오케스트라에서 지휘자가 눈에 띄었을 때. 클래식 음악을 이해해 봅시다: 오케스트라에 지휘자가 필요한 이유. 오케스트라가 당신의 말을 듣기 위해서는 힘차게 팔을 흔들어야 합니까?

소위 케이로노미(고대 그리스어에서 유래)를 사용하여 합창단을 통제하는 것이 일반적이었습니다. χείρ - 손과 νόμος -법률, 규칙), 이는 중세 유럽의 교회 공연 관행으로 전달되었습니다. 이러한 유형의 지휘에는 지휘자가 가수에게 템포, 미터, 리듬을 표시하고 멜로디의 윤곽, 즉 위 또는 아래로 움직이는 등을 재현하는 도움으로 손과 손가락의 조절된 움직임 시스템이 포함되었습니다.

바투타는 원래 상당히 거대한 지팡이였습니다. 오케스트라 감독이 비트를 쳐서 바닥에 쳤습니다. 그러한 지휘는 시끄럽고 안전하지 않았습니다. J. B. Lully는 지팡이 끝으로 지휘하는 동안 자신에게 상처를 입혀 치명적인 것으로 판명되었습니다. 그러나 이미 17세기에는 덜 시끄러운 지휘 방법이 있었습니다. 따라서 앙상블에서 연주는 멤버 중 한 명이 주도할 수 있으며, 대부분 바이올린 연주자는 활을 치거나 고개를 끄덕이면서 시간을 세곤 했습니다.

17세기에 일반 베이스 시스템이 등장하면서 지휘자의 임무는 하프시코드나 오르간에서 일반 베이스 부분을 연주하는 음악가에게 넘어갔습니다. 그는 일련의 코드로 템포를 결정했지만 눈, 머리 끄덕임, 몸짓으로 지시를 내릴 수도 있었고 심지어 J. S. 바흐처럼 멜로디를 흥얼거리거나 발로 리듬을 두드리는 등의 지시도 할 수 있었습니다. 18 세기에 일반베이스는 바이올린 연주로 음색을 설정하고 연주를 중단 한 후 활을 트램폴린으로 사용할 수있는 반주자 인 첫 번째 바이올리니스트의 도움을 점점 더 많이 받았습니다. 18세기에는 복잡한 성악 및 기악 작품을 연주할 때 이중 및 삼중 지휘의 관행이 확산되었습니다. 예를 들어 오페라에서는 하프시코드 연주자가 가수를 제어하고 반주자가 오케스트라를 제어했습니다. 세 번째 리더는 연주한 최초의 첼리스트일 수 있습니다. 베이스 목소리오페라 낭송 또는 합창단 장; 어떤 경우에는 지휘자의 수가 최대 5명에 달할 수도 있습니다.

일반 베이스 시스템이 사라지면서(18세기 후반) 바이올리니스트-반주자의 중요성이 커졌습니다. 19세기에는 특히 무도회장이나 정원 오케스트라에서 단순한 작품을 연주할 때 이러한 지휘 방법이 보존되었습니다. 오늘날 고대 음악 연주에 자주 사용됩니다.

19세기 지휘의 역사

수세기에 걸쳐 작곡가들은 일반 규칙그들은 그들 자신의 작품을 연주했습니다. 음악을 작곡하는 것은 밴드 마스터, 선창자, 그리고 다른 경우에는 오르간 연주자의 책임이었습니다. 지휘가 직업으로의 점진적인 변화는 18세기 마지막 수십 년 동안 정기적으로 다른 사람들의 작품을 연주하는 작곡가들이 등장하면서 시작되었습니다. 따라서 1771년부터 비엔나에서는 Florian Leopold Gassmann이 처음으로 주도한 다음 Antonio Salieri가 수년 동안 이끌었던 뮤지컬 협회의 공개 자선 콘서트에서 떠난 작곡가 또는 동시대의 작품이 자주 연주되었습니다. 또 다른 사람은 콘서트에 개인적으로 참여할 수 없었습니다. 타인의 작업을 수행하는 관행은 18세기 후반에 다음으로 확산되었습니다. 오페라 하우스: 다른 사람들의 오페라는 특히 K.V. Gluck의 작품을 홍보한 K.V. Gluck, Giovanni Paisiello 및 Josef Mysliveček이 지휘했습니다.

18세기 작곡가-지휘자들이 주로 오케스트라(예배당)와 함께 연주했다면 유일한 예외는 오페라 작곡가들뿐이었습니다. 다른 도시그리고 19세기에는 게스트 연주자들이 콘서트 무대에 등장하여 자신과 다른 사람들의 작곡을 연주하고 Hector Berlioz와 Felix Mendelssohn, 나중에는 R. Wagner와 같은 다른 사람들의 오케스트라를 지휘했습니다.

예의를 무시하고 오케스트라 G. Berlioz 또는 R. Wagner를 바라보며 청중에게 등을 돌린 첫 번째 사람이 누구인지는 확실하지 않지만 오케스트라 관리 기술에서 이것은 완전한 것을 보장하는 역사적인 전환이었습니다. 지휘자와 오케스트라 예술가 사이의 창의적인 접촉. 점차적으로 지휘는 작곡과 관련이 없는 독립적인 직업으로 바뀌었습니다. 성장하는 오케스트라를 관리하고 점점 복잡해지는 작곡을 해석하려면 특별한 기술과 특별한 재능이 필요했는데, 이는 악기 연주자의 재능과도 달랐습니다. Felix Weingartner는 "지휘를 하려면 음악적 예술적 창조물을 완전히 이해하고 느낄 수 있는 능력뿐만 아니라 특별한 기술적인 손재주도 필요합니다. 이는 설명하기 어렵고 배우기도 어렵습니다... 이 특별한 능력은 다음과 같습니다. 종종 일반적인 음악적 재능과 전혀 관련이 없습니다. 어떤 천재에게는 이런 능력이 없고, 평범한 음악가에게는 이런 능력이 부여되는 경우가 있습니다.” 국제적으로 인정받은 최초의 전문 지휘자 중에는 Hans von Bülow와 Hermann Levy가 있습니다. 뷜로우는 베를린 필하모닉을 포함한 오케스트라와 함께 투어한 역사상 최초의 지휘자가 되었습니다.

러시아에서 예술 활동하기

18세기까지 러시아에서의 지휘는 주로 합창 연주, 주로 교회 음악과 관련이 있었습니다. 교회 합창단, 섭정의 지도자들을 위해 특정 지휘 기술이 개발되었으며, 이는 특히 17세기 후반으로 거슬러 올라가는 N. P. Diletsky의 "음악 문법"에서 논의됩니다.

첫 번째 오케스트라 지휘자개인 예배당을 이끄는 농노 음악가들도 있었습니다. 따라서 그들 중 가장 유명한 Stepan Degtyarev가 Sheremetev 오케스트라를 이끌었습니다. 18세기와 19세기에 걸쳐 러시아에서는 다음과 같습니다. 서유럽, 지휘는 원칙적으로 작곡가의 작업과 관련이 있습니다. 당시의 유명한 지휘자는 19 세기 Mily Balakirev와 Anton Rubinstein의 Ivan Khandoshkin과 Vasily Pashkevich였습니다.

