루트비히 판 베토벤 작품의 낭만적인 특징. 루트비히 판 베토벤의 삶과 작품. 베토벤의 작품 18세기 예술과의 연속성
베토벤은 자신의 본성에 완벽하게 맞는 시대에 태어난 행운을 누렸습니다. 지금은 중대한 사회적 사건이 풍부한 시대이며, 그 중 주요 사건은 프랑스의 혁명적 쿠데타입니다. 프랑스 대혁명과 그 이상은 작곡가의 세계관과 작품 모두에 깊은 영향을 미쳤습니다. 베토벤에게 '삶의 변증법'을 이해하기 위한 기본 자료를 제공한 것은 혁명이었습니다.
영웅적인 투쟁에 대한 아이디어는 베토벤의 작품에서 가장 중요한 아이디어가되었지만 유일한 아이디어는 아닙니다. 효율성, 더 나은 미래에 대한 적극적인 열망, 대중과 하나된 영웅-이것이 작곡가가 전면에 내세우는 것입니다. 시민권에 대한 아이디어와 공화당 이상을위한 투사 인 주인공의 이미지는 베토벤의 작품을 혁명적 고전주의 예술과 유사하게 만듭니다 (다비드의 영웅적인 그림, 케루비니의 오페라, 혁명적 행진곡 포함). “우리 시대에는 강력한 정신을 가진 사람들이 필요합니다.”라고 작곡가는 말했습니다. 그가 자신의 유일한 오페라를 재치 있는 수사나가 아니라 용감한 레오노라에게 헌정했다는 점은 의미가 깊습니다.
그러나 사교 행사뿐만 아니라 작곡가의 개인적인 삶도 그의 작품에서 영웅적인 주제가 전면에 등장했다는 사실에 기여했습니다. 자연은 베토벤에게 철학자의 호기심 많고 활동적인 마음을 부여했습니다. 그의 관심은 항상 유난히 넓어서 정치, 문학, 종교, 철학, 자연과학까지 확장되었습니다. 정말 어마어마하다 창의성그는 끔찍한 질병, 즉 청각 장애에 직면했습니다. 이 질병은 음악의 길을 영원히 닫을 수 있는 것처럼 보였습니다. 베토벤은 운명에 맞서는 힘을 찾았고, 저항과 극복의 사상이 그의 삶의 주요 의미가 되었습니다. 영웅적 성격을 '위조'한 것은 바로 그들이었습니다. 그리고 베토벤 음악의 모든 라인에서 우리는 그 창조자, 즉 그의 용감한 기질, 굽히지 않는 의지, 악에 대한 비타협적 태도를 인식합니다. Gustav Mahler는 이 생각을 다음과 같이 공식화했습니다. "5번 교향곡의 첫 번째 주제에 대해 베토벤이 말한 것으로 추정되는 단어인 "그래서 운명이 문을 두드립니다"... 저에게는 그 엄청난 내용을 소진시키는 것과는 거리가 멀습니다. 오히려 그분은 그 여자에 관해 “바로 나입니다”라고 말씀하실 수 있었습니다.
베토벤의 창조적 전기의 시대 구분
- I - 1782-1792 - 본 시대. 시작 창의적인 길.
- II - 1792-1802 - 초기 비엔나 시대.
- III - 1802-1812 - 중앙 기간. 창의적인 번영을 위한 시간입니다.
- IV - 1812-1815 - 과도기.
- V - 1816-1827 - 후기 기간.
베토벤의 어린 시절과 초기 생애
베토벤의 어린 시절과 청소년기(1792년 가을까지)는 그가 태어난 본과 관련이 있습니다. 1770년 12월 년도. 그의 아버지와 할아버지는 음악가였습니다. 프랑스 국경과 가까운 본은 18세기 독일 계몽의 중심지 중 하나였습니다. 1789년에 이곳에 대학이 문을 열었고, 그 중 베토벤의 성적표가 나중에 발견되었습니다.
어린 시절에 베토벤의 전문 교육은 자주 바뀌는 "무작위"교사, 즉 아버지의 지인에게 맡겨져 오르간, 하프시 코드, 플루트 및 바이올린 연주에 대한 수업을 받았습니다. 아들의 보기 드문 음악적 재능을 발견한 그의 아버지는 그를 신동, 즉 크고 지속적인 수입원인 "제2의 모차르트"로 만들고 싶어했습니다. 이를 위해 그 자신과 그가 초대한 합창단 친구들은 어린 베토벤을 기술적으로 훈련하기 시작했습니다. 그는 밤에도 피아노 연습을 강요당했습니다. 그러나 첫 번째 대중 연설젊은 음악가(1778년 쾰른에서 콘서트가 조직됨)는 아버지의 상업적 계획에 부응하지 못했습니다.
루트비히 판 베토벤은 신동은 아니었지만 작곡가로서의 재능을 아주 일찍 발견했습니다. 그에게 큰 영향을 미쳤다 크리스티안 고틀립 네페 11살 때부터 작곡과 오르간 연주를 가르친 그는 미학적, 정치적 신념이 뛰어난 사람이다. 그 시대의 가장 교육받은 음악가 중 한 명인 Nefe는 베토벤에게 바흐와 헨델의 작품을 소개하고 역사, 철학 문제에 대해 계몽했으며 가장 중요한 것은 그의 고향 독일 문화에 대한 깊은 존경심으로 그를 교육했습니다. 또한 네페는 12세 작곡가의 첫 번째 출판사가 되어 그의 초기 작품 중 하나를 출판했습니다. 드레슬러의 행진곡을 주제로 한 피아노 변주곡(1782). 이 변주곡은 베토벤의 현존하는 첫 번째 작품이었습니다. 다음 해에는 세 개의 피아노 소나타가 완성되었습니다.
이 무렵 베토벤은 이미 연극 오케스트라에서 일하기 시작했고 궁정 예배당에서 보조 오르간 연주자의 직책을 맡았고, 조금 후에는 귀족 가문에서 음악 레슨을 가르치며 돈도 벌었습니다(가정의 빈곤으로 인해, 그는 아주 일찍 서비스에 들어가야했습니다). 따라서 그는 체계적인 교육을받지 못했습니다. 그는 11 살이 될 때까지만 학교에 다녔고 평생 실수로 글을 썼으며 곱셈의 비결을 배우지 못했습니다. 그러나 그 자신의 인내 덕분에 베토벤은 성공할 수 있었다. 교육받은 사람: 독립적으로 마스터한 라틴어, 프랑스어 및 이탈리아 사람, 나는 끊임없이 많이 읽었습니다.
모차르트와 함께 공부하는 꿈을 꾸던 베토벤은 1787년 비엔나를 방문하여 그의 우상을 만났습니다. 모차르트는 청년의 즉흥 연주를 듣고 이렇게 말했습니다. “그 사람에게 주의를 기울이십시오. 그는 언젠가 세상이 자신에 대해 이야기하게 만들 것입니다.” 베토벤은 모차르트의 학생이 되는 데 실패했습니다. 어머니의 치명적인 질병으로 인해 그는 급히 본으로 돌아가야 했습니다. 그곳에서 그는 깨달은 사람들에게서 도덕적 지지를 찾았습니다. 브로이닝 가족.
아이디어 프랑스 혁명베토벤의 본 친구들로부터 열광적인 환영을 받았으며 그의 민주적 신념 형성에 큰 영향을 미쳤습니다.
