간략하게 낭만주의 미술. 학교 백과사전. 미술의 낭만주의

낭만주의 -(중세 프랑스 낭만주의 소설의 프랑스 낭만주의)는 18~19세기 초 일반 문학 운동의 틀 안에서 형성된 예술의 방향입니다. 독일에서. 그것은 유럽과 미국의 모든 국가에서 널리 퍼졌습니다. 낭만주의의 최고봉은 19세기 1분기에 일어났다.

프랑스어 단어 낭만주의(Romantisme)는 스페인 로망스로 거슬러 올라갑니다(중세에는 이것이 스페인 로망스의 이름이었습니다. 로맨스), 18세기로 변한 영국 낭만주의. 낭만주의에서는 "이상한", "환상적인", "그림 같은"을 의미합니다. 안에 초기 XIX다섯. 낭만주의는 고전주의와 반대되는 새로운 방향의 지정이 된다.

이 운동은 "고전주의"- "낭만주의"의 대조에 들어서면서 규칙으로부터의 낭만적인 자유에 대한 고전주의적 규칙 요구에 대한 반대를 제안했습니다. 낭만주의 예술 체계의 중심은 개인이다. 주요 갈등- 개인과 사회. 낭만주의 발전의 결정적인 전제 조건은 프랑스 대혁명의 사건이었습니다. 낭만주의의 출현은 문명에 대한 실망, 사회적, 산업적, 정치적, 과학적 진보에 대한 반 계몽 운동과 관련이 있으며 그 결과 새로운 대조와 모순, 개인의 평준화 및 영적 파괴가 발생했습니다. .

계몽주의는 새로운 사회를 가장 '자연스럽고' '합리적'이라고 설교했습니다. 최고의 마음유럽은 이러한 미래 사회를 정당화하고 예표했지만, 현실은 '이성'의 통제를 벗어나는 것으로 드러났고, 미래는 예측할 수 없고 비합리적이 되었으며, 현대 사회 질서는 인간의 본성과 개인의 자유를 위협하기 시작했습니다. 이 사회에 대한 거부, 영성 부족 및 이기심에 대한 항의는 이미 감상주의와 낭만주의 이전에 반영되어 있습니다. 낭만주의는 이러한 거부를 가장 극명하게 표현합니다. 낭만주의는 또한 언어적 용어로 계몽주의 시대에 반대했습니다. 자연스럽고 "단순"하며 모든 독자가 접근할 수 있도록 노력하는 낭만적인 작품의 언어는 예를 들어 고귀하고 "숭고한" 주제와 특징을 지닌 고전과는 반대되는 것이었습니다. , 고전 비극의.

후기 서유럽 낭만주의자들 사이에서 사회에 대한 비관주의는 우주적 규모를 획득했으며 '세기의 질병'이 되었습니다. 많은 낭만주의 작품의 주인공들은 보편적인 인간성을 획득하는 절망과 절망의 분위기가 특징입니다. 완벽함은 영원히 상실되고, 세상은 악의 지배를 받으며, 고대의 혼돈이 부활합니다. 모든 낭만주의 문학의 특징인 "끔찍한 세상"이라는 주제는 소위 "흑인 장르"에서 가장 명확하게 구현되었습니다(낭만주의 이전의 "고딕 소설" - A. Radcliffe, C. Maturin, " 록 드라마”또는 “록의 비극”(Z. Werner, G. Kleist, F. Grillparzer) 및 Byron, C. Brentano, E. T. A. Hoffmann, E. Poe 및 N. Hawthorne의 작품에도 등장합니다.

동시에 낭만주의는 " 무서운 세상", - 우선 자유에 대한 생각입니다. 낭만주의에 대한 실망은 현실에 대한 실망이지만 진보와 문명은 그것의 한 면일뿐입니다. 이쪽을 거부하고 문명의 가능성에 대한 믿음이 부족하면 또 다른 길을 제공합니다. 이상, 영원, 절대에 이르는 길은 모든 모순을 해결하고 삶을 완전히 바꿔야 하는 길이며, “목표를 향한 길은 반대편에서 찾아야 합니다. 눈에 보이는 것”(A. De Vigny) 일부 낭만주의자에게 세상은 운명을 바꾸려고 노력하지 않기 위해 순종하고 순종해야 하는 이해할 수 없고 신비한 힘에 의해 지배됩니다. (Chateaubriand, V.A. Zhukovsky) 다른 사람들에게는 "세계의 악"이 발생했습니다. 항의, 복수, 투쟁을 요구했습니다 (초기 A.S. 푸쉬킨은 모두 인간의 단일 본질을 보았다는 공통점이 있습니다). 그의 임무는 일상 생활을 부정하지 않고 전혀 제한되지 않습니다. 인간 존재의 신비를 풀고 자연으로 향하며 그들의 종교적, 시적 감정을 신뢰합니다.

낭만적인 영웅은 내면 세계가 비정상적으로 깊고 끝이 없는 복잡하고 열정적인 성격입니다. 그것은 모순으로 가득 찬 우주 전체입니다. 낭만주의자들은 서로 반대되는 높고 낮은 모든 열정에 관심이 있었습니다. 높은 열정은 모든 표현에서 사랑이고, 낮은 열정은 탐욕, 야망, 시기심입니다. 낭만주의자들은 정신의 삶, 특히 종교, 예술, 철학을 기본적인 물질적 실천과 대조했습니다. 강렬하고 생생한 감정, 모든 것을 소모하는 열정, 영혼의 비밀스러운 움직임에 대한 관심 - 특징낭만주의.

우리는 로맨스에 대해 특별한 유형의 성격, 즉 강한 열정과 높은 열망을 갖고 일상 세계와 양립할 수 없는 사람으로 이야기할 수 있습니다. 이러한 성격에는 예외적인 상황이 동반됩니다. 공상과학소설은 낭만주의자들에게 매력적이다 민속음악, 시, 전설 - 한 세기 반 동안 사소한 장르로 간주되었던 모든 것 주목할 가치가 있는. 낭만주의는 자유의 긍정, 개인의 주권, 개인에 대한 관심 증가, 인간의 독특함, 개인 숭배가 특징입니다. 개인의 자존감에 대한 자신감은 역사의 운명에 대한 항의로 변합니다. 종종 영웅 낭만적인 일현실을 창의적으로 인식할 수 있는 예술가가 됩니다. 고전주의적 '자연의 모방'은 현실을 변화시키는 예술가의 창조적 에너지와 대조된다. 경험적으로 인식된 현실보다 더 아름답고 실제적인 그 자체의 특별한 세계가 창조됩니다. 존재의 의미는 창조성이며 우주의 가장 높은 가치를 나타냅니다. 낭만주의자들은 예술가의 천재성이 규칙을 따르지 않고 규칙을 창조한다고 믿으며 예술가의 창조적 자유와 상상력을 열정적으로 옹호했습니다.

낭만주의자들은 다양하게 변했다 역사적 시대, 그들은 이국적이고 신비한 나라와 상황에 매료되어 독창성에 매료되었습니다. 역사에 대한 관심은 낭만주의 예술 체계의 지속적인 성과 중 하나가 되었습니다. 그는 장르 창조에 자신을 표현했습니다 역사 소설, 창립자는 W. Scott으로 간주되며 일반적으로 고려중인 시대에서 선두 자리를 차지한 소설입니다. 낭만주의자들은 특정 시대의 역사적 세부 사항, 배경, 풍미를 자세하고 정확하게 재현하지만, 낭만적인 인물들은 일반적으로 상황을 초월하며 상황에 의존하지 않습니다. 동시에 낭만주의자들은 소설을 역사를 이해하는 수단으로 인식했고, 역사를 통해 심리학의 비밀과 그에 따른 현대성의 비밀을 파헤치기 시작했습니다. 역사에 대한 관심은 프랑스 역사가들의 작품에도 반영되었습니다. 로맨틱 스쿨(O. Thierry, F. Guizot, F. O. Meunier).

