유럽의 르네상스 세기. 유럽 ​​르네상스. 르네상스의 주요 인물

소개

부흥 - 고품질 새로운 무대서양 역사에서 유럽 ​​문화. 그 본질은 중세 세계 비전 시대에서 뉴 에이지 문화로의 전환입니다. 이러한 전환은 과학, 종교, 예술 등 인간 세계관과 세계 인식의 모든 영역에서 일어났습니다.

르네상스는 13~14세기 유럽 문화사에서 뉴에이지의 도래를 알린 시대이다. 부흥은 우선 영역에서 스스로 결정되었습니다. 예술적 창의성. 유럽 ​​역사에서 이 시대는 도시의 경제적, 사회적 자유 강화, 궁극적으로 독일의 종교 개혁과 농민 전쟁으로 이어진 영적 탐구, 절대주의 군주제의 형성 등 많은 중요한 이정표로 특징지어집니다. (프랑스 최대 규모), 발견 시대의 시작, 유럽 인쇄의 발명, 우주론의 태양 중심 시스템의 발견 등 그러나 동시대 사람들이 보기에 그것의 첫 번째 징후는 오랜 세기에 걸친 중세의 "쇠퇴" 이후의 "예술의 번성"이었는데, 이는 고대 예술적 지혜를 "부흥"시킨 번성이었습니다. 이러한 의미에서 rinascita라는 단어가 처음으로 사용되었습니다. 사용됨 (프랑스 르네상스와 모든 유럽 유사어가 유래됨) G. Vasari. 일반적으로 이탈리아와 알프스 이북 국가의 르네상스 발전 단계의주기 화는 일치하지 않습니다. 일반적으로 받아들여지지만 조건부인 "북부 르네상스" 개념은 이탈리아 르네상스와 유사하게 독일, 네덜란드, 프랑스의 문화와 예술에 적용됩니다. 주요 기능 중 하나 예술 문화이 나라들은 그의 것이다 유전적 연결후기 고딕 예술과 함께. '북방 르네상스'의 기원은 14~15세기 전환기에서 찾아야 한다. 부르고뉴에서.

15세기에 네덜란드 회화는 북유럽 미술 학교에서 선두 자리를 차지했습니다. 북부 르네상스 회화는 사물의 표면에 대한 세밀한 묘사, 조명효과를 정확하게 인지하고 성공적으로 적용함으로써 얻어지는 가소성, 고대부터 볼 수 없었던 자연스러움 등이 흥미롭다. 무엇보다도 가장 빛나는 것은 바로 이것이다 " 문화대혁명”는 창작 활동의 목표와 방법의 변화로 표현되었습니다. 새로운 획득 방법 과학적 지식교육, 회화의 새로운 시각 시스템, 문학의 새로운 장르, 새로운 형태의 사회적 행동. 고대 철학과 미학, 기독교 세계관, 신흥 부르주아 사회의 현실 의식 사이에 대화가 이루어졌습니다. 이 대화에서 현실과 이상, 물질적 자연과 정신적 신성의 조화가 탄생하고 새로운 유형의 미의식이 탄생했습니다.

르네상스 현상이 이탈리아에서 처음으로 발생하여 형태를 갖추었고 전례 없는 광채에 도달했다는 것은 초심자에게도 잘 알려져 있습니다(가장 명확하게 나타남). 대부분의 현대 연구자들이 일반적으로 받아들이는 것처럼 "르네상스 문화"라는 용어는 동일하지 않으며 "르네상스 문화"의 개념과 동일하지 않다는 점을 기억해야 합니다. 이러한 개념 중 첫 번째는 새로운 르네상스 현상을 의미하기 때문입니다. . 두 번째는 훨씬 더 광범위하며 (르네상스 문화와 함께) 그 시대의 다른 문화 현상 (계속 존재했던 중세 문화 현상, 본질적으로 르네상스가 아닌 현상 포함)을 포함합니다. 문화적 과정. 우리는 르네상스의 연대기적 틀이 동일하지 않다는 것을 잊어서는 안 된다. 다른 지역서유럽 및 심지어 문화 분야까지).

이탈리아는 고전 르네상스의 발상지이다. 연대기적 틀 이탈리아 르네상스- 30~40대 XIV 세기 (또는 18세기 중반부터) - 16세기 말. (또는 17세기의 첫 10년). 프랑스, 독일, 네덜란드 또는 소위 북부 르네상스와 같은 나머지 서유럽 국가의 르네상스 (외국 과학에서 북유럽은 전통적으로 알프스 북쪽, 즉 북쪽에있는 국가와 영토를 의미합니다. 이탈리아 - 네덜란드, 프랑스, ​​독일 등). 따라서 이들 국가의 문화와 예술에 적용되고 역사적, 문화적, 지리적으로 지리적이지 않은 성격을 지닌 "북부 르네상스"라는 개념 예술적 정의.

이 과정의 목적은 12~16세기 이탈리아에서 가장 완벽하게 표현된 르네상스의 특징을 분석하는 것입니다. 연구 과정에서 가장 저명한 대표자들의 건축, 조각, 회화 분야의 혁신적인 특징을 식별하는 것이 필요합니다.

연구 주제에 관한 문헌을 연구합니다.

르네상스 예술의 특징을 설명합니다.

Filippo Brunneleschi, Donatello, Masaccio, Jan van Eyck, Hieronymus Bosch, Pieter Bruegel, Albrecht Durer의 작품을 분석합니다.

업무구조 - 코스 작업서론, 2장, 결론, 부록으로 구성되어 있다. 서론에서는 전체 연구의 주요 측면을 간략하게 설명하고 목표와 목적을 설정합니다. 1장에서는 르네상스의 일반적인 의미, 이 시대 예술의 문제점, 예술가들이 예술에 도입한 혁신을 설명합니다. 2장에서는 북부 르네상스 문화와 네덜란드 회화의 '전통주의', '로마주의'를 살펴보고, 독일과 프랑스에서 르네상스의 발현 양상을 살펴본다.

1. 르네상스 - 문화 세계의 새로운 이미지

.1 유럽 르네상스 예술의 일반적인 문제

당시 유럽 문화에서는 중세의 금욕주의와 독단주의가 삶의 의미에 대한 새로운 감각, 넓은 기회로 대체되었습니다. 인간의 마음그리고 경험. 고대 세계의 형태는 이탈리아 도시의 건축물과 건물 내부에 처음으로 나타납니다. 이탈리아 르네상스의 거장들은 피렌체, 베니스, 시에나, 만토바 및 기타 이탈리아 도시에 아름다운 사원, 극장, 궁전을 만듭니다. 현지 조건의 영향으로 명확하게 구별되는 새로운 스타일의 이탈리아어, 프랑스어, 네덜란드어, 독일어, 영어 및 스페인어 품종이 등장하고 있습니다.

고대 예술의 형식적 언어는 새로운 시대의 이상을 실현하는 데 사용되었습니다. 새로 접는 것 건축 양식그것은 고대 로마와 마찬가지로 매우 절충주의적인 것으로 밝혀졌으며 형식적인 요소는 분명히 그리스-로마 명령의 무기고에서 차용되었습니다. 건물 형태의 차분한 수평 분할 새로운 아키텍처이제 고딕의 하늘을 향한 선에 반대됩니다. 지붕은 평평해진다. 탑과 첨탑 대신 돔, 드럼, 돛, 이중 주문 등이 자주 나타납니다.

르네상스의 문제는 예술 영역에서 그토록 강력하고 훌륭하게 실현된 개성에 대한 강조가 나중에 사회의 사회적, 정치적 삶에 파괴적인 것으로 판명되었다는 것입니다. 개성에 대한 자발적인 자기 확인은 종종 고귀한 르네상스 인본주의와는 거리가 먼 것으로 판명되었습니다. 여기서 개성은 명확하게 표현된 개인주의, 자신의 필요와 욕구만을 동물학적으로 주장하는 것, 인본주의적 도덕성의 점진적인 타락으로 변합니다. 다양한 모양상황윤리. 시민의 의무, 높은 도덕적 자질, 영웅적 행위, 일상 생활의 수준을 뛰어 넘는 조화롭게 발전하고 정신과 육체가 강한 영웅 남자의 이미지도 드러났습니다. 전성기 르네상스 예술은 일반적인 이미지, 삶의 아름다운 측면에서의 조화에 대한 열망이라는 이름으로 사소한 세부 사항을 포기합니다. 초상화는 발전하여 르네상스의 중요한 업적 중 하나가 되었습니다.