(작곡가가 아닌) 최초의 전문 지휘자는 19세기 60년대 초 상임 지휘자였던 니콜라이 루빈스타인으로 간주할 수 있습니다. 심포니 콘서트모스크바에서는 상트페테르부르크와 다른 도시에서 지휘자로 순회했으며 러시아인(주로 P.I. 차이콥스키)과 외국 작곡가의 많은 작품을 러시아에서 처음으로 연주했습니다. 그러나 루빈스타인이 주로 뛰어난 피아니스트로 해외에서 알려졌다면 Vasily Safonov는 이미 20세기 초 지휘자로서 국제적인 인정을 받은 최초의 러시아 음악가가 되었습니다.

20세기의 지휘자

"빅 5": 브루노 발터, 아르투로 토스카니니, 에리히 클라이버, 오토 클렘페러, 빌헬름 푸르트벵글러

지휘자라는 직업의 명성은 특히 20세기 초에 커졌습니다. 콘솔 뒤에 있는 사람에 대한 광범위한 찬사로 인해 Theodor Adorno는 다음과 같이 쓸 기회를 얻었습니다. "... 대부분의 경우 지휘자의 사회적 권위는 음악 연주에 대한 대부분의 지휘자의 실제 기여를 훨씬 초과합니다." 1920년대에도 동일한 고려 사항이 지휘자 없이 오케스트라를 창설하려는 시도로 이어졌고, 그러한 최초의 오케스트라인 Persimfans가 1922년 모스크바에서 창설되었습니다. 그러나 아이디어는 그 자체로 정당화되지 않았습니다. Persimfans 자신과 그의 모델에서 만들어진 다른 오케스트라는 모두 수명이 짧은 것으로 판명되었습니다.

두 번째부터 19세기 중반세기 유럽에서는 독일-오스트리아 지휘 학교가 지배적이었습니다. 이는 특히 독일-오스트리아 지휘 학교의 우세로 인해 발생했습니다. 교향곡콘서트 레퍼토리에서; 세기의 전환기에 그것은 주로 소위 "포스트 바그너 5인"으로 대표되었습니다: Hans Richter, Felix Mötl, Gustav Mahler, Arthur Nikisch, Felix Weingartner, 그리고 나중에는 다음 세대의 지휘자: Bruno Walter, Otto Klemperer, Wilhelm Furtwängler, Erich Kleiber 및 독일 학교 Willem Mengelberg의 네덜란드 지휘자. 낭만주의 시대에 형성된 이 학교는 20세기 중반까지 낭만주의에 내재된 특정 특징을 유지했습니다. 낭만적인 방향뮤지컬 공연 중.

공동 창작자 같은 느낌 수행된 작곡낭만주의 지휘자는 때때로 주로 악기와 관련하여 악보에 특정 변경을 하기 전에 멈추지 않았습니다. 악보에 표시된 템포 등에 따라 자신의 재량에 따라 후퇴하는 데 큰 죄가 있습니다. 과거의 모든 위대한 작곡가가 오케스트레이션에 능숙한 것은 아니었고 베토벤은 귀머거리였으며 소리 조합을 명확하게 상상하는 것이 불가능했기 때문에 이것은 정당한 것으로 간주되었습니다. 종종 작곡가들은 첫 청취 후 자신의 작품 오케스트레이션을 수정했지만 모든 사람이 이를 들을 기회를 갖지는 못했습니다.

Wagner와 Hans von Bülow가 악보를 통해 얻은 자유는 동시대 사람들로부터 종종 비난을 받았습니다. 따라서 Felix Weingartner는 그의 저서 "On Conducting"의 상당 부분을 Bülow와의 논쟁에 할애했습니다. 지휘자가 악보에 개입하는 것은 점차 과거의 일이 되었지만(20세기 전반에 이러한 침해로 비판을 받은 사람은 주로 빌렘 멘겔베르그와 레오폴드 스토코프스키였습니다), 오랫동안 작품을 각색하려는 욕구가 남아 있었습니다. 오래전에 사라진 작곡가들을 현대 청중의 인식으로: 낭만주의 이전 시대의 작품을 "낭만화"하기 위해 음악 XVIII세기 전체 직원 20세기 교향악단... 20세기 초 이 모든 것이 음악계와 뮤지컬에 가까운계에서 "반낭만적" 반응을 일으켰습니다. 20세기 후반 음악공연의 중요한 현상은 '진정주의' 운동이었다. Gustav Leonhardt, Nikolaus Harnoncourt 및 기타 여러 음악가가 대표하는 이 방향의 확실한 장점은 개발입니다. 문체적 특징 16~18세기 음악 - 낭만주의 지휘자들이 어느 정도 무시하는 경향이 있는 특징들.

현대성

"진정주의자"의 모든 업적이 논쟁의 여지가 없는 것은 아니기 때문에 대부분의 현대 지휘자들은 18세기 음악으로 전환할 때(더 먼 시대의 작품은 비진정주의자가 연주하는 경우가 거의 없음) 낭만주의와 "진정주의자" 사이의 황금 평균을 찾습니다. 정통주의”는 당시의 지휘 방법을 종종 모방합니다. 그들은 오케스트라를 제어하고 피아노에 앉거나 바이올린을 손에 쥐고 있습니다.

현재 많은 지휘자들은 일반적으로 또는 작업의 느린 부분에서 배턴 사용을 거부합니다. 바실리 사포노프(20년대 초반)와 레오폴드 스토코프스키는 20세기 전반에 지휘봉 없이 지휘했다. Leo Ginzburg는 다음과 같이 언급했습니다. 과학 문헌수년에 걸쳐 모든 것 관심이 적다수작업 기술이 적용됩니다. 이는 매우 개별적이며 실제로는 어떤 이론도 반박하는 경우가 많습니다. 여기서 우리는 단지 나타낼 수 있습니다 일반 개요: 소절의 가장 강한(첫 번째) 박자가 움직임으로 표시됩니다. 오른손아래로, 가장 약한 (마지막) - 오른손을 위로 움직이면 나머지 (있는 경우)가 그들 사이에 분배되어 소위를 형성합니다. 미터법 격자. 템포와 리듬을 결정하는 것 외에도 손, 머리, 몸 전체, 표정의 추가 움직임을 통해 지휘자는 앙상블 전체와 그 전체에 대한 음악 연주의 성격을 나타냅니다. 별도의 그룹그리고 참가자. 한때 Richard Wagner는 교향곡을 마음으로 연주했기 때문에 대중의 분노를 불러 일으켰습니다. 20세기에는 콘솔에 악보 없이, 심지어 콘솔 없이도 콘서트 공연이 표준이 되었습니다. Hans von Bülow는 이렇게 말했습니다. 점수.” F. Weingartner는 지휘자가 악보에서 자신을 떼어낼 수 없다면 그는 박자 연주자일 뿐이며 예술가라는 칭호를 주장할 권리가 없다고 썼습니다. Wagner와 Bülow 및 그들의 많은 추종자들에게는 오케스트라와의 시선 접촉이 중요했습니다. 반면에 Weingartner는 대중이 "음악을 들어야하고 지휘자의 좋은 기억력에 놀라지 말아야한다"고 상기시킨 적이 있으며 지휘자가 악보를 거의 보지 않고 뒤집는 모습을 자주 관찰 할 수 있습니다. 오케스트라에서 그의 눈; 어쨌든 많은 사람들은 마음속으로 실증적인 지휘를 나쁜 형태로 간주하고 있으며 여전히 그렇게 생각하고 있습니다.

