클래식 발레 유산. 고전적인 유산. 다른 사전에 "고전 유산"이 무엇인지 확인하십시오.

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주석 미술사에 관한 과학 기사, 과학 작품의 저자 - Shapinskaya Ekaterina Nikolaevna

우리 시대에는 세계 문화의 위대한 작품이 가치 세계의 일부가 되는 것을 어렵게 만들거나 완전히 방해하는 두 가지 중요한 사회 문화적 문제가 있습니다. 현대인. 이 기사는 이러한 문제를 분석하는 데 전념합니다. 우리는 전례 없는 영역 확장에 대해 이야기하고 있습니다. 대중문화, 상업적 성격, 세계화 및 매개화 과정, 포스트 모더니즘 문화의 특징적인 역사 감각의 약화. 오늘날의 문화는 대부분 "문화 산업"(T. Adorno)의 법칙에 따라 생활합니다. 저자는 음악을 포함한 문화유산의 존재 문제를 이해하기 위해 우리 시대의 사회문화적 맥락을 살펴보고 두 가지 연구 분야를 파악한다. 음악 문화, 특히 오늘날 가장 많은 실험을 거치는 오페라 장르. 한편으로는 이해가 필요하다. 고전 유산관점에서 영원한 문제반면에 인간 존재는 우리 시대 문화의 살아있는 구조의 일부로서 이러한 작품의 존재의 특성을 이해합니다. 정보 기술, 필하모닉 협회의 역량을 통해 최고의 공연으로 고전 예술 작품을 이용할 수 있습니다. 콘서트 홀자체 가상 공간을 갖는 것은 문화의 가장 높은 성취와 관련된 미적 아이디어가 지배하는 맥락을 만듭니다. 그러나 이러한 맥락은 매우 단편적이고 변덕스럽기 때문에 미적 가치 체계의 형성에 전혀 도움이 되지 않습니다. 따라서 준비된 청취자와 시청자를 교육할 필요성이 다시 한 번 분명해집니다. 모든 전문가, 과학자, 이론가 및 문화 실무자, 미디어 전문가, 마케팅 담당자, 교사, 우리 문화의 위대한 유산이 현대인의 삶의 세계에서 정당한 자리를 차지하도록.

모든 시대를 위한 음악: 고전 유산과 현대 문화

있다현재 세계 문화의 위대한 작품이 현대 인류의 귀중한 보물의 일부를 형성하는 길을 방해하거나 완전히 차단하는 두 가지 중요한 사회 문화적 문제입니다. 우리의 글은 이 두 가지 문제, 즉 세계화와 매체화를 동반하는 본질적으로 상업적인 문화인 대중문화의 유례없는 확산과 포스트모더니즘 문화의 특징인 역사의식의 약화라는 두 가지 문제를 다루고 있다. 현대 문화는 대부분 "Kulturindustrie"(T. Adorno)의 법칙을 따릅니다. 현재 문화유산(특히 음악유산)이 직면하고 있는 문제를 이해하기 위해 우리는 음악 문화 연구의 두 가지 영역, 특히 가장 많은 실험을 거치는 오페라 장르를 개괄적으로 설명하면서 현재 사회문화적 맥락에 대한 개요를 제공합니다. ~에 하나한편으로는 인간 존재의 영원한 문제라는 관점에서 고전유산을 바라볼 필요가 있고, 다른 한편으로는 이 작품들의 특수성을 살아있는 동시대 문화의 일부로 이해하는 것이 중요하다. 미적 아이디어와 문화의 최고 성과가 지배하는 맥락은 정보 기술, 필하모니, 콘서트 홀 및 가상 공간으로 인해 최고의 고전 예술 공연에 쉽게 접근할 수 있도록 설정됩니다. 그러나 이러한 맥락은 매우 단편적이고 가변적이어서 미학적 가치 체계를 구축하는 데 도움이 되지 않습니다. 따라서 잘 훈련된 청취자와 관중을 교육하는 것이 의무적임이 분명합니다. 어떤 기술이나 대규모 디지털화 프로그램도 그 자체만으로는 사회에 미학적으로 유익한 환경을 조성할 수 없습니다. 우리 문화의 위대한 유산이 현대인의 생활 세계에서 중요한 위치를 차지하려면 다양한 전문 학자, 이론가 및 문화 실무자, 미디어 전문가, 마케팅 전문가, 교육자의 통합적인 노력이 필요합니다.

과학 연구의 텍스트 "모든 시대를 위한 음악: 고전 유산과 현대 문화"라는 주제로

DOI: 10.17805/zpu.2015.3.12

모든 시대를 위한 음악: 클래식 유산

그리고 현대 문화*

E. N. Shapinskaya (D. S. Likhachev의 이름을 딴 문화 및 자연 유산 연구소)

우리 시대에는 세계 문화의 위대한 작품이 현대인의 가치 세계의 일부가 되는 것을 어렵게 만들거나 허용하지 않는 두 가지 중요한 사회 문화적 문제가 있습니다. 이 기사는 이러한 문제를 분석하는 데 전념합니다. 우리는 대중문화 영역, 상업적 성격의 전례 없는 확산, 세계화 및 매개화 과정, 포스트모더니즘 문화의 특징인 역사의식의 약화에 대해 이야기하고 있습니다. 오늘날의 문화는 대부분 "문화 산업"(T. Adorno)의 법칙에 따라 생활합니다.

음악을 포함한 문화유산의 존재 문제를 이해하기 위해 저자는 우리 시대의 사회 문화적 맥락을 고려하고 음악 문화, 특히 우리 시대에 가장 많이 적용되는 오페라 장르에 대한 두 가지 연구 영역을 식별합니다. 실험의. 한편으로는 인간 존재의 영원한 문제라는 관점에서 고전 유산을 이해하는 동시에 문화의 살아있는 구조의 일부로서 이러한 작품의 존재 특성을 이해하는 것이 필요합니다. 우리 시대의.

정보 기술을 통해 제공되는 최고의 공연에서 고전 예술 작품의 가용성, 필하모닉 협회 및 콘서트 홀이 자체 가상 공간을 가질 수 있는 능력은 최고의 문화 성과와 관련된 미적 아이디어가 지배하는 맥락을 만듭니다. 그러나 이러한 맥락은 매우 단편적이고 변덕스럽기 때문에 미적 가치 체계의 형성에 전혀 도움이 되지 않습니다.

따라서 준비된 청취자와 시청자를 교육할 필요성이 다시 한 번 분명해집니다. 과학자, 이론가 및 문화 실무자, 미디어 전문가, 마케팅 담당자, 교사 - 우리 문화의 위대한 유산이 현대인의 삶의 세계에서 정당한 자리를 차지하도록.

핵심 단어: 고급 문화, 예술, 고전 유산, 클래식 음악, 대중 문화, 오페라, 미적 교육.

소개

현대인, 특히 젊은이들의 가치체계 형성에 있어 고전예술과 문화유산 전반의 중요성을 의심하는 사람은 아무도 없습니다. 과학자, 교사, 문화계 인사들은 이전 세대의 경험과 문화적 기억을 바탕으로 전통을 존중하는 건강한 사회 형성을 위한 문화유산의 중요성에 대해 이야기합니다. 국가 문화의 "황금 기금"을 구성하는 문화 예술의 최고 가치는 커리큘럼에서 인도주의주기 교육 프로그램의 기초가되었습니다.

* 이 작업은 러시아 인도주의 재단(프로젝트 "현대 러시아의 사회문화적 맥락에서 미적 교육 - 철학, 이론, 실천" 프로젝트, 보조금 번호 14-03-00035a)의 지원으로 수행되었습니다.

이 기사는 러시아 인문학 재단의 재정적 지원을 받아 작성되었습니다(프로젝트 제목 " 현대 러시아의 사회문화적 맥락에서 미적 교육: 철학, 이론, 실천)", grant No. 14-03-00035а).!}

다양한 수준과 다양한 방향의 기관. 이러한 오랜 세월에 걸쳐 검증된 문학과 예술 작품은 다음과 같은 여러 분야의 주제 분야가 됩니다. 과정, 다양한 교육 프로젝트, 예술을 통한 청소년의 영적 및 도덕적 교육 프로그램 등 의심 할 여지없이 교육은 예술적 성과를 포함하여 최고의 문화 성과를 기반으로하며 활동에서 다양한 교육 전략의 주제가됩니다. 교육 기관 및 기타 문화 기관 - 극장, 박물관, 이 분야의 새로운 형태의 대화형 프로젝트 활동. 세계 대학 문화의 이러한 특징은 Vl의 연구에서 두 번 이상 지적되었습니다. A. 루코프(Lukov, 2005, 2009, 2012; 고등교육..., 2009), 모스크바 주립대학교에서 열린 제1회 학술 독서를 그에게 헌정했습니다. 세계문화러시아 동의어 사전" 2015년 3월 27일(Lukov, 2015: 전자 자료).

그럼에도 불구하고 오늘날 세계 문화의 위대한 작품이 현대인의 가치 세계의 일부가 되는 것을 어렵게 만들거나 허용하지 않는 두 가지 중요한 사회 문화적 문제가 있습니다. 이러한 문제는 첫째, 상업 성격의 대중 문화 영역의 전례없는 확산, 세계화 및 중재 과정, 둘째, 포스트 모더니즘 문화의 특징 인 역사 감각의 약화와 관련이 있습니다. 20세기 후반, 즉 21세기 초에 널리 퍼졌습니다. 오늘날의 문화는 대부분 '문화 산업'(T. Adorno의 용어)의 법칙에 따라 살고 있습니다. 그러나 Adorno에 따르면 '새로운' 아방가르드 음악은 '문화 산업 확산에 반대되는 것'이었습니다. 지정된 영역의 경계를 넘어선다”(Adorno, 2001: 45). “아마도 소비자 제품으로서의 음악의 상업적 생산으로의 전환은 문학과 산업 분야의 유사한 과정보다 더 오랜 시간이 필요했을 것입니다. 미술"(같은 책.).