사람은 자기 인식의 노력이 시작되는 한계인 외부 경계가 그려져야만 반사의 거울을 소유할 수 있습니다. 르네상스 개인은 무엇보다도 자연스럽고 자발적으로 자기를 표현하는 존재입니다.

우리와 비슷한 유사점을 그리는 것은 어렵지 않습니다. 현대 사회. 오랫동안 소련 이데올로기로 키워온 애국심뿐 아니라 의무, 양심, 도덕성을 지닌 사람의 고상한 이상은 물질적 부를 위해 노력하고 쉽고 빠른 이익을 갈망하며 육욕적인 사람에게 자리를 내주었습니다. 즐거움. 난잡함과 제멋대로, 포만감과 개인주의(모든 사람이 자기만을 위할 때) - 이것은 내재된 기능의 전체 목록과는 거리가 멀습니다. 현대인에게그리고 르네상스맨.

1.2 이탈리아 건축, 회화, 조각의 혁신적인 특징

르네상스는 이탈리아에서 시작되어 여러 단계를 거치면서 다른 서유럽 국가의 예술과 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 예술의 역사에서 우리는 운동의 틀 안에서 미술과 조각의 발전에 대해 이야기할 수 있습니다. 초기 르네상스 14세기에. 건축의 역사에서는 상황이 다릅니다. 14세기 경제 위기로 인해 건축의 르네상스 시대는 15세기 초에 시작되어 이탈리아에서는 17세기 초까지 지속되었으며 국경 너머에서는 더 오래 지속되었습니다.

재능 있는 장인이 풍부하고 예술적 창의성의 범위 측면에서 이탈리아는 15세기 유럽의 다른 모든 국가보다 앞서 있었습니다. 르네상스 사상은 스타일과 예술적 취향의 변화뿐 아니라 사회 생활의 모든 영역에 심오한 변화를 가져왔습니다.

필리포 브루넬레스키. (1337-1446) - 15세기 이탈리아의 가장 위대한 건축가 중 한 명. 건축 역사의 새로운 장을 열었습니다.

르네상스 스타일의 형성. 주인의 혁신적인 역할은 동시대 사람들에 의해 주목되었습니다. 레온 바티스타 알베르티는 1434년 피렌체에 도착했을 때 “그 어떤 고대의 유명한 예술 거장들”에도 뒤지지 않는 예술가들의 등장에 놀랐다. 그는 브루넬레스키를 이 예술가들 중 첫 번째로 지명했습니다. 거장의 초기 전기 작가인 안토니오 마네티(Antonio Manetti)에 따르면, 브루넬레스키는 "로마 또는 고전이라고 불리는 건축 양식을 갱신하고 유통에 도입"했지만, 그 이전과 그의 시대에는 "독일" 또는 "현대"(즉, 고딕)만이 있었습니다. 방식으로 건축되었습니다. 100년 후, 바사리는 위대한 피렌체 건축가가 "건축에 새로운 형태를 주기 위해" 세상에 왔다고 주장했습니다.

고딕 양식을 깨고 브루넬레스키는 고대 고전에 그다지 의존하지 않고 프로토 르네상스 건축과 중세 전반에 걸쳐 고전의 요소를 보존한 이탈리아 건축의 국가 전통에 의존했습니다. 브루넬레스키의 작품은 두 시대의 전환기에 서 있습니다. 동시에 이 작품은 원시 르네상스의 전통을 완성하고 건축 발전의 새로운 길을 위한 토대를 마련합니다.

15세기 초 피렌체의 통치자, 길드 조직, 상인 길드는 피렌체 산타 마리아 델 피오레 대성당의 건축과 장식을 완성하는 데 큰 관심을 기울였습니다. 기본적으로 건물은 이미 세워졌으나 14세기에 계획된 거대한 돔은 실현되지 못했다. 1404년부터 브루넬레스키는 돔 설계에 참여해 왔습니다. 결국 그는 그 일을 수행하라는 명령을 받고 그 일의 리더가 되었다. 마스터가 직면한 주요 어려움은 확장을 촉진하기 위해 특별한 노력이 필요한 중간 십자가 범위(48m 이상)의 거대한 크기로 인해 발생했습니다. 독창적인 디자인을 적용함으로써 브루넬레스키는 레온 바티스타 알베르트(Leon Battista Albert)의 말을 빌리자면 "고대인들이 알지 못했고 접근할 수 없었던 우리 시대에는 정말 놀라운 발명품"을 만들어 문제를 해결했습니다. 돔은 1420년에 착공되어 1436년에 랜턴 없이 완성되었으며, 주인이 죽은 후 브루넬레스키의 그림에 따라 완성되었습니다. 피렌체 건축가의 이 작품은 미켈란젤로의 돔이 꼭대기에 있는 성 베드로 대성당까지 이탈리아 르네상스 돔형 교회 건설의 시작을 알렸습니다.

브루넬레스키의 주요 작품 중 하나는 그가 재건한 피렌체의 산 로렌조 교회입니다. 그는 사이드를 만드는 것부터 시작했어요

나중에 옛 성물 보관실의 이름을 얻은 예배당에서 그는 일종의 르네상스 중심 구조를 만들었으며 평면은 정사각형이고 돛 위에 놓인 돔으로 덮여 있습니다. 교회 건물 자체는 3개의 본당이 있는 대성당입니다.

산 로렌초(San Lorenzo)의 오래된 성물 보관소에 놓인 돔 구조에 대한 아이디어는 브루넬레스키의 가장 유명하고 완벽한 창조물 중 하나인 파치 예배당(1430-1443)에서 더욱 발전되었습니다. 공간 구성의 명확성, 선의 순수성, 비율의 우아함 및 장식으로 구별됩니다. 모든 볼륨이 돔 공간을 중심으로 그룹화되어 있는 건물의 중심적 특성, 건축 형태의 단순성과 명확성, 부품의 조화로운 균형은 Pazzi Chapel을 르네상스 건축의 새로운 원칙이 집중된 곳으로 만듭니다. 브루넬레스키의 마지막 작품인 산타 마리아 델리 안젤리 교회의 오라토리오, 산 스피리토 교회 등은 미완성 상태로 남아 있습니다.

미술의 새로운 경향은 조각에서 처음 나타났습니다. 15세기 초, 도시에서 가장 부유하고 영향력 있는 작업장과 상인 길드에서 도시의 가장 큰 건물인 대성당, 세례당, 오르 산 메켈레 교회를 장식하기 위한 대량 주문이 많은 젊은이들을 끌어 모았습니다. 그 중 뛰어난 거장들이 곧 등장했습니다.

도나텔로(1386-1466) - 훌륭함 피렌체 조각가, 르네상스 전성기의 시작을 알린 거장들의 선두에 섰습니다. 사용 중

그 시대의 예술에서 그는 진정한 혁신가로 활동했습니다.

자연에 대한 철저한 연구와 고대 유산의 능숙한 사용을 바탕으로 Donatello는 인물의 안정적인 위치 문제를 해결하고 신체의 유기적 무결성, 무거움 및 질량을 전달한 최초의 르네상스 거장이었습니다. 그의 창의성은 다양한 새로운 시작에 놀라움을 금치 못합니다. 그는 조각상에서 나체의 이미지를 부활시키고, 조각상 초상화의 초석을 다지고, 최초의 청동비를 주조하고, 새로운 형태의 묘비를 창조하고, 독립된 집단의 문제를 해결하려고 노력했다. 그는 자신의 작품에서 선형 원근법 이론을 사용한 최초의 사람 중 한 명이었습니다. Donatello의 작업에 나타난 문제는 오랫동안 유럽 조각의 발전을 결정했습니다.

이미 1406년에 도나텔로는 대성당(1408-1409 피렌체, 국립 박물관)을 위해 대리석 "다비드"를 제작했습니다.