중세 문화의 발견이 일어난 것은 낭만주의 시대였으며, 이전 시대의 특징이었던 고대에 대한 존경심도 18세기 말~초에도 약화되지 않았다. XIX 세기 다양한 국가적, 역사적, 개인의 특성그것은 또한 철학적 의미를 가졌습니다. 단일 세계 전체의 부는 이러한 개별적인 특징의 조합으로 구성되며, 각 민족의 역사를 개별적으로 연구하면 Burke가 말했듯이 다음 세대를 통해 중단없는 삶을 추적하는 것이 가능해집니다. 차례로.

낭만주의 시대는 문학의 번영으로 특징지어졌으며, 그 특징 중 하나는 사회와 사회에 대한 열정이었습니다. 정치적 문제. 무슨 일이 일어나고 있는지 인간의 역할을 이해하려고 노력합니다. 역사적 사건, 낭만주의 작가들은 정확성, 특이성 및 진정성에 끌렸습니다. 동시에 그들의 작품 활동은 유럽인에게는 특이한 환경, 예를 들어 동부와 미국, 러시아인의 경우 코카서스 또는 크리미아에서 발생하는 경우가 많습니다. 따라서 낭만주의 시인은 주로 작사가이자 자연의 시인이므로 그들의 작품에서 (많은 산문 작가뿐만 아니라) 풍경이 중요한 위치를 차지합니다. 우선 영웅이 사용하는 바다, 산, 하늘, 폭풍우가 치는 요소입니다. 복잡한 관계가 연관되어 있습니다. 자연은 열정적인 성격과 비슷할 수 있습니다. 낭만적인 영웅, 그러나 그를 저항할 수도 있으며, 그가 싸워야 하는 적대적인 세력으로 판명됩니다.

특별하고 밝은 그림먼 나라와 민족의 자연, 삶, 생활 방식 및 관습도 낭만주의자들에게 영감을 주었습니다. 그들은 민족정신의 근본적인 근간을 구성하는 특성을 찾고 있었습니다. 국가 정체성은 주로 구전 민속 예술에서 나타난다. 따라서 민속에 대한 관심, 민속 작품 가공, 민속 예술을 기반으로 한 자신의 작품 창작.

역사소설, 환상소설, 서정시, 발라드 등의 장르를 발전시키는 것이 낭만주의의 장점이다. 그들의 혁신은 가사, 특히 단어의 다의어 사용, 연관성, 은유의 발전, 시화, 운율 및 리듬 분야의 발견에서도 나타났습니다.

낭만주의는 성별과 장르의 통합, 상호 침투가 특징입니다. 로맨틱 예술 시스템예술, 철학, 종교의 종합을 기반으로 했습니다. 예를 들어, 헤르더(Herder)와 같은 사상가에게 언어 연구, 철학적 교리, 여행 기록은 문화의 혁명적인 쇄신 방법을 찾는 데 도움이 됩니다. 그는 낭만주의의 많은 업적을 물려받았다. 사실주의 XIX다섯. - 환상, 그로테스크, 높고 낮음, 비극과 희극의 혼합, '주관적 인간'의 발견을 좋아합니다.

낭만주의 시대에는 문학뿐만 아니라 사회학, 역사, 정치학, 화학, 생물학, 진화론, 철학(Hegel, D. Hume, I. Kant, Fichte, 자연 철학, 본질) 등 많은 과학이 번성했습니다. 이는 자연이 하나님의 의복 중 하나, "신의 살아있는 의복"이라는 사실로 귀결됩니다.

낭만주의는 유럽과 미국의 문화 현상입니다. 안에 다른 나라그의 운명에는 그 자체의 특징이 있었습니다.

애국적 열정으로 강화된 국가 통합 애국전쟁 1812년, 예술에 대한 관심이 증가하고 민속 생활일반적으로. 예술 아카데미 전시회의 인기가 높아지고 있습니다. 1824년부터 3년마다 정기적으로 개최되기 시작했습니다. 일지가 나타나기 시작합니다 미술" 수집은 그 자체를 더 널리 알리는 것입니다. 예술 아카데미 박물관 외에도 1825년에 에르미타주에는 "러시아 갤러리"가 만들어졌습니다. 1810년대 P. Svinin의 "러시아 박물관"이 개관되었습니다.

1812년 애국 전쟁의 승리는 강한 열정에 압도된 독립적이고 자랑스러운 성격에 기초한 새로운 이상이 출현한 이유 중 하나였습니다. 회화는 긍정한다 신력-종교적이고 신화적인 주제가 우세한 공식 스타일로 간주되었던 고전주의를 점차적으로 대체하는 낭만주의.

이미 K. L. Bryullov (1799-1852) "Italian Afternoon", "Bathsheba"의 초기 그림에서 작가의 상상력의 기술과 광채뿐만 아니라 그의 세계관의 낭만주의도 드러났습니다. 숙제 K. P. Bryullov의 "폼페이 마지막 날"은 역사주의 정신으로 가득 차 있습니다. 주요 내용은 개인 영웅의 위업이 아니라 비극적 운명많은 사람들. 이 그림은 니콜라스 1세 정권의 전제정치의 비극적인 분위기를 간접적으로 반영하여 하나의 사건이 되었습니다. 공적 생활상태.

웹사이트 최적화 전문가는 각 사이트를 설명하는 수십 개의 매개변수를 사용하여 작업합니다. 이 어려운 과학을 마스터하기로 결정했다면 링크 스팸이 어떻게 계산되는지 알아보세요.

낭만주의는 다음에서 나타났다. 초상화 그림 O. A. Kiprensky (1782-1836). 1812년부터 예술가는 그의 친구였던 애국 전쟁 참가자들의 생생한 초상화를 그렸습니다. O. A. Kiprensky의 최고의 작품 중 하나는 A. S. Pushkin의 초상화로 간주됩니다. 시성"나는 거울 속에 있는 것처럼 보이지만 이 거울은 나를 기분 좋게 만든다."

낭만주의의 전통은 해양 화가 I.K. Aivazovsky(1817-1900)에 의해 발전되었습니다. 바다 요소의 위대함과 힘을 재현한 그의 작품은 그에게 세계적인 명성을 안겨주었습니다(“The Ninth Wave”, “The Black Sea”). 그는 러시아 선원들의 착취를 기리기 위해 많은 그림을 바쳤습니다(“체스마 전투”, “나바리노 전투”). 1853년부터 1856년까지의 크림 전쟁 중. 포위된 세바스토폴에서 그는 자신의 전투 그림 전시회를 조직했습니다. 그 후 그는 자연의 스케치를 바탕으로 여러 그림에서 세바스토폴의 영웅적인 방어를 묘사했습니다.

V.A. Tropinin(1776-1857)은 18세기 후반 감상주의 전통에서 성장하여 새로운 낭만주의 물결의 엄청난 영향력을 경험했습니다. 전 농노였던 예술가는 장인, 하인 및 농민의 이미지 갤러리를 만들어 그들에게 영적 귀족의 특성을 부여했습니다 ( "레이스 메이커", "재봉사"). 일상 생활과 작업 활동의 세부 사항은 이러한 초상화를 풍속화에 더 가깝게 만듭니다.