지휘 예술의 적용 범위는 이미 20세기에 콘서트 무대와 콘서트 무대로 크게 확대되었습니다. 뮤지컬 극장영화관, 라디오, 텔레비전 및 녹음 스튜디오가 추가되었습니다. 동시에 연극에서와 마찬가지로 영화에서도 지휘는 적용되는 성격을 띠고 라디오, 텔레비전, 스튜디오에서는 청취자와의 직접적인 접촉이 끊어집니다. Leo Ginzburg는 "무엇이 창조되고 있는지"라고 썼습니다. 산업 질서의 독특한 제품입니다.”

지휘 직업은 오늘날까지도 주로 남성으로 남아 있지만, 20세기에는 여성 지휘자들도 나타나기 시작했습니다. 세기가 바뀌면서 Elfriede Andree는 예테보리에서 공개 콘서트를 열었습니다. 성공적인 지휘자는 Nadia Boulanger였습니다. Jeanne Evrard는 1930년에 자신의 파리 여성 오케스트라를 이끌었습니다. 소련 최초의 여성 지휘자는 1944년 베로니카 두다로바(Veronica Dudarova)였다.

메모

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지휘자 없이 오케스트라가 연주할 수 있나요?

— 지휘자는 막중한 책임을 갖고 있습니다. 그는 올바른 리듬으로 연주하고, 누가 언제 참여해야 하는지 이해하기 위해 오케스트라의 80-90명(더 많을 수도 있음) 모두가 필요합니다.

오케스트라의 규모가 큰 경우, 예를 들어 오른쪽 구석에 앉아 있는 음악가는 왼쪽에 있는 동료가 연주하는 내용을 듣지 못할 가능성이 높습니다. 멀리 있는 악기가 언제 소리를 내기 시작했는지 알아내는 것은 물리적으로 불가능합니다. 음악가는 가장 가까운 이웃의 소리만 듣습니다. 지휘자가 없으면 실수하기 쉽습니다. 언제 연주를 시작해야 하는지 알려줄 사람이 필요합니다.

그러나 지휘자가 없는 오케스트라도 있었습니다. 바로 Persimfans(First Symphony Ensemble)입니다. 1922년부터 1932년까지 소련에 존재했습니다. 연주자들은 서로를 볼 수 있도록 둥글게 둘러앉았고, 리허설에서 누가 연주할지 합의했습니다. 그런데 이 오케스트라는 Peter Aidu의 노력 덕분에 다시 존재하게 되었습니다. 그 사람은 그게 좀 아니란 걸 인정해 정확한 사본그 오케스트라 - 음악가들은 20세기 20년대에 발전한 전통을 이어가고 있습니다. 오케스트라는 1년에 1~2회 정도 다양한 프로그램을 대중에게 선보이고 있습니다. 11월 25일 그는 Zaryadye 콘서트홀에서 공연할 예정이다.

지휘자의 악보에는 모든 악기가 포함되나요?

- 예. 그것의 도움으로 지휘자는 모든 것을 봅니다. 여기에는 모든 도구, 작업의 전체 개요가 포함되어 있습니다. 예를 들어 피아니스트가 피아노를 통해서만 자신과 작곡가의 생각을 표현한다면 지휘자는 오케스트라의 모든 악기를 동시에 연주한다고 말할 수 있습니다.

지휘자는 왜 같은 곡을 다르게 들릴 수 있나요?

— 지휘자는 작곡가가 음악에 넣은 아이디어를 관객에게 전달해야 합니다. 이 경우 지휘자는 작품이 속한 시대를 고려합니다. 예를 들어, 바로크 바이올린이라면 바이올린의 소리가 더 조용해져야 합니다(예전에는 다른 현을 사용했습니다). 그러나 이것을 따를지 말지는 물론 모든 사람의 개인적인 선택입니다. 지휘자들이 같은 교향곡을 다르게 해석하는 이유도 바로 이 때문이다. 때로는 서로 다른 속도로 소리가 나기도 합니다. 지휘자는 동료와 다르게 작업을 볼 수 있습니다. 개인적인 경험, 이는 음악에 영향을 미칩니다.

이전에는 지휘자 없이 어떻게 지냈나요?

— 지휘자의 직업은 비교적 최근에 나타났습니다. 초기 XIX세기. 이전에는 오케스트라는 음악가 중 한 명, 대부분 바이올리니스트(가장 경험이 풍부한 사람이 선택됨)에 의해 통제되었습니다. 그는 활을 치거나 고개를 끄덕이는 것으로 시간을 지켰다. 때로는 하프시코드 연주자나 첼리스트가 주요 역할을 담당하기도 했습니다. 그러나 음악이 발전하고 자료가 더욱 복잡해졌으며 그 사람은 감독과 연주를 동시에 할 시간이 없었습니다.

예를 들어 훨씬 더 먼 과거를 살펴보면 고대 그리스 극장에서 합창단은 유명인이 이끌었습니다. 그의 발에는 철제 밑창이 달린 샌들이 있었는데, 그 덕분에 그는 편안하게 리듬을 이길 수 있었습니다.

지휘자는 항상 배턴을 사용했나요?

- 아니요. 오늘날 우리가 알고 있는 형태의 지휘봉은 19세기에 등장했습니다. 그 전에는 바투타(battuta)가 사용되었습니다. 시간을 이길 수 있는 배턴이나 지팡이가 될 수도 있습니다. 그런데 창작자인 장 바티스트 륄리(Jean-Baptiste Lully)의 죽음을 초래한 것은 바투타였습니다. 프랑스 오페라루이 14세의 궁정 작곡가이기도 하다. 룰리는 1687년 왕의 중병 회복을 기념하여 작곡한 <테데움>을 연주하면서 장단을 치다가 날카로운 바투타 끝으로 왕의 발을 찔렀다. 혈액 중독이 시작되었고 작곡가는 곧 사망했습니다.

그들은 또한 튜브에 감은 악보와 기타 물체를 사용하고 손으로 지휘했습니다.

하지만 오늘 지휘봉을 쓸지 말지는 각 지휘자 개인의 문제다. 예를 들어 Valery Gergiev는 이쑤시개를 손에 쥐는 것을 선호합니다.

심포니 오케스트라. 지휘자

당신이 왔다고 상상해보십시오. 콘서트홀. 무대 위에는 악보대, 의자, 악기 등 특이한 "사회"가 있습니다. 그러자 무도회 복장을 한 사람들이 무대 위로 나왔습니다. 남자들은 검은색 연미복을 입고, 여자들은 아름다운 드레스. 우리는 자리에 앉아 악기를 손에 쥐고 갑자기 상상할 수 없는 일이 시작되었습니다!