음악과 철학

우리가 수년 동안 연구해온 음악을 포함한 문화유산의 존재 문제를 이해하기 위해서는 클래식 음악 작품을 해석하는 전략을 크게 결정하는 우리 시대의 사회 문화적 맥락을 상상하는 것이 필요합니다. 고전적 유산을 대중문화 분야에 도입하여 이러한 작품에 대한 접근성을 높이는 관행입니다. 접근성은 문화 산업의 상업적 성공을 보장하며, 이는 문화 생산의 대중화와 엘리트 문화 영역의 협소화라는 맥락에서 필연적으로 일부가 됩니다.

우리는 음악 문화, 특히 오페라 장르에 대한 두 가지 연구 영역을 구분할 수 있습니다. 오페라 장르는 우리 시대에 필연적으로 상호 작용하는 가장 많은 실험의 대상이 됩니다. 한편으로 이것은 과거의 위대한 작품을 모든 시대와 사회 문화적 상황에 흥미롭고 중요하게 만드는 인간 존재의 영원한 문제에 대한 관점에서 고전 유산을 이해하는 것입니다. 다른 한편으로는, 우리 시대 문화의 살아있는 구조의 일부로서 이러한 작품의 존재에 대한 특수성에 대한 이해는 그 안에서 우리 동시대 사람들과 관련된 의미를 보고자 하며, 그 형태로 전달되어 왔습니다. 문화적 관행 XXI의 시작다섯.

우리 시대의 클래식 음악 유산의 위치를 결정하기 위해서는 음악 학자와 연극 학자들이 많이 겪고있는 문제의 형식적 측면뿐만 아니라 그에 대한 철학적 이해로 전환해야한다고 생각합니다. 인간의 보편적인 문제와 다양한 것을 채워주는 가치관 음악 장르. 인간 존재의 문제적 영역으로서의 음악은 특정 언어로 전달되는 보편적인 인간 문제를 모두 담고 있다. 음악적 형식. 문화철학이라는 주제영역에서 음악을 고려하는 것은 지적 성찰을 위한 문화체험의 가장 적합한 영역이 아닌 것처럼 보일 수도 있습니다. 음악의 감각적 본질은 미학의 언어와 형식적인 측면, 즉 음악학의 언어로 더 정확하게 전달됩니다. 만약 우리가 음악의 본질을 전달할 가능성에 대해 이야기할 수 있다면 언어적 수단. 그럼에도 불구하고, 새천년에는 많은 철학적 개념과 사상이 수정되고, 새로운 문제 영역이 발생하고, 새로운 개념적 영역을 창출해야 할 필요성이 제기될 때, 음악과 관련된 정서적, 감각적 경험을 이해하는 것도 필요합니다. 요즘 새로운 차원을 얻고 있습니다.

우리는 현대인의 우주를 구성한 인간 경험 영역의 경계가 수정되고 지워진 결과로 형성된 세계 발전을 위한 새로운 공간을 창조해야 하는 한계기에 살고 있습니다. S. Langer는 그의 놀라운 작품 "새로운 핵심의 철학"에서 "철학 시대의 종말은 그 추진 개념의 고갈과 함께 옵니다."라고 썼습니다. 주어진 시대의 관점에서 공식화될 수 있는 해결 가능한 모든 질문이 이미 해결되었을 때, 우리에게는 때때로 "형이상학적"이라고 불리는 문제, 불분명한 의미, 해결 불가능한 문제, 즉 궁극적인 공식화 문제만 남게 됩니다. 역설로 가득 차 있다”(Langer, 2000: 14). 이러한 형이상학적 문제가 음악적 형식에 담긴 감각적 아름다움과 감정적 경험과 결합되어 우리 연구의 주제가 되었습니다.

음악을 감상하는 데 있어 감정이 주요 요소라는 것이 일반적으로 받아들여지는 견해입니다. 우리가 이 진술을 당연하게 여긴다면, 일반적으로 감정의 언어적 전달 가능성과 이를 더 잘 수행할 수 있는 언어적 수단에 대한 의문이 필연적으로 발생합니다. 우리의 의견으로는 감정 세계의 담론적 전달이 가능하고 더욱이 필요하다는 점을 즉시 예약합시다. 그렇지 않으면 우리는 이 연구를 수행하지 않았을 것이며 단순히 음악 자료를 친구 및 지인들과 공유했을 것입니다. 우리 영혼의 반응은 우리가 중요한 것에 대해 생각하도록 이끈다. 동시에, 우리는 우리의 임무가 매우 복잡하고 다양한 형태의 언어 표현에 대한 검색이 필요하다는 것을 잘 알고 있습니다. 철학적 성찰의 언어로 예술에 관해 글을 쓰는 것은 어렵지만 불가능하지는 않습니다. 자신의 아이디어를 다양한 청중에게 전달하려면 다음을 사용해야 합니다. 다른 언어, 시적인 것을 포함하여 일종의 하이퍼텍스트를 만드는데, 그 중심에는 시간보다 오래 지속되고 문화의 "황금 기금"에 확고하게 포함된 음악 작품이 있습니다.

음악과 언어

음악에 대해 말할 때 우리는 종종 창작 조건, 역사적 맥락이나 스타일, 형식의 복잡성이 아니라 음악이 사람에게서 깨어나고 깨어나는 감정을 의미하는 경우가 많습니다. S. Langer의 말에 따르면 그 속에서 감정이 구체화됩니다.

“감정은 점차적으로 표현되는 특정 형태를 가지고 있습니다”(ibid.: 91). 이와 관련하여 감정 표현의 형태, 감정을 이해할 수 있게 되는 상징주의, 이 경우 언어에 대한 의문이 제기됩니다(우리는 언어와 완전히 다른 법칙에 따라 작동하기 때문에 지금은 시적 언어에 대해 이야기하지 않습니다) 산문(예술적, 과학적)은 그 깊이와 강도에 대한 최고의 중재자와는 거리가 멀습니다. S. Langer는 계속해서 이렇게 말합니다. “언어가 우리의 감정적 본성을 표현하는 가장 불쌍한 수단이라는 것은 누구나 알고 있습니다. 그는 이해하는 특정 상태를 다소 모호하고 원시적으로 명명하지만 끊임없이 변화하는 형태, 모호함 및 내면 경험의 깊이, 감정과 생각 및 인상의 상호 작용, 기억 및 기억의 메아리, 덧없는 환상 또는 단순한 룬 흔적을 완전히 전달할 수 없습니다. - 이름없는 감정적 자료로 변하는 모든 것”(ibid.). A. Rand는 미적 경험의 풍부함을 전달하기 위한 현대 언어의 부적절함을 강조합니다. “예술 작품의 예술적 의미를 객관적인 용어로 번역하는 방법을 배우면 예술이 드러내는 데 비교할 수 없는 힘이 있다는 것을 알게 될 것입니다. 인간 성격의 본질. 예술가는 자신의 작품에서 자신의 영혼을 드러냅니다. 작품이 여러분에게 공감을 불러일으키면 사랑하는 독자 여러분도 그렇게 하십시오.”(Rand, 2011: 43)

그러나 언어는 사람의 내면 세계를 전달하는 유일한 중재자가 아니며 인간 문화의 언어는 다양하며 전달하려고 노력합니다. 내면의 세계인간은 다양한 표현 수단과 상징 체계를 통해 그 모든 복잡성을 극복합니다. S. Langer가 "순전히 함축적인 의미론 중 가장 고도로 발전된 유형"이라고 생각하는 것은 바로 음악입니다(Langer, 2000: 92). 감정적 영역을 전달하는 음악의 능력에는 의심의 여지가 없습니다. “인간 감정의 형태는 언어보다 음악 형식과 훨씬 더 유사하기 때문에, 음악은 언어가 달성할 수 없는 진실성을 가지고 감정의 본질을 상세하게 드러낼 수 있습니다”(ibid.: 209-210). 정서적 스트레스가 가장 심한 순간에 음악은 사람의 내면 상태를 훨씬 더 겉으로 드러낼 수 있는 능력이 있는 것으로 나타났습니다. “음악과 흐느낌은 입을 열어 억눌린 사람의 감정을 분출하게 한다”(Adorno, 2001: 216). T. Adorno는 "사건의 객관적인 요소로서 물질의 맹목적 정신이 주체의 의지를 무시하고 궁극적으로 그것을 비이성으로 승리하는" 12음 음악과 관련하여 이러한 상황을 분석합니다(ibid.: 200). . 이러한 비합리주의의 지배는 의심할 바 없이 "시스템의 객관적 정신이 음악의 감각 현상에 대처할 수 없는 경우"(ibid.)에서 발생합니다. 그럼에도 불구하고 인간의 지성은 이 원초적인 힘을 극복하려고 노력합니다. 음악이 F. Nietzsche 및 S. Kierkegaard, A. Camus 및 S. Langer와 같은 사상가의 분석 대상이 된 것은 아무것도 아닙니다.

이것으로부터 우리는 감각적, 정서적 인식이 지적 요소의 도입(또는 추가)에 의해 전혀 영향을 받지 않는다는 결론을 내릴 수 있습니다. 반대로, 음악 작품에 대한 인식의 완성도가 충분하지 않다는 느낌이 든다면 지적 이해력으로 전환하면 감정 영역이 풍부해지고 그 안에 더 미묘한 음영이 드러날 수 있습니다. “음악적 이해는 활동적인 지성의 소유나 심지어 합리성이라고 알려진 순수한 이성에 대한 사랑에 의해서도 실제로 방해를 받지 않습니다.”

주의주의 또는 지적주의; 반대로, 상식과 과학적 지능은 음악과 관련하여 타고난 것으로 여겨지는 어떤 종류의 "감정주의"로부터 보호될 필요가 없습니다(Langer, 2000: 92). 게다가 이해는 음악 자료처음에 감각-정서적 수준에서 인식된 것은 음악의 독특한 특징, 즉 "역심리-인식론적 과정"을 나타냅니다(Rand, 2011: 50). “다른 모든 예술에서 작품은 물리적 대상(즉, 책이나 그림 등 우리의 감각으로 인식되는 대상)이므로 정신 인식론적 과정은 대상에 대한 인식에서 그 의미에 대한 개념적 이해, 평가로 이어집니다. 주요 개인적 가치와 그에 상응하는 감정의 용어. 일반적인 계획은 지각 - 개념적 이해 - 평가 - 감정입니다. 음악의 경우, 청취자는 인식에서 감정으로, 감정에서 평가로, 평가에서 개념적 이해로 이동합니다”(ibid.).