낭만주의 시대의 일반적인 특징

낭만주의 - (프랑스어)낭만주의), 이념적이며 예술적 방향 18세기 후반과 19세기 전반의 유럽과 미국의 정신문화에서. 프랑스 국민 낭만주의그 조상을 스페인어로 추적로맨스(스페인 로맨스는 중세 시대에 불렸고 그 다음에는 기사도 로맨스라고 불렸습니다.) 영어를 통해.낭만적인(낭만적), 프랑스어로 번역됨로마네스크 양식그런 다음낭만적인그리고 18세기의 의미. 이상하고 환상적이며 그림처럼 아름답습니다. 19세기 초. 낭만주의라는 단어는 고전주의와 반대되는 새로운 문학사조를 가리키는 용어가 된다.

전통적, 특히 역사적 의미의 낭만주의는 모든 유럽 국가를 휩쓸었던 반계몽주의 운동의 정점이었습니다. 주요 사회이념적 전제는 부르주아 문명과 사회적, 산업적, 정치적, 과학적 진보에 대한 실망이며, 이는 새로운 대조와 적대감, 개인의 정신적 파괴를 가져왔습니다.

중세, 스페인 바로크, 영국 르네상스 예술의 전통을 이어받은 낭만주의자들은 인간 내면의 놀라운 복잡성과 깊이를 드러냈습니다. 그들에게 사람은 소우주, 소우주이다. 강하고 생생한 감정, 모든 것을 소모하는 열정, 영혼의 은밀한 움직임, 새로운 측면, 개인에 대한 갈망, 무의식에 대한 강렬한 관심-낭만주의 예술의 필수 특징.

다양한 예술 분야에서 낭만적인 경향이 어떻게 나타나는지 생각해 봅시다.

음악.

음악에서는 1820년대에 하나의 운동으로서의 낭만주의가 등장했습니다. 신낭만주의라고 불리는 그 발전의 마지막 시기는 19세기의 마지막 수십 년을 포함한다. 음악적 낭만주의는 오스트리아(F. Schubert), 독일(C.-M. von Weber, R. Schumann, R. Wagner) 및 이탈리아(N. Paganini, V. Bellini, 초기 G. Verdi)에서 가장 먼저 나타났습니다. 다소 나중에 프랑스 (G. Berlioz, D. Aubert), 폴란드 (F. Chopin), 헝가리 (F. Liszt). 그가 찾은 모든 나라에서 국가 유니폼; 때로는 한 나라(독일의 라이프치히 학파와 바이마르 학파)에서 서로 다른 낭만주의 운동이 발전하기도 했습니다. 고전주의 미학이 예술적 이미지의 고유한 안정성과 완성도를 갖춘 조형 예술에 초점을 맞추었다면, 낭만주의의 경우 음악은 내부 경험의 끝없는 역동성을 구현하는 예술 본질의 표현이 되었습니다.

음악적 낭만주의는 반합리주의, 영적 우선성과 보편주의, 인간의 내면 세계에 대한 초점, 그의 감정과 기분의 무한함과 같은 낭만주의의 중요한 일반적인 경향을 채택했습니다. 따라서 서정적 원리, 정서적 자발성, 표현의 자유의 특별한 역할입니다. 낭만주의 작가들과 마찬가지로 뮤지컬 낭만주의자들도 과거, 먼 이국적인 나라에 대한 관심, 자연에 대한 사랑, 민속 예술. 수많은 민화, 전설, 신념이 그들의 작품으로 번역되었습니다. 그들은 민요를 전문 음악 예술의 기초로 여겼습니다. 그들에게 민속은 진정한 매체였습니다 국가색, 그 외에는 예술에 대해 생각하지 않았습니다.

낭만주의 음악은 이전의 비엔나 고전 음악과 크게 다릅니다. 내용이 덜 일반화되어 있고 객관적이고 관조적인 방식이 아닌 풍부한 색조로 개인(예술가)의 개인적인 경험을 통해 현실을 반영합니다. 그것은 특성의 영역과 동시에 인물-개인의 영역으로 끌리는 경향이 있으며 심리적 및 장르적 일상이라는 두 가지 주요 품종으로 고정됩니다. 아이러니, 유머, 심지어 그로테스크한 것까지도 훨씬 더 널리 표현됩니다. 동시에 민족애국적 영웅적 해방주제(쇼팽, 리스트, 베를리오즈)에 대한 관심도 높아지고 있다. 음악적 시각화와 사운드 녹음이 매우 중요해졌습니다. 표현 수단이 크게 업데이트되고 있습니다. 멜로디는 더욱 개별화되고 두드러지며, 내부적으로 변할 수 있고, 정신 상태의 가장 미묘한 변화에 반응합니다. 하모니와 악기 연주는 더욱 풍부해지고, 밝아지며, 다채로워집니다. 고전의 균형있고 논리적인 구조와 달리, 서로 다른 특징적인 에피소드를 자유롭게 조합하고 비교하는 역할이 커진다.

많은 작곡가들의 관심의 중심이 되었습니다. 합성 장르동화 속 환상적, 마술적, 모험적, 이국적인 줄거리를 중심으로 한 낭만주의 오페라를 기반으로 한 오페라입니다. 첫 번째 로맨틱 오페라호프만의 온딘(Ondine)이었습니다.

기악에서는 교향곡과 소나타가 여전히 장르를 정의하고 있습니다. 그러나 그들 역시 내부로부터 변화되었습니다. 다양한 형태의 악기 구성에서 뮤지컬 회화에 대한 경향이 더욱 분명하게 반영됩니다. 예를 들어 소나타 알레그로와 소나타-교향곡 주기의 특징을 결합한 교향시와 같은 새로운 장르의 다양성이 등장합니다. 그 출현은 음악 프로그래밍이 문학과의 통합을 통해 기악이 풍부해진 예술 종합의 형태 중 하나로 낭만주의에 등장한다는 사실에 기인합니다. 기악 발라드 역시 새로운 장르였다. 삶을 일련의 개별 상태, 그림, 장면으로 인식하는 낭만주의자들의 경향은 다양한 종류의 미니어처와 주기의 개발로 이어졌습니다(슈베르트, 쇼팽, 슈만, 리스트, 브람스).

음악 및 공연 예술에서 낭만주의는 공연의 감정적 강렬함, 풍부한 색상, 밝은 대비 및 기교로 나타났습니다(파가니니, 쇼팽, 리스트). 하급 작곡가의 작품과 마찬가지로 음악 연주에서도 낭만적인 특징은 종종 외부 효율성 및 살롱성과 결합됩니다. 낭만주의 음악은 지속적인 예술적 가치와 다음 시대에도 살아있고 효과적인 유산으로 남아 있습니다.

극장.

연극 예술에서는 1810~1840년대에 낭만주의가 형성되었습니다. 연극미학의 기본은 상상력과 감정이었다. 자연을 고귀하게 만드는 고전적 원리에 반항하며, 배우들은 인간 삶의 대조와 모순을 묘사하는 데 집중했다. 대중적 애틋함, 비난에 대한 열정, 이상에 대한 충성심이 강렬한 감정과 배우 예술의 밝고 드라마틱한 표현, 그리고 충동적인 몸짓을 결정했다. 그러나 낭만적인 세계관에는 창조적 주관주의(예외적이고 기발한 것에 대한 강조)의 위험도 수반되었습니다. 감정은 때때로 수사적 효과와 멜로드라마로 대체되었습니다. 낭만극은 연기의 주요 내용으로 무대 경험과 자발성, 연기의 진실성과 진정성을 최초로 확립한 연극이다. 낭만주의는 또한 연극의 표현 수단(지역적 색채의 재현, 풍경과 의상의 역사적 진정성, 군중 장면의 장르적 진실성 및 제작 세부사항)을 풍부하게 했습니다. 그의 예술적 업적은 사실주의 연극의 기본 원칙을 준비하고 결정했습니다.

미술.