소리의 혼돈! 끔찍한 소음! 이들은 악기의 조율을 점검하는 음악가들입니다. 그리고 손에 지팡이를 들고 연미복을 입은 또 다른 남자가 무대로 와서 우리에게 등을 돌리고 마술 지팡이를 흔들었고... 기적이 일어났습니다. 음악이 울리기 시작했습니다. 심포니 오케스트라가 연주 중입니다.

청문회: I. Strauss (아들). 왈츠 "비엔나 숲 이야기".

훌륭한 시인 Yuri Davydovich Levitansky는 "음악"이라는 시를 가지고 있습니다.

음악에는 정말 소름 끼치는 것이 있습니다.
아무리 슬픔이 여기에 태어나더라도
바이올린도 피아노도 아닌
그들은 그것을 바닥까지 퍼낼 수 없습니다.

그리고 하프의 감미로운 소리
아니면 오르간의 떨리는 파이프
그 슬픔에 비해 그들은 너무 무례하고,
그 헤아릴 수 없는 소름끼치는 슬픔 때문에.

하지만 그들은 함께 모여 단결했습니다.
오케스트라의 막강한 공동체에게...

여기서 우리는 시를 중단하고 침묵에 귀를 기울이고 우리 내면의 오케스트라, 그 소리의 색깔, 우리를 사로잡는 그 강력한 숨소리를 들어보려고 노력할 것입니다.

...저기, 저기, 더 높이, 더 빠르게,
별빛 푸가가 격노하는 곳...
눈보라가 불고 있습니다. 눈보라가 몰아친다...

듣기: L. 베토벤. "환희에의 송가" 교향곡 9번의 피날레.

그렇습니다. 오케스트라는 가장 강력하고 가장 마술적인 음악 “악기”입니다. 그리고 우리는 이 마법의 비밀을 살짝 공개할 것이며, 이 "도구"가 수세기에 걸쳐 진화해 온 "장치"를 살펴보겠습니다.

안에 고대 그리스동사 "orgeo"는 "춤추다"를 의미했고 그리스인들은 오케스트라 (오케스트라)를 무대 앞의 반원형 플랫폼이라고 불렀으며, 그 위에서 리드미컬 한 동작을하면서 모든 고대 연극의 참가자 인 합창단이 그 역할을 불렀습니다.

몇 세기가 지나 그녀는 죽었습니다 위대한 문명, 하지만 이 단어는 살아 남았습니다. 수십 세기 후에 이것은 음악가들이 있던 극장의 방 이름이 되었고, 나중에는 앙상블 자체의 이름이 되었습니다. 악기그리고 그 공연자들. 이 앙상블은 다양한 악기를 선보였습니다.

청취: 프란체스코 다 밀라노. "칸초나"

오늘날 우리는 심포니 오케스트라가 완전히 다른 모습을 보였던 때가 있었다고 상상하기 어렵습니다. 그는 실제로 꽤 어리다. 위대한 예술가 미켈란젤로와 티치아노가 살았던 시대에는 오케스트라가 전혀 없었습니다. 셰익스피어 시대에는 아직 초기 단계에 불과했습니다.

듣기: F. 리스트. "사랑의 꿈"

물론, 당신은 이렇게 물을 수 있습니다: 그 당시 사람들은 음악을 연주하거나 음악을 듣기 위해 함께 모이지 않았습니까? 물론 그들은 고대부터 모여왔습니다.

역사가 요세푸스는 1세기 팔레스타인에서 있었던 하나의 장엄한 종교 축제를 묘사했습니다. N. BC에는 가수 2만 명, 트럼펫 연주자 2만 명, 하프 연주자 4만 명, 시스트럼 연주자(딸랑이와 비슷한 악기) 4만 명이 참여했습니다. 이 얼마나 거대한 오케스트라인가.

그리고 그리스 역사가 폴리비우스는 또 다른 희극 사건을 묘사했습니다. 3세기에. 기원전 이자형. 13명의 그리스 플루트 연주자가 그들의 예술을 보여주기 위해 로마에 왔습니다. 그러나 로마 대중은 이런 종류의 음악 연주에 경험이 없었으며, 재미를 위해 음악가들에게 서로 싸우도록 강요했습니다. 하지만 우리 오케스트라로 돌아가자.

심포니 오케스트라의 역사는 오페라, 오라토리오 등 새로운 장르의 음악이 등장했던 16~17세기로 거슬러 올라갑니다. 그런 다음 오케스트라가 반주를 맡았습니다. 포함되는 경우가 많았습니다 빈티지 악기, 류트, 비올라 등. 귀족들의 귀를 즐겁게 하기 위해 왕실에서 오케스트라가 결성되기 시작했는데, 종종 이들로만 구성되었습니다. 현악기. 그들의 이름은 스스로를 대변했습니다. 예를 들어, 프랑스에서는 그러한 오케스트라를 “왕의 24바이올린”이라고 불렀습니다.

처음부터 XVIII의 절반다섯. 오케스트라의 구성은 음악이 연주되는 장소와 청중에 따라 달라졌습니다. 대부분의 경우 부유한 귀족이 오케스트라를 소유했습니다. 연주자의 수와 악기의 구성은 주인의 지갑의 취향과 내용물에 따라 달라졌습니다. 일반적으로 초기 클래식 오케스트라의 구성은 두 개의 오보에, 두 개의 호른, 현으로 축소되었습니다. 현악기 수가 12개를 초과하면 오케스트라가 큰 것으로 간주됩니다.

듣기: J. 하이든. "세레나데".

18세기 말까지. 약 30개의 현악기, 2개의 플루트, 2개의 오보에, 2~3개의 호른, 팀파니 등 소위 소규모 오케스트라가 구성되었습니다. J. Haydn과 W. Mozart는 그러한 작곡을 위해 썼습니다. 그리고 베토벤(1770-1827)의 작품에서만 오케스트라의 "클래식"구성이 구체화되었습니다. 그러나 그것은 현대와도 달랐다. 낭만주의 시대에만 오케스트라에는 많은 사람들이 포함되었습니다. 관악기, 문자열 그룹이 확장되었습니다.

수세기에 걸쳐 음악 활동을 통해 여러 유형의 심포니 오케스트라가 발전했습니다.

첫째로, 콘서트 오케스트라. 홀의 높은 무대에 위치하고 있으며 우리는 자리에 앉아 오케스트라와 지휘자를 끊임없이 봅니다.

둘째, 오페라 오케스트라. 오페라와 발레 음악을 연주하도록 설계되었습니다. 무대 위의 예술가들을 방해하지 않기 위해 이 오케스트라는 특별한 움푹 들어간 곳, 즉 오케스트라 피트에 자리 잡고 있습니다. 보시다시피 오페라 오케스트라는 "구덩이에 앉아"있습니다!

요즘에는 라디오, 텔레비전, 영화 오케스트라도 있습니다. 때로는 수천 킬로미터 떨어진 특수 스튜디오에 있기 때문에 대부분 우리에게 보이지 않습니다.

오케스트라 악기 편곡

오케스트라가 연주하는 곳마다 그 구조는 동일합니다.