수금이나 이슬람 두루마리를 손에 든 노인이라는 다윗 왕의 전통적인 이미지를 버리고, 도나텔로는 패배한 골리앗을 물리친 승리의 순간에 다윗을 청년으로 제시했습니다. 자신의 승리를 알게 된 것을 자랑스러워하는 다윗은 두 팔을 들고 서서 적의 잘린 머리를 발로 짓밟습니다. 성서 속 영웅의 이미지를 만들 때 Donatello는 고대 전통에 의존하려고 노력했습니다. 고대 원형의 영향은 특히 얼굴과 머리카락의 해석에서 두드러졌습니다. 긴 머리로 둘러싸인 David의 얼굴은 양치기 모자 챙으로 덮여 있습니다. , 머리가 약간 기울어져 거의 보이지 않습니다. 이 동상에는 고딕 양식의 메아리가 있습니다. 즉 인물의 위치, 몸통의 구부러짐, 팔의 움직임입니다. 그러나 대담한 충동과 움직임, 영성은 이미 도나텔로의 기질을 느끼게 한다.

그의 작품에서 Donatello는 인물의 비율과 구성의 객관적인 정확성을 위해 노력했을 뿐만 아니라 동상이 의도한 위치에 설치될 때 생성되는 인상을 항상 고려했습니다.

조지 동상은 도나텔로 작품의 정점 중 하나입니다. 여기에서 그는 매우 개인적인 이미지를 창조하는 동시에 그 이상을 구현합니다. 강한 성격, 강력하고 멋진 사람, 이는 시대와 잘 조화되었으며 나중에 이탈리아 르네상스 거장들의 많은 작품에 반영되었습니다. 이는 인간의 성격을 평준화했던 중세의 정경에서 벗어나고자 하는 예술가의 열망으로 인해 초기 르네상스 예술의 전형적인 특징입니다.

세기 중반에 피렌체의 조각품은 기념비적인 성격과 극적인 표현의 특징을 잃었습니다. 세속적이고 일상적인 모티브가 점점 더 널리 퍼지고 있으며, 새롭게 등장하고 빠르게 확산되고 있습니다. 조각 초상화.

15세기 전반기의 피렌체 그림은 대비가 풍부합니다. 조각과 마찬가지로 후기 트레첸토 예술의 유명한 고딕 양식의 영향에서 르네상스 예술로 결정적인 변화를 가져옵니다. 새로운 방향의 수장은 Masaccio였으며 그의 활동은 15세기 30년으로 거슬러 올라갑니다. 그의 급진적이고 대담한 혁신은 예술가들에게 큰 인상을 주었지만 부분적으로만 받아들여졌습니다.

Masaccio (1401-1428) - 예술에 집착하고 국경 너머에있는 모든 것에 무관심하고 부주의하고 멍청한 사람, 그리고이 멍청함 때문에 그는 Masaccio라는 별명을 얻었습니다. 이는 이탈리아어에서 머프를 의미합니다.

Giotto의 예술은 조각가 Donatello 및 건축가 Brunelleschi와의 창의적인 접촉뿐만 아니라 젊은 예술가에게 큰 영향을 미쳤습니다. 마사치오는 브루넬레스키, 도나텔로와 함께 피렌체 르네상스 미술의 사실주의 운동을 주도했습니다.

그의 현존하는 가장 오래된 작품은 "마돈나와 어린이, 성 안나와 천사들"(약 1420년)로 간주됩니다.

1426년에 마사초는 피사의 칼린 교회를 위한 대형 제단 다폭화를 그렸습니다. 비슷한 시기에(1426-1427) 피렌체의 산타 마리아 노벨라(Santa Maria Novella)의 옛 고딕 양식 교회에 그려진 삼위일체 프레스코화는 마사치오 작품의 새로운 단계를 반영합니다. 처음으로 프레스코의 구성은 당시 브루넬레스키가 작업하고 있던 선형 원근법 시스템을 일관되게 사용했습니다. 첫 번째 계획은 십자가에 못 박힌 그리스도와 다가오는 마리아와 요한이 있는 십자가로 채워져 있으며, 두 번째 계획에서는 그리스도 뒤의 꼭대기에 아버지 하나님의 모습이 보입니다.

Masaccio 프레스코의 참신함은 선형 원근법의 능숙한 사용과 그가 그린 건축물의 장엄한 르네상스 양식 때문만은 아닙니다. 새로운 점은 구성의 간결함, 형태의 거의 조각적 현실성, 얼굴의 표현력이었습니다.

브라카치 예배당에 있는 마사치오의 가장 유명한 작품 중 하나는 <천국으로부터의 추방>입니다. 아껴 그린 풍경을 배경으로 낙원의 문에서 나오는 아담과 이브의 모습이 선명하게 드러나고 그 위에 칼을 든 천사가 맴돌고 있습니다. 르네상스 회화 역사상 처음으로 마사치오는 알몸을 설득력 있게 표현하고 자연스러운 비율을 부여하고 땅에 단단하고 안정적으로 배치하는 데 성공했습니다. 표현력 측면에서 이 프레스코화는 당시 예술과 비교할 수 없습니다.

브라카치 예배당에 있는 마사치오의 프레스코화에는 냉철한 사실주의가 물씬 풍깁니다. 기적에 대해 이야기하면서 마사치오는 자신이 묘사하는 장면에서 신비주의의 그늘을 모두 제거합니다. 그의 그리스도, 베드로 및 사도들은 지상의 사람들이며 그들의 얼굴은 개별화되고 인간 감정의 각인으로 표시되며 그들의 행동은 자연스러운 인간 충동에 의해 결정됩니다.

마사치오는 전임자들처럼 인물을 일렬로 쌓아두지 않고, 서사의 의도에 따라 인물들을 그룹화하여 풍경 속에 자유롭게 배치한다. 그는 빛과 색상을 사용하여 물체의 모양을 자신있게 조각합니다. 더욱이, "천국으로부터의 추방"에서와 같이 빛은 자연광의 방향에 따라 떨어지며, 그 광원은 오른쪽 높은 곳에 위치한 예배당의 창문입니다.

그가 창조한 작품은 이탈리아 회화사에 전환점이 되었습니다. 그가 죽은 후 100년이 넘는 기간 동안 브라카치 예배당은 순례지이자 화가들의 학교였습니다.

2. 북부 르네상스 문화의 민족적 정체성

.1 네덜란드 회화의 “전통주의”와 “로마주의”

현재 벨기에와 네덜란드의 영토를 포함하고 있는 이 작은 나라는 15세기 이탈리아에서 가장 활기 넘치는 유럽 미술의 중심지가 될 운명이었습니다. 네덜란드 도시들은 비록 정치적으로 독립된 것은 아니었지만 오랫동안 더 부유해지고 강해졌으며 광범위한 무역을 수행하고 직물, 카펫, 유리 제조업을 발전시켜 왔습니다. 국제 무역의 주요 중심지는 운하의 시적 도시인 고대 브뤼헤였습니다. 15세기 말에는 활기가 넘치는 앤트워프에게 우선권을 잃고 사라졌습니다.

네덜란드의 고딕 건축물은 사원뿐만 아니라 시청, 성벽 및 탑, 상인 주택도 있습니다.

그리고 공예 길드, 쇼핑 아케이드, 창고, 그리고 마지막으로 좁은 정면과 높은 삼각형 또는 계단식 박공이 있는 특징적인 오래 된 유형의 주거용 건물입니다.

교회는 돌보다 벽돌로 더 많이 지어졌기 때문에 교회 조각은 그다지 발전하지 못했습니다. Klaus Sluter와 그의 학생들은 네덜란드 문화에서 뛰어난 예외로 남아있었습니다. 그녀의 주요 예술적 강점은 중세 시대에 미니어처 그림에서 또 다른 방식으로 나타났습니다. 15세기에 미니어처 그림은 림부르크 형제가 그린 유명한 베리 공작의 시간의 책에서 볼 수 있듯이 높은 완성도에 도달했습니다.

세상을 바라보는 사랑스럽고 부지런하며 시적인 시선은 미니어처로부터 물려받았습니다. 훌륭한 그림 XV 세기, Jan van Eyck에 의해 시작되었습니다. 원고를 장식하는 작은 그림은 제단 문을 장식하는 큰 그림으로 성장했습니다. 동시에 새로운 예술적 특성이 나타났습니다. 미니어처에서는 존재할 수 없는 무언가가 나타났습니다. 동일한 의도로 그 사람을, 그의 얼굴을, 그의 눈 깊은 곳을 집중적으로 바라봤습니다.