작곡가로서 베토벤의 재능은 모차르트의 경이로운 재능만큼 빠르게 발전하지 못했습니다. 베토벤은 다소 느리게 작곡했습니다. 첫 10년 동안 - 본 시대 (1782-1792) 2개의 칸타타, 여러 개의 피아노 소나타(현재 소나티나로 불림), 3개의 피아노 사중주, 2개의 트리오를 포함하여 50개의 작품이 작곡되었습니다. 본의 창의성 중 상당 부분은 아마추어 음악 제작을 위한 변주곡과 노래로 구성되어 있습니다. 그 중에는 친숙한 노래 "Marmot"도 있습니다.
초기 비엔나 시대(1792-1802)
그의 젊은 작곡의 신선함과 밝음에도 불구하고 베토벤은 진지하게 공부해야 한다는 것을 이해했습니다. 1792년 11월 마침내 그는 본을 떠나 유럽 최대의 음악 중심지인 비엔나로 이주했다. 여기서 그는 대위법과 작곡을 공부했습니다. I. 하이든, I. Schenk, I. Albrechtsberger 그리고 A. 살리에리 . 동시에 베토벤은 피아니스트로 연주를 시작했고 곧 탁월한 즉흥 연주자이자 뛰어난 거장으로 명성을 얻었습니다.
젊은 거장은 K. Likhnovsky, F. Lobkowitz, 러시아 대사 A. Razumovsky 등 많은 저명한 음악 애호가들의 후원을 받았습니다. 베토벤의 소나타, 트리오, 4 중주, 나중에는 교향곡까지 살롱에서 처음 들렸습니다. 그들의 이름은 작곡가의 많은 작품 헌정에서 찾을 수 있습니다. 그러나 베토벤이 후원자를 대하는 방식은 당시에는 거의 들어본 적이 없는 것이었습니다. 자랑스럽고 독립적인 그는 자신의 인간 존엄성을 모욕하려는 시도를 누구에게도 용서하지 않았습니다. 작곡가가 자신을 모욕한 후원자에게 한 전설적인 말은 다음과 같습니다. “수천 명의 왕자가 있었고 앞으로도 그럴 것이지만 베토벤은 단 한 명뿐입니다.”비록 베토벤은 가르치는 것을 좋아하지 않았지만 그럼에도 불구하고 피아노의 K. Czerny와 F. Ries(두 사람 모두 나중에 유럽에서 명성을 얻었음)와 작곡의 오스트리아 대공 루돌프의 교사였습니다.
비엔나 첫 10년 동안 베토벤은 주로 피아노와 실내악: 3개의 피아노 협주곡과 24개의 피아노 소나타, 9개(10점 만점) 바이올린 소나타(9번 - "Kreutzerova" 포함), 2개의 첼로 소나타, 6개 현악4중주 , 다양한 악기를위한 다수의 앙상블, 발레 "프로 메테우스의 창조".
와 함께 19세기 초세기에 베토벤의 교향곡 작품도 시작되었습니다. 1800년에 그는 그의 교향곡을 완성했습니다. 첫 번째 교향곡, 그리고 1802년에 - 두번째. 동시에 그의 유일한 오라토리오인 "감람산의 그리스도"도 작곡되었습니다. 첫 번째 징후는 1797년에 나타났습니다. 말질- 점진적인 청각 장애와 질병을 치료하려는 모든 시도의 절망에 대한 인식으로 인해 베토벤은 1802년 정신적 위기에 빠졌으며 이는 유명한 문서에 반영되었습니다. "하일리겐슈타트 성서" . 위기에서 벗어나는 길은 창의성이었습니다. 작곡가는 "... 자살하기에는 조금 부족했습니다. "라고 썼습니다. - “나를 붙잡은 것은 오직 예술뿐이었습니다.”
창의성의 중심 시기 (1802-1812)
1802~12년 - 베토벤의 천재성이 찬란하게 꽃피웠던 시기. 치열한 투쟁 끝에 정신의 힘으로 고통을 극복하고 빛이 어둠을 승리로 이끈다는 그의 뿌리 깊은 사상은 프랑스 혁명의 사상과 일치하는 것으로 판명되었습니다. 이러한 아이디어는 오페라 "Fidelio"의 교향곡 3번("Eroic")과 5번, 소나타 23번("Appassionata")의 J. V. 괴테 비극 "Egmont"의 음악에서 구체화되었습니다.
전체적으로 작곡가는 이 기간 동안 다음을 만들었습니다.
6개의 교향곡(3~8번), 4중주 7~11번 및 기타 실내악 앙상블, 오페라 피델리오, 피아노 협주곡 4번과 5번, 바이올린 협주곡, 오케스트라와 바이올린, 첼로, 피아노를 위한 삼중 협주곡 .
과도기(1812-1815)
1812~1815년은 유럽의 정치적, 정신적 삶에 전환점이 되는 해였습니다. 나폴레옹 전쟁의 시대와 해방 운동의 발흥은 다음과 같습니다. 비엔나 회의 (1814-15), 그 후 내부 및 외교 정책 유럽 국가반동 군주제 경향이 강화되었습니다. 영웅적인 고전주의 스타일은 낭만주의로 바뀌었고 이는 문학의 주요 트렌드가되었으며 음악에서도 알려졌습니다 (F. Schubert). 베토벤은 화려한 연주를 만들어 승리의 환희에 경의를 표했습니다. 심포닉 판타지"비토리아 전투"와 칸타타 "행복한 순간"은 비엔나 회의에 맞춰 초연되었으며 베토벤은 전례 없는 성공을 거두었습니다. 그러나 1813~17년의 다른 작품에는 새로운 길에 대한 끈질기고 때로는 고통스러운 탐색이 반영되어 있습니다. 이때 첼로(4, 5번)와 피아노(27, 28번) 소나타 등 수십 편곡의 가곡이 작곡되었다. 다른 나라성악과 앙상블 부문에서는 장르 역사상 최초로 음성주기 "먼 사랑하는 사람에게"(1815). 이 작품의 스타일은 실험적이며 독창적인 발견이 많지만 항상 "혁명적 고전주의" 시대만큼 통합적이지는 않습니다.
후기 (1816-1827)
베토벤 생애의 마지막 10년은 메테르니히 오스트리아의 전반적인 억압적인 정치적, 정신적 분위기와 개인적인 역경과 격변으로 인해 손상되었습니다. 작곡가의 청각 장애가 완전해졌습니다. 1818년부터 그는 대담자가 그에게 보낸 질문을 적은 "대화 노트"를 사용해야 했습니다. 개인의 행복에 대한 희망을 잃은 것(불멸의 사랑하는 사람의 이름) 작별 편지 1812년 7월 6일부터 7일까지의 베토벤은 아직 알려지지 않았습니다. 일부 연구자들은 그녀를 J. Brunswik-Dame, 다른 사람들은 A. Brentano라고 생각합니다. 베토벤은 1815년에 사망한 남동생의 아들인 조카 칼을 키우는 책임을 맡았습니다. 이로 인해 단독 양육권을 놓고 소년의 어머니와 장기간(1815~20년) 법적 싸움이 벌어졌습니다. 유능하지만 경솔한 조카는 베토벤에게 많은 슬픔을 안겨주었습니다.