오페라 관람

우리 연구에서 우리는 이 가장 복잡한 형식을 중심으로 담론 공간을 구성하기 위한 적절한 도구를 아직 찾지 못했기 때문에 "순수한" 음악으로 전환하지 않습니다. 문화 활동사람. 우리는 예술 실천에서 오랫동안 확립되어 온 말과 음악을 결합하는 형식에 의지하지만, 다음과 같은 공생의 역사에 뿌리를 두고 있지는 않습니다. 고대 문화마법의 숭배 및 의식과 관련이 있습니다. 이러한 연구는 의심할 바 없이 문화사에 큰 관심을 불러일으키지만, 음악과 언어 장르가 현대 문화의 다양한 공간에 널리 퍼져 있는 다양한 문화적 형태로 표현되는 우리 시대의 음악 문화에 대한 우리의 관심 범위를 벗어납니다. . S. Langer는 “말과 음악은 노래에서 자주 언급되는 조합에도 불구하고 상당히 다른 기능을 가지고 있다”고 썼습니다(Langer, 2000: 92).

이러한 모든 형식 중에서 우리의 관심은 오페라에 초점을 맞추고 있는데, 이 조합은 더 복잡하고 동시에 더 조건적입니다. 대본의 품질에 따라 오페라 내러티브는 다른 품질을 얻을 수 있습니다. 현대인의 귀에는 종종 이질적인 전통적인 줄거리와 음악 스타일을 통해, 지금 여기 존재하는 시간적, 공간적 조건에 관계없이 사람을 걱정하고 흥분시키는 영원한 문제의 목소리를 들을 수 있습니다. 우리 의견으로는 연구를 위해 선택해야 하는 풍부한 음악 자료에서 격리되어야 하는 것이 바로 이러한 문제입니다. 감각적 즐거움을 전달하고 흥미진진하며 동시에 성찰을 요구하는 풍부한 건축학을 갖춘 오페라는 언어로 표현된 문제에 대한 철학적 이해에 전념하는 책에서 우리 연구의 주요 주제가 되었습니다. 이 장르(Shapinskaya, 2014a1). 반면에, 미학적 관점에서 단어와 음악이 불가분의 상보성 관계에 들어가는 실내악 장르의 영향을 추적하는 것은 매우 중요해 보입니다. 우리는 독일 전통의 가곡(Lieder)이라는 예술을 의미합니다. 예제를 사용하여 분석했습니다. 음성주기 F. 슈베르트 " 겨울 여행"(샤핀스카야, 2014b).

클래식 음악(및 시적) 고전 유산과 관련된 두 번째 문제 그룹은 의미의 다원주의와 해체를 특징으로 하는 '포스트컬처' 세계에서 클래식 음악 문화의 운명과 관련이 있습니다.

반대의견. 문화적 다원주의와 전통적 이원주의의 해체와 함께 대중문화 영역의 확장과 포스트모더니즘의 영향을 받아 형성된 우리 시대의 맥락에서 오페라와 같은 전통적인 음악 형식의 변형을 추적하는 것은 흥미롭습니다. 오페라 홀을 넘어 축제장, 영화 스크린으로 나아가 관광객의 관심과 소비의 대상이 된 오페라는 '문화산업'과 '탈문화'의 법칙에 맞춰 변화하고 적응할 수밖에 없었다. 우리에게 문제는 이러한 변화가 음악학자와 문화사회학자의 특권이기 때문에 예술 장르로서 오페라에 유익한지 여부가 아니라, 오히려 전통적인 형태의 오페라 공연을 통해 창작자들이 청중에게 어떻게 이야기하는지입니다. 인간 존재의 가장 중요한 문제 - 삶과 죽음, 사랑과 증오, 자유와 권력에 관한 것입니다.

우리의 오페라 여행은 (포스트)모던 문화의 “표면”, “고원”(J. 들뢰즈와 F. 가타리의 용어)이라는 여러 평면에서 이루어집니다. 그러한 표면 중 하나는 우리가 “포스트컬처”로 정의하는 현대 오페라 관행의 맥락을 특징짓려는 시도입니다. 다른 표면은 포스트모던 이론가들이 역사의식의 상실, 오히려 역사를 역사적 플롯 게임으로 전환한다고 부르는 것을 다루면서 순수한 동시성에서 역사로 나아가려고 시도합니다. 또 다른 "고원"은 과거 음악 걸작의 실제 미적 구성 요소, 문화 제품의 대량 생산 및 복제 시대에 형성된 완전히 다른 미적 가치와 아이디어의 맥락에서의 인식입니다. 이런 점에서 창의성이라는 주제는 포스트컬처가 가정하는 문화의 소진 조건에서 필연적으로 발생하며, 과잉 문화 생산 조건에서 필연적으로 질문을 던지는 예술가의 자기 성찰이라는 주제도 등장한다. 해석의 경계와 가능성. 여러 "표면"에는 고전 오페라와 현대 오페라 공연의 다양한 제작물에 구현된 현대 문화의 다양한 문제가 포함되어 있습니다. 즉, 텍스트와 맥락의 문제, 현실과 초월, 성 역할과 문화의 여성화 사이의 관계, 대중문화가 지배하는 시대의 '고급' 예술 .

우리는 특정 방식으로 구체화할 때 이러한 광범위한 문제를 분석하기 위해 예제를 선택한다는 것을 알고 있습니다. 문화적 형태(예술 분야의 분석을 위한 자료 선택과 마찬가지로) 주관성을 피할 수 없습니다. 동시에 오늘날 고전의 중요성, 그 주제의 영원성(사랑과 증오, 충성과 배신, 삶과 죽음)에 대한 성찰은 미적 취향과 "문화 자본"에 따라 독자들에게 다양한 음악적, 시적 이미지를 불러일으킬 것입니다. P. Bourdieu라는 용어). 정보화 시대에는 모든 음악적 보물에 접근할 수 있으며(이것은 긍정적인 특성 중 하나입니다), 독자가 이 음악에 몰입하고 싶은 욕구가 있다면 아름다운 세상, 그는 아마도 우리와 완전히 다른 음악적 예에 대한 자신의 동의어 사전을 구성하고 다르게 해석할 것입니다. 결국 우리는 무한한 의미의 보물을 가진 다의미적 텍스트에 대해 이야기하고 있습니다.

클래식 음악 유산의 작품을 재생산하는 기술은 문화적 관행에 도입될 뿐만 아니라 유명한 작품, 그러나 잃어버린 명작들도 디지털 기술을 통해 문화로 복귀되었습니다. 예를 들어 A. Arensky의 오페라 "Raphael"을 들 수 있습니다. 새로운 삶"러시아의 음악 유산 되살리기"프로젝트의 틀 내에서. 이 오페라는 작곡되었다.

1894년에 탄생한 이 작품은 과거의 미학, 전설, 동양의 이국주의에 대한 관심을 지닌 실버 에이지 정신의 진정한 표현입니다.

Anton Arensky는 또한 항상 예술가들에게 매우 중요한 주제, 즉 권력과 폭력을 물리치는 아름다움과 사랑의 주제에 대해서도 언급했습니다. 이것의 주인공 단막 오페라르네상스의 위대한 천재인 라파엘은 그의 모델이자 자연스러운 아름다움이 예술가를 사로잡은 단순한 소녀 포르나리나와 관련된 이름을 가지고 있습니다. 실제로 전체 오페라는 예술가의 창의성의 자유와 예술가의 창의적이고 개인적인 운명을 통제할 수 있다고 믿는 권위자 대표 사이의 충돌을 표현한 것입니다. 이 이야기는 의심할 여지 없이 낭만적이고 아름답습니다. 이는 창조자와 사회, 개인과 대중, 예술이 창조한 살아있는 아름다움과 아름다움 사이의 관계에 대한 영원한 질문을 반영합니다. 의심할 여지없이 "라파엘"은 먼 르네상스 시대의 은시대 예술가의 비전으로, 진정한 척하지 않고 이상화 된 시대를 통해 그의 미학적 아이디어를 표현하고 상징주의 정신으로 제시되어 그 시대에 사랑 받았습니다. 아렌스키. 아름다운 음악은 이탈리아 노래 전통에 대한 추억의 아름다움으로 가득 차 있으며 동시에 우리를 20세기 음악의 세계로 안내합니다. 음악적 수단오케스트라와 합창단이 참여하는 부드러운 가사와 피날레의 힘을 모두 만들어 아름다움의 신격화로 합쳐져 모든 장애물을 극복하고 수세기 동안 창작자인 예술가를 영화롭게 했습니다.

오페라 녹음과 공연은 다음과 같은 이벤트가되었습니다. 음악생활우리 음악 문화의 유산을 사랑하고 감사하는 사람들의 노력 덕분에 우리나라에서 시작된 러시아 작곡가의 유산을 되살리는 과정에서 중요한 의미를 지닌 우리나라입니다. 오페라 가사의 복원 및 디지털화와 디스크 녹음과 관련된 막대한 작업 끝에 "라파엘"은 콘서트 공연을 통해 대중에게 공개되었습니다. 이 프로젝트의 모든 장점으로 인해 다음과 같은 질문이 제기됩니다. 고전 작품의 접근성이 대중 사이에서 수요가 있다는 것을 의미합니까? 의심할 여지 없이 새로운 기술, 특히 디지털화는 클래식 음악에 새로운 기회를 창출하고 청중을 확대하는 데 도움을 주고 있습니다.

그러나 들을 수 있는 기회는 고전 음악이는 종종 훈련된 시청자/청취자가 필요한 다양한 형태의 음악 문화 유산에 대한 이해와 사랑의 증가를 의미하지 않습니다.