Hermitage에는 네덜란드의 위대한 거장 Rogier van der Weyden“St. 루크는 마돈나를 그린다”(전도자 루크는 화가 길드의 예술가이자 후원자로 여겨졌다). 그것의 대부분은 네덜란드인들이 사랑하는 구성의 전형입니다. 도시와 운하의 파노라마는 다리 위에 생각에 잠겨 있는 두 사람의 모습과 함께 아주 작고 다정하고 세심하게 그려져 있습니다. 그러나 가장 주목할만한 것은 마돈나를 “생생하게” 그린 루크의 얼굴과 손입니다. 그는 묵상에 완전히 빠져있는 사람의 신중하고 경건하게 경청하는 표현이라는 특별한 표현을 가지고 있습니다. 이것이 옛 네덜란드 거장들이 자연을 본 방식입니다.

다시 Jan van Eyck의 이야기로 돌아가 보겠습니다. 그는 그의 형 Hubert와 함께 일하면서 미니어처 예술가로 시작했습니다. 반 에이크(van Eyck) 형제는 전통적으로 유화 기법을 발명한 것으로 알려져 있습니다. 이것은 부정확합니다. 식물성 기름을 결합제로 사용하는 방법은 이전에 알려져 있었지만 van Eycks는 이를 개선하고 확산을 촉진했습니다. 곧 기름이 온도를 대체했습니다.

유성 페인트는 시간이 지남에 따라 어두워집니다. 우리가 박물관에서 보는 오래된 그림은 처음 등장했을 때와는 다르게 훨씬 더 가볍고 밝아 보였습니다. 그러나 Van Eyck의 그림은 정말 특이한 기술적 특성을 가지고 있습니다. 색상이 바래지 않고 수세기 동안 신선함을 유지합니다. 스테인드 글라스의 빛을 연상시키는 거의 빛납니다.

반 에이크스의 가장 유명한 작품인 위대한 겐트 제단화는 위베르에 의해 시작되었으며, 그가 죽은 후에도 계속되어 1432년 1월에 완성되었습니다. 웅장한 제단의 문은 내부와 외부 모두 2단으로 칠해져 있습니다. 바깥쪽에는 수태고지와 기증자(고객)의 무릎을 꿇은 모습이 있는데, 평일에는 제단이 닫혀 있는 모습입니다. 휴일에는 문이 활짝 열렸고 열리면 제단이 6 배 더 커졌고 교구민들이 일어나기 전에 Van Eyck의 모든 빛남으로 장면 전체에서 아이디어를 구현해야 할 광경이었습니다. 인간의 죄에 대한 속죄와 미래의 깨달음. 중앙 꼭대기에는 디시스(Deesis)가 있습니다. 왕좌에 계신 아버지 하나님, 그 양쪽에는 마리아와 세례 요한이 있습니다. 이 수치는 인간의 크기보다 큽니다. 그런 다음 인간 크기의 벌거벗은 아담과 이브와 천사들의 무리가 음악을 연주하고 노래를 부릅니다. 낮은 층에는 넓은 꽃이 만발한 풍경 가운데 훨씬 더 작은 규모, 매우 공간적으로 설계된 어린 양 숭배의 붐비는 장면이 있고 옆문에는 순례자들의 행렬이 있습니다. 어린양을 경배하는 내용은 요한계시록에서 따온 것인데, 죄악된 세상이 끝난 후에 하나님의 성이 밤이 없는 땅에 임하리라고 했습니다. 영원한 빛과 수정같이 빛나는 생명의 강과 달마다 열매를 맺는 생명나무와 성읍이 있으리니 순금투명한 유리처럼." 어린 양은 의인을 기다리는 신격화의 신비로운 상징입니다. 그리고 분명히 예술가들은 영원과 불멸에 대한 황금빛 꿈을 구현하기 위해 지구의 아름다움, 인간의 얼굴, 풀, 나무, 물에 대한 모든 사랑을 겐트 제단의 그림에 담으려고 노력했습니다.

얀 반 에이크(Jan van Eyck)는 뛰어난 초상화 화가이기도 했습니다. 그가 그린 아르놀피니 부부의 초상화에는 다음과 같은 그림이 그려져 있습니다. 평범한 사람들, 그 당시 다소 허세 부리는 옷을 입고 샹들리에, 캐노피, 거울, 무릎 개가있는 평범한 방에서 일종의 멋진 성찬처럼 보입니다. 그는 촛불의 빛, 사과의 홍조, 볼록거울을 숭배하는 것 같습니다. 그는 온유한 아내의 손을 꼭 잡고 비밀의식을 집행하는 듯한 창백하고 긴 얼굴의 아르놀피니의 모든 면모에 반한다. 사람과 사물 모두-모든 것이 엄숙한 기대와 경건한 진지함으로 얼어 붙었습니다. 모든 것에는 결혼 서약과 난로의 신성함을 암시하는 숨겨진 의미가 있습니다.

이렇게 시작됐어요 가정용 그림버거. 이 미묘한 꼼꼼함, 편안함에 대한 사랑, 사물의 세계에 대한 거의 종교적인 애착. 그러나 더 나아갈수록 더 많은 산문이 등장하고 시는 후퇴했습니다. 시민의 삶이 이렇게 신성함과 위엄이 담긴 시적 어조로 묘사된 적은 다시는 없었습니다.

북부 국가의 초기 시민 역시 그들의 후기 후손만큼 "부르주아에 국한되지" 않았습니다. 사실, 이탈리아 사람의 범위와 다재다능 함은 그에게 이례적이지만 더 좁은 규모의 세계관에서도 버거는 특별한 종류의 겸손한 위대함에 낯설지 않습니다. 결국 도시를 만든 사람은 바로 그 시민이었고, 봉건 영주들로부터 도시의 자유를 수호했으며, 여전히 외국 군주와 탐욕스러운 가톨릭 교회로부터 도시를 수호해야 했습니다. 시민의 어깨에는 비범한 성격을 형성한 위대한 역사적 행위가 놓여 있었습니다. 물질적 자산또한 탄력성, 기업 결속력, 의무와 말에 대한 충성심, 자부심. Thomas Mann이 말했듯이, 그 버거는 "가장 높은 개념의 평범한 사람"이었습니다.

이 정의는 르네상스 시대의 이탈리아인에게는 적용되지 않습니다. 그들은 높은 의미에서조차 평범한 사람들처럼 느껴지지 않았습니다. Jan van Eyck가 연기한 Arnolfini는 네덜란드에 살았던 이탈리아인이었습니다. 동포가 그렸다면 초상화의 정신이 달라졌을 것입니다. 성격, 외모 및 성격에 대한 깊은 관심-이것은 이탈리아와 북부 르네상스의 예술가들을한데 모았습니다. 그러나 그들은 그것에 대해 다른 방식으로 관심을 갖고 있고 그것에 대해 다른 것을 봅니다. 네덜란드인들은 인간 성격의 거인주의와 전능함에 대한 감각을 가지고 있지 않습니다. 그들은 그 가치를 시민의 진실성, 자질에서 봅니다. 그 중 최소한의 자리는 겸손과 경건, 인간 앞에서 자신이 작다는 의식이 차지하고 있습니다. 우주, 비록 이 겸손 속에서도 개인의 존엄성은 사라지지 않으며 심지어 강조되는 것처럼 보입니다.

15세기 중반과 후반에는 네덜란드에서 많은 훌륭한 화가들이 일했습니다. 이미 언급한 Rogier van der Weyden, Dirk Bouts, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth sint Jans 등이 있습니다. 비록 이탈리아 Quattrocentists와 같은 수준의 개별 스타일 표현은 아니지만 그들의 예술적 개성은 매우 명확하게 구별됩니다. 그들은 주로 제단과 초상화를 그렸고, 부유한 마을 사람들의 의뢰로 이젤 그림도 그렸습니다. 부드럽고 사색적인 분위기가 물씬 풍기는 그들의 구성에는 특별한 매력이 있습니다. 그들은 크리스마스의 음모와 아기 숭배를 좋아했으며 이러한 음모를 미묘하고 독창적으로 해결했습니다. Hugo van der Goes의 "The Adoration of the Shepherds"에서 아기는 갓 태어난 아이처럼 마르고 불쌍합니다. 주변 사람들은 그를 바라보고 무력하고 구부러져 있으며 깊은 감정적 부드러움으로 마돈나는 수녀처럼 조용합니다. , 시선을 높이 지 않지만 모성애의 겸손 함과 자부심이 가득하다는 느낌이 듭니다. 그리고 보육원 밖에서는 구불 구불 한 길, 드문 드문 나무, 탑, 다리가있는 넓고 언덕이 많은 네덜란드의 풍경을 볼 수 있습니다.