에게 말기포함, 마지막 5개 사중주(Nos. 12-16), "디아벨리 왈츠의 33개 변주곡", 피아노 바가텔리 op. 126, 첼로를 위한 두 개의 소나타 op.102, 현악 4중주를 위한 푸가, 이 모든 작품 질적으로이전의 모든 것과 다릅니다. 이를 통해 스타일에 대해 이야기할 수 있습니다. 늦은낭만주의 작곡가들의 스타일과 확연히 닮은 베토벤. 베토벤의 중심인 빛과 어둠 사이의 투쟁에 대한 생각은 그의 후기 작품에서 강조됩니다. 철학적인 소리. 고통에 대한 승리는 더 이상 영웅적인 행동을 통해 달성되는 것이 아니라 정신과 사고의 움직임을 통해 달성됩니다.
1823년 베토벤이 완성하다 "장엄한 미사", 그는 자신이 자신의 것으로 간주 가장 위대한 작품. “장엄미사”는 1824년 4월 7일 상트페테르부르크에서 처음으로 거행되었습니다. 한 달 후, 베토벤의 마지막 자선 콘서트가 비엔나에서 열렸으며, 미사 부분과 함께 그의 마지막 콘서트도 공연되었습니다. 9번 교향곡 F. Schiller의 "Ode to Joy" 가사에 대한 마지막 합창이 있습니다. 9번 교향곡의 마지막 외침 – “수백만 명이여!”! - 인류에 대한 작곡가의 이념적 증거가 되었으며 19세기와 20세기 교향곡에 강한 영향을 미쳤습니다.
전통에 대하여
베토벤은 흔히 고전주의 음악 시대를 마감하고 낭만주의 시대를 연 작곡가로 일컬어진다. 일반적으로 이것은 사실이지만 그의 음악은 두 스타일의 요구 사항과 완전히 일치하지 않습니다. 작곡가는 매우 보편적이어서 그의 창의적인 외모 전체를 덮는 문체적 특징이 없습니다. 때때로 같은 해에 그는 서로 너무 대조적이어서 둘 사이의 공통된 특징을 인식하기가 극도로 어려운 작품을 만들었습니다(예를 들어 1808년 같은 콘서트에서 처음 연주된 교향곡 5번과 6번). 예를 들어 초기와 성숙기, 성숙기와 후기 등 서로 다른 시기에 만들어진 작품을 비교하면 때로는 서로 다른 예술 시대의 창작물로 인식되기도 합니다.
동시에 베토벤의 음악은 참신함에도 불구하고 이전 독일 문화와 불가분의 관계가 있습니다. J. S. 바흐의 철학적 가사, 헨델의 오라토리오, 글룩의 오페라, 하이든과 모차르트의 작품의 장엄하고 영웅적인 이미지에 영향을 받은 것은 부인할 수 없습니다. 베토벤 스타일의 형성에도 기여했습니다. 뮤지컬 예술다른 나라들, 주로 프랑스는 대중적 혁명 장르로 지금까지 용감하게 민감한 것과는 거리가 멀다. XVIII 스타일세기. 전형적인 장식적 장식, 정지, 소프트 엔딩은 이제 과거의 일이 되어가고 있습니다. 베토벤 작품의 팡파르 행진곡 주제 중 상당수는 프랑스 혁명의 노래와 찬송가에 가깝습니다. "항상 단순하다"라는 말을 반복하기를 좋아했던 작곡가의 음악이 지닌 엄격하고 고상한 단순성을 생생하게 보여줍니다.
베토벤의 후기 스타일
뛰어난 대가들의 노쇠한 창조물의 성숙은 열매의 익음이 아닙니다. 그들은 추악하고 주름이 많고 깊게 접혀 있습니다. 단맛이없고 떫은맛과 가혹함이 맛볼 수 없으며 고전주의 미학이 예술 작품에서 요구하는 데 사용되는 조화도 없습니다. 역사는 내부 성장보다 더 많은 흔적을 남겼습니다. 이것은 일반적으로 이러한 생물이 주관성을 단호하게 주장하거나 더 좋게는 "개성"을 주장하는 산물이라는 사실로 설명됩니다. 내면의 세계이 성격 인 그녀는 형태의 고립을 깨고 조화를 그녀의 고통과 고통의 불협화음으로 바꾸는 것처럼 보입니다. 자급 자족하고 자유로운 정신은 관능적 인 즐거움을 경멸합니다. 그러나 이런 식으로 나중에 창의성은 예술의 경계 어딘가로 밀려나고 문서에 더 가까워집니다. 사실, 베토벤의 마지막 작품에 대한 토론에서 작곡가의 운명인 전기에 대한 힌트가 거의 없습니다. 예술 이론은 인간 죽음의 존엄성에 굴복하여 자신의 권리를 포기하는 것처럼 보입니다. 그녀는 변함없는 현실 앞에서 무기를 내려놓는다.
그렇지 않으면 이 접근 방식의 불일치가 아직 심각한 저항에 직면하지 않은 이유를 이해하는 것이 불가능합니다. 그러나 불일치는 눈에 보입니다. 창의성 자체를 면밀히 살펴보기만 하면 되고 창의성의 심리적 원천을 살펴보기만 하면 됩니다. 왜냐하면 우리는 형태의 법칙을 알아야 하기 때문입니다. 국경을 넘어 분리를 하고 싶다면 예술 작품문서에서 보면, 구분의 반대편에 있는 베토벤의 대화집7은 물론 그의 C# 단조 4중주8보다 더 많은 의미를 갖습니다. 그러나 후기 창조물 형태의 법칙은 표현력의 개념에 맞지 않습니다. 후기 베토벤은 극도로 "표현력이 부족하고" 분리된 구성을 가지고 있습니다. 따라서 그의 스타일을 분석할 때 다성적으로 객관적인 구성으로 똑같이 쉽게 기억됩니다. 현대 음악, 그리고 내면 세계의 무제한 표현. 그러나 베토벤 형태의 단편화는 항상 죽음에 대한 기대나 악마적으로 냉소적인 분위기로 인해 발생하는 것은 아닙니다. 관능의 세계를 뛰어넘은 창작자는 칸타빌레 e 콤피아세볼레 또는 안단테 아마빌레와 같은 지정을 무시하지 않습니다. 그는 주관성의 진부함을 그에게 돌리기가 결코 쉽지 않은 방식으로 행동합니다. 베토벤의 음악에서 주관성은 완전히 칸트적 의미에서 형태를 파괴하기보다는 형태를 창조하고 생성하기 때문입니다. 예를 들면 "Appassionata"가 있습니다. 이 소나타는 후기 사중주보다 훨씬 더 단결하고, 더 밀도 있고, "조화적"입니다. 또한 더 주관적이고, 더 자율적이며, 더 자발적입니다. 그러나 〈열정〉과 비교하면 후기 작품들은 해결을 거부하는 신비로움을 담고 있다. 이 비밀은 무엇입니까?