오케스트라에서 연주자들이 어떻게 자리에 앉는지가 중요하다고 생각하시나요? 물론 음악가들은 자신이 원하는 방식으로 앉지 않고 엄격한 순서로 앉습니다. 수십 명의 지휘자와 오케스트라의 경험을 통해 음악가가 부채꼴 모양으로 배치되고 지휘자가 중앙에 있으면 지휘자의 지휘봉을 명확하게 볼 수 있다는 것이 분명해졌습니다.

경험에 따르면 모든 동종의 장비는 함께 수집되어야 합니다. 이를 통해 연주자들은 함께 연주할 때 서로의 소리를 더 잘 들을 수 있습니다. 오케스트라 전체의 균일한 사운드는 매우 중요합니다. 무대 앞쪽에 트럼펫과 트롬본이 있고 무대 뒤쪽에 바이올린이 있다면 어떻게 될까요? 황동 도구현의 소리를 익사시킬 것입니다. 그러므로 앞에는 더 조용한 목소리를 가진 악기가 보입니다.

그래서 우리는 지휘자라는 단어를 다시 말했습니다. 이 사람은 누구입니까? 지휘라는 기술이 생겨난 지 얼마나 됐나요? 그 특징과 비밀은 무엇인가요? 이제 우리는 이러한 질문에 답하려고 노력할 것입니다.

먼 과거로 돌아 가자. 성공적인 사냥을 축하하기 위해 부족 전체가 불 주위에 모였습니다. 남자들은 의식 춤을 춥니다. 무용수들의 선두에는 부족의 지도자가 있습니다. 그는 몸의 움직임을 통해 리드 피리, 조개 껍질, 드럼을 연주하는 무용수와 음악가의 리듬을 설정합니다. 리더의 몸짓 하나하나는 모두가 이해할 수 있는 관습적인 기호이며, 춤의 지속이 어떠해야 하는지를 암시한다.

이것이 아마도 첫 번째 지휘 장면의 모습이었을 것입니다. 전통이 나온 것은 그들에게서였습니다. 음악가 또는 가수 그룹의 머리에는 모든 사람이보고하는 사람, 즉 지휘자가 있어야합니다.

이제 우리 자신을 정신적으로 이동시켜 봅시다. 고대 그리스, 수만 명의 관객이 모이는 거대한 야외 극장으로.

고대 그리스 극장의 주요 인물은 발광체였습니다. 그는 합창단을 지휘했습니다. 당시 노래하고, 춤추고, 무언극을 연기해야 했던 배우 그룹의 이름이 바로 합창단이었습니다. 다양한 악기를 연주하며 공연에 동행한 연주자들도 루미너리의 몸짓에 복종했다.

유명인들은 철로 묶인 밑창을 쳐서 필요한 리듬을 쳤지 만 지휘의 주요 도구는 손이었습니다. 그때부터 오늘날까지 살아남은 케이로노미(cheironomy)라고 불리는 전도 시스템이 탄생했습니다.

대규모 음악 그룹을 관리하려면 지휘자(프랑스 감독 - 관리, 지휘, 지휘)가 필요합니다. 지휘자는 아주 오랫동안 음악계에 존재해 왔습니다. 중세 시대에는 마스터, 감독관, 선창자 등 다르게 불렸습니다. 무겁고 능숙하게 장식된 지팡이는 그들의 높은 지위를 상징했습니다. 예배 중에 교회 지휘자는 대개 그를 가장 눈에 띄는 곳에 배치했습니다. 중세 말기에 이 배턴은 지휘자의 중요한 조수인 트램펄린, 프로토타입으로 변했습니다. 지휘봉. 사실, 그것은 막대기처럼 보이지 않았습니다. 그것은 약 1미터 길이의 거대한 막대기였습니다.

처음에는 원시 음악가들이 그랬던 것처럼 트램폴린을 사용하여 타격으로 리듬을 세었습니다. 그러나 그러한 “시끄러운” 지휘는 종종 음악을 듣는 데 방해가 되었습니다. 시간이 흐르고 "시끄러운" 지휘를 피하고 싶어하는 일부 지휘자들은 트램펄린 대신 "조용한" 물체, 즉 두루마리 악보나 심지어 손수건을 사용하기 시작했습니다.

지휘자가 바이올린이나 하프시코드를 연주하면서 오케스트라를 이끌던 시절이 있었습니다. 이 방법은 I.S. 바흐. 그러나 오케스트라의 구성이 너무 늘어나서 혼자서는 그렇게 큰 그룹을 이끌 수 없게 된 때가 왔습니다.

그리고 19세기 초. 우리와 가까운 지휘자의 개념이 등장했습니다. 그러나 당시 그는 대중에게 등을 돌리는 것이 음란하다고 여겨졌기 때문에 여전히 대중과 마주하고 있었다. 그래서 그는 오케스트라를 등지고 서서 연주자들을 보지 않고 오케스트라를 이끌었다. 물론 이것은 불편했습니다. 이 문제에 대한 혁명은 F. Mendelssohn과 R. Wagner에 의해 이루어졌으며, 그는 처음으로 콘서트 중에 오케스트라를 향해 얼굴을 돌리기로 결정했습니다.

19세기 초. 작곡가이자 지휘자인 K. M. Weber와 L. Spohr는 처음으로 지휘에 작은 지휘봉을 사용했습니다. 그 이후로 그녀는 지휘자의 충실한 조수가 되었습니다.

어느 날 러시아 작곡가 A. Glazunov가 영국에 왔고 그곳에서 오케스트라를 지휘해야했습니다. 그는 몰랐어요 영어, 그래서 저는 "여러분, 제가 그린 것을 제 막대기 끝으로 연주해 주세요"라는 문구 하나만 배웠습니다.

듣기: W. 모차르트. 교향곡 40번(단편).

지휘자의 주요 임무 중 하나는 전체 오케스트라가 엄격하고 리드미컬하고 조화롭게 연주하도록 하는 것입니다. 꽤 어렵습니다. 지휘자가 음악가들에게 소절의 첫 번째 박자를 보여주었다고 상상해 보십시오. 즉, 음악이 이미 울려야 할 바로 그 순간에 그가 지휘봉을 흔들었다고 상상해 보십시오. 그러나 오케스트라 연주자 중 일부는 폐로 공기를 흡입해야 하고, 일부는 활을 들어야 합니다. 즉, 모두가 함께 시작할 준비를 해야 합니다. 따라서 차장은 "auftakt"라는 사전 명령을 내립니다. 지휘의 기초가되는 사람은 바로 그 사람입니다.

하지만 지휘자는 모든 사람이 조화롭게 연주하도록만 하는 것이 아닙니다. 그는 연주자들과 함께 곡을 배우고, 빠르게 연주해야 하는지 느리게 연주해야 하는지, 크게 연주해야 하는지 조용히 연주해야 하는지 모든 악기에 대한 소개를 보여줍니다.

지휘자의 주요 임무는 저자의 의도를 최대한 완벽하게 전달하는 것입니다. 그러기 위해서는 예리한 귀와 엄청난 창의적 상상력이 있어야 하며, 폭넓은 교육을 받은 사람이어야 합니다. 이러한 자질을 갖추고 자신의 예술에 대한 사랑이 있어야만 오케스트라를 정복할 수 있고, 오케스트라와 함께 청취자들에게 음악이 주는 큰 기쁨을 줄 수 있습니다.