음악 및 정보 기술

오늘날 주로 예술 작품을 디지털화하는 복제 과정에는 반대하는 사람도 있고 지지하는 사람도 있습니다. 한편으로는 최고의 공연에서 클래식 예술 작품을 이용할 수 있고, 필하모닉 협회와 콘서트홀이 자체 가상 공간을 갖고 우리나라뿐만 아니라 우리나라 전역의 청취자에게 음악을 소개할 수 있는 능력이 맥락을 형성합니다. 문화의 가장 높은 성취와 관련된 미적 아이디어가 지배하는 곳입니다. 반면에 이러한 맥락은 매우 단편적이고 변덕스럽기 때문에 미학적 가치 체계의 형성에 전혀 도움이 되지 않습니다.

인터넷 공간의 이러한 특징은 과학자뿐만 아니라 공연 예술 마케팅 분야의 전문가들도 주목하고 있습니다. 이 분야의 유명한 전문가인 F. Kotler와 J. Sheff는 “인터넷 사용의 급속한 성장은 소비자 행동의 변화뿐만 아니라 가치의 변화도 의미합니다. 이 표현을 만든 Adrian Slywatski

"가치 이전"은 이를 다음과 같이 설명합니다. "소비자는 자신의 우선순위에 따라 선택합니다. 우선순위가 변경되고 새로운 프로젝트가 소비자에게 새로운 기회를 제공함에 따라 그들은 새로운 선택을 합니다. 그들은 가치를 재할당합니다. 이러한 변화하는 우선순위와 함께 경쟁사의 새로운 제안과 상호 작용하는 것은 가치 이전 프로세스를 유발, 촉발 또는 촉진하는 것입니다."(Kotler, Sheff, 2012: 449)

예술의 대중화를 위한 기술적 수단의 광범위한 사용을 지지하는 사람들과 그 반대자들은 기술이 특히 고전 유산의 경우 예술에 대한 사랑을 대체하거나 심어줄 수 없다는 데 동의합니다. 어떤 마케팅 및 홍보 기술도, 새롭고 새로운 문화 텍스트 배열의 시각화 및 디지털화 기술도 그 자체로 사람이 더 재미있는 미디어 공간 대신 Radio Orpheus 또는 TV 채널 Kultura를 선택하게 만들지는 않을 것입니다. “아무리 활발한 마케팅 프로그램이 있어도 사람들은 예술의 가치에 대한 이해와 지원, 교육, 영감을 얻을 수 있는 능력 때문에 예술을 삶의 일부로 만들기 위해 계속해서 다시 돌아옵니다. 예술을 이해하고 있기 때문에 그들은 정기적으로 극장이나 콘서트에 참석할 가능성이 낮으며 여가 시간을 보내는 다른 방법에 만족하는 것을 선호할 것입니다”(ibid.: 636).

결론

따라서 우리는 이전에 한 번 이상 쓴 내용, 즉 현대 기술 복제 수단이 가지고 있는 의심할 여지 없이 엄청난 능력을 이해할 수 있는 준비된 청취자와 시청자를 교육해야 할 필요성으로 다시 돌아갑니다. Kotler와 Sheff는 20세기 말에 수행된 연구를 인용하면서 “예술을 인식하고 사랑하는 주요 조건은 예술의 유형과 형태에 대한 깊은 이해입니다.”라고 썼습니다. 개인의 예술 교육이 공연 및 콘서트 참석에 미치는 영향에 대한 연구. “교육은 예술을 개인 삶의 의미 있는 부분으로 만드는 열쇠입니다”(ibid.: 636). 문화자본 개념을 창시한 프랑스의 유명한 사회학자 P. 부르디외(P. Bourdieu)의 말을 되새기듯, 미국 연구자들은 그 어떤 기술도, 고전의 디지털화 규모도, 열성팬의 노력도 미학적 관점에서 유리한 사회 분위기를 조성하지 못할 것이라고 주장한다. 과학자, 이론가, 문화 실무자, 미디어 전문가, 마케팅 담당자, 교사 등 모든 전문가의 노력을 통합하지 않고 우리 문화의 위대한 유산이 현대인의 삶의 세계에서 정당한 자리를 차지하게 됩니다.

메모

1 이 책에 대한 리뷰에서 A. V. Kostina는 개인 정보 공간에 대해 수행된 연구의 개념 조항이 동의어 사전 접근 방식과 직접적으로 관련되어 있다는 사실에 주목했습니다(Kostina, 2015).

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수령일자: 2015년 4월 15일

모든 시대를 위한 음악: 고전 유산과 현대 문화 E. N. Shapinskaya (D. S. Likhachev 문화 및 자연 유산 연구소)

현재 세계 문화의 위대한 작품이 현대 인류의 귀중한 보물의 일부를 형성하는 길을 방해하거나 완전히 차단하는 두 가지 중요한 사회 문화적 문제가 있습니다. 우리의 글은 이 두 가지 문제, 즉 세계화와 매체화를 동반하는 본질적으로 상업적인 문화인 대중문화의 유례없는 확산과 포스트모더니즘 문화의 특징인 역사의식의 약화라는 두 가지 문제를 다루고 있다. 현대 문화는 대부분 "Kulturindustrie"(T. Adorno)의 법칙을 따릅니다.

현재 문화유산(특히 음악유산)이 직면하고 있는 문제를 이해하기 위해 우리는 음악 문화 연구의 두 가지 영역, 특히 가장 많은 실험을 거치는 오페라 장르를 개괄적으로 설명하면서 현재 사회문화적 맥락에 대한 개요를 제공합니다. 한편으로는 인간 존재의 영원한 문제라는 관점에서 고전유산을 바라볼 필요가 있고, 다른 한편으로는 살아있는 동시대 문화의 일부로서 이들 작품의 특수성을 이해하는 것이 중요합니다.

미학적 아이디어와 최고의 문화 성취가 지배하는 맥락은 정보 기술, 필하모니 및 콘서트로 인해 최고의 고전 예술 공연에 쉽게 접근할 수 있도록 설정됩니다.

홀과 가상 공간. 그러나 이러한 맥락은 매우 단편적이고 가변적이어서 미학적 가치 체계를 구축하는 데 도움이 되지 않습니다.

따라서 잘 훈련된 청취자와 관중을 교육하는 것이 의무적임이 분명합니다. 어떤 기술이나 대규모 디지털화 프로그램도 그 자체만으로는 사회에 미학적으로 유익한 환경을 조성할 수 없습니다. 우리 문화의 위대한 유산이 현대인의 생활 세계에서 중요한 위치를 차지하려면 학자, 이론가, 문화 실무자, 미디어 전문가, 마케팅 전문가, 교육자 등 다양한 전문가의 통합적인 노력이 필요합니다.

키워드: 고급문화, 예술, 고전유산, 클래식음악, 대중문화, 오페라, 미학교육.

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고전적인 유산 고전 유산, 안무 과거에 창작된 작품으로서 지속적인 예술적 가치를 지닌 작품. 마치 독립된 것처럼 현재의 삶을 소중히 여기고 지속합니다. 제작 및 새로운 발레 공연 창작에 구현됩니다(전통 참조). Sov의 첫해부터. 사회주의 이전의 권력. 기예 문화는 과학 지식을 잘못 선언한 “좌파” 인물들의 침해로부터 과학 지식을 조심스럽게 보존하고 창의적으로 사용하는 임무에 직면했습니다. 현대성에 낯설고 사람들에게 불필요합니다. 이 문제는 올빼미의 역사에서 성공적으로 해결되었습니다. 안무. K.Sc.의 최고의 공연. (발레 마스터 F. Taglioni, J. Perrot, A. Saint-Leon, M. I. Petipa, L. I. Ivanov, M. M. Fokin, A. A. Gorsky 등의 작품)은 올빼미 레퍼토리의 기초를 형성했습니다.

새로운 삶을 얻은 발레 극장. 박사. 학교의 기초는 고전적입니다. 춤.

K.n의 작품에서. 그의 고급 예술을 조심스럽게 보존하는 임무가 해결되고 있습니다. 가치와 동시에 현대적입니다. 그의 생각과 이미지를 이해한다. 정말 창의적입니다. 이 문제에 대한 해결책은 오래된 작품을 무분별하게 복사하는 것과 고전 과학을 정당화하지 않고 임의적으로 변경 및 왜곡하는 것에는 이질적입니다. 예술에서 종종 발견되는 극단. 관행. 유기농의 예 K. 과학에 대한 존중의 조합. 창의적인 해석을 통해 "Giselle"(1944, 볼쇼이 극장, 발레 감독 L. M. Lavrovsky), "Sleeping Beauty"(1973, 같은 장소에서 발레 감독 Yu. N. Grigorovich) 등의 발레 제작이 가능합니다. .

K.n의 최고의 공연에서. 발레 전체가 새로운 사운드를 받을 뿐만 아니라, 공연자들의 창의성 덕분에 발레의 모든 이미지가 현대성에 맞춰 새로운 방식으로 드러납니다. 그래서, 극적입니다. 그리고 인본주의적이다 의미는 Odette Odile과 Nikia, G. S. Ulanova Odette Odile과 Giselle, K. M. Sergeev Siegfried와 Albert, V. M. Chabukiani Solor와 Basil 등의 이미지에서 M. T. Semyonova에 의해 밝혀졌습니다.

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V. V. Vanslov.. 발레. 백과 사전. - 중.:. 1981 .

편집장 Yu.N.