후기 스타일에 대한 이해를 수정하려면 관련 작품에 대한 기술적 분석에 의존해야 합니다. 여기서는 다른 어떤 것도 유용할 수 없습니다. 분석은 일반적으로 받아 들여지는 견해가 부지런히 피하는 그러한 독특한 특징, 즉 관례의 역할, 즉 표준 뮤지컬 턴. 우리는 후기 괴테, 후기 Stifter9로부터 이러한 관습에 대해 알고 있습니다. 그러나 그것들은 베토벤의 급진적인 신념에서도 동일하게 언급될 수 있습니다. 그리고 이것은 즉시 모든 심각성에 대한 질문을 제기합니다. "주관주의적" 방법의 첫 번째 계명은 진부한 표현을 용납하지 말고, 표현력을 서두르지 않고는 할 수 없는 모든 것을 변화시키는 것입니다. 평균적인 베토벤은 일반적으로 적절한 수단을 사용하여 숨겨진 중간 성부를 만들고, 리듬을 수정하고, 긴장감을 악화시키면서 주관적인 역동성의 흐름에 전통적인 반주 수치를 쏟아부었습니다. 그는 교향곡 5번에서와 같이 주제 자체의 본질에서 주제를 도출하지 않았더라도 주제의 독특한 외양 덕분에 관습의 힘에서 해방되지는 않았지만 자신의 내적 의도에 따라 그것들을 변형했습니다. 후기 베토벤은 다르게 행동합니다. 그의 음악적 연설의 모든 부분, 심지어 그가 마지막 다섯 개의 피아노 소나타에서처럼 독특한 구문을 사용하는 부분에도 관습적인 악구와 공식이 산재해 있습니다. 트릴, 종지, 우아함의 장식적인 체인이 풍부합니다. 종종 전통적인 장식은 원래의 형태 그대로 그대로 나타납니다: 소나타 op.의 첫 번째 주제에서. 110번(A플랫 장조)은 16분음표의 차분하고 원시적인 반주로서 일반 스타일에서는 용납되지 않습니다. 마지막 바가텔에서 초기 및 마지막 막대는 오페라 아리아의 도입부와 비슷합니다. 이 모든 것은 접근하기 어려운 다층 풍경의 바위 바위, 분리된 서정의 알기 어려운 숨결입니다. 베토벤이나 일반적으로 후기 스타일에 대한 어떤 해석도 이러한 흩어져 있는 표준 공식 조각을 순전히 심리적으로 설명할 수 없으며, 예를 들어 사물의 외부 모습에 대한 작가의 무관심으로 설명할 수 없습니다. 결국 예술의 의미는 거짓말입니다. 겉모습만 보면. 여기에서 관습과 주관성 사이의 관계는 이미 형식의 법칙으로 이해되어야 합니다. 이러한 각인된 공식만이 실제로 유물을 만지는 것 이상의 의미를 갖는다면 이후 작품의 의미는 형식의 법칙에서 비롯됩니다.
그러나 이 형태의 법칙은 죽음에 대한 생각에서 드러납니다. 죽음의 현실이 예술의 권리를 박탈한다면, 죽음은 예술 작품의 '주체'로 들어갈 수 없습니다. 죽음은 예술 작품을 위한 것이 아니라 살아있는 존재를 위한 것입니다. 따라서 모든 예술에서는 마치 우화처럼 깨졌습니다. 심리적 해석은 이것을 보지 못합니다. 필사자의 주관성이 후기 창의성의 본질이라고 선언하면서 예술 작품에서 실제적이고 왜곡되지 않은 특징으로 죽음을 볼 수 있기를 바랍니다. 이것은 그러한 형이상학의 기만적인 왕관이다. 사실, 그것은 후기 창의성에서 주관성의 파괴적이고 엄청난 힘을 주목합니다. 그러나 그것은 주관성이 끌어당기는 방향과 반대되는 방향으로 그것을 추구합니다. 그것은 주관성 자체의 표현에서 그것을 추구합니다. 실제로 예술 작품에서는 인간의 주체성이 사라진다. 후기 저술에서 주관성의 힘과 권위는 그것이 드러나는 신속한 몸짓입니다. 그녀는 그것들을 내부에서 파괴하지만, 그 안에서 자신을 표현하기 위해서가 아니라 어떤 표현도 없이 예술의 모습을 버리기 위해. 에서 예술적 형태폐허가 남아 있습니다. 마치 특별한 기호 언어인 것처럼 주관성은 그것이 드러나는 결점과 균열을 통해서만 그 자체를 선언합니다. 죽음에 닿은 주인의 손은 더 이상 이전에 만들어졌던 재료 더미를 붙잡을 수 없습니다. 균열, 붕괴 - 존재 앞에 있는 인간의 궁극적인 무력함을 나타내는 표시 - 이것이 그들의 마지막 창조물입니다. 여기에서 파우스트의 두 번째 부분과 빌헬름 마이스터의 방황의 해에 나오는 풍부한 자료가 나오는 곳이며, 주관성이 그 자체로 채워지지 않고 종속되지 않고 그대로 유지되는 관습이 나오는 곳입니다. 그녀는 이러한 관습을 조각조각 깨뜨렸습니다. 쪼개지고 버려진 파편들은 그 자체로 표현력을 갖는다. 그러나 이것은 이제 분리되고 고립된 나의 표현이 아닙니다. 이것은 이성적 존재의 신화적 운명과 그 타락, 전복의 표현이며, 그 단계는 마치 모든 단계에서 멈추는 것처럼 분명히 이후의 창조가 뒤따릅니다. .
따라서 후기 베토벤에서는 관습이 그 자체로 적나라하게 표현됩니다. 이것은 종종 말하는 스타일의 축소입니다. 일어나는 일은 전통적인 공식에서 음악적 언어를 정화하는 것이 아니라 마치 전통적인 공식이 주관성에 종속되는 것처럼 외관의 파괴입니다. 역학적으로 볼 때 그 공식은 그 자체로, 나 자신을 위해 말하는 것 같습니다. 그러나 그는 주관성이 내부에서 터져 나와 그것을 통해 날아가서 창조적 의지의 빛으로 갑자기 밝게 비추는 순간에만 말합니다. 따라서 크레센도와 디미누엔도는 언뜻 보기에 서로 독립적입니다. 뮤지컬 디자인, 그러나 최근 몇 년 동안 베토벤의 이 구성은 여러 번 충격을 받았습니다.
그리고 버려지고, 낯설고, 소외된 풍경은 더 이상 그들의 사진 속에 모아지지 않는다. 그것은 주관성에 의해 점화된 불꽃에 의해 조명되며, 이는 폭발하면서 형태의 경계 벽을 온 힘을 다해 공격하며 그 역동성에 대한 아이디어를 보존합니다. 이 아이디어가 없으면 창의성은 단지 과정일 뿐이며 발전의 과정이 아니라 극단의 상호 연소 과정일 뿐이며, 이는 더 이상 안전한 균형을 이룰 수 없고 자발적으로 발생하는 조화로 유지할 수 없습니다. 극단은 가장 정확하고 기술적인 의미로 이해되어야 합니다. 즉, 모노포니, 유니슨, 컬 공식을 기호로 사용하고 다성음악은 중재 없이 그 위에 솟아오릅니다. 객관성은 잠시 모이고, 극단을 바꾸고, 짧은 다성적 단편들을 장력으로 충전하고, 그것들을 일제히 쪼개고 빠져나가며, 한 가지, 즉 적나라한 소리를 남깁니다. 그 길에는 과거에 대한 기념물로서 주관성이 숨겨져 있고 석화되어 있는 전통적인 공식이 남아 있습니다. 그리고 음악의 갑작스럽고 갑작스러운 결말인 휴지기(caesuras)는 무엇보다도 베토벤 말년의 특징입니다. 이것은 주관성이 드러나는 순간입니다. 그녀가 창조물을 버리자마자 그것은 조용해지고 공허한 내부를 드러낸다. 그리고 나서야 다음 에피소드가 시작됩니다. 이 에피소드는 해방된 주관성의 의지에 따라 이전 에피소드와 인접하여 뗄 수 없는 전체를 형성합니다. 왜냐하면 그들 사이에는 비밀이 있고 오직 다음 에피소드에서만 실현될 수 있기 때문입니다. 그런 통일성. 후기 베토벤을 똑같이 주관적이고 객관적이라고 부르는 사실에서 부조리가 발생하는 곳입니다. 풍경의 암석 균열은 객관적인 반면, 풍경에 생명을 불어넣는 빛은 주관적입니다. 베토벤은 그것들을 조화롭게 합치지 않습니다. 그는 해리의 힘으로 그것들을 이런 식으로, 아마도 영원히 보존하기 위해 시간이 지나면서 그것들을 찢습니다. 후기 창작은 예술사에서 진정한 재앙입니다.