안에 미술낭만주의는 회화와 그래픽에서 가장 뚜렷하게 나타났고, 조각에서는 덜 뚜렷하게 나타났습니다. 건축에서는 낭만주의가 제대로 반영되지 않았으며 주로 조경 정원 예술과 이국적인 모티프에 대한 열정이 영향을받는 작은 형태의 건축과 거짓 고딕 양식의 방향에 영향을 미쳤습니다. 18세기 말~19세기 초. 낭만주의의 특징은 이미 다양한 정도로 내재되어 있습니다. 영국에서는 어둡고 정교한 그로테스크가 종종 이미지의 고전주의적 명확성을 깨뜨리는 Fusli의 그림과 그래픽 작품에서; W. Blake의 그림, 그래픽 및시에서 낭만주의는 신비로운 환상으로 가득 차 있습니다. 스페인 - 고야의 후기 작품은 봉건적 억압과 폭력에 대한 열정적인 항의인 자유로운 환상과 비극적인 비애로 가득 차 있습니다.

현재의 평범하고 비활성인 모든 것을 거부하고 현대사의 극적으로 급박한 순간만을 바라보며 낭만주의자들은 역사적 과거, 전설, 민속, 동양의 이국적인 삶, 단테의 작품에서 주제와 줄거리를 찾았습니다. , 셰익스피어, 바이런, 괴테 - 기념비적인 이미지와 강력한 캐릭터의 창조자.

낭만주의는 인간을 우주의 중심에 둔다. 낭만주의자들의 관점에서 인간은 세계적 성장 과정의 정점이다. 초상화에서 낭만주의의 가장 중요한 것은 사람의 밝은 개성, 강렬한 영적 삶, 덧없는 감정의 움직임을 드러내는 것이 었습니다. 자연 요소의 힘을 강조하는 낭만적인 풍경은 인간의 열정을 반영하기도 합니다. 낭만주의자들은 그들의 이미지에 반항적인 열정과 영웅적인 고양감을 전달하고, 예상치 못한 독특한 표현으로 자연을 긴장감 있고 표현력이 풍부하며 흥분된 예술적 형태로 재현하려고 노력했습니다.

고전주의와는 대조적으로, 낭만주의자들은 형태를 폭력적인 움직임과 결합하고 날카로운 체적 공간 효과에 의지하여 구성에 역동성을 증가시켰습니다. 그들은 빛과 그림자의 대비, 따뜻한 톤과 차가운 톤, 반짝거리고 가벼운, 종종 일반화된 글쓰기 스타일을 기반으로 밝고 풍부한 색상을 사용했습니다.

따라서 낭만주의의 이념적 내용이 복잡함에도 불구하고 그 미학은 전체적으로 17세기와 18세기 고전주의의 미학에 반대되었습니다. 낭만주의자들은 규율과 얼어붙은 위대함의 정신으로 수백 년 된 고전주의의 기준을 깨뜨렸습니다. 사소한 규제로부터 예술을 해방시키기 위한 투쟁에서 낭만주의자들은 예술가의 창조적 상상력의 무한한 자유를 옹호했습니다. 그들은 고전주의의 속박적인 규칙을 거부하고 장르의 혼합을 주장했으며, 그것이 아름다움과 추함, 비극과 희극이 혼합된 자연의 진정한 삶에 부합한다는 사실로 그들의 요구를 정당화했습니다. 인간 마음의 자연스러운 움직임을 찬미하는 낭만주의자들은 고전주의의 합리주의적 요구와는 달리 감정의 숭배를 제시했으며, 논리적으로 일반화된 고전주의의 성격은 극단적인 개별화에 반대했습니다.

낭만주의 시대의 오페라 공연 준비의 일반 원칙.

19세기 오페라 하우스에서. 두 가지 특징적인 현상이 관찰됩니다.

- 무대 디자인 분야의 '역사적 재구성' 경향;

- '벨칸토'의 등장

그것도 20대에. 19세기 로맨틱 드라마를 확립하기 위한 투쟁이 시작된다. 장식 예술의 스타일에 변화가 있습니다. 낭만주의자들은 장소와 시간의 색깔을 매우 중요하게 여겼습니다. 무대는 극중에서 묘사된 시대의 설정을 그대로 재현해야 했다. 작업 위치가 더 이상 일반화되지 않습니다. 이제 이것은 궁전과 그 앞의 광장이 아니라 국가 스타일의 정확한 징후를 지닌 로마, 프랑스, 스페인 궁전입니다.

풍경 로맨틱 극장인위적인 장식 없이 자연 그대로의 웅장함을 표현하려고 노력합니다.

낭만주의자들은 신비한 동굴, 지하 감옥, 지하 감옥의 이미지를 연극에 도입했습니다. 풍경은 종종 바다의 폭풍, 뇌우, 화산 폭발 및 기타 자연 현상을 묘사합니다.

발전된 부르주아 사회의 조건에서 극장의 민주화가 일어나고 있습니다. 대중 오페라 하우스가 등장하고 그 강당은 청중의 계급 계층을 반영합니다. 5~6층으로 이루어진 거대한 홀에는 사회의 다양한 계층과 지위에 있는 대중을 위한 좌석이 마련되어 있습니다.

금세기에 걸쳐 가장 중요한 변화는 강당과 무대의 조명에서 일어났습니다. 이미 18세기 말. 이전에 극장 공간을 밝히던 양초 대신에 19세기 내내 남아 있던 가스등이 등장했습니다. 바로 교체되기 전까지 다른 유형전기 조명. 최초의 아크 스포트라이트는 19세기 중반에 나타났습니다. 세기 마지막 분기에 발전기가 발명된 이후 이러한 광원의 수와 강도가 증가하여 다양한 조명 효과(어두운 방으로 터지는 밝은 햇빛, 월광, 저녁 하늘을 가로질러 움직이는 구름 등)

세기 말에 극장은 투광 조명을 유지하면서 전기 램프를 사용한 조명으로 전환했습니다.

이미 세기 전반기에 마차, 기수, 바다 선박. 무대에 거대한 물 웅덩이가 설치되어 일종의 바다 모험이 펼쳐졌을 때 물 무언극이 큰 관심을 끌었습니다. 이와 관련하여 극장은 오래된 연극 효과를 사용하여 많은 새로운 연극을 만들었습니다.

고대 고전 연극에서는 연극 전체의 장면이 동일했습니다. 이탈리아 르네상스 시대에도 동일한 원칙이 보존되었습니다. 17세기에 프랑스의 연극 이론에서는 장소 통일의 규칙이 확고히 확립되어 연극의 전체 행위가 동일한 풍경에서 이루어졌다. 이 규칙은 스페인과 영국의 르네상스 민속 인본주의 극장뿐만 아니라 광장 극장에서도 고려되지 않았습니다. 그러나 그곳에서도 장소 통일의 법칙이 승리했습니다. 오페라에서는 때때로 이 규칙에서 벗어나는 것이 허용되었는데, 이는 텔라리움(회전 프리즘)의 도움으로 풍경의 극적인 변화를 가져올 수 있게 했습니다. 19세기 첫 10년까지 이런 일이 있었습니다. 낭만주의자들은 드라마에서 장소의 통일성을 거부했다. 이제부터 풍경의 변화는 공연 내내 여러 번 일어나기 시작했다. 휴식 시간 동안 변화가 일어났습니다. 그러나 작업 사이의 일시 중지를 줄이려면 기존보다 더 발전된 기술이 필요했습니다. 수세기에 걸쳐 연극 발전에 걸쳐 개발된 이전 수단의 대부분은 여러 가지 중요한 장치로 보완되었습니다. 가장 중요한 것은 장면 보드를 변경하는 장치입니다. 유압 및 전기 기계를 사용하여 무대 바닥을 부분적으로 또는 전체적으로 높이고 비스듬히 배치하여 다양한 무대 동작을 위한 다양한 조건을 만들 수 있습니다. 두 번째 개선 사항은 무대에 새로운 서클을 도입하는 것입니다. 마지막으로 세 번째 개선 사항은 소위 포켓을 만드는 것이었습니다. 무대 측면의 넓은 영역은 움직이는 태블릿에서 풍경의 일부를 준비하고 빠르게 앞으로 굴러가고 무대 뒤로 빠르게 이동하는 것입니다.