청취: P. 차이코프스키. 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡 1번(단편).

그리고 다시 나는 Yu.Bashmet의 말을 기억합니다. 강한 남자지원이 필요하지 않고 다른 사람에게 의존하지 않도록. 그들이 당신을 따를 것이라는 의심 없이 이끌어라. 즉, 지휘자는 카리스마( 카리스마 - 하나님의 선물, 은혜, 매력; 리드하는 능력 당신 자신) 오케스트라 단원과 청취자 모두를 위해.”

오케스트라에서 지휘자의 역할은 V. Soloukhin의 시 "지휘자"에 매우 정확하게 설명되어 있습니다.

나는 지휘자를 따라 음악을 들었다.
음악가들이 그 주위에 앉았고,
누구에게나 특별한 악기가 있다
십만 개의 소리, 백만 개의 그림자!

그리고 그는 홀로 그들 위에 우뚝 솟아 있습니다.
막대기, 눈썹, 입술, 몸의 움직임으로
그리고 이제는 애원하는 표정으로, 때로는 잔인한 표정으로,
그 침묵 속에서 나는 소리를 이렇게 불렀다...

그러다가 갑자기 바이올린이 흐르기 시작해서 불안해
첼로가 지배하기 시작합니다.
저 피아노는 강력한 분수야
그들은 위로 치고 솟아오를 것이며 솟아오르리라

그리고 접근하기 어렵고 불안정한 높이에서
그들은 물보라와 얼음 조각으로 부서질 것입니다.
가벼운 벨소리와 함께 조용히 얼어붙기 위해...
모든 것이 정확합니다. 요소를 발 밑에 두세요

그리고 예술이 있습니다.
브라보, 지휘자!

모든 오케스트라에는 지휘자가 필요합니다. 그리고 그들 각각은 지휘자의 움직임에 자신만의 방식으로 반응할 것입니다. " 챔버 오케스트라, 포르쉐 자동차처럼 빠르게 반응할 수 있습니다. 그리고 일류 심포니 오케스트라는 롤스로이스와 같습니다. 빠르게 회전할 수는 없지만 운전하는 것은 놀랍습니다.” ( 유. 바슈메트. 드림스테이션).

질문에 답하십시오:

오케스트라란 무엇이며, 이 단어는 언제 처음 등장했나요?
심포니오케스트라는 언제 탄생했으며, 어떤 연관이 있나요?
하이든과 모차르트는 어떤 곡을 썼나요?
오케스트라의 고전적 구성은 어느 작곡가의 작품에서 나타났습니까?
심포니 오케스트라의 악기는 어떻게 배열되나요?
"오케스트라를 이끄는 사람은 누구입니까?"라는 질문에 대한 정답을 선택하세요. - 바이올리니스트, 트럼펫 연주자, 오르간 연주자, 지휘자, 더블 베이시스트.

프레젠테이션

포함:
1. 프레젠테이션 - 21개 슬라이드, ppsx;
2. 음악 소리:
슈트라우스(아들). 왈츠 '비엔나 숲 이야기'
베토벤. "환희에의 송가" 교향곡 9번의 피날레
프란체스코 다 밀라노. "칸초나"
시트. "사랑의 꿈"
하이든. "세레나데"
모차르트. 교향곡 40번(단편)
차이코프스키. 피아노와 오케스트라를 위한 협주곡 1번(단편)
3. 별첨 기사, docx.

사용된 문헌:
M. Shornikova. 음악문학. 음악, 그 형태와 장르;
A. Frolov. 뮤지컬 문학. 음악언어의 비밀.

많은 사람들은 모든 연주자가 악보를 가지고 있는데 왜 오케스트라에 지휘자가 필요한지 이해하지 못합니다.

오케스트라에 지휘자가 언제 있었나요?

이런저런 음악을 연주하는 음악가 공동체는 고대부터 알려져 왔으며, 물론 이러한 앙상블에는 공식적 또는 비공식적 리더가 있는 경우가 많습니다.

이집트의 부조에는 손에 지팡이를 들고 음악가들을 이끄는 남자의 이미지가 있고, 고대 그리스에서는 합창단 지도자(명사)가 철제 굽이 달린 특별한 샌들을 사용하여 리듬을 두들겼습니다.

그리고 오케스트라가 커질수록 (중세와 르네상스에서는 채플이라고 불렸고 나중에 "오케스트라"라는 단어가 퍼졌습니다) 오케스트라 연주 연습이 더 복잡할수록 교통 관제사의 모습이 더 필요하다는 것이 밝혀졌습니다. - 리듬을 치고 모두가 조화롭게 연주하고 시간에 맞춰 입장할 수 있도록 하는 사람. 이전에는 바닥에 치는 거대한 "바투타" 지팡이를 사용하여 이 작업을 수행했습니다. 이 과정의 초기 이미지는 15세기로 거슬러 올라갑니다.

이것은 다소 어려운 문제였으며 항상 안전하지는 않았습니다. 위대한 프랑스 작곡가 Jean-Baptiste Lully (1632-1687)는 지팡이 끝으로 다리를 다쳤고 괴저로 사망했습니다.

종종 최초의 지휘자였던 예배당과 함께 자신의 음악을 연주한 것은 작곡가들이었습니다. 그들은 발로 리듬을 치거나 바흐처럼 악보를 흔들 수도 있었습니다. 종종 이 기능은 활을 휘두르며 신호를 보내는 하프시코드 연주자나 제1바이올리니스트가 수행했습니다.

여러 명의 지휘자가있었습니다. 오페라에서는 합창단 장이 가수를 제어하고 반주자가 오케스트라를 제어 할 수있었습니다. 거의 항상 지휘자가 음악가이기도 한 것이 중요합니다. 그는 노래를 부르거나 연주했습니다.

반주자들은 제1바이올린 역을 맡아 다른 연주자들에게 눈짓과 고개 끄덕임으로 신호를 주거나, 경기를 중단하고 활로 리듬을 두드리며 연주했다.

그들은 어떻게 지휘봉을 손에 쥐게 되었나요?

우연의 문제입니다. 본질적으로 막대기는 이미 친숙한 활이나 두루마리를 대체했습니다.

지휘자들은 19세기 초부터 배턴을 사용하기 시작했으며, 설명에 따르면 이 배턴은 처음에는 상당히 무거웠습니다. 별도의 직업으로 지휘자가 탄생하는 세기가 된 것은 19 세기였습니다. 그들은 마침내 오케스트라에서 분리되어 독점적으로 지휘를 맡았으며 특별한 높이에 섰고 특히 특이한 것은 대중에게 등을 돌 렸습니다.

이를 가장 먼저 수행한 사람은 Hector Berlioz 또는 Richard Wagner였습니다. 누가 선두를 차지했는지는 확실하지 않습니다. 믿을 수 없을 정도로 확장되고 복잡한 19세기 심포니 오케스트라의 경우 참가자 수가 수백 명에 달할 수 있으므로 특별한 인간 규제자가 필수적으로 필요했습니다. 그는 더 이상 지휘와 병행하여 무언가를 연주할 기회가 없었습니다.