요약 프레젠테이션의 고대 철학사 책에서. 작가 로세프 알렉세이 페도로비치후기 헬레니즘 신화로서의 감각적 물질적 공간 우리가 사용하는 "초기", "중간", "후기" 헬레니즘이라는 모든 용어는 물론 순전히 조건적인 의미만을 갖습니다. 여기서 무조건적인 유일한 것은 포스트 클래식 캐릭터입니다
The Rebel Man이라는 책에서 작가 카뮈 알베르반란과 스타일 예술가는 현실에 대한 해석을 통해 자신의 부정의 힘을 주장한다. 그러나 그가 창조한 우주에 남아 있는 현실은 그가 추론한 현실의 적어도 그 부분과 그가 일치함을 증언한다.
New Philosophical Encyclopedia 책에서. 4권 T-Ya 작가 스테핀 뱌체슬라프 세메노비치후기 로마와 중세 역사적 사실 기독교 변증론자들의 활동 - 철학자 저스틴, 타티아누스, 테오필루스, 아테나고라스 등. 영지주의의 출현. 속. 황제이자 철학자 마르쿠스 아우렐리우스. 속. 루시안. 연도 약 130년 약 150년 약 160년 165년 역사적 사실
책 Baphomet에서 작가 클로소프스키 피에르이 남자의 스타일은 환상적이며 Klossovsky의 언어입니다. 이 인위적으로 "준비된" 언어는 시대착오적이지 않고 현대성과 구식 모두에 이질적입니다. 그래서 토마스
Millennial Development의 결과 책에서 책. Ⅰ-Ⅱ 작가 로세프 알렉세이 페도로비치1. 철학적 스타일 Synesius에 대한 광범위한 설명을 통해 A. Ostroumov의 다음 말로 결론을 내릴 수 있습니다.
문화와 윤리 책에서 작가 슈바이처 알베르트5. 스타일 Marcian Capella의 스타일에 대한 연구는 매우 중요합니다. 스타일은 주제를 제시할 뿐만 아니라 다양한 종류의 허구적 장치를 사용하여 이를 제시하려는 작가의 의도를 나타내기 때문입니다. 이 소설이 여기서 가능하게 된 이유는 작가가
"어떤 이유에서든 그것에 대해 이야기해야 하는데..."라는 책에서: 즐겨찾기 작가 게르셸만 카를 카를로비치11. 후기 헬레니즘, 또는 신플라톤주의 a) 좀 더 일반적인 용어로 시작한다면, 가장 눈에 띄는 것은 운명의 문제에 대한 후기 헬레니즘의 태도입니다. 우리가 지금 확립한 것처럼, 이미 금욕주의와 어떤 면에서는또한 에피쿠로스주의와 회의론자들도
현상학적 정신의학과 실존 분석 책에서 발췌. 역사, 사상가, 문제 작가 블라소바 올가 빅토로브나§4. 후기 헬레니즘 이제 마침내 우리는 고대 철학의 최종적인 것으로 간주되어야 하는 유일자 교리의 단계에 이르렀습니다. 이것은 신플라톤주의 시대(III~VI세기 AD)입니다. 그러나 우리에게 도달한 모든 고대 신플라톤주의 작품은 다음과 같은 내용으로 가득 차 있습니다.
작가의 책에서§5. 후기 헬레니즘 1. 플로티누스 플로티누스와 그의 숫자에 대한 가르침과 관련하여 고대 철학 및 미학의 역사가는 행복을 경험합니다. 보기 어려운 숫자에 대한 개별 깨진 조각 세트 대신 종종 이해하고 결합하기조차 어렵습니다. , 플로티누스에서 우리는
작가의 책에서§6. 후기 헬레니즘 1. 정신 영역에서 초멘탈 영역까지 우리의 이전 연구(47 – 48, VI 147 – 180)를 바탕으로 후기 헬레니즘의 신학 용어에 대한 다음 그림을 개괄적으로 설명할 수 있습니다. 건설하다
작가의 책에서§7. 후기 헬레니즘 신플라톤주의의 창시자인 플로티누스에 관해서는, 우리는 이미 영혼에 관한 그의 주요 문헌을 이전에 충분히 자세하게 설명했습니다(IAE VI 655 - 658, 660 - 662, 715 - 716, 721 - 722). 그러므로 우리가 가져오는 것은 의미가 없습니다. 여기이 모든 텍스트를 다시. 그러나 만일
작가의 책에서§6. 후기 헬레니즘 물질에 관한 플로티누스의 놀라운 가르침은 지금 우리에게 자세히 제시될 필요가 거의 없습니다. 왜냐하면 이전에서 우리가 이 문제를 상당히 자세하게 다루었기 때문입니다(IAE VI 209 - 210, 387 - 390, 445 - 446, 647). - 653, 671 - 677, 714 - 715). 우리는 Plotinus 장의 번역본을 소유하고 있습니다.
작가의 책에서4. 후기 헬레니즘 a) 이러한 상황은 후기 헬레니즘, 특히 신플라톤주의에서 변합니다. 고대의 운명은 그 자체로 어떤 수단으로도 지울 수 없었습니다. 그러나 인간 주체는 고대에 그러한 발전과 심화를 이룰 수 있었습니다.
작가의 책에서XIV. 후기 공리주의. 생물학적 및 사회학적 윤리 유럽의 철학적 사고는 사변적 철학도 자연 철학의 도움으로 낙관적-윤리적 세계관을 입증할 수 없다는 사실을 완전히 이해하지 못했습니다. 그것이 올 때
작가의 책에서 작가의 책에서§ 8. 경험의 구조: 고 빈스방거 우리가 이미 후설 문단에서 다루었던 고 빈스방거의 작업은 너무나 중요해서 별도로 고려할 가치가 있습니다. 그의 마지막 작품 “망상: 현상학 및 현존재 분석에 대한 기여
주제: 베토벤의 작품.
1. 소개.
2. 초기 창의성.
4. 말년에도 여전히 혁신가입니다.
5. 교향악적 창의성. 9번 교향곡
1. 소개
루트비히 판 베토벤 – 독일 작곡가, 비엔나 대표 고전 학교. 그는 영웅적이고 극적인 유형의 교향곡을 만들었습니다(3rd "Heroic", 1804, 5th, 1808, 9th, 1823, 교향곡; 오페라 "Fidelio", 최종 버전 1814; 서곡 "Coriolanus", 1807, "Egmont", 1810; 악기 앙상블, 소나타, 콘서트 수). 베토벤의 창작 여정 중에 닥친 완전한 청각 장애는 그의 의지를 깨뜨리지 않았습니다. 후기 작품은 철학적 성격으로 구별됩니다. 9개의 교향곡, 5개의 피아노 협주곡; 16개의 현악4중주 및 기타 앙상블; 피아노용 32개(소위 "Pathetique", 1798, "Lunar", 1801, "Appassionata", 1805), 바이올린과 피아노용 10개를 포함한 기악 소나타; "엄숙한 미사"(1823).