19세기 오페라 제작의 역사를 살펴보면, 감독이 직접 쓴 정확한 제작 대본의 존재에 주목해야 한다(이런 입장은 이 시대 처음으로 나타난다). 우선 입장과 퇴장, 무대 위치 도표, 조명 효과를 녹음했지만 배우에 대해서는 아무 말도하지 않았습니다. 배우의 이미지 개념, 몸짓, 음파, 극적인 표현력, 이 정보의 부재와 관련된 모든 것은 감독의 무력감이 아니라 배우가 자신의 장치에 맡겨져 있다는 사실로 설명됩니다. 무대 중앙을 주요 역할의 연기자들이 자유롭게 사용할 수 있도록 하고, 듀엣과 앙상블을 공연할 때 가수들은 서로 가까워서 마침내 합창단이 목소리별로 그룹화되고 모두 함께 무대와 지휘자에 최대한 가까워졌습니다.

이러한 예외를 제외하면 일종의 오페라 "현실주의"가 승리합니다. 무대 주위를 경련적으로 돌진하거나, 반대로 한쪽 다리를 앞으로 움직이고 악명 높은 손을 심장에 얹은 조각상과 같은 부동성.

발레 재능이 넘치는 시대였기 때문에 작곡가와 지휘자들은 모든 공연에서 무용수들의 예술을 선보일 수 있는 모든 기회를 모색했습니다.

따라서 오페라 공연은 전경에 서있는 가수의 배경이 된 수많은 건축 및 조경 요소를 갖춘 생동감 넘치는 광경이었습니다.

바그너의 오페라 "니벨룽겐의 반지" 제작.

뮤지컬 드라마의 창시자이자 이론가로서 자신의 시대를 뛰어넘어 훨씬 앞서간 바그너는 자신의 작품을 연출하는 감독으로서 뮤지컬 드라마와 불가분의 관계를 맺고 있다.

<니벨룽겐의 반지>는 기계와 풍경에 관해 감독에게 수많은 문제를 안겨준다.

라인강의 바닥과 끊임없는 물의 흐름, 수영하는 처녀와 알베리히가 뱀으로 변하는 것; 지하로 떨어지고 마임의 안개 속으로 사라지는 보탄; 보탄의 창을 맞은 후 돌에 의해 타오르는 불, 그리고 신들이 발할라로 들어가는 무지개; 에르다의 등장, 그리고 마지막으로 죽은 전사들을 안장에 묶어 구름 속으로 돌진하는 발키리의 장대한 그림.

이 모든 것을 실현하기 위해 Wagner는 그림 같은 배경, 커튼 스크린, 트랩 도어 및 원시적인 "마법의 랜턴"을 갖춘 전통적인 오페라 무대에 만족합니다.

그의 이론적 작품에서 바그너는 현대 연극의 예술적 수단에 반항하지 않지만 반대로 그에 대한 존경심을 표현합니다. “현대 자연 과학과 풍경화는 우리 시대의 성과이며, 과학적이고 예술적인 관점, 광기와 평범함으로부터의 만족과 구원... 감사합니다 풍경화장면은 예술적 진실의 구체화가 되며, 그림, 색상 및 생명을 주는 빛의 힘 자연의 사용은 최고의 예술적 열망을 제공합니다... 자신(조경 예술가)이 마음대로 사용할 수 있는 모든 광학 수단의 예술적 사용 빛 자체가 그로 하여금 완전한 환상을 만들어 낼 수 있게 해준다.”

그러나 실제로는 모든 "생명을주는 빛의 사용"과 "광학 수단"이 아무 소용이 없었습니다.

바이로이트 프로덕션에서는 그 시대 대부분의 프로덕션에서 흔히 볼 수 있었던 것과 동일한 세트 패턴을 접하게 됩니다. 따라서 4부작의 첫 번째 부분에 있는 라인강 바닥은 거대한 수족관과 비슷합니다. 지그프리트의 신비로운 숲은 흔들리는 캔버스와 무시무시한 소품, 묘사적인 세부 묘사, 나뭇잎, 가지, 줄기로 이루어진 자연주의적인 "죽"으로 가득 찬 오페라 숲으로 계속 이어지고 있습니다. 같은 범주의 효과에는 보탄이 니벨하임의 동굴로 내려가는 모습을 보여주기 위해 바위를 표현한 풍경을 높이는 것도 있습니다.

"The White Lady"와 같은 오페라의 잔디 및 "이웃"과 원시 게르만 식생의 밀접한 관계를 너무 침해적으로 강조하는 디자인의 자연주의적 윤곽을 삭제하는 것은 수증기의 도움으로 이루어집니다. 안개와 연무의 환상을 만들어내는 것뿐만 아니라 관객의 눈에서 숨기는 것도 커튼이 열린 상태에서 풍경을 바꿔야 할 필요성에서 비롯된 기술적 기동입니다.

그러나 에르다의 이중 등장에 대한 바그너의 지시에 어떤 커플도 미소를 숨길 수 없다. 이 가장 오래된 여신, 대지의 여주인, 신들의 어머니는 극장 해치에서 허리까지 튀어나와야 했습니다.

무대 상황에 대한 이 순진하고 기괴한 해결책은 보탄(Wotan)의 웅장한 부름과 오케스트라의 강력하게 끓어오르는 소리와 분명히 대조되며, 그 시대 비평가들의 관심과 신랄한 공격을 끌지 못했습니다. 발키리의 비행 사진에서 "마법의 랜턴"을 사용하는 효과의 원시성 및 용과 함께 확성기로 말하는 Sieckfried의 유치한 소란, 눈을 굴리고 꼬리로 땅을 때리고 이빨을 부딪히는 소리 음악의 비트.

빛의 역할은 우선 낮과 밤의 자연주의적인 지정과 대기의 다양한 변화로 귀결되지만 Wagner는 그것을 상징으로 사용하기도 하며 경우에 따라 특정 캐릭터의 모습과 연결하기도 합니다. Erda는 푸른 빛의 후광 속에 나타납니다. 붉은 광선 뭉치가 Wotan의 "Walkyrie"와 "Siegfried"를 비춥니다. 비평가 중 한 명은 이러한 빛의 유희에 대해 다음과 같이 적대적으로 말합니다. "밝기와 강도가 고르지 않은 전기 광선은 풍경의 색상을 "먹고" 시청자는 나무 대신 캔버스를 봅니다."

풍경을 특징짓는 낭만적인 무질서와 표현력 부족은 의상에서도 똑같이 뚜렷이 나타나 "악마 로버트" 시대에 파리 오페라에서 로미에가 했던 "역사적 재구성"을 연상시킵니다. 의상 디자이너들은 묘사적인 세부 사항과 세부 사항에 끌렸기 때문에 전혀 신화적이지 않은 방식으로 허리를 강조하는 브륀힐데의 갑옷도, 그녀의 드레스(또한 유행에 따라 접힌 부분)도, 동물 가죽과 함께 사용되는 줄무늬 셔츠도 아닐 것입니다. , 지그문트의 옷차림을 구성하는 그리스 반도 아니고 로게가 디자인한 튜닉도 니벨하임의 심연으로 내려와 무지개 위를 걷고 구름 속에서 뛰어다니는 신화 속의 신들의 세계를 보여줄 수 있습니다.