물론 지휘자의 모습은 낭만적인 전통의 산물이기도 했습니다. 그 안에서만 한 손의 움직임으로 엄청난 양의 소리를 제어하고 군중 위로 고독한 천재의 검은 실루엣이 유기적으로 존재할 수 있었습니다. 듣는 사람의 감정.

즉, 올바른 리듬을 설정하기 위해서는 주로 지휘자가 필요합니까?

최소한 리듬을 설정하고 누가 어느 시점에 개입하는지 신호를 보내는 것이 정말 중요합니다.

물론 음악가 자신은 음표에서 무슨 일이 일어나고 있는지 추적하고 마디 수를 세고 동료의 말을 들을 수 있지만 이것이 항상 쉬운 것은 아니며 대규모 심포니 오케스트라에서는 음악가가 모든 부분을 들을 수 없습니다. 그러나 지휘자의 임무는 물론 이에 국한되지 않습니다. 그는 연주의 모든 매개 변수를 담당하고 모든 것이 단일 템포와 분위기로 통합되도록 보장합니다.

그리고 해석을 위해-결국 동일한 구성이 완전히 다른 방식으로 연주될 수 있습니다. 서로 다른 속도에서, 서로 다른 악센트를 배치하고, 유닛의 분위기를 다르게 해석하고, 파티에 서로 다른 관심을 기울입니다.

이는 지휘자가 리허설 중에 사운드에 만족할 때까지 음악가들과 함께 악보를 분석하고 때로는 매우 꼼꼼하게 수행하는 작업입니다. 일반적인 의미에세이.

이는 연주의 전통이 중단될 때 특히 중요합니다. 즉, 17세기와 18세기의 많은 위대한 작곡가들의 작품입니다. 오랫동안연주되지 않았으며, 우리는 그들이 일생 동안 어떻게 들렸는지 추측할 수 있을 뿐입니다.

만약에 현대 작곡가지휘자와 함께 전체 악보를 살펴보며 자신의 작곡이 어떻게 연주되어야 하는지를 정확히 설명할 수 있습니다. (비록 여기에서도 지휘자는 투표권과 자유 의지를 가지고 있지만), 예를 들어 비엔나에는 다음과 같은 사람들과 함께 공부한 살아있는 음악가들이 아직 남아 있습니다. Strauss 자신의 지시에 따라 Johann Strauss의 왈츠를 연주했다면 "Bach, Vivaldi 또는 Lully의 작품을 올바르게 연주하는 방법"이라는 질문에 대한 명확한 대답이 없습니다.

그 당시의 음표는 설명이 극히 드물며, 음표에 표시되지 않았지만 당시 음악가들에게는 분명했던 많은 세부 사항이 우리에게 영원히 사라질 수 있습니다. 이 경우 단순히 "음표를 연주"하는 것은 불가능합니다. 바로크 악보를 해독하는 문제는 복잡한 음악 탐정 이야기와 유사합니다.

이것을 확신하려면 책을 읽는 것으로 충분합니다. 실제로 그는 그 당시 알려진 모든 출처를 연구한 다음 동시에 메모에 기록된 내용을 고려하고 무시하면서 이해하려고 노력해야 한다고 말합니다. 편지가 아니라 작품의 정신.

“악보에서 작곡가의 의도를 찾아 그에 맞춰 연주하는 사람만이 진정한 의미에서 작품에 충실할 것입니다. 작곡가가 온음, 즉 16분 음표를 쓴다면, 온 음표를 연주하는 사람이 아니라 16분 음표를 연주하는 사람은 음표에 충실하지 않고 작품에 충실하게 될 것입니다.”

아르농쿠르는 씁니다.

즉, 같은 작곡이라도 누가 지휘하느냐에 따라 소리가 달라지는 걸까요?

정확히. 두 명의 다른 지휘자가 동일한 교향곡을 매우 유사하게 연주할 수도 있고(비록 동일하지는 않지만) 완전히 다르게 연주할 수도 있습니다.

다음은 Arzamas 프로젝트의 매우 설득력 있는 비디오입니다: 세계 주요 지휘자들의 손에 있는 베토벤의 유명한 "Ta-ta-ta-ta"에 무슨 일이 일어나는지.

또 다른 예: 칼 리히터(Karl Richter)가 지휘한 바흐의 동일한 작품:

그리고 니콜라스 아르농쿠르:

지휘자는 항상 끔찍한 폭군인가요?

선택 과목. 그러나 이 작업은 쉽지도 않고 책임감도 없으며 어느 정도의 부담감과 결단력 없이는 할 수 없는 일이며, 지휘자와 오케스트라의 관계에서 통치자와 군중의 관계에 대한 비유를 찾기는 어렵지 않다(펠리니의 “ Orchestra Rehearsal'은 거의 전적으로 이를 기반으로 제작되었습니다.)

20세기에도 많은 지휘자들은 독재와 압박, 공포 분위기에 기대어 오케스트라를 운영하고 싶은 유혹을 피하지 못했다. 세기의 위대한 지휘자들인 헤르베르트 폰 카라얀, 빌헬름 푸르트벵글러, 아르투로 토스카니니는 음악가들이 신성한 공포와 함께 일했던 것을 기억하는 사람들이었습니다.

분명 우리 각자는 경기를 보면서 큰 오케스트라, 반복적으로 관심을 기울였습니다. 이상한 남자, 청중을 등지고 서서 음악가들 앞에서 미친 듯이 팔을 흔들고 있습니다.
그의 역할은 무엇입니까?
지휘자의 역할은 아무리 강조해도 지나치지 않습니다. 그는 오케스트라의 지휘자이다. diriger라는 단어 자체도 프랑스어에서 번역되었으며 "지시하다, 관리하다"를 의미합니다.
오케스트라에 약 100명의 사람들이 있다고 상상해 보세요. 그들 각자는 자신의 분야에서 진정한 전문가이자 거장이자 뛰어난 음악가입니다. 그리고 모든 사람은 이 조각이나 그 조각이 어떻게 재생되어야 하는지에 대해 자신의 의견을 가지고 있습니다. 음악 조각: 여기는 조용하다, 여기는 더 시끄럽다, 이곳은 날카로운 악센트가 있는데, 지금은 조금 빨라졌다가 부드럽게 느려지는 등…

하지만 문제는 아시다시피 사람 수만큼 의견도 많다는 것입니다. 그리고 백 명이 동의할 수 없기 때문에 혼란이 시작됩니다. 모든 사람이 자신의 해석에 찬성하여 많은 논쟁을 벌이고 자신의 방식대로 옳을 것입니다. 지휘자가 구출하러 오는 곳입니다!
그는 음악가들을 하나로 모아 자신이 정한 뉘앙스를 엄격하게 연주하도록 강요합니다.
이런 식으로 불일치가 제거되고 오케스트라가 같은 방향으로 조화롭게 연주되기 시작합니다.
당연히 모든 사람이 그런 '음악 감독'의 역할에 적합한 것은 아닙니다. 매우 교육받은 사람, 음악을 미묘하게 이해하고 느끼는 것입니다.

지휘자 발레리 게르기예프.