여기에는 감동적인 부분이 많지만 단맛은 없습니다. 형태의 고딕적인 각진 부분과 일부 강성이 눈에 띕니다. van der Goes의 목자들의 얼굴은 고딕 작품에서 흔히 볼 수 있듯이 특징적이고 추악합니다. 천사도 아름답지 않습니다.

네덜란드 예술가들은 사람들을 아름다운 모습으로 묘사하는 경우가 거의 없습니다. 적합한 사람들수치상으로는 이탈리아의 것과도 다릅니다. 로마인의 직계 후손인 이탈리아인이 일반적으로 북쪽의 창백하고 건장한 아들들보다 더 아름다웠다는 단순한 고려도 고려할 수 있지만 주된 이유는 이것이 아니라 일반적인 예술적 개념. 이탈리아 인본주의는 인간의 위대한 감정과 고전적 형태에 대한 열정으로 가득 차 있으며, 네덜란드인은 "보통인"을 시화하며 고전적인 아름다움과 조화로운 비율에 거의 관심이 없습니다.

네덜란드인들은 디테일에 대한 열정을 가지고 있습니다. 그들은 그들을 위한 운반자이다 비밀스러운 의미. 꽃병 속의 백합, 수건, 찻주전자, 책 등 모든 세부 사항은 직접적인 것 외에도 숨겨진 의미를 담고 있습니다. 사물은 사랑으로 묘사되고 영적인 것처럼 보입니다.

자신, 일상 생활, 사물의 세계에 대한 존중은 종교적 세계관을 통해 굴절되었습니다. 이것이 바로 네덜란드 르네상스가 일어난 기표 아래 개신교 개혁의 정신이었습니다.

이탈리아인에 비해 덜 의인화된 인식, 범신론적 원칙의 우세 및 고딕 양식의 직접적인 연속성은 네덜란드 회화 스타일의 모든 구성 요소에 반영됩니다. 이탈리아 Quattrocentists 사이에서 모든 구성은 세부 사항이 아무리 풍부하더라도 다소 엄격한 구조론에 끌립니다. 그룹은 얕은 부조처럼 만들어졌습니다. 즉, 예술가는 일반적으로 명확하게 정의된 밀폐된 공간의 상대적으로 좁은 전면 플랫폼에 주요 인물을 배치하려고 합니다. 그는 건축학적으로 균형을 이루고 있으며, 그들은 굳건히 서 있습니다. 우리는 이러한 모든 특징을 조토에게서 찾을 수 있습니다. 네덜란드인은 덜 폐쇄적이고 덜 구조적인 구성을 가지고 있습니다. 그들은 깊이와 거리에 매력을 느끼며, 그들의 공간감은 이탈리아 회화보다 더 생생하고 경쾌합니다. 형상은 더욱 기발하고 불안정하며, 부채꼴 모양으로 아래쪽으로 갈라지고 부서진 옷의 주름으로 인해 구조가 붕괴됩니다. 네덜란드인들은 선의 유희를 좋아하지만 그들의 선은 볼륨을 만드는 조각 목적이 아니라 장식용 목적으로 사용됩니다.

네덜란드인들은 구성의 중심을 명확히 강조하지 않거나 주요 인물을 크게 강조하지 않습니다. 작가의 관심은 다양한 동기에 흩어져 있고, 그에게는 모든 것이 유혹적이며, 세상은 다양하고 흥미롭다. 배경의 일부 장면은 별도의 플롯 구성이라고 주장합니다.

결국 중심이 전혀 없고, 그 공간은 수많은 동등한 집단과 장면들로 채워지는 일종의 구성이 나타난다. 동시에 주인공은 때때로 구석 어딘가에 자신을 발견합니다.

유사한 구성이 15세기 말 히에로니무스 보쉬(Hieronymus Bosch)에 의해 발견되었습니다. Bosch(1450-1516)는 매우 독특한 예술가입니다. 그는 순전히 네덜란드인의 관심과 관찰을 유별나게 생산적인 상상력과 매우 어두운 유머와 결합합니다. 그가 가장 좋아하는 이야기 중 하나는 은둔자가 악마에게 포위당하는 이야기를 담은 "성 안토니오의 유혹"입니다. 보쉬는 자신의 그림에 작고, 기어다니는, 공포를 닮은 생물들의 군단을 그려넣었습니다. 이 괴물들에게서 인체 부위를 발견하면 정말 오싹해집니다. 이 이상한 악마의 호기심 캐비닛 전체는 중세 키메라와 크게 다릅니다. 그들은 더 장엄하고 사악하지 않았습니다. Boschian 악마학의 신격화는 고문의 정원과 유사한 그의 "뮤지컬 지옥"입니다. 벌거 벗은 사람들, 사방에서 기어 오르는 괴물들과 섞여 고통스러운 정욕에 몸부림 치고 거대한 줄에 십자가에 못 박혔습니다. 악기, 신비한 장치로 압착하고 톱질하고 구멍에 밀어 넣고 삼켰습니다.

보쉬의 이상한 판타스마고리아는 마음의 철학적 시도에서 탄생했습니다. 그는 16세기의 문턱에 서 있었고, 뼈저리게 생각하게 만드는 시대였다. 보쉬는 거머리처럼 모든 생명체에 달라 붙는 세계 악의 활력과 편재성에 대한 생각, 삶과 죽음의 영원한 순환, 유충과 배아를 뿌리는 이해할 수없는 자연의 낭비에 대한 생각에 압도 된 것 같습니다. 지구와 지하, 그리고 썩고 정체된 늪지 어디에서나 생명이 존재합니다. 보쉬는 아마도 다른 것보다 더 날카롭고 조심스럽게 자연을 관찰했지만 그 안에서 조화나 완벽함을 찾지 못했습니다. 자연의 왕관인 인간은 왜 죽음과 부패의 운명에 처해 있으며, 왜 약하고 불쌍하며, 왜 자신과 타인을 괴롭히고 끊임없이 고통을 받는가?

보쉬가 그러한 질문을 한다는 사실 자체가 인본주의에 수반되는 현상인 깨어난 호기심을 말해줍니다. 인본주의는 인간의 모든 것을 찬양하는 것만을 의미하지 않습니다. 또한 사물의 본질에 침투하여 우주의 신비를 풀고자 하는 욕구를 의미하기도 합니다. 보쉬의 경우 이러한 욕망은 어두운 톤으로 그려졌으나 레오나르도 다 빈치가 아름다운 것과 추한 것 등 모든 것을 탐구하게 만든 것은 정신적 갈증의 증상이었습니다. 레오나르도의 강력한 지성은 세상을 전체적으로 인식하고 그 안에서 통일성을 느꼈습니다. 보쉬의 마음 속에는 세상이 조각나고, 수천 개의 조각으로 부서져 이해할 수 없는 연결 속으로 비쳐졌습니다.

그러나 낭만적 인 운동, 즉 이탈리아 Cinquecento의 영향을받은 운동을 언급 할 가치가 있습니다. 그들은 16 세기에 네덜란드에서 퍼지기 시작했습니다. 그들의 독창성은 매우 눈에 띕니다. 이탈리아인들 사이에서 아름다운 "고전적인 누드"의 이미지는 네덜란드인들에게는 전혀 주어지지 않았으며 심지어 Jan Gossaert의 "Neptune and Amphitrite"처럼 웅장하고 부풀어 오른 몸매를 가진 다소 우스꽝스러워 보였습니다. 네덜란드인들은 또한 그들만의 지방적인 “매너리즘”을 가지고 있었습니다.

16세기 네덜란드 예술가들의 일상화와 풍경화 이젤화 장르의 발전을 살펴보겠습니다. 그들의 발전은 가장 많은 사실로 인해 촉진되었습니다. 넓은 원, 교황권과 가톨릭 성직자를 미워하면서 점점 더 가톨릭교에서 멀어지고 교회 개혁을 요구했습니다. 그리고 루터와 칼빈의 개혁에는 성상파괴의 요소가 포함되어 있었습니다. 개신교 교회의 내부는 완전히 단순하고 단순해야 했습니다. 가톨릭 교회. 종교 예술의 양은 크게 줄어들었고 더 이상 제의적이지 않게 되었습니다.