Wagner는 "극장에서는 오직 연극 예술만이 지배한다"고 썼습니다. 따라서 오페라 무대를 지배하는 일반적인 정신과는 달리 공연의 연기 측면은 그의 특별한 관심의 대상입니다.

작가의 의도를 깊이 꿰뚫고 자신의 역할을 마치 대사극처럼 소화하지 못하는 가수는 작곡가가 요구하는 보컬 표현력을 그 역할에 부여할 수 없다. 따라서 Wagner는 독창자뿐만 아니라 합창단에게도 작품의 예술적 의미를 침투하고 해석의 적절한 표현력을 찾을 수 있는 기회를 제공하는 대본의 특별 읽기를 요구하므로 항상 다음과 같이 지시됩니다. 구체적인 상황.

바그너는 자신의 보컬 스타일을 명확하게 설명했습니다. 뮤지컬 드라마리스트에게 보낸 편지에서: “내 오페라에서는 소위 '낭송'과 '노래'라는 문구 사이에 차이가 없습니다. 나의 낭송은 노래하는 동시에 나의 노래는 낭송입니다. 나는 "노래"의 명확한 결말과 일반적으로 두 가지를 의미하는 "낭송"의 명확한 모습을 가지고 있지 않습니다. 다양한 스타일보컬 퍼포먼스. 사실 이탈리아 낭송은 작곡가가 낭송의 리듬에 거의 관심을 기울이지 않고 가수에게 완전한 자유를 부여하는 경우 내 작품에서 전혀 찾을 수 없습니다. 그런 곳에서는 시적 텍스트흥분된 서정적 비행이 단순한 감정적 표현으로 변한 후에도 나는 서정적 성악 장면에서처럼 낭송의 성격을 정확하게 나타낼 권리를 결코 포기하지 않았습니다. 그러므로 이 악절을 일반적인 낭송으로 받아들이고 그 결과 내가 지시한 리듬을 임의로 바꾸는 사람은 마치 내 서정적인 멜로디에 다른 음표와 화음을 생각해낸 것과 마찬가지로 내 음악을 손상시키는 것입니다. 낭송을 연상시키는 이 악절에서 내가 추구하는 표현 목표에 부합하는 낭송의 리듬을 정확하게 특성화하기 위해 노력하면서, 나는 지휘자와 성악가에게 우선 원곡의 음악 표기법에 따라 이 악절을 연주하도록 요청합니다. 악보에 표시된 비트와 연설의 성격에 맞는 템포로 ... "

Wagner는 단어 명료성 문제에 관심을 갖고 있습니다. 바이로이트 극장의 숨겨진 오케스트라는 '신비로운 심연'일 뿐만 아니라 오케스트라 해설을 부드럽게 하여 배우가 말하는 텍스트가 사운드의 전면에 나오도록 하려는 시도이기도 합니다.

따라서 Wagner는 가수에게 두 가지 주요 요구 사항을 제시합니다.

- 악보를 엄격하게 따르세요.

- 듣고 이해할 수 있도록 텍스트를 제시하십시오.

Wagnerian 배우도 다른 작업에 직면했습니다. 가장 중요한 것은 연기와 음악을 조화시킬 필요가 있다는 것입니다. 바그너는 무대 동작이 그에 수반되는 오케스트라 모티프와 정확히 일치할 것을 요구합니다.

몸짓과 얼굴 표정을 음악과 동기화하려는 욕구에 이어 이를 고상하고 절제되게 만들고자 하는 작곡가의 욕구가 나옵니다. “보편적인 오페라 방식이 마치 도움을 요청하는 것처럼 두 팔을 넓게 흔드는 데 익숙해져 있는 반면, 우리는 팔을 살짝 들어올리거나 어깨나 머리의 특징적인 움직임만으로도 가장 강한 느낌을 표현하기에 충분하다는 것을 알게 되었습니다. ” ... 경영진에서 표현을 찾았습니다.미술

(바이올리니스트 파가니니, 가수... (14)

낭만주의

개요 >> 문화와 예술 (바이올리니스트 파가니니, 가수...민속 신념, 동화. ... 경영진에서 표현을 찾았습니다. (바이올리니스트 파가니니, 가수...부분적으로 민주화와 연관되어 있었습니다... 회화에는 적었습니다. 시각 예술 분야에서는 그림에서 가장 명확하게 표현됩니다... 표현으로 간주됩니다.낭만주의 그림에서 가장 명확하게 표현됩니다... 표현으로 간주됩니다.. 아티스트

: 터너, 들라크루아, ... 우리가 알고 있듯이 예술은 매우 다면적입니다.장르와 트렌드를 통해 작가 각자의 개성을 최대한 발휘할 수 있습니다. 창의성, 독자가 자신이 좋아하는 스타일을 정확하게 선택할 수 있는 기회를 제공합니다.

가장 인기 있고 의심할 여지 없이 아름다운 예술 운동 중 하나는 낭만주의입니다. 이러한 경향은 18세기 말에 유럽과 미국 문화에 널리 퍼졌고 나중에 러시아에도 영향을 미쳤습니다. 낭만주의의 주요 사상은 자유, 완전성, 쇄신에 대한 열망과 인간 독립권 선언입니다. 이상하게도 이러한 추세는 절대적으로 모든 주요 형태의 예술 (회화, 문학, 음악)에 널리 퍼졌으며 실제로 널리 퍼졌습니다. 그러므로 우리는 낭만주의가 무엇인지 좀 더 자세히 살펴보고, 낭만주의의 가장 큰 특징을 언급해야 한다. 유명한 인물, 외국과 국내 모두.

문학의 낭만주의

이 예술 분야에서는 원래 서유럽에서 비슷한 스타일이 나타났습니다. 부르주아 혁명 1789년 프랑스에서. 낭만주의 작가들의 주요 아이디어는 현실에 대한 부정, 더 나은 시대에 대한 꿈, 사회의 가치 변화를 위해 싸울 것을 요구하는 것이었습니다. 일반적으로 주인공은 혼자 행동하는 반항아이다. 진실을 추구하는 사람, 이는 그를 외부 세계 앞에서 무방비하고 혼란스럽게 만들었고, 이것이 바로 낭만적 인 작가의 작품이 종종 비극으로 가득 찬 이유입니다.

예를 들어 이 방향을 고전주의와 비교하면 낭만주의 시대는 완전한 행동의 자유로 구별됩니다. 작가는 주저하지 않고 다양한 장르를 사용하여 함께 혼합하고 창작했습니다. 독특한 스타일, 이는 서정적 원칙에 어떤 식 으로든 기반을 두었습니다. 작품의 현재 사건은 캐릭터의 내면 세계, 경험, 꿈이 직접적으로 드러나는 특별하고 때로는 환상적인 사건으로 가득 차있었습니다.

회화 장르로서의 낭만주의

미술도 낭만주의의 영향을 받았고, 이곳에서의 움직임은 유명한 작가와 철학자의 사상을 바탕으로 이루어졌습니다. 이 운동의 출현으로 그림 자체가 완전히 변형되었습니다. 새롭고 완전히 특이한 이미지가 나타나기 시작했습니다. 낭만주의의 주제는 먼 이국적인 땅, 신비로운 환상과 꿈, 심지어 인간 의식의 어두운 깊이까지 포함하여 미지의 세계를 다루었습니다. 작품에서 예술가들은 주로 고대 문명과 시대(중세, 고대 동양 등)의 유산에 의존했습니다.

이 전류의 방향은 짜르 러시아역시 달랐다. 유럽 작가들이 반부르주아 주제를 다루었다면 러시아 거장들은 반봉건주의 주제에 대해 썼습니다.