다른 사전에 "고전 유산"이 무엇인지 확인하십시오.-과거의 문화가 보존이 필요한 모방의 대상으로 인식되기 시작한 순간, 즉 헬레니즘을 시작으로 고대와 관련된 고대 고전의 상속에 대해 이야기 할 수 있습니다. 하이킹을 하다가...... 고대의 사전

고전 예술- 좁은 의미에서는 고대 그리스의 예술과 고대 로마, 고대 전통을 직접 기반으로 한 르네상스와 고전주의 예술; 더 넓은 의미에서 예술이 부상하는 시대의 가장 높은 예술적 성취와… 미술백과사전

자이체프, 알렉산더 이오시포비치- Wikipedia에는 Zaitsev, Alexander라는 다른 사람들에 대한 기사가 있습니다. Zaitsev Alexander Iosifovich A.I. 1974 년 Zaitsev 생년월일 : 1926 년 5 월 21 일 (1926 05 21) 출생지 ... Wikipedia

소련. 문학과 예술- 문학 다국적 소비에트 문학은 질적인 면을 대표한다. 새로운 무대문학의 발전. 하나의 사회적, 이념적 지향으로 통합된 하나의 명확한 예술 전체로서 공동체는… 위대한 소련 백과사전

안드레예프, 유리 빅토로비치- Wikipedia에는 같은 성을 가진 다른 사람들에 대한 기사가 있습니다. Andreev를 참조하세요. Wikipedia에는 Andreev, Yuri라는 다른 사람들에 대한 기사가 있습니다. 유리 빅토로비치 안드레예프 ... 위키피디아

유리 빅토로비치 안드레예프- Andreev Yuri Viktorovich (1937년 3월 3일, 레닌그라드 1998년 2월 17일, 상트페테르부르크) 소련, 러시아 고대 유물 역사가, 역사 과학 박사(1979), 상트페테르부르크 대학교 교수, 100편 이상의 과학 작품 저자 에 ... ... 위키피디아

타라소바, 엘레나 겐나디에브나- Wikipedia에는 같은 성을 가진 다른 사람들에 대한 기사가 있습니다. Tarasova를 참조하세요. 엘레나 타라소바 [[파일... 위키피디아

러시아 소비에트 연방 사회주의 공화국-RSFSR. 나. 일반 정보 RSFSR은 1917년 10월 25일(11월 7일)에 창설되었습니다. 북서쪽으로 노르웨이, 핀란드, 서쪽으로 폴란드, 남동쪽으로 중국, MPR, 북한과 국경을 접하고 있습니다. 소련에 속한 연합 공화국: W.에서... ... 위대한 소련 백과사전

마린스키 극장의 레퍼토리- 주요 기사: 마린스키 극장 레퍼토리 마린스키 극장최근 몇 년 동안 제작되었으며 그 뒤에 오랜 전통이 있는 수많은 작품이 포함되어 있습니다... Wikipedia

프리들랜더, 게오르기 미하일로비치- 게오르기 미하일로비치 프리들랜더 생년월일: 1915년 2월 9일(1915 02 09) 출생지: 러시아 제국 키예프 사망일: 1995년 12월 22일(...위키피디아

서적

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문화적 회귀와 발레의 서사적 성격

지난 10년 동안 현대 문화 호모 사피엔스는 필요한 정보를 편리하고 쉽게 검색할 수 있는 인터넷의 혁신적인 기능에 익숙해졌습니다. 그러나 인생은 무엇보다도 문화생활, 90년대 후반부터 인터넷에 반영되었습니다. 그리고 90년대 이전에 일어난 일에 대한 반영은 주로 도서관의 종이판에 저장되어 있으며 인터넷에서는 매우 잘 표현되지 않습니다. 그러나 이러한 출판물에는 반환될 수 있고 반환되어야 하는 흥미롭고 중요한 것들이 많이 있으며, 이는 또한 우리의 문화유산이기도 합니다.

물론 도서관에 가는 것은 문제가 되지 않습니다. 하지만 과거 예술에 관한 종이 저널리즘에서 무언가를 '가상' 공간으로 끌어오는 것도 유용하고 필요하다고 생각합니다. 결국, 과학적으로 말하면 문화는 본질적으로 이러한 유형의 회귀, 즉 자기 재생산을 위해 끊임없이 자신의 문화유산으로 전환하는 과정입니다.

최신 디지털 스캐너와 기타 전자 장치를 사용하여 컷 아래에 뛰어난 발레 인물 P.A.의 흥미롭고 관련성이 높은 기사 "과거의 걸작 저장"을 디지털 형식으로 재현했습니다. 잡지 "Soviet Ballet"(1983, No. 4)의 Gusev. 이것은 을 가진 것입니다.

제목에서 알 수 있듯이 이 기사는 과거 문화유산, 특히 클래식 발레 유산을 재현하는 주제를 다루고 있습니다. 동시에, 고전 작품에 대한 혁신적인 해석이 끝나고 '혁신적인' 자의성이 시작되는 경계에 대한 의문이 제기되는데, 이는 다른 유형의 예술에도 적용됩니다. Gusev 자신이 항상 "보수적이고 전통주의자"인 것은 아니었기 때문에 기사는 "마음의 피"로 작성되었습니다.

그러므로 나는 이 기사가 문화의 죽음에 대한 노인성 투덜거림의 예가 아니라는 점을 분명히 강조할 것이다. P. A. Gusev는 자신이 가장 좋아하는 발레를 매우 객관적으로 바라보며 내가 서사시라고 부르는 발레의 특징을 강조합니다. 즉, 서면 언어가 없었고 서사시 이야기가 입에서 입으로 전달되었던 고대 구전 즉흥시의 품질 특성은 집단적 창의성의 결실에 가깝습니다. 현대 발레또한 자체적인 '발레 작문이나 댄스 노트'가 없으며 안무는 여전히 '발에서 발로' 구식 방식으로 전수됩니다. 라고 예상할 수는 있지만 현대 비디오그리고 다른 디지털 기기들이 발레 유산을 녹음하면서 이러한 상황을 바꾸고 있습니다.

아마도 Grisha Perelman이 고전 무용의 공식화에 도움이 될까요?

과거의 걸작을 보존하다

피터 구세프,
RSFSR의 명예 예술가, 교수
"소비에트 발레단"(1983, No. 4)

SB 편집자로부터:안무 예술에서 고전 유산을 보존하고 연구하는 문제는 이론적, 실제적 측면 모두에서 많은 측면을 가지고 있습니다. 물론, 우선 '고전유산의 보존'이라는 개념에 무엇이 포함되는지를 판단하는 것이 필요하지만, 이 분야와 관련된 문제의 범위는 훨씬 더 넓습니다. 여기에는 민속 및 관계 샘플 수집이 포함됩니다. 현대 안무과거 거장들의 작품, 무대 작품의 실제 안무 텍스트를 구성하는 것이 무엇인지에 대한 설명. 어느 정도 여기에는 고정 방법 개발도 포함됩니다. 포함 이 문제미래의 무용가 양성, 공연 스타일 개발, 창의적 개성 발굴을 위한 방법에 대한 질문이다. 실제로는 많은 수의 현재 문제이론과 실제 현대 개발안무 예술은 고전 유산을 보존하고 연구하는 주제에 중점을 두고 있습니다. 잡지 "Soviet Ballet"의 페이지에는 이미 유산 문제에 관한 자료가 출판되었습니다. 편집자들은 과거의 거장들이 우리에게 남긴 유산에 대한 태도와 관련된 기사와 편지를 계속해서 받습니다. 저자가 제기한 질문은 특별히 발레에 관한 것이 아닙니다. 그들은 예술의 전통과 혁신 개념, 복잡하고 긍정적인 변증법적 성격의 일반 원칙으로 돌아갑니다. 고착을 모르는 무용 예술에서 그들의 해석은 특별한 신랄함을 띠고 때로는 발전 경로를 평가하고 이해하는 데 논쟁을 불러일으키는 것이 당연합니다. 소련 안무의 유명한 거장인 RSFSR의 명예 예술가, N.A.의 이름을 딴 레닌그라드 음악원 안무과 컨설팅 교수의 잡지 기사를 이번 호 페이지에 게재함으로써. Rimsky-Korsakov P. Gusev와 A. Ya. 인민 예술가편집자인 소련 K. Sergeev는 안무의 대가이자 폭넓은 청중의 대표자인 독자들을 초대하여 고전 유산을 보존하고 연구하는 문제에 대한 대화에 참여하도록 합니다.

발레극장이 직면한 영원한 문제 중 하나는 무엇을 어떻게 보존하고, 무엇을 어떻게 창조할 것인가이다.

3세기 동안 기록 방법이 없었던 예술에 대해서는 이것이 논쟁의 여지가 없는 것 같습니다. 어떻게든 과거를 알기 위해서는 모든 것이 보존되어야 합니다! 기록의 부족은 우리 예술의 비극이다. 우리는 누가, 어디서, 무엇을, 언제 작곡하고 연출하는지 알지만 어떻게 하는지는 모릅니다. 우리는 Noverre, Vigano, Didelot 및 기타 거인들이 걸작을 만드는 데 어떤 표현 수단을 사용했는지 결코 알 수 없습니다. 과거의 잊혀진 발레에서 대본, 악보, 풍경 스케치 및 일부 의상이 남아 있습니다. 당신은 그들에게 돌아갈 수 있습니다. 동시대인들을 열광시켰던 안무는 소멸되어 복원될 수 없다. 그러나 발레의 표현수단이 발전하는 과정을 이해하기 위해서는 안무 텍스트의 구체적인 원본에 대한 지식이 필요하다. 이것이 없으면 무용의 과학은 매우 느리게 발전합니다. 그리고 우리가 추측, 가정, 추측, 때로는 허구를 통해 알고 있는 주제에 대해 어떤 종류의 과학이 있을 수 있습니까? 이것은 수세기 동안 무용을 녹음할 수 있었던 영화가 출현하기 전의 경우였습니다. 오늘날 안무 텍스트 원본에 대한 자료 부족은 강요된 것이 아니라 잘못된 관리입니다. 오래 전에 돌이킬 수 없게 잃어버린 것이 아니라 극장에 어떻게든 보존되었거나 공동의 노력을 통해 여전히 기억될 수 있는 것을 의미합니다.

우리는 우리 안무를 홍보하고, 러시아 발레의 국가적 존엄성과 주권을 강화하고, 러시아 안무의 위대한 과거를 위해 많은 노력을 기울인 소련 역사가들과 발레 이론가들에게 경의를 표해야 합니다. 그러나 문화재 보존 문제를 이해하는 데에는 다른 견해가 있습니다. 다양한 입장에서는 가장 정의된 두 가지에 초점을 맞췄습니다. 하나는 모든 상황에서 안무 텍스트의 불가침성을 요구하고, 다른 하나는 유산의 안무를 지속적으로 수정하는 것이 필요하다고 생각합니다.