어떻게독립적인 유형의 음악 공연인 지휘는 19세기 전반에 개발되었지만 이집트와 아시리아의 얕은 부조에도 손에 지휘봉을 들고 음악가 그룹을 이끄는 남자의 이미지가 있습니다. 고대 그리스 극장에서 유명인은 철제 밑창이 달린 샌들을 신은 채 발로 리듬을 두드리며 합창단을 이끌었습니다. 동시에, 이미 고대 그리스에서는 소위 케이로노미(cheironomy)를 사용하여 합창단 관리가 널리 퍼졌으며, 이는 교회 공연의 관행으로 이어졌습니다. 중세 유럽; 이러한 유형의 지휘에는 지휘자가 가수에게 템포, 미터, 리듬을 표시하고 멜로디의 윤곽(위 또는 아래로 움직이는 등)을 재현하는 도움으로 손과 손가락의 조절된 움직임 시스템이 포함되었습니다.

다성음악의 복잡성과 관현악 연주의 발전으로 인해 연주자 앙상블의 명확한 리듬 구성이 점점 더 필요해졌고, 막대로 만든 바투타의 도움을 받아 지휘하는 방법이 필요해졌습니다. 다양한 재료, 비트를 이기는 데 도움이 된 금을 포함합니다.
바투타는 원래 상당히 거대한 지팡이였습니다. 오케스트라 감독이 비트를 쳐서 바닥에 쳤습니다. 그러한 지휘는 시끄럽고 안전하지 않았습니다. J. B. Lully는 지팡이 끝으로 지휘하는 동안 자신에게 상처를 입혀 치명적인 것으로 판명되었습니다. 그러나 이미 17세기에는 덜 시끄러운 지휘 방법이 있었습니다. 따라서 앙상블에서는 연주자 중 한 명이 활을 치거나 고개를 끄덕이면서 시간을 세는 바이올리니스트가 연주를 주도할 수 있습니다.

17세기에 일반 베이스 시스템이 등장하면서 지휘자의 임무는 하프시코드나 오르간에서 일반 베이스 부분을 연주하는 음악가에게 넘어갔습니다. 그는 일련의 코드로 템포를 결정했지만 눈, 머리 끄덕임, 몸짓으로 지시를 내릴 수도 있었고 심지어 J. S. 바흐처럼 멜로디를 흥얼거리거나 발로 리듬을 두드리는 등의 지시도 할 수 있었습니다. 18세기에는 복잡한 성악 및 기악 작품을 연주할 때 이중 및 삼중 지휘의 관행이 확산되었습니다. 예를 들어 오페라에서는 하프시코드 연주자가 가수를 제어하고 반주자가 오케스트라를 제어했습니다. 세 번째 리더는 오페라 낭송에서 베이스 목소리를 연주한 첫 번째 첼리스트이거나 합창단장이 될 수 있습니다.
교향곡의 발전과 복잡성, 이미 18세기 말에 오케스트라 구성의 점진적인 확장으로 인해 지휘자가 앙상블 참여에서 해방되어야 했습니다. 지휘 반주자는 다시 오케스트라 앞에 서있는 사람에게 자리를 양보했습니다. 19세기 초 지휘자의 손에 작은 나무 막대기가 들려왔다.
수세기 동안 작곡가들은 일반적으로 자신의 작품을 직접 연주했습니다. 음악을 작곡하는 것은 밴드 마스터, 선창자, 그리고 다른 경우에는 오르간 연주자의 책임이었습니다. 지휘가 직업으로의 점진적인 변화는 18세기 마지막 수십 년 동안 정기적으로 다른 사람들의 작품을 연주하는 작곡가들이 등장하면서 시작되었습니다. 18세기 후반에 다른 사람의 작품을 공연하는 관행이 오페라 극장으로 퍼졌습니다.
예의를 무시하고 청중에게 등을 돌리고 오케스트라 G. Berlioz 또는 R. Wagner를 향한 첫 번째 사람이 누구인지는 확실하지 않지만 오케스트라 관리 기술에서 이것은 완전한 것을 보장하는 역사적인 전환이었습니다. 지휘자와 오케스트라 예술가 사이의 창의적인 접촉. 점차적으로 지휘는 작곡과 관련이 없는 독립적인 직업으로 바뀌었습니다. 성장하는 오케스트라를 관리하고 점점 복잡해지는 작곡을 해석하려면 특별한 기술과 특별한 재능이 필요했는데, 이는 악기 연주자의 재능과도 달랐습니다. Felix Weingartner는 "지휘를 하려면 음악적 예술적 창조물을 완전히 이해하고 느낄 수 있는 능력뿐만 아니라 손의 특별한 기술적인 손재주도 필요합니다. 이는 설명하기 어렵고 배우기도 어렵습니다... 이 특별한 능력은 일반적인 음악적 재능과는 전혀 연결되지 않는 경우가 많습니다. 어떤 천재에게는 이런 능력이 없고, 평범한 음악가에게는 이런 능력이 부여되는 경우가 있습니다.”
(작곡가가 아닌) 최초의 전문 지휘자는 니콜라이 루빈스타인(Nikolai Rubinstein)으로 간주될 수 있는데, 그는 19세기 초부터 모스크바 심포니 콘서트의 상임 지휘자였으며 상트페테르부르크와 다른 도시에서 지휘자로 순회했으며 러시아 및 외국 작곡가로서 많은 작품을 보유한 러시아 최초의 연주자입니다.
공연 중인 작품의 공동 창작자처럼 느껴진 낭만주의 지휘자는 주로 악기 편성과 관련하여 악보에 특정 변경을 하기 전에 멈추지 않았습니다(L. van Beethoven의 후기 작품에 대한 낭만주의자들의 일부 수정은 여전히 허용됩니다) 지휘자에 의해), 특히 그는 자신의 재량에 따라 악보 등에 표시된 템포에서 벗어나는 데 많은 죄를 보지 않았기 때문에 이는 과거의 모든 위대한 작곡가가 오케스트레이션에 능숙한 것은 아니었고 베토벤은 정당한 것으로 간주되었습니다. , 귀머거리였으며 소리 조합을 명확하게 상상하지 못하는 것으로 추정되었습니다. 종종 작곡가들은 첫 청취 후 자신의 작품 오케스트레이션을 수정했지만 모든 사람이 이를 들을 기회를 갖지는 못했습니다.

지휘자 예브게니 스베틀라노프. 오페라 '윌리엄 텔' 서곡.

지휘자가 악보에 개입하는 것은 점차 과거의 일이 되었지만, 오랫동안 사라진 작곡가의 작품을 현대 청중의 인식에 맞게 조정하려는 욕구는 오랫동안 남아 있었습니다. 20세기 심포니 오케스트라와 함께 18세기 음악을 연주하는 것... 이 모든 것이 음악계와 뮤지컬에 가까운계에서 "반낭만적" 반응을 일으켰습니다. 20세기 후반 음악공연의 중요한 현상은 '진정주의' 운동이었다. 이 방향의 확실한 장점은 16~18세기 음악의 문체적 특징, 즉 낭만주의 지휘자들이 어느 정도 무시하는 경향이 있는 특징을 숙달했다는 것입니다.

테오도르 쿠렌치스(Teodor Currentzis)의 표현적인 지휘.