신비주의에 대한 갈망은 서구 대표자들보다 훨씬 덜 두드러졌습니다. 국내 인물들은 낭만주의가 무엇인지에 대해 다른 생각을 가지고 있었는데, 이는 그들의 작품에서 부분적인 합리주의의 형태로 볼 수 있습니다.

이러한 요소는 러시아 영토에서 예술의 새로운 트렌드가 출현하는 과정에서 기본이되었으며 그 덕분에 세계는 문화유산러시아 낭만주의를 정확히 이렇게 알고 있습니다.

고전주의의 얼어붙은 표준에 대한 도전은 낭만주의였습니다. 이는 고전주의의 미학에 대한 반응으로 18세기 말, 19세기 전반에 유럽과 미국 문화에서 발생한 이데올로기적, 예술적 운동이었습니다. 낭만주의 시대는 다음과 같이 거슬러 올라간다. 역사적 기간 1789년 프랑스 대혁명과 1848년 유럽 부르주아 민주주의 혁명 사이, 인생의 전환점 유럽인. 자본주의의 급속한 성장은 봉건 체제의 기초를 약화시켰고, 수세기 동안 굳혀져 있던 사회적 관계는 도처에서 붕괴되기 시작했습니다. 혁명과 반동이 유럽을 뒤흔들었고 지도가 다시 그려졌습니다. 이런 모순된 상황 속에서 영적 쇄신사회.

낭만주의는 처음에는 독일의 철학과 시에서 발전했으며(1790년대), 나중에(1820년대) 영국, 프랑스 및 기타 국가로 퍼졌습니다. 낭만주의는 이상과 현실의 갈등, 숭고한 감정과 일상의 삶에 대한 인식의 기초를 마련합니다.

1600년대 중반에는 합리적 사고, 세속주의, 과학적 진보를 찬양하는 계몽주의 시대(또는 "이성의 시대")가 시작되었습니다. 1712년에 제작된 최초의 작동 가능한 증기 기관은 나중에 서반구를 휩쓸 산업 혁명의 시작으로 볼 수 있습니다. 산업화가 경제를 변화시켰다 서유럽그리고 북아메리카, 의존에서 벗어나도록 강요합니다. 농업생산에. 그러나 모든 사람이 과학과 이성이 모든 것을 설명할 수 있다고 믿는 것은 아닙니다. 진행 중인 산업화에 대한 그들의 반응은 모든 것을 포괄하는 운동, 즉 낭만주의였습니다.

낭만주의라는 용어는 18세기 말 독일에서 비평가 아우구스트(August)와 프리드리히 슐레겔(Friedrich Schlegel)이 낭만주의 시(낭만주의 시)의 정의를 만들면서 처음 사용되었습니다. 프랑스 지식인계의 영향력 있는 지도자인 마담 드 스타엘(Madame de Staël)은 1813년 독일 여행에 대한 기사를 출판한 후 프랑스에서 이 용어를 대중화했습니다. 1815년 낭만주의 운동의 주역이 되어 시는 “강한 감정의 자발적인 흘러넘침”이어야 한다고 믿었던 영국 시인 윌리엄 워즈워스는 “낭만주의 하프를 고전 거문고에 반대”했습니다. 낭만주의는 기존 질서를 극복하고 1820년대 유럽 전역을 지배하는 예술 운동이 되었습니다.

낭만주의의 초기 원형은 독일의 Sturm und Drang 운동이었습니다. Sturm und Drang은 주로 문학적 현상이지만 사회와 사회에 큰 영향을 미쳤습니다. 예술적 의식. 이 운동의 이름은 프리드리히 막스밀리안 클링거(Friedrich Maxmilian Klinger)의 희곡(1777) 제목에서 따왔습니다.

독립적인 미학적 개념으로 숭고함을 처음으로 발전시킨 영국의 정치가 에드먼드 버크(Edmund Burke)는 다음과 같은 논문에서 공식화했습니다. 철학적 연구숭고함과 아름다움에 대한 개념의 기원에 관해”(1757): “어떠한 방식으로든 고통과 위험에 대한 생각을 불러일으킬 수 있는 모든 것은 숭고함의 원천입니다. 인지할 수 있다.” 1790년 독일의 철학자 에마누엘 칸트(Emmanuel Kant)는 둘 사이의 연관성을 연구했습니다. 인간의 마음그리고 경험은 판단비판에서 버크의 개념을 발전시켰다. 숭고한 아이디어가 이어졌습니다. 중앙 장소계몽주의의 합리성에 반하는 낭만주의의 대부분.

이 혁명이 가져온 것은 시장경제, 새로운 기술인 기계 동력을 기반으로 합니다. 하지만 과거를 그리움으로 되돌아보며 모든 것이 달랐던 낭만주의 시대로 보는 이들도 있었다. 이때 주로 과학과 합리적 사고를 강조한 계몽주의 철학에 대한 반발이 커지고 있었다. 낭만주의자들은 이성이 삶의 위대한 신비를 이해하는 데 불충분하다고 생각하면서 이성이 진리에 이르는 유일한 길이라는 생각에 도전했습니다. 낭만주의자에 따르면 이러한 비밀은 감정, 상상력, 직관의 도움으로 드러날 수 있습니다. 낭만주의 예술에서 통제할 수 없는 힘과 예측불가능성을 지닌 자연은 질서정연한 계몽주의 세계에 대한 대안을 제시했다.

시인이자 평론가인 샤를 보들레르(Charles Baudelaire)는 1846년에 “낭만주의는 주제 선택이나 진실성이 아니라 특별한 ‘감정의 방식’에 있다”고 썼습니다. 보들레르의 관점에서 낭만주의는 역사와 신화에서부터 오리엔탈리즘과 민족주의에 이르기까지 다양한 스타일과 주제를 포용했습니다.

낭만주의 예술가들은 신고전주의의 교훈을 버렸습니다. 역사적인 그림상상적이고 이국적인 주제를 선호합니다. 오리엔탈리즘과 문학계는 과거와 현재 모두와의 새로운 대화를 자극했습니다. Ingres의 구불구불한 오달리스크는 다음과 같습니다. 현대 취미이국적인 하렘. 1832년 들라크루아는 모로코로 여행을 떠났고, 그의 북아프리카 여행은 다른 예술가들도 그의 모범을 따르도록 격려했습니다. 문학은 도피의 대안적인 형태를 제시했습니다. 월터 스콧 경의 소설, 바이런 경의 시, 셰익스피어의 드라마는 예술을 다른 세계와 시대로 옮겨왔습니다. 따라서 중세 영국은 들라크루아(Delacroix)의 "레베카의 강간(The Rape of Rebecca)"의 장소이며 작가는 월터 스콧(Walter Scott)에게서 차용한 인기 있는 낭만적인 줄거리를 구상했습니다.

이상주의에서 부분적으로 영감을 받음 프랑스 혁명, 낭만주의는 자유와 평등을 위한 투쟁과 정의의 증진을 포용했습니다. 예술가들은 국립 아카데미가 채택한 보다 차분한 신고전주의 역사 그림에 필적하는 극적인 구성에서 불의를 조명하기 위해 시사와 잔학 행위를 사용하기 시작했습니다.

많은 나라에서 낭만주의 예술가들은 자연과 외광화에 관심을 돌렸습니다. 옥외. 풍경에 대한 면밀한 관찰을 바탕으로 한 작품은 풍경화를 새로운 차원으로 끌어 올렸습니다. 일부 예술가는 인간을 자연의 일부로 강조한 반면, 다른 예술가는 인간의 힘과 예측 불가능성을 묘사하여 관객에게 숭고함, 공포와 혼합된 경외감을 불러일으켰습니다.