2. 초기 작업
베토벤은 본에 있는 쾰른 선제후 궁정 예배당에서 가수였던 아버지의 지도 아래 초기 음악 교육을 받았습니다. 1780년부터 그는 궁정 오르간 연주자 K. G. 네페에게서 공부했습니다. 12세 미만의 나이에 베토벤은 네페를 성공적으로 대체했습니다. 동시에 그의 첫 번째 출판물이 나왔습니다 (E. K. Dresler 행진곡의 클라비어 변주곡 12개). 1787년 베토벤은 비엔나의 W.A. 모차르트를 방문했는데, 그는 즉흥 연주 피아니스트로서의 그의 예술을 높이 평가했습니다. 당시 유럽의 음악 수도에서 베토벤의 첫 체류는 짧았습니다 (그의 어머니가 죽어 가고 있다는 사실을 알고 본으로 돌아 왔습니다).
1789년에 그는 본 대학교 철학부에 입학했지만 오랫동안 그곳에서 공부하지는 않았습니다. 1792년에 베토벤은 마침내 비엔나로 이주하여 처음에는 J. Haydn(그와 좋은 관계가 없었음)과 함께 작곡을 개선한 다음 I. B. Schenk, I. G. Albrechtsberger 및 A. Salieri와 함께 작곡을 향상시켰습니다. 1794년까지 그는 사용했다. 재정적 지원선거인은 그 후 비엔나 귀족들 사이에서 부유한 후원자를 찾았습니다.
베토벤은 곧 비엔나에서 가장 패셔너블한 살롱 피아니스트 중 한 명이 되었습니다. 베토벤의 피아니스트로서의 공개 데뷔는 1795년에 이루어졌습니다. 같은 해에 그의 첫 번째 주요 출판물은 세 개의 피아노 삼중주 Op. 피아노를 위한 1번과 3번의 소나타 op. 2. 동시대 사람들에 따르면, 베토벤의 연주는 폭풍우 같은 기질과 거장의 탁월함, 그리고 풍부한 상상력과 감정의 깊이를 결합했습니다. 그의 가장 깊고 원작이 기간의 피아노를 위한 것입니다.
1802년 이전에 베토벤은 "Pathetique"(1798)와 소위 "Moonlight"(2개의 "환상 소나타" op. 27, 1801 중 2번)를 포함하여 20개의 피아노 소나타를 만들었습니다. 여러 소나타에서 베토벤은 느린 악장과 피날레 사이에 미뉴에트나 스케르초라는 추가 성부를 배치함으로써 고전적인 3부 구성을 극복하여 소나타 주기를 교향곡 주기와 유사하게 만들었습니다. 1795년과 1802년 사이에 처음 3개의 피아노 협주곡, 처음 2개의 교향곡(1800년과 1802년), 6개의 현악 사중주(Op. 18, 1800), 8개의 바이올린과 피아노를 위한 소나타(1801년 "봄 소나타" Op. 24 포함) , 첼로와 피아노를 위한 2개의 소나타 op. 5(1796), 오보에, 호른, 바순 및 현을 위한 7중주 Op. 20(1800), 기타 실내악 앙상블 작품 다수. 베토벤의 유일한 발레인 "프로메테우스 작품"(1801)은 같은 시기로 거슬러 올라가며, 그 주제 중 하나는 나중에 "에로익 교향곡"의 피날레와 푸가가 있는 15개의 변주곡으로 구성된 기념비적인 피아노 사이클에 사용되었습니다. (1806). 어렸을 때부터 베토벤은 자신의 계획의 규모, 실행의 지칠 줄 모르는 창의성, 새로운 것에 대한 지칠 줄 모르는 열망으로 동시대 사람들을 놀라게 하고 기쁘게 했습니다.
3. 베토벤 작품의 영웅적 원리.
1790년대 후반에 베토벤은 귀머거리가 되기 시작했습니다. 늦어도 1801년에 그는 이 질병이 진행되고 있으며 청력이 완전히 상실될 위험이 있다는 것을 깨달았습니다. 1802년 10월, 비엔나 근처 하일리겐슈타트 마을에 있는 동안 베토벤은 그의 두 형제에게 "하일리겐슈타트 유언장"으로 알려진 극도로 비관적인 내용의 문서를 보냈습니다. 그러나 그는 곧 정신적 위기를 극복하고 창작 활동에 복귀했다. 신-소위 중기 창의적인 전기보통 1803년에 시작하여 1812년에 끝난 베토벤은 그의 음악에서 극적이고 영웅적인 모티프가 강화된 것이 특징입니다. 교향곡 3번의 저자 부제인 "영웅"(1803)은 전체 기간에 대한 비문 역할을 할 수 있습니다. 처음에 베토벤은 이 작품을 나폴레옹 보나파르트에게 헌정하려고 했으나, 자신이 황제라고 선언했다는 사실을 알고는 이 의도를 포기했습니다. 유명한 "운명을 모티브로 한" 교향곡 5번(1808), 정의를 위한 포로 전사의 음모를 바탕으로 한 오페라 "피델리오"(처음 2판은 1805-1806년, 마지막 판은 1814년), 서곡 "코리올라누스"에는 영웅적이고 반항적인 정신이 스며들어 있습니다. "(1807) 및 "Egmont"(1810), 바이올린과 피아노를 위한 "Kreutzer Sonata"(1803)의 첫 번째 부분, 피아노 소나타 "Appassionata"(1805) ), 피아노를 위한 C단조 32개의 변주곡(1806).
베토벤의 중기 스타일은 전례 없는 범위와 강도의 모티브 작업, 증가된 소나타 전개 규모, 눈에 띄는 주제, 다이내믹, 템포 및 음역 대비가 특징입니다. 이러한 모든 기능은 실제 "영웅적"라인에 속하기 어려운 1803-12의 걸작에도 내재되어 있습니다. 교향곡 4번(1806), 6번(“전원”, 1808), 7번과 8번(모두 1812년), 피아노와 관현악을 위한 협주곡 4번과 5번(1806, 1809), 바이올린과 관현악을 위한 협주곡(1806)입니다. , 소나타 Op. 피아노를 위한 53번(발트슈타인 소나타 또는 오로라, 1804), 3개의 현악4중주 Op. 59번은 A. 라주모프스키(A. Razumovsky) 백작에게 헌정되었으며, 그의 요청에 따라 베토벤은 첫 번째와 두 번째 곡에 러시아인을 포함시켰습니다. 민속 테마(1805-1806), 피아노, 바이올린, 첼로를 위한 삼중주 op. 97, 베토벤의 친구이자 후원자였던 루돌프 대공(소위 "대공 트리오", 1811)에게 헌정되었습니다.
1800년대 중반까지 베토벤은 이미 당대 최초의 작곡가로 널리 존경받았습니다. 1808년에 그는 실제로 자신의 마지막 콘서트피아니스트로서 (1814년 이후의 자선 공연은 실패했는데, 그 당시 베토벤은 이미 거의 완전히 귀머거리였기 때문입니다). 동시에 그는 카셀의 법원 차장직을 제안 받았습니다. 작곡가가 떠나는 것을 원하지 않는 세 명의 비엔나 귀족은 그에게 높은 급여를 할당했지만 나폴레옹 전쟁과 관련된 상황으로 인해 곧 감가 상각되었습니다. 그럼에도 불구하고 베토벤은 비엔나에 남아 있었다.