실제로 유산은 어떻게 되나요?

소련 발레는 러시아 발레로부터 40개 이상의 발레를 물려받았다. 8개만 남았습니다. 이 중 덴마크에서 옮겨온 Chopiniana와 La Sylphide만이 리메이크되지 않았습니다. "가장 큰 영향을 받은 사람" 백조의 호수": 발레는 34가지 버전과 에디션으로 공연됩니다. M. Petipa-L. Ivanov의 원래 안무를 완전히 복원하는 것은 거의 불가능합니다.

많은 발레 베테랑들의 다년간의 노력의 결과, 우리는 10개 이상의 헤리티지 발레와 7개 이상의 공연의 일부에 대한 완전히 독창적인 안무 텍스트를 알고 있습니다. 이것은 엄청난 부입니다! 그러나 이 모든 것은 점차 잊혀지고 있으며 모든 독특한 자료의 녹음과 출판은 개별 극장의 입장, 전문가와 함께 죽어가는 독특한 자료의 운명에 대한 무관심으로 인해 방해를 받고 있습니다.

소비에트 시대에 볼쇼이 극장 바테는 고전 안무 유산의 관리인이 아니었습니다. 이 발레의 새로운 버전이 이곳에서 공연되었으며 A. Gorsky에 의해 크게 변경되었습니다. 그의 버전 중 "Don Quixote"(원래 M. Petipa 작곡)와 "The Little Humpbacked Horse"(원래 A. Saint-Leon 작곡, Petipa가 기억에서 복원한 후 Gorsky가 리메이크)만이 극장에 퍼졌습니다. Gorsky의 다른 고대 발레 버전은 볼쇼이 극장 무대에서만 공연되었습니다. 동시에 S. M. Kirov의 이름을 딴 레닌그라드 오페라 및 발레 극장에 의해 보존된 고대 발레의 원본이 전국에 배포되었습니다. 결과적으로, 클래식 발레 유산에 대한 가장 큰 책임은 그에게 있습니다. 여기에는 러시아 최초로 Vain Precaution, Giselle, Corsair 및 Esmeratda가 표시되고 보관되었습니다. 혹등고래 꼬마말, 백조의 호수, 레이먼다, 잠자는 숲속의 공주 등이 이곳에서 탄생하고 퍼졌다. “호두까기 인형”, “라 바야데르”, “할리퀴나드”, “탈리스만” 등. <지젤>을 제외한 레퍼토리에 남아 있는 공연들은 작가의 원작과는 거리가 멀다. "La Bayadère"(V. Chabukiani 편집)는 다시 장착되어 발레 안무 극작의 정점인 마지막 막을 박탈당했습니다. "백조의 호수"(K. Sergeev 편집)는 혼란스러워 보입니다. Rothbart의 부분은 Asaf Messerer의 버전에서 빌려왔고, Jester의 부분은 볼쇼이 극장의 Gorsky 버전에서, 마지막 막의 폭풍 장면은 F Lopukhov의 버전에서, 그리고 첫 번째 막에서 왕자의 솔로는 그곳 출신이지만, 그럼에도 불구하고 그들의 저자는 알려지지 않았습니다.

The Sleeping Beauty (K. Sergeev 편집)의 손실은 특히 눈에 띕니다. 여기에서 전체의 건축학이 손상되고 Petipa 춤의 화려한 세부 사항이 사라졌으며 Petipa의 세 가지 훌륭한 앙상블이 변경되었습니다. - pas de sis feuille 프롤로그에서는 1막의 네 왕자와 함께하는 Aurora pas d'axion, 그림 "Nereids", 다양한 솔로 댄스에 수십 개의 작은 것들이 포함되어 있으며, 예를 들어 여러 댄스가 새로 구성되었습니다. "Tom Thumb"(K. Sergeev 편집).

잠자는 숲속의 미녀의 최고 버전과 프티파의 안무가 충실히 복원된 볼쇼이 극장에서도(완전히 잊혀진 그림인 '사냥'과 '사라반드'를 제외하고), 안타깝게도 프롤로그 시작 부분의 미사 구성이 아쉽게도 다시 작성되었고 Désiré 왕자의 활동적인 댄스 앙트레가 삽입되었습니다 (Yu. Grigorovich 편집). 그러나 Perrault의 동화, Vsevolozhsky의 대본, Tchaikovsky의 음악, Petipa의 안무 및 연출에는 적극적으로 행동하는 Désiré가 없습니다. 요점은 그에게 있지 않고 행복을 위해 싸우는 능력이 아니라 투쟁에 있습니다. 선과 악의 강력한 세력을 요정 라일락과 카라보스로 의인화했습니다. 역할 연기자 V. Vasiliev가 "Giselle"에 동일한 앙트레를 삽입할 수 있었던 것은 Desiré 해석의 자유가 아니었을까요? 아마도 그는 안무가로서 V. Vasiliev 자신이 작곡 한 텍스트에 대한 그러한 대우를 거의 좋아하지 않았을 것입니다.

춤은 노래, 시, 음악보다 훨씬 더 나쁘게 기억됩니다. 거의 모든 사람이 시의 가사, 노래의 멜로디, 오페라 아리아에서 사소한 왜곡을 발견할 수 있습니다. 그러나 발레 공연 안무의 중요한 변화조차 포착하는 사람은 거의 없습니다. 그렇기 때문에 발레에서 진실을 증명하는 방법은 단 하나뿐입니다. 적절한 설명과 함께 다양한 버전을 동시에 차례로 보여주는 것입니다. 1977년 바르나에서 열린 제1회 국제 교육학 세미나에서의 이러한 경험은 큰 성공을 거두었습니다. 발레예술의 과거와 현재를 이해하는 데 도움이 되도록 전국적으로 확산시켜야 한다.
고대 안무 예문의 텍스트에 간섭을 적게 할수록 이 작품에 대한 관심은 높아지고, 이를 통해 관객은 시간과 그 매력을 알게 된다. 고대 발레 중에는 아이디어, 내용, 줄거리, 형식, 특히 안무가 보존될 가치가 있는 발레도 있었습니다. 그들은 이념적, 예술적 고려로 인해 사망한 것이 아니라 부수적인 상황으로 인해 또는 플롯, 음악, 안무 등에 대한 우리의 개입의 결과로 사망했습니다.

고대 발레의 안무 변경에 대한 우리의 항의는 대본과 음악 또는 음악만을 사용하여 우리 방식으로 공연을 재구성하려는 의도에는 적용되지 않는다는 점을 명시해야 합니다. 이것은 모든 주요 안무가의 권리입니다. 그러나 이 경우에도 새 버전의 작성자는 그 모습이 필연적으로 이전 버전의 죽음으로 이어질 것이라는 점을 기억해야 합니다. 그리고 오래된 것이 현대에 필요한 장점을 여전히 가지고 있다면, 그것을 기다려서 보존하고 현대적인 작품 창작에 창의적인 노력을 기울이는 것이 더 좋습니다.

아쉽게도 그렇지 않습니다 공통점헤리티지 발레에 대한 관점. 나는 소련 발레와 함께 유산을 익히는 험난한 길을 모두 겪었습니다. 오해를 공유하면서 그는 많은 죄를 정당화했으며 자신의 실수와 주변 사람들의 슬픈 경험을 통해 헤리티지 발레가 "편집"이 필연적으로 안무의 논리를 위반하고 아이디어의 왜곡을 초래하는 방식으로 설계되었다는 것을 확신했습니다. , 공허하게.

한때 나는 헤리티지 발레를 누가 어떻게 개정하는지가 핵심이라고 생각했습니다. 인생은 그러한 입장의 원칙이 없음을 보여주었습니다. 위대한 대가들이 전임자들의 작품을 더 고의적으로 대할수록 모방자들은 더 파괴적으로 행동하고 공연자들은 완전한 자유를 얻어 옛 발레와 새 발레의 안무 텍스트를 그들의 변덕에 종속시킵니다.

발레 공연이나 안무를 복원하는 것은 항상 팀 노력입니다. 포스터는 대개 배우들과 함께 검색어를 결합하고 역할을 배우는 사람입니다. 예를 들어 1923년 키로프 극장의 레퍼토리에서 제외된 "Harlequinade"를 예로 들어 보겠습니다. 1961년 1월, 38년 동안 존재하지 않았던 노보시비르스크 극장의 Harlequinade를 복원하는 작업이 시작되었습니다. Harlequin 역할을 맡은 가장 나이 많은 연기자 B. Shavrov는 발레단에 이르기까지 모든 부분의 오래된 연기자들을 모아 대규모 베테랑 그룹을 이끌었습니다. ). 1963년에 샤브로프는 자료 수집을 마쳤지만 연극 제작은 이루어지지 않았습니다. 3년 후, 레닌그라드 실내발레단이 할리퀴나드로 돌아왔습니다. 그리고 Shavrov는 다른 사람들과 함께 공동 노력을 통해 복원된 Petipa의 안무를 예술가들에게 가르쳤습니다. 미장센은 부분적으로만 기억되었다. 연습에 따르면 미장센은 일반적으로 춤보다 복원하기가 훨씬 더 어렵습니다. 무언극 에피소드에서는 배우들이 즉흥적으로 연기하는 경우가 많았으며, 뛰어난 연기자여기서 변경사항을 적용했습니다. 의미만 보존되었고 공통적인 특징. 1975년 챔버 발레단에서 2년 동안 활동한 후 "알레키나드"는 레닌그라드 말리 오페라 및 발레 극장으로 이관되어 다시 확인되고 재확인되었습니다. 일부 미장센은 O. Vinogradov에 의해 완성되었지만 M. Petipa의 원래 안무는 전체적으로 공동 작업의 결과로 보존되었습니다.