깔끔하게 나타나기 시작했어요 장르의 그림상점의 상인, 사무실의 환전상, 시장의 농부, 카드 플레이어를 묘사합니다. 일상적인 장르는 네덜란드 거장들이 그토록 사랑했던 풍경 배경에서 초상화와 풍경에서 성장했습니다. 배경은 커졌고, 순수한 풍경은 이제 한 발짝만 남았다.

그러나 피터 브뤼겔(1525-1569)의 엄청난 재능은 모든 것을 구원하고 그 자체에 집중한다. 그는 국가적 독창성이라고 불리는 것을 최고 수준으로 소유했습니다. 그의 예술의 모든 놀라운 특징은 원래 네덜란드 전통으로 거슬러 올라갑니다. 다른 누구와도 달리 브뤼겔은 그 시대의 정신과 대중적인 취향을 표현했습니다. 그는 모든 면에서 인기가 있습니다. 의심할 여지 없이 예술가이자 사상가인 그는 격언적이고 은유적으로 생각합니다. 그의 우화에 담긴 삶의 철학은 씁쓸하고 아이러니하면서도 용기가 있다. 브레겔이 가장 좋아하는 구도는 마치 산봉우리에서 본 듯한 넓은 공간이어서 사람들이 작아 보이고 계곡에서 분주하게 움직이고 있음에도 불구하고 모든 것이 꼼꼼하고 명확하게 기록되어 있다는 것이다. 내러티브는 일반적으로 Bruegel이 그린 비유 그림과 관련이 있습니다.

Bruegel은 주요 인물과 사건을 강조하지 않고 네덜란드인들 사이에서 흔히 볼 수 있는 공간-풍경 구성 유형을 적용하여 전체 삶의 철학을 드러냅니다. 여기서는 이카루스의 몰락이 특히 흥미롭습니다. Bruegel의 그림은 해변의 평화로운 풍경을 묘사합니다. 쟁기 뒤에 걸어가는 쟁기질하는 사람, 양을 풀고 있는 목자, 낚싯대를 들고 앉아 있는 어부, 바다를 항해하는 배 등이 있습니다. 이카루스는 어디에 있으며 그의 몰락은 그것과 무슨 관련이 있습니까? 오른쪽 구석에 물 밖으로 튀어나온 한심한 맨발을 보려면 자세히 살펴봐야 합니다. 이카루스는 하늘에서 떨어졌지만 아무도 눈치채지 못했습니다. 평범한 삶은 언제나처럼 계속됩니다. 농민, 그의 경작지, 목자에게는 그의 양 떼가 다른 사람의 기복보다 훨씬 더 중요합니다. 특별한 사건의 의미는 곧 발견되지 않으며 동시대 사람들은 그것을 눈치 채지 못하고 일상적인 걱정에 빠져 있습니다.

르네상스 미술 그림 조각

2.2 독일과 프랑스 예술의 르네상스

XIV-XV 세기의 전환기에. 독일은 이전 시대보다 훨씬 더 분열되어 봉건적 기반이 지속되는 데 기여했습니다.

독일 도시의 발전은 네덜란드와 비교해도 뒤쳐져 있었고, 독일 르네상스한 세기 후에 이탈리아어와 비교하여 형성되었습니다. 15세기 많은 예술가들의 작품을 바탕으로 제작되었습니다. Konrad Witz, Michael Pacher, Martin Schongauer 등 독일에서 르네상스가 어떻게 형성되었는지 추적할 수 있습니다. 내러티브 요소는 종교적 음모에 대한 인간의 감정을 드러내려는 욕구인 제단 이미지에 나타납니다(같은 이름의 마을에 있는 성 볼프강 교회에 있는 성 볼프강 M. 파허 제단, 1481). 그러나 공간에 대한 이해, 황금색 배경의 도입, 그림의 단편화, 선을 끊는 불안한 리듬, 그리고

주요 내용과 특정 내용을 꼼꼼하게 기록합니다. 이 모든 것이

이 대가들의 예술적 세계관의 일관성 부족과 중세 전통과의 긴밀한 연결 독일의 세기는 군주 권력과 로마 카톨릭에 반대하는 농민, 기사 작위 및 시민의 강력한 혁명 운동으로 시작됩니다. 1517년 독일 종교 개혁의 수장 마르틴 루터가 봉건 교회를 반대하면서 남긴 테제는 “번개가 화약 통을 치는 것과 같은 불길한 효과를 냈습니다.” 독일의 혁명 운동은 1525년에 패했지만, 농민 전쟁 시기는 높은 정신적 성장과 독일 인본주의, 세속 과학, 독일 문화가 꽃피는 시기였습니다. 독일 르네상스의 가장 중요한 예술가 알브레히트 뒤러(1471-1528)의 작품이 이 시기와 일치한다.

뒤러의 작업은 많은 독일 대가들의 탐구, 즉 자연 관찰, 인간 관찰, 공간 속 사물의 관계 문제, 존재를 병합한 것처럼 보였습니다. 인간의 모습풍경, 공간 환경에서. 다재다능함, 재능의 규모, 현실 인식의 폭 측면에서 뒤러는 전형적인 예술가이다. 전성기 르네상스. 그는 화가, 조각가, 수학자, 해부학자, 관점주의자, 엔지니어였습니다. 그는 이탈리아를 두 번, 한 번은 네덜란드를 여행했고, 고국을 여행했습니다. 그의 유산은 80점의 이젤 작품, 200점 이상의 판화, 1000점 이상의 그림, 조각품, 손으로 쓴 자료로 구성되어 있습니다. 뒤러는 르네상스의 가장 위대한 인문주의자였지만 그의 인간 이상은 이탈리아의 인간 이상과 다릅니다. 뒤러의 깊은 민족적 이미지는 강인함으로 가득 차 있지만 때로는 의심스럽고 때로는 엄숙하기도 합니다.

생각에는 라파엘이나 레오나르도의 명확한 조화가 부족합니다.

예술적 언어는 복잡하고 우화적이다.

백년전쟁 중에도 프랑스 민족이 형성되는 과정과 프랑스 국민국가의 출현이 시작되었다. 국가의 정치적 통일은 주로 루이 11세 치하에서 완성되었습니다. 15세기 중반쯤. 초반에도 적용됨 프랑스 르네상스, 초기 단계에서는 여전히 고딕 예술과 밀접한 관련이 있습니다. 이탈리아에서의 프랑스 왕들의 캠페인은 프랑스 예술가들에게 이탈리아 예술을 소개했고, 15세기 말부터

다섯. 이탈리아 고딕 전통과의 결정적인 단절을 시작하다

예술은 국가적 목표와 관련하여 재검토되고 있습니다.

프랑스 르네상스는 궁정문화의 성격을 띠고 있었다. ( 민속 캐릭터프랑스 르네상스 문학, 주로 François Rabelais의 작품에서 그의 온전한 이미지, 전형적인 갈리아 재치 및 쾌활함으로 가장 잘 나타납니다.) 네덜란드 예술에서와 마찬가지로 현실적인 경향이 관찰됩니다.

우선, 신학 서적과 세속 서적의 축소판입니다. 첫 번째

메이저 아티스트프랑스 르네상스 - 장 푸케(Jean Fouquet, 약 1420-1481), 샤를 7세와 루이 11세의 궁정화가. 초상화(1445년경 찰스 7세의 초상화)와 종교 작품(멜룬의 양면화) 모두에서 신중한 글쓰기가 이미지 해석의 기념비성과 결합됩니다. 이 기념비성은 형태의 추구, 실루엣의 폐쇄성과 완전성, 포즈의 정적인 성격, 색상의 간결함을 통해 만들어집니다. 실제로 Melun 이중 제화의 마돈나는 밝은 빨간색과 파란색의 두 가지 색상으로 칠해졌습니다 (그녀의 모델은 Charles VII가 사랑하는 사람이었습니다. 이는 중세 예술에서는 불가능한 사실입니다). Fouquet의 수많은 미니어처(Boccaccio, "The Lives of Famous Men and Women," circa 1458)의 동일한 구성적 명확성과 그림의 정확성, 색상의 음향성은 특징입니다. 원고의 여백은 푸케의 동시대 군중의 이미지와 그의 고향인 투렌(Touraine)의 풍경으로 가득 차 있습니다.