장르, 자유롭고 개별적인 형식(베토벤의 마지막 소나타와 4중주의 주기를 자신의 교향곡의 보다 고전적인 주기와 비교하는 것으로 충분합니다). 3. 베토벤 작품에서 소나타 장르의 진화 경로 피아노 소나타베토벤에게는 그를 걱정하는 생각과 감정, 그의 주요 예술적 열망을 가장 직접적으로 표현하는 형태였습니다. 이 장르에 대한 그의 매력은...
이에 대해 베토벤에게 알리는 정신. 마침내 이 사실을 알게 된 그는 깊은 절망에 빠졌습니다. 그는 심장에 충격을 받았고 생애가 끝날 때까지 이 공포의 인상을 받으며 살았습니다... 새로운 해안으로... 지난 10년 동안 베토벤의 작품에서는 새로운 기능이 강화되었습니다. 오랜 휴식 끝에 그는 자신이 가장 좋아하는 장르로 돌아와 10년에 걸쳐 5개의 장대한 작품을 탄생시킵니다.
리스트, 훔멜, 쇼팽, 모셸레스. 그리고 마지막으로 Dussek의 협주곡이 원을 완성하여 Mendelssohn의 콘서트 작품을 크게 풍요롭게 했습니다. 독특한 특징 Dussek과 그의 동시대인 Hummel, Field, Moscheles, Kalkbrenner, Hertz, Clementi, Steibelt의 콘서트 작품은 탁월한 기교, 광채, 효과를 가졌습니다. 그들의 기술은 창의성보다 높았습니다. 그들...
같은 해, 베토벤의 작품을 열정적으로 숭배하는 비엔나 궁정 극장의 바이올리니스트인 W. Krumpholz는 젊은 체르니에게 위대한 작곡가의 작품을 소개하고 그 중 일부를 마스터하도록 도왔으며 젊은 칼과 베토벤의 만남에 기여했습니다. 베토벤. 체르니의 모차르트 연주회를 들은 후, 베토벤은 그 소년이 의심할 여지 없이 재능이 있다는 것을 깨닫고 그와 함께 공부하기로 동의했습니다. 베토벤은 그 방법을 알고 있었습니다...
베토벤은 비엔나 고전의 마지막 작품입니다(그의 삶과 작품의 연대는 1770~1827년입니다). 그리고 진화 과정에서 미래를 향한 (낭만주의를 향한) 작곡가의 음악에서 일부 새로운 현상이 점차 성숙해졌지만, 베토벤의 활동이 더욱 생생합니다. 비엔나 고전 학파의 원리와 사상의 완성을 보여줍니다.모차르트와 하이든처럼 그는 세계관의 명확성과 객관적인 표현 톤이 우세한 것이 특징입니다. 베토벤의 음악에서는 전체를 구성하는 부분들의 고전적인 균형과 비례, 깊은 내용을 담고 있는 형식의 조화를 느낄 수 있다. 동시에, 그의 작품에는 어느 정도 민주주의가 존재하며, 그의 창의성은 일상적인 음악, 노래, 댄스 장르와 연관되어 있습니다.
그러나 비엔나 고전 중에서 베토벤은 특별한 위치를 차지합니다. 그의 전임자 중 영웅적 원칙, 투쟁, 장애물 극복, 승리 달성이라는 주제를 음악에서 일관되고 생생하게 표현한 작품은 없습니다.이러한 주제는 베토벤을 정의합니다. 그리고 가장 직접적인 방법으로 이것은 유럽 전체의 운명에 큰 영향을 미친 사건인 대 프랑스인과 연결되어 있습니다. 부르주아 혁명 1789년
영웅적인 주제가 특별한 힘으로 나타나는 베토벤 작품의 주요 이정표는 피아노 소나타 1, 5, 8번(“Pathetique”), 17, 23(“Appassionata”)입니다. 피아노를 위한 C단조 32개의 변주곡; 4중주 op.18 No.4 다단조, ph. 콘서트 3번과 5번; I.V. 의 비극을 위한 음악인 "Coriolanus"와 "Leonora"를 서곡합니다. 괴테 "에그몬트" 오페라 "피델리오" 그리고 물론 교향곡, 특히 3번, 5번, 9번(일부 7번).
영웅적인 생각은 말 그대로 음악 언어의 모든 요소에 눈에 띄는 영향을 미칩니다.베토벤은 하이든이나 모차르트와는 매우 다릅니다. 아마도 특히 암시적인 것은 윤곽의 엄격함과 정확성을 획득하는 주제성의 변형일 것입니다. 멜로디 라인이 곧게 펴지고 방향이 지정됩니다(예를 들어 피아노 소나타 1번, 5번, 8번의 첫 번째 악장의 주요 주제에서). , 그것은 종종 팡파르 억양을 기반으로 하며 노래 행진 기능을 가지고 있습니다. 다단조 32개의 변주곡 주제, 교향곡 3번의 느린(2악장) 주제, 교향곡 5번의 피날레에서는 말 그대로 프랑스 혁명의 음악을 들을 수 있다.
본래 개발 범주에 대한 작곡가의 태도가 변형되었습니다.음악에서는 그 역할이 엄청나게 증가하고 있습니다. 베토벤은 음악 형식의 거의 모든 부분을 발전적인 요소로 채웁니다. 가장 중요한 자료가 공개되는 순간부터 개발과 적극적인 움직임이 시작됩니다. 이것은 베토벤의 주요 자료 발표의 참신함입니다. 작곡가는 형성 과정에서 주요 주제를 보여줍니다.그러한 방법의 예는 이 장의 주제입니다. 교향곡 3번 1악장의 일부, 오프닝 테마같은 교향곡 Ch의 주제에서 Scherzo. 교향곡 9번의 피날레 일부 등
발전 자체가 전례가 없는 일이 되어가고 있다 범위와 강도. 전개 방식 중 베토벤은 모티브를 주제로 한 작품을 선호하는데,베토벤의 가장 중요한 과제 중 하나를 해결하는 데 가장 크게 기여하기 때문에 내부에서 개발 과정을 보여주고 마지막 요소까지 소진합니다(교향곡 5번의 1악장 개발 참조 - 모티프 개발 참조). 운명의).
소나타-교향곡 사이클은 작곡가에게 가장 중요한 의미를 갖습니다.통일성의 정도는 눈에 띄게 증가합니다. 예를 들어 교향곡 5번에서는 하나의 주제가 전체 주기에 걸쳐 실행됩니다(여기서 우리는 단일 주제 방법의 첫 번째 적용 중 하나를 접하게 됩니다).
주기는 내부 변형을 겪습니다. 베토벤의 주기에서 느린 부분 대신 장례행진곡이 가능하다(이런 아이디어가 처음 등장한 피아노 소나타 2번, 교향곡 3번, 알레그레토가 장례식 행진곡에 매우 가까운 교향곡 7번). 우아하거나 단순한 마음을 가진 민속 정신미뉴에트는 종종 스케르초를 대체합니다., 이는 영웅주의의 측면 중 하나와 같습니다. 그림을 전달합니다. 공휴일, 대규모 재미 (다른 옵션도 있지만 scherzo의 교향곡 9 번에서는 어두운 판타지가 지배적이며 점점 커지는 위협과 때로는 악의 세력의 승리를들을 수 있습니다). 피날레는 전례 없는 규모로 진행됩니다., 승리를 구현하고 승리를 기뻐합니다. 교향곡 2번의 피날레에서 베토벤은 뛰어난 발견을 했습니다. 그는 합창단과 솔리스트의 사운드를 (F. Schiller의 "To Joy"의 텍스트에) 소개하여 교향곡 장르를 오라토리오에 더 가깝게 만듭니다. .