복원자는 높은 수준의 일반 및 전문 문화를 요구하는 특히 복잡한 직업입니다. 고전 유산을 알려면 이를 구체적으로 수행해야 하며, 부활시키려는 작품의 안무가가 만든 모든 것, 시간과의 연관성, 이상, 취향, 성향, 스타일, 어휘 및 사용 방식을 연구해야 합니다. 복원은 시간과 인내, 인내가 필요한 힘든 작업입니다. 수신된 모든 정보를 여러 번 확인하고 이를 우리에게 알려진 이 저자의 다른 작품과 비교해야 합니다. 즉, 매번 꼼꼼한 텍스트 분석을 수행해야 합니다. 단 하나의 동작이라도 찾는 데 시간과 노력을 아끼지 마세요. 그것이 핵심이 될 수도 있습니다. 때로는 참전 용사들의 기억 속에서 찾아야 할 때도 있습니다 발레 무대은퇴한 지 오래되어 현재 거주하고 있는 사람 다른 도시당신이 찾고 있는 독창적인 안무를 손에 쥐고 있다는 자신감을 얻기 전에는 말이죠.

모든 유형의 예술에서 "복원"이라는 단어의 의미는 원본을 복원하는 것입니다. 발레에서만 편집, 즉 작품 수정, 작가와의 논쟁, 작가와의 불일치로 이해됩니다. 더욱이, 이전 편집자의 작업을 부인하는 각 후속 편집자는 저자의 텍스트로 돌아가려고 하지 않고 그 유골에 자신의 텍스트를 적용합니다. 기본적으로 제목, 줄거리, 음악은 유지하지만 안무는 유지하지 않습니다.

헤리티지 발레에 대한 우리의 개입은 다양합니다. 서로 다른 목표를 설정하고 원작에서도 다르게 반영된다는 점에서 차별화된 것으로 보아야 한다. 우리는 전통적인 발레 동작 없이 동작이 이해될 수 있고 거부가 예술적 가치를 박탈하지 않고 안무에 영향을 미치지 않는 경우 전통적인 발레 동작을 포기했습니다. 그러나 La Bayadère와 La Sylphide에서는 그러한 사소한 변화조차도 불가능하며 그곳에서 그 보존은 무슨 일이 일어나고 있는지 이해하고 인식하는 데 방해가 되지 않습니다. F. Lopukhov가 Giselle에서 한 것처럼 우리는 때때로 예술적 의미가 없는 무언극 장면을 잘라내고 액션의 발전을 늦추어 Wilis에 대한 Mother와 Hans의 이야기를 고통 없이 제거했습니다. 이는 안무 텍스트와는 아무런 관련이 없습니다. 우리는 때때로 M. Petipa와 A. Gorsky 발레의 거의 모든 막에서 항상 발생하는 엄숙한 행진을 단축해야합니다. 이 행진은 다음을 위해 설계되었습니다. 엄청난 양참여, 풍성한 의상의 전시 등은 모든 극장에서 가능한 일이 아니며 순수연출의 영역으로 안무 텍스트의 변경과 관련이 없습니다.

동시에, 무언극 장면을 대체하면서 우리는 대규모 스토리 발레에서 무언극과 댄스의 비율을 엄격하게 평가하고, 다막 발레를 춤만으로 해결하는 것이 비실용적이라는 사실을 때때로 잊어버립니다. 무언극을 대체하려는 수많은 시도 중에서 나는 A. Vaganova가 효과적인 춤으로 전환 한 Odette와 Siegfried의 첫 만남이라는 단 하나의 성공만을 알고 있습니다.

데지레 변주곡의 프티파(Petipa)나 잠자는 숲속의 미녀의 라일락 요정 부분인 루시앙 변주곡(파키타)의 경우처럼 초연자의 잘못으로 실현되지 못한 작가의 의도를 복원하기도 합니다. 권리뿐만 아니라 회복자의 의무도 있습니다. 그러나 이는 저자의 텍스트를 재작업한 것이 아니라 저자가 의도한 내용을 복원한 것입니다. 예를 들어 A. Shiryaev는 리허설 방법을 보여주었습니다. 화려한 그림춤추는 요정 라일락과 함께하는 "Nereids". 불행하게도 이 독특한 자료는 제대로 활용되지 않고 있습니다. (자료는 F. Lopukhov에 의해 레닌그라드 음악원 안무가 부서로 전송되었으며 저장되어 모든 사람에게 표시될 수 있습니다.)

우리는 가끔 오래된 발레에 새로운 춤을 삽입하기도 합니다. 춤이 부족한 유산 공연이 없었기 때문에 설명하기가 어렵습니다. 대형 발레에서는 고전무용, 특징무용, 그로테스크무용, 역사적 무용의 비율이 엄격하게 균형을 이룬다. 재미 있고 다양하며 효과적인 모든 것이 고려되었습니다. 분위기의 변화, 서정적, 극적, 코미디 에피소드 및 춤의 대조는 고전 안무 중에서 우연이 아닙니다. 비율을 변경하면 전체 구성이 중단됩니다. 게다가 새로운 춤은 종종 낯설어 보이기도 합니다. 이렇게 할 필요는 없지만 여기서는 작가의 안무에 대한 시도가 없고 새로운 숫자가 추가된 것뿐입니다. 그러나 설명할 수 없는 이유로 우리가 각 댄스 내에서 문구, 개별 동작의 조합, 그림, 부분적으로 작가의 자료를 남기고 부분적으로 우리의 자료를 부과하는 등 안무 작가의 텍스트에 대해 다른 태도가 있습니다. 동시에, 춤의 개념이 무시되고, 형태가 무너지고, 안무의 주제가 붕괴된다. 그 결과, 댄스 프레이즈는 시적인 일반화 대신에 설명성이 나타나며, 그 고유성을 상실하게 된다. 이 작가에게움직임의 논리. 그러나 단지 누군가가 그 텍스트가 흥미롭지 않거나 효과가 없다고 생각하기 때문에 기존 작가의 작품의 구조를 "씹어먹는" 것은 다른 사람의 시에 자신의 시를 쓰는 것과 같으며, 다른 사람의 음악에 자신의 멜로디를 쓰는 것과 같습니다. 이것이 바로 우리의 단호한 항의를 야기하는 동시에 법적으로나 윤리적으로 용납할 수 없고 설명할 수 없는 행위를 야기하는 것입니다.

춤을 작곡하는 것은 복잡한 창작 과정입니다. 삶의 현상에 대한 안무가의 조형적 시각, 그의 개성, 시간감각을 표현한다. 저자는 각 댄스 프레이즈에 대해 가능한 유일한 해결책을 찾기 위해 얼마나 많은 잠 못 이루는 밤을 보냈습니까? 그리고 발레리나가 리허설에 와서 이렇게 말합니다. “나는 투어를 좋아하지 않습니다. 차라리 파드채팅을 하고 싶은데, 정말 아름다워요.” 또는 심지어 초대받지 않은 편집자가 나타나 그의 취향에 따라 "빠른 속도로 자르기" 시작하는 경우도 있습니다. 그리고 작가의 생각, 성격, 자기 표현은 어떻습니까?

V. Mayakovsky의 말을 기억하십시오.

시 -
동일한 라듐 채굴.
그램당 생산량,
연간 노동.
괴롭히는
그 한마디 때문에
수천톤
언어 광석.

재능 있는 사람은 자신의 말을 전하는데, 그 누구도 대신해 주지 않을 것입니다. 이것이 우리가 소중히 여겨야 할 것입니다. 일어나지 않는다 재능있는 사람들똑같이 생겼고, 이 얼굴은 사람들의 부입니다.

다른 작가의 안무 텍스트를 편집하고 변경함으로써 "현대화" 지지자들은 실제로 고전 무용의 한 동작을 동일한 무기고의 다른 동작으로 대체하고 있습니다. 그들은 일반적으로 "극장은 박물관이 아니다"라는 말로 개입을 정당화하며 오래된 발레는 지속적으로 "업데이트"되어야 합니다. 이것은 단지 유산을 돌보는 모습일 뿐이며 원칙이 될 수 없습니다! 극장은 박물관이 아니고 필하모닉도 박물관이 아니지만, 클래식 음악을 동시대인의 귀에 더 잘 맞도록 "업데이트"하는 사람은 아무도 없습니다. 그리고 과거의 영적 문화를 알고 싶어하는 청취자와 관객이 점점 더 많아지고 있습니다. F. Lopukhov는 발레 극장이 박물관이자 학교이자 실험실이라고 주장했을 때 옳았습니다.

현대 독서에 대한 진정한 이해는 자료에 최대한 가까워지고 새로운 수준의 지식을 이해하려는 욕구입니다. 이는 저자의 생각을 대체하는 것이 아니라 우리 시대에 가까운 생각에 대한 관심입니다. 이는 작가 생각의 모든 다양성 속에서 현대적인 공연, 연출, 장면 기술을 통해 작품을 가장 표현적으로 표현하는 방법을 찾는 것입니다. 고전은 아직 완전히 이해되지 않았습니다.

유산에 관한 모든 논의에서 고대 발레의 개작을 옹호하는 사람들은 전체, 즉 발레 공연과 안무 텍스트 사이의 구별을 이해하지 못하는 척합니다. 그들은 20년마다 드라마 공연을 수정해야 한다고 말한 K. Stanislavsky를 언급합니다. 반복합니다. 연극의 텍스트가 아니라 공연입니다! G. Tovstonogov는 꼼꼼한 정확성으로 재현된 과거 최고의 성능조차도 필연적으로 죽을 것이라고 말한 것으로 인용되었습니다. 그러나 그는 극의 텍스트가 아닌 퍼포먼스에 대해 이야기하고 있으며, 과거 작품의 텍스트에 개입을 요구하는 곳은 어디에서도 없다.