결론

따라서 르네상스 또는 르네상스는 예술과 과학의 엄청난 상승으로 표시되는 인류 삶의 시대입니다.

인본주의를 바탕으로 탄생한 르네상스 미술 - 운동 사회적 사고, 인간을 삶의 최고의 가치로 선포했습니다. 예술에서 메인 테마아름답고 조화로워졌습니다 발달한 사람, 무한한 영적, 창의적인 가능성. 예술가들은 세상을 다르게 보기 시작했습니다. 중세 예술의 평면적이고 실체가 없는 것처럼 보이는 이미지는 3차원의 양각되고 볼록한 공간으로 바뀌었습니다. 그들의 창의성으로 그들은 고대 미학의 요구 사항에 따라 육체적, 정신적 아름다움이 합쳐지는 완벽한 성격을 찬미했습니다. 많은 화가, 시인, 조각가, 건축가는 인문주의 사상을 버리고 르네상스 시대의 위대한 인물들의 '방식'만을 채택하려고 노력했습니다. 따라서 르네상스의 예술적 이상의 위기 특징은 르네상스 말기에 발전한 매너리즘 (가식, 매너리즘)으로 나타났습니다. 명백한 모방, 2 차 스타일, 개별 세부 사항의 과장, 때로는 제목으로도 표현되었습니다. 작품 ( "긴 목을 가진 마돈나"), 비율 위반 , 부조화, 변형, 이는 그 자체로 이탈리아 르네상스 예술의 성격에 이질적입니다.

르네상스 예술은 뉴에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 변화시켰습니다. 고대 질서 체계의 창의적 원칙이 건축에 확립되었고 새로운 유형이 등장했습니다. 공공 건물. 그림은 선형 및 공중 관점, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다. 지상의 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대신화, 역사, 일상의 풍경, 풍경, 인물 등에 대한 관심이 높아졌습니다. 건축물을 장식하는 기념비적인 벽화와 함께 회화가 등장하고 유화가 탄생했다. 일반적으로 보편적 재능을 지닌 예술가의 창의적인 개성이 예술에서 가장 먼저 나타났습니다.

르네상스 예술에서 과학과 예술의 길은 예술적 이해세상과 사람. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움에 대한 열망은 사소한 일상생활에 굴복하지 않았습니다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.

르네상스의 주제는 풍부하고 무궁무진합니다. 이 강력한 운동은 수년 동안 전체 유럽 문명의 발전을 결정했습니다. 우리는 진행되는 프로세스의 본질에 침투하려고 노력하고 있습니다. 이해하려면 르네상스인의 심리적 태도를 더 자세히 복원하고 당시의 책을 읽고 방문해야합니다. 미술관. 인본주의 사상은 르네상스 미술의 번영을 위한 정신적 기반이다. 르네상스 예술은 인본주의의 이상으로 가득 차 있으며 아름답고 조화롭게 발전한 사람의 이미지를 창조했습니다. 이 시대의 예술은 끝없이 인류를 기쁘게 할 것이며, 그 생명력과 정신과 마음을 정복하는 능력에 놀라움을 금치 못할 것입니다. 그것은 예술과 삶 모두에서 나타나는 타이타니즘의 시대였습니다. 물론 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.

참고자료

1.비실리 P . "문화사에서 르네상스의 위치." 상트페테르부르크: 미스릴, 1996.

2.브라지나 M., O.N. Varyash et al.; 르네상스 시대 서유럽 국가의 문화사": 대학 교과서, - M.: Higher School, 1999.

.가렌 이자형."이탈리아 르네상스의 문제". M.: 진행, 1986.

5.그리넨코 G.V. 세계 문화의 역사를 읽는 독자. - 엠., 1998

6.Dvorak M. “르네상스 시대 이탈리아 미술의 역사”: 2권 M.: Art, 1978.

7."서쪽과 동쪽. 전통과 현대." - M.: 러시아 연방 지식 협회, 1993.

8.일리나 T.V. “예술의 역사. 서유럽 미술'. - M .: 고등학교, 1983.

9.파노프스키 이자형.“서양 미술의 르네상스와 “르네상스”.”: Art, 1998.

튜터링

주제를 공부하는 데 도움이 필요하십니까?

우리의 전문가들은 귀하가 관심 있는 주제에 대해 조언하거나 개인교습 서비스를 제공할 것입니다.
신청서 제출지금 당장 주제를 표시하여 상담 가능성을 알아보세요.

XIV-XV 세기. 유럽 ​​​​국가에서 르네상스 (르네상스-프랑스 르네상스)라는 새롭고 격동적인 시대가 시작됩니다. 시대의 시작은 봉건 농노제에서 인간의 해방, 과학, 예술 및 공예의 발전과 관련이 있습니다.

르네상스는 이탈리아에서 시작되어 프랑스, ​​영국, 독일, 네덜란드, 스페인, 포르투갈 등 북유럽 국가에서 계속 발전했습니다. 후기 르네상스는 16세기 중반부터 1690년대까지를 말한다.

사회 생활에 대한 교회의 영향력이 약화되고 개인, 자유 및 발전 기회에 대한 관심으로 고대에 대한 관심이 부활하고 있습니다. 인쇄의 발명은 인구 사이의 문해력 확산, 교육 성장, 과학 및 예술 발전에 기여했습니다. 소설. 부르주아지는 중세 시대를 지배했던 종교적 세계관에 만족하지 않고 자연에 대한 연구와 고대 작가들의 유산을 바탕으로 새롭고 세속적인 과학을 창안했습니다. 그리하여 고대(고대 그리스와 로마) 과학과 철학의 “부흥”이 시작되었습니다. 과학자들은 도서관에 보관된 고대 문학 기념물을 검색하고 연구하기 시작했습니다.

감히 교회에 반대하는 목소리를 내는 작가와 예술가들이 등장했습니다. 그들은 확신했습니다: 가장 훌륭한 가치지상의 인간을 대표하며, 그의 모든 관심은 지상 생활, 완전하고 행복하며 의미 있게 살아가는 데 초점을 맞춰야 합니다. 자신의 예술을 사람들에게 바친 사람들은 인본주의자라고 불리기 시작했습니다.

르네상스 문학은 인본주의적 이상이 특징이다. 이 시대는 교육적, 비판적, 사회주의적 후기 단계와 달리 새로운 장르의 출현과 "르네상스 현실주의"(또는 르네상스)라고 불리는 초기 현실주의의 형성과 관련이 있습니다. 르네상스의 작품은 인간의 성격, 창조적이고 효과적인 시작을 확인하는 것의 복잡성과 중요성에 대한 질문에 대한 답을 제공합니다.

르네상스 문학은 다양한 장르를 특징으로 한다. 하지만 확실한 문학적 형식승리했다. 조반니 보카치오(Giovanni Boccaccio)는 르네상스 단편 소설이라고 불리는 새로운 장르, 즉 단편 소설의 입법자가 됩니다. 이 장르는 르네상스의 특징인 세상의 무궁무진함과 인간과 인간의 행동의 예측 불가능성에 대한 경이로움에서 탄생했습니다.

시에서는 소네트(특정 운율을 지닌 14행의 연)가 가장 특징적인 형식이 됩니다. 극작술은 큰 발전을 보이고 있습니다. 르네상스 시대의 가장 유명한 극작가는 스페인의 로페 데 베가와 영국의 셰익스피어이다.

저널리즘과 철학적 산문이 널리 퍼져 있습니다. 이탈리아에서 조르다노 브루노(Giordano Bruno)는 그의 작품에서 교회를 비난하고 자신만의 새로운 철학적 개념을 창조합니다. 영국의 토머스 모어(Thomas More)는 그의 책 유토피아(Utopia)에서 유토피아 공산주의 사상을 표현합니다. Michel de Montaigne("실험") 및 Erasmus of Rotterdam("In Praise of Stupidity")과 같은 작가도 널리 알려져 있습니다.

그 당시 작가들 중에는 머리가 선정되었습니다. 로렌조 데 메디치 공작은 시를 썼고, 프랑스 국왕 프란시스 1세의 누이인 나바르의 마가렛은 『헵타메론』집의 저자로 알려져 있습니다.

르네상스 미술에서 인간은 자연의 가장 아름다운 창조물, 강하고 완벽하며 분노하면서도 온화하고 사려 깊고 명랑한 존재로 나타났습니다.