영웅주의의 영향으로 베토벤은 변화하고 가사, 로 작용한다고 할 수 있다. 뒷면영웅. 서정적인 시작은 집중적이고 깊이가 있다. 종종 소나타-교향곡 주기의 느린 부분에는 웅변적 연설을 연상시키는 한심하고 선언적인 성격의 주제가 있습니다. 예를 들어 소나타 7, 17번을 참조하십시오. 반면에 베토벤의 서정적 주제는 철학적 성찰처럼 들릴 수 있습니다. 세상적인 허영심을 뛰어넘는 반성. 이는 폭군과 싸우는 모티프와는 거리가 멀고, 때로는 정신적으로 낭만주의 작곡가(특히 베토벤의 후기 작품에서)와 놀라울 정도로 가까운 이미지를 낳기도 합니다.
베토벤은 당대의 모든 장르에서 작업했습니다(오페라 "피델리오", 발레 "프로메테우스 작품", 칸타타-오라토리오 장르, 그중에는 엄숙한 미사, 노래 및 보컬 사이클 "먼 사랑하는 사람에게"가 포함되어 로맨틱함을 기대함) 기분 및 기타 작품). 하지만 여전히 기악이 더 중요한 것으로 밝혀졌습니다. 9개의 교향곡, 32FPP. 소나타, 바이올린과 피아노를 위한 10개의 소나타, 17개의 현악 사중주, 피아노와 오케스트라를 위한 5개의 협주곡, 바이올린과 오케스트라를 위한 1개의 협주곡.
영웅적인 주제가 일관되게 구현된 것은 기악에서였습니다. 베토벤 사상의 엄청난 참신함은 동시대 사람들을 당혹스럽게 만들었습니다. 그의 생애 동안 베토벤의 음악을 감상할 수 있었던 사람은 극소수였습니다. 사실 작곡가는 자신의 수단 선택에 부끄러워하지 않았다고 말할 수 있습니다. 소나타 8번의 시작 부분에서 그는 Ch의 끝 부분에서 너무 무거운 다성 코드(T3 7개 소리 중 5개)를 사용했습니다. 교향곡 3번의 첫 번째 악장의 부분은 거친 불협화음입니다. 거기에서 개발이 끝나면 T와 D 기능의 수직 중첩이 나타나는데, 이는 청취자들이 작곡가의 귀머거리(또는 억양을 가지고 들어가는 호른 연주자의 부주의)를 나타내는 것으로 간주했습니다. 주요 주제미리 기본 키에 있음); t 4/6과 Um.VII 7의 조합은 D 오르간 지점의 배경에 비해 당시로서는 유난히 날카로운 소리를 냅니다.
베토벤이 작곡을 하는 과정도 특이했다. 여기서는 모차르트와의 비교가 필요합니다. 아시다시피 모차르트는 초안이 없었고 거의 모든 것을 즉시 썼습니다. 베토벤에서는 스케치와 스케치, 변주곡이 큰 역할을 했습니다. 그는 항상 그와 함께 가지고 다녔다 노트북, 그중 상당수가 살아 남았습니다. 베토벤의 작문 스타일을 관찰하면 작곡가가 자신을 만족시키는 결과에 도달하기 전에 매우 열심히, 힘들게 작업했다는 결론이 나옵니다. "To Joy"라는 노래의 마지막 부분).
가장 위대한 대표자 비엔나 학교 19세기 모차르트의 후계자는 루트비히 판 베토벤(1770-1827)입니다. B. 그의 연주는 비엔나 학교 시대의 피아니스트 예술을 덜 연상시켰습니다. 그는 "진주 게임"의 숙달로 빛나지 않았습니다. 그의 연주는 원소의 힘의 효과를 만들어 냈습니다. 그의 손가락 아래 피아노는 오케스트라로 변했습니다.
L. 베토벤과 그의 연주 활동.
생애 초기와 중기의 베토벤은 연주에서 고전적으로 일관된 템포를 고수했습니다. 그 후 그는 템포 실행에 대해 덜 엄격했습니다. 동시대 사람들은 그의 연주의 선율에 감탄했습니다. 그는 또한 즉흥 연주자이기도 했습니다. 피아니스트 베토벤의 예술로부터 피아노 음악 연주의 역사에 새로운 시작이 일어납니다. 그의 예술적 개념의 폭, 구현 범위, 이미지 조각의 프레스코 스타일-이러한 모든 예술적 특성은 Liszt와 Rubinstein이 이끄는 일부 후속 세대의 피아니스트의 특징이되었습니다.
피아노의 창의성, 베토벤 작품의 해석
그의 작품의 중심에는 강하고 의지가 강하며 영적으로 풍부한 인간 성격의 이미지가 있습니다. 베토벤의 성격과 음악의 본질은 투쟁의 정신입니다. 운명의 이미지에 대한 작곡가의 관심은 그의 질병으로 인해 발생했을 뿐만 아니라 청력을 완전히 상실할 위험이 있었습니다. 베토벤의 작품에서 이 이미지는 보다 일반화된 의미를 갖습니다. 그는 인간의 목표를 달성하는 데 장애물이 되는 기본 힘의 구체화로 인식됩니다. 베토벤 작품의 투쟁은 내부 심리적 과정입니다. 그의 음악은 서정적인 이미지로 가득 차 있다. 또한 그의 가사는 자연에 대한 새로운 인식의 길을 열었습니다. 그의 작품은 다음과 같은 특징이 있습니다. 내부 역학. 그리고 B.의 역동화 수단 중 하나는 박자리듬이다. 그의 음악에서는 리듬의 맥박이 더욱 강렬해지며 작품의 감정적 강렬함을 한층 더 높여준다. 이는 극적이고 서정적인 성격의 작품에 모두 적용됩니다. 그는 당시 거장의 경험을 활용하여 콘서트 피아노 스타일을 개발했습니다.
마르텔야토
콘서트 공연의 추가적인 발전이라는 관점에서 중요한 것은 마르텔라토 연주 기술의 발전이었습니다. 손가락 기술 분야에서는 풍부한 패시브 패시지가 도입되었습니다. 그는 작품에서 페달을 성공적으로 사용했습니다. 그러나 베토벤 작품의 색채주의는 페달 효과뿐만 아니라 오케스트라 작문 기술을 사용하여도 달성됩니다. 그는 훌륭한 건축업자이다 큰 모양. 그의 피아노 유산에는 32개의 소나타가 포함됩니다. 그는 협주곡, 교향곡, 독주, 실내악 앙상블 작품 등 순환 소나타 형식으로 많은 작품을 썼습니다. 꿈속에서 엔드투엔드 개발을 위한 기술을 개발했습니다. 형태와 그 이상. 매우 중요한 역할은 소나타에 노래를 가득 채우고 다성적인 색상으로 풍성하게 만드는 것이었습니다. 그의 저서에는 프로그래밍의 발전을 위한 자리도 있었습니다. 그는 피아노 합창단과 오케스트라를 위한 환상적 콘서트인 5개의 피아노 협주곡을 작곡했습니다. 콘서트 장르를 교향악화하며 솔리스트의 주역을 끌어냈다.
