화를 그리고 고대 주제에 대해 작업했습니다.


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