많은 사람들은 “유산의 비판적 발전”이라는 말을 오해하고 있습니다. 문학 및 기타 예술 분야에서 이것은 전체 광대한 유산에서 선별된 작품입니다. 자신만의 방식으로 변형하지 않고, 시간의 관점에서 작품을 선택하고 분석한다. 우리는 G. Derzhavin을 출판합니다. 푸쉬킨 시대의 시인 D. Fonvizin은 언어의 모든 고풍을 담고 있습니다. 그렇지 않으면 그들의 시대가 아닐 것입니다. 우리는 L. Tolstoy를 60권으로 출판하며, 모든 단어를 소중히 여기며 하나님의 위대함에 대한 그의 생각을 멈추지 않습니다. 그렇지 않으면 톨스토이도 아니고 그의 시대도 아닐 것입니다. V.I. 레닌은 위대한 예술가-심리학자가 어디에 있는지, 그리고 "그리스도 안에서 어리석은 작은 바보"가 어디에 있는지 알아내라고 가르쳤습니다. 우리는 이 거대한 성격과 당시의 영적 세계를 올바르게 이해하기 위해 톨스토이에 대한 모든 것, 절대적으로 모든 것을 알고 싶습니다.

그러나 역대 최고의 안무가들도 당시의 진보된 사상을 바탕으로 작품을 창작했다. 그들의 창의성은 인간의 영적 활동, 즉 상상의 세계의 일부입니다. 춤에서 찰나의 시간을 보존하고 영속시키고 아름다움과 우아함이 담긴 안무 디자인을 창조하려는 열망에 집착하는 사람들이 아니었다면 과거에 대한 우리의 생각은 헤아릴 수 없을 정도로 가난하고 건조했을 것입니다. M. Petipa의 작품에는 지적 힘, 경이로운 기술, 조화, 그리고 동시에 폭풍우가 치는 인간의 열정이 있습니다. 왜 인간 정신의 다양성을 보여주는 이러한 기념물을 왜곡하거나 파괴합니까? 이것은 일종의 영웅주의, 즉 파괴를 통해서도 유명해지려는 욕망에 지나지 않습니다.

어떤 경우에도 저작물시간은 단 한 줄도 바꾸지 않았습니다. 하지만 우리는 책을 읽을 때 60년 전 독자들이 울었던 곳에서 가끔 웃기도 합니다. 우리는 작품이 아니라 변화합니다. 우리와 저자 사이에는 시간이 있으며, 우리와 저자 모두를 가르칠 권리를 스스로 떠맡는 중개자가 아닙니다. 책을 읽고, 그림을 보며, 스스로 선택하고 선택합니다. 연극과 음악에서는 감독, 지휘자, 배우가 이를 수행합니다. 수천 명의 사람들에 대한 그들의 해석은 계시이거나 손실입니다. 퍼포먼스는 언제나 해석이다. 텍스트, 음악, 안무를 재구성하는 것이 아닌 해석입니다. 우리는 E. Mravinsky의 콘서트에갑니다. 그가 D. Shostakovich를 왜곡 할 수 있다는 생각조차 허용하지 않습니다. 우리는 E. Mravinsky와 D. Shostakovich의 공동 창작을 이해할 것입니다.
모든 유형의 인간 활동에서 교육은 과거 지식의 필수 축적, 보존, 연구 및 사용이 필요한 사실에 대한 지식입니다. 많은 극장과 학교의 한 세대 이상의 예술가와 학생이 원본이 아닌 "개작"을 통해 성장했다는 것은 창의적인 인력을 양성하는 우리의 전체 시스템과 모순되지 않습니까?!

왜 그럴까요? 우리 자신이 발레에 대한 경멸적인 태도를 불러일으켰기 때문이고, 우리 예술 형태로 창조된 모든 것은 순전히 일시적인 현상이며, 어떻게든 존재하기 위해서는 계속해서 시대의 취향에 적응해야 한다는 점을 분명히 했기 때문입니다. 그러나 사실은 그렇지 않다고 말합니다. 오페라가 100년 후 몬테베르디로 돌아왔듯이 요즘 발레도 La Sylphide, Naples, Esmeralda, Evenings of Ancient Choreography, A. Ponchielli의 오페라 La Gioconda에 나오는 Petipa의 놀라운 춤 레퍼토리를 포함하여 낭만적인 공연으로 돌아왔습니다. 키시나우의 E. Kacharov에 의해 복원됨).

한 세기 동안 전 세계의 표준이 되어온 러시아 발레는 연구하고 사용할 가치가 있는 모델을 만들었고, 변화의 필요성을 주장함으로써 발레 극장의 장점이 오직 발레 극장에서만 나타났음을 지적합니다. 편집자들 덕분에 우리 시대.

러시아 발레는 세계 문화의 가장 큰 현상 중 하나입니다. 소비에트 발레가 창조한 모든 중요한 것은 표현수단, 내용, 인간성의 연속성에 기초를 두고 있다. 최고의 생물과거. 우리가 물려받은 고대 발레는 그 내용과 표현력에 대한 경멸적인 평가를 반박합니다.

유산을 불신하고 개정을 요구하는 동시에 전통과 러시아 고전 무용 학교의 옹호자 역할을 할 수는 없습니다.
다른 사람의 작품도 리메이크한 것으로 알려진 전임자들의 행동에 대한 언급은 발레 역사의 진실과 일치하지 않습니다. 오히려 발레 공연을 한 나라에서 다른 나라로 옮기려는 가장 큰 안무가들의 소망을 증언합니다. 안무의 풍부함을 보존하는 것은 불행하게도 기억과 수공예 기록에만 의존하여 필연적으로 손실을 초래하고 전체를 보존하기 위해 잊혀진 부분을 완성해야 했습니다. 따라서 F. Taglioni의 가장 유명한 낭만 발레 공연 인 "La Sylphide"는 다른 안무가가 다른 음악으로 러시아와 덴마크로 "이전"한 안무가 동일하고 미장센이 거의 동일한 것으로 판명되었습니다. ! A. Saint-Leon의 "Coppelia"와 J. Dauberville의 "A Vain Precaution"은 A. Gorsky 감독의 모스크바와 M. Petipa의 상트 페테르부르크에서 상연되었으며 춤과 춤이 너무 일치했습니다. 공연자들이 재교육 없이는 두 도시를 순회할 수 있는 무대를 마련했습니다!

Gorsky와 Petipa는 포스터에 이 발레를 작곡했다고 쓰지 않았습니다. 그들은 발레를 상연했는데, 이는 사실이었습니다.
M. 프티파는 헤리티지 발레를 다루는 원칙의 문제를 고려할 때 가장 중요한 인물이다. 러시아 발레의 역사에서 Petipa는 유산 가치의 축적, 보존 및 사용에 수년을 바친 수집가였으며 여전히 남아 있습니다.

1892년에 페티파는 재능 있는 안무가가 이전 발레를 재개하면서 자신의 상상에 따라 새로운 춤을 작곡할 것이라고 썼습니다. 그리고 5년 후인 1897년 인터뷰에서 그는 이렇게 말했습니다. 취약성으로 인해 클래식 발레… 클래식 발레 작품이 발레 작품과 동일한 보호와 존경을 받아서는 안 되는 이유는 무엇입니까? 유명한 오페라아니면 드라마? Petipa가 Gorsky가 돈키호테를 변경한 것에 얼마나 화가 났는지 잘 알려져 있습니다.

Petipa의 동지들과 학생들은 자신과 다른 사람들의 발레를 되살릴 때 모든 옛 공연자들을 모아 그들의 도움으로 안무 텍스트를 회상했으며 그가 말하고 쓴 것과는 달리 전임자들의 안무를 다시 만들지 않았다고 주장했습니다. 자신이나 그의 조수는 원본을 알고있었습니다. 주인은 알려진 것을 다시 만들지 않고 잊혀져 복구할 수 없는 것을 완성했습니다. 그리고 그는 다른 사람의 발레를 복원하면서 때때로 "페티파의 작품"을 썼지만, 그의 작품에서 일반적으로 공식화되는 "페티파의 작품"은 쓰지 않았습니다. 원작. 그리고 Petipa가 가장 어려운 일은 다른 사람의 것을 자신의 것처럼 돌보고 개인을 저자의 이익에 종속시킬 수 있다고 말한 것은 우연이 아닙니다.

종종 변경에는 다음이 포함됩니다. 새로운 해석이미 혼란스러운 과거와 현재의 주요 배우들이 만든 유산의 이미지 어려운 질문. 그들은 여러 파티를 위한 새로운 공연 전통을 확립하고 우리에게 가까운 이미지의 특징을 강조하여 그들만의 특별한 콘텐츠로 채웠습니다. 그러나 안무 텍스트는 변경되지 않았습니다. 많은 배우들의 유산 이미지 해석은 공연 예술을 풍요롭게 하지만 안무 텍스트의 변경과는 아무런 관련이 없습니다. 또한, 기존 단계와 조합을 수행하기 위한 새로운 기술적 기법이나 동일한 동작의 기술적 강화는 텍스트 변경으로 인한 것일 수 없습니다.

연주자의 창의적 독창성과 의지 사이의 경계가 명확하게 정의되어야 합니다. 안무가, 교사, 교사는 배우 검색을 올바르게 지시하고 제때에 중지할 수 있어야 합니다. 그들은 유산이 붕괴되지 않도록 보호하고 작가와 그에게 맡겨진 작품의 이익을 보호할 의무가 있습니다.

위의 모든 질문은 두 가지 질문으로 요약될 수 있습니다.
— 다른 예술이나 문학과 마찬가지로 안무에도 고전과 고전 작품이 있습니까, 아니면 전혀 없습니까?
- 만약 있다면 누구나 자신의 방식으로 리메이크할 수 있나요? 아니면 다른 예술이나 문학처럼 받아들일 수 없는 건가요?
우리의 대답은 분명합니다.

안무 텍스트는 작성자가 누구이든 불가침의 원칙과 텍스트 변경 금지가 확립되어야 합니다.

애국심과 애국심에 대한 문화 기념물의 가치 미적 교육. 소련 헌법 제68조는 다음과 같이 명시하고 있습니다. “보존에 대한 관심 역사적 기념물그리고 다른 사람들 문화적 가치- 소련 시민의 의무와 책임." 러시아 안무의 고전적 유산은 우리 국가의 자부심입니다. 이 부를 과학적으로 복원하고 주의 깊게 보존하는 것은 우리 양심의 문제입니다.