독일의 낭만주의

독일에서는 젊은 세대의 예술가들이 성찰의 과정을 통해 시대 변화에 대응했습니다. 그들은 과거에 대한 감상적인 그리움에서 영감을 받아 감정의 세계로 물러났습니다. 중세 시대, 이제는 사람들이 자신과 세상과 조화롭게 살아가는 시대로 여겨졌습니다. 이러한 맥락에서 칼 프리드리히 싱켈(Karl Friedrich Schinkel)의 그림 "물가의 고딕 성당"은 이탈리아의 그림 전통에서 유래한 나사렛인 프리드리히 오버베크(Friedrich Overbeck), 율리우스 슈노르 폰 카롤스펠트(Julius Schnorr von Carolsfeld), 프란츠 포르(Franz Pforr)의 작품만큼 중요했습니다. 초기 르네상스그리고 Albrecht Dürer 시대의 독일 예술. 과거의 기억 속에서 낭만주의 예술가들은 그들의 역사주의가 신고전주의의 합리주의적 입장을 비판했다는 점을 제외하면 신고전주의에 매우 가까웠다.

낭만주의 운동은 창조적 직관과 상상력을 모든 예술의 기초로 장려했습니다. 따라서 예술 작품은 선도적인 낭만주의 예술가 카스파 다비드 프리드리히(Caspar David Friedrich, 1774-1840)가 말했듯이 “내부로부터의 목소리”의 표현이 되었습니다. 낭만주의자들이 선호한 장르는 풍경화였다. 자연은 영혼의 거울로 여겨졌으나, 정치적으로 제한된 독일에서는 자유와 무한함의 상징으로도 여겨졌습니다. 따라서 낭만주의 예술의 도상학에는 먼 곳을 그리워하는 외로운 인물뿐만 아니라 삶의 덧없음과 유한함을 상징하는 바니타스 모티프(죽은 나무, 자란 폐허)도 포함됩니다.

스페인의 낭만주의

1930년대 스페인 낭만주의의 발전. 세기 초의 혁명적 애국적 열망에 자극을 받았습니다. 오랜 기간 외국인의 지배를 거쳐 모든 분야에서 학문주의의 지배 예술 문화스페인에서 낭만주의의 출현은 일반적으로 진보적인 의미를 가지며 국가적 자기 인식의 상승에 기여했습니다. 낭만주의는 스페인 역사 과학을 업데이트하고 문학과 연극의 발전에 많은 신선한 것을 가져왔으며 "황금 시대"의 전통에 대한 관심을 되살렸습니다. 민속 예술. 그러나 미술 분야에서는 스페인 낭만주의가 덜 밝고 독창적이었습니다. 여기에서 영감의 원천이 고야의 예술이 아니라 다른 서유럽 국가의 낭만주의 작품이라는 것이 중요합니다.

프란시스코 데 고야(Francisco de Goya)는 스페인 낭만주의의 가장 뛰어난 인물이었습니다. 그는 18세기 말에 왕실의 공식 예술가로 활동하면서 인간 행동과 전쟁의 상상과 비합리, 공포를 탐구하기 시작했습니다. 그림 1808년 5월 3일(1814)과 판화 시리즈 전쟁의 재난(1812~15)을 포함한 그의 작품은 전쟁에 대한 강력한 비난이다.

프랑스의 낭만주의

나폴레옹 전쟁이 끝난 후, 낭만주의 예술가들은 프랑스 혁명기의 선구적인 예술가 자크 루이 다비드(Jacques Louis David)의 신고전주의와 아카데미아가 선호했던 일반적인 신고전주의 양식에 도전하기 시작했습니다. 독일 동료들과 달리 프랑스인들은 초상화뿐만 아니라 역사적인 캔버스도 그렸습니다.

프랑스의 주요 낭만주의 예술가는 나폴레옹 전쟁의 동시대 사건을 극적인 그림으로 그린 남작 앙투안 그로(Baron Antoine Gros)와 테오도르 제리코(Theodore Géricault)였습니다. 가장 위대한 프랑스 낭만주의 화가 외젠 들라크루아(Eugene Delacroix)는 자유롭고 표현력이 풍부한 붓놀림, 풍부하고 감각적인 색상 사용, 역동적인 구성, 북아프리카 아랍인의 삶에서 혁명적 정치에 이르기까지 이국적이고 모험적인 주제로 잘 알려져 있습니다. Paul Delaroche, Théodore Chasserio 및 때로는 J.-A.-D. Ingres는 프랑스 낭만주의 회화의 마지막 학문적 단계를 대표합니다.

영국의 낭만주의

윌리엄 블레이크를 제외하고 영국의 낭만주의 예술가들은 풍경을 선호했습니다. 그러나 그들의 묘사는 독일의 묘사만큼 극적이고 숭고하지는 않았지만 더 자연스러웠습니다. 노리치 학교(Norwich School)는 1803년 노리치 예술가 협회(Norwich Society of Artists)에서 발전한 풍경화가 그룹입니다. 존 크롬(John Crome)은 그룹 창립자 중 한 사람이자 1805년부터 1833년까지 연례 전시회를 개최한 노리치 협회(Norwich Society)의 초대 회장이었습니다. 그룹 멤버들은 플레인 에어 페인팅을 강조했습니다.

창의성이 있다면 독일 낭만주의신비한 전설이나 설화에서 차용한 신비주의가 내재되어 있는 반면, 영국의 낭만주의 미술은 전혀 다른 특징을 갖고 있었습니다. 영국 거장의 풍경 작품에서는 낭만적 인 파토스가 사실적인 회화 요소와 결합되었습니다. John Constable과 William Turner가 가장 큰 대표자입니다. 낭만적인 풍경영국에서.

미국의 낭만주의

미국 낭만주의는 허드슨 강 학교(1825-1875)의 풍경화에서 그 주요 표현을 발견했습니다. 이 운동은 자연의 일종의 조용함을 강조한 작품인 토마스 다우티(Thomas Doughty)로부터 시작되었지만, 그룹의 가장 유명한 멤버는 자연의 광대함에 대한 경외심을 전달하는 풍경을 그린 토마스 콜(Thomas Cole)이었습니다. 기타 유명한 예술가이 학교에는 Frederic Edwin Church, Asher B. Durand 및 Albert Bierstadt가 있었습니다. 대부분의 예술가들의 작품은 북동부의 Adirondacks, White Mountains 및 Catskills의 풍경에 초점을 맞추었지만 점차 미국 서부와 남부 및 라틴 아메리카 풍경으로 범위를 넓혔습니다.

가장 위대한 낭만주의 예술가 중에는 Henry Fuseli(1741-1825), Francisco Goya(1746-1828), Caspar David Friedrich(1774-1840), JMW Turner(1775-1851), John Constable(1776-1837), Theodore Géricault(1774-1840)가 있습니다. 1791-1824) 및 외젠 들라크루아(1798-63). 낭만주의 예술신고전주의 스타일을 대체한 것이 아니라 오히려 그 엄격함과 경직성에 대한 균형을 맞추는 역할을 했습니다. 낭만주의는 1830년경에 쇠퇴했지만 그 영향력은 오랫동안 지속되었습니다.

낭만적인 그림 스타일은 바르비종 학교(Barbizon School), 노리치 풍경화가 학교(Norwich School of Landscape Painters)와 같은 수많은 학교의 출현을 자극했습니다. 독일과 오스트리아의 가톨릭 예술가 집단인 나사렛파(Nazarenes); 상징주의(예: Arnold Böcklin).

카스파 다비드 프리드리히 "안개 바다 위의 방랑자." 94.8 x 74.8 cm 캔버스에 유채. 함부르크 쿤스트할레, 1818