르네상스 시대의 세계는 미켈란젤로가 그린 바티칸의 시스티나 성당에 가장 생생하게 표현되어 있습니다. 성경 이야기예배당의 금고를 형성하십시오. 그들의 주된 동기는 세상과 인간의 창조입니다. 이 프레스코화는 웅장함과 부드러움으로 가득 차 있습니다. 제단 벽에는 1537~1541년에 제작된 프레스코화 "최후의 심판"이 있습니다. 여기서 미켈란젤로는 인간에게서 “창조의 면류관”이 아니라 그리스도를 분노하고 징벌하는 존재로 본다. 천장과 제단 벽 시스티나 성당가능성과 현실의 충돌, 계획의 숭고함, 실행의 비극을 나타냅니다. <최후의 심판>은 미술계 르네상스 시대를 완성한 작품으로 꼽힌다.

세부정보 카테고리: 르네상스 미술 및 건축(르네상스) 게시일 12/19/2016 16:20 조회수: 7666

르네상스는 문화가 융성한 시대이다. 모든 예술의 전성기였지만, 그 시대의 정신을 가장 완벽하게 표현한 것은 미술이었습니다.

르네상스인가 르네상스인가(프랑스어 "new" + "born")은 유럽의 문화사에서 세계적인 의미를 가졌습니다. 르네상스는 중세를 대체하고 계몽주의 시대를 앞선다.
르네상스의 주요 특징– 문화의 세속적 성격, 인문주의, 인간중심주의(인간과 인간 활동에 대한 관심). 르네상스 시대에 관심이 집중되었습니다. 고대 문화그리고 그것은 마치 “재탄생”이 일어나는 것과 같습니다.
르네상스는 이탈리아에서 일어났습니다. 첫 징후는 13~14세기에 나타났습니다. (토니 파라모니, 피사노, 지오토, 오르카냐 등). 그러나 그것은 15세기 20년대와 15세기 말에 확고히 확립되었습니다. 최고조에 이르렀습니다.
다른 나라에서는 르네상스가 훨씬 늦게 시작되었습니다. 16세기에 르네상스 사상의 위기가 시작되고, 이 위기의 결과로 매너리즘과 바로크 양식이 출현합니다.

르네상스 시대

르네상스는 4시기로 나누어진다.

1. 원시 르네상스(13세기 후반~14세기)
2. 초기 르네상스(15세기 초~15세기 말)
3. 전성기 르네상스(15세기 말~16세기 전반 20년)
4. 후기 르네상스(16세기 중반~90년대)

비잔틴 제국의 몰락은 르네상스 형성에 중요한 역할을 했습니다. 유럽으로 이주한 비잔틴인들은 알려지지 않은 도서관과 예술 작품을 가져왔습니다. 중세 유럽. 비잔티움은 결코 고대 문화와 단절되지 않았습니다.
모습 인문주의(인간을 최고의 가치로 여기는 사회 철학적 운동)은 이탈리아 도시 공화국에 봉건 관계가 없는 것과 관련이 있었습니다.
과학과 예술의 세속적 중심지가 교회의 통제를 받지 않는 도시에 나타나기 시작했습니다. 그 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. 15세기 중반. 인쇄술이 발명되었는데, 이는 유럽 전역에 새로운 견해를 전파하는 데 중요한 역할을 했습니다.

르네상스 시대의 간략한 특징

프로토 르네상스

원시 르네상스는 르네상스의 전신이다. 또한 비잔틴, 로마네스크, 고딕 양식의 전통을 지닌 중세 시대와도 밀접하게 연관되어 있습니다. 그는 Giotto, Arnolfo di Cambio, Pisano 형제, Andrea Pisano의 이름과 관련이 있습니다.

안드레아 피사노. 옅은 "아담의 창조". 오페라 델 두오모(피렌체)

프로토 르네상스 그림은 두 가지로 표현됩니다. 미술 학교: 피렌체(치마부에, 지오토)와 시에나(두치오, 시모네 마르티니). 그림의 중심 인물은 조토(Giotto)였습니다. 그는 회화의 개혁자로 간주되었습니다. 그는 종교적 형태를 세속적인 내용으로 채우고, 평면 이미지에서 3차원 및 부조 이미지로 점진적으로 전환하고, 사실주의로 전환하고, 플라스틱 양의 인물을 그림에 도입하고, 그림에 내부를 묘사했습니다.

초기 르네상스

1420년부터 1500년까지의 기간이다. 이탈리아 초기 르네상스 예술가들은 생활에서 모티프를 끌어내고 전통적인 종교 주제를 세속적인 내용으로 채웠습니다. 조각품에는 L. Ghiberti, Donatello, Jacopo della Quercia, della Robbia 가족, A. Rossellino, Desiderio da Settignano, B. da Maiano, A. Verrocchio가 있었습니다. 그들의 작품에서는 독립된 조각상, 그림 같은 부조, 흉상 초상화, 승마 기념물이 개발되기 시작했습니다.
15세기 이탈리아 회화에서. (Masaccio, Filippo Lippi, A. del Castagno, P. Uccello, Fra Angelico, D. Ghirlandaio, A. Pollaiolo, Verrocchio, Piero della Francesca, A. Mantegna, P. Perugino 등)은 조화로운 느낌이 특징입니다. 세계의 질서, 인본주의의 윤리적, 시민적 이상, 현실 세계의 아름다움과 다양성에 대한 즐거운 인식에 호소합니다.
이탈리아 르네상스 건축의 창시자는 건축가, 조각가, 과학자이자 과학적 원근법 이론의 창시자 중 한 명인 필리포 브루넬레스키(1377-1446)였습니다.

이탈리아 건축 역사상 특별한 장소를 차지합니다. 레온 바티스타 알베르티(1404-1472). 초기 르네상스 시대의 이탈리아 과학자, 건축가, 작가, 음악가인 이 사람은 파도바에서 교육을 받고 볼로냐에서 법학을 공부했으며 나중에 피렌체와 로마에서 살았습니다. 그는 이론적 논문 "On the Statue"(1435), "On Painting"(1435-1436), "On Architecture"(1485 년 출판)를 만들었습니다. 그는 문학적 언어로서 "민속"(이탈리아어) 언어를 옹호했으며 그의 윤리적 논문 "가족에 대하여"(1737-1441)에서 조화롭게 발전된 성격의 이상을 발전시켰습니다. 그의 건축 작업에서 Alberti는 대담한 실험적 솔루션에 끌렸습니다. 그는 새로운 유럽 건축의 창시자 중 한 사람이었습니다.

팔라조 루첼라이

Leon Battista Alberti는 건물의 구조적 기초처럼 보이는 전체 높이에 소박하고 3층의 기둥으로 나누어진 외관을 갖춘 새로운 유형의 궁전을 개발했습니다(알베르티의 계획에 따라 B. Rossellino가 지은 피렌체의 Palazzo Rucellai). ).
Palazzo 맞은편에는 무역 파트너를 위한 리셉션과 연회가 열렸고 결혼식이 거행되었던 Loggia Rucellai가 있습니다.

로지아 루첼라이

전성기 르네상스

르네상스 양식이 가장 눈부시게 발전한 시기이다. 이탈리아에서는 약 1500년부터 1527년까지 지속되었습니다. 이제 교황 왕좌에 오르면서 피렌체에서 이탈리아 예술의 중심지가 로마로 이동합니다. 줄리아 2세, 야심 차고 용감하며 진취적인 사람이 그의 궁정에 끌렸습니다. 최고의 예술가이탈리아.

라파엘 산티 <교황 율리우스 2세의 초상>

로마에는 많은 기념비적인 건물이 세워지고, 웅장한 조각품이 만들어지고, 프레스코화와 그림이 그려져 아직도 회화의 걸작으로 여겨지고 있습니다. 고대는 여전히 높은 평가를 받고 있으며 신중하게 연구되고 있습니다. 그러나 고대인을 모방한다고 해서 예술가의 독립성이 사라지지는 않습니다.
르네상스의 정점은 레오나르도 다빈치(1452-1519), 미켈란젤로 부오나로티(1475-1564), 라파엘 산티(1483-1520)의 작품입니다.

후기 르네상스

이탈리아에서는 이 시기가 1530년대부터 1590년대~1620년대까지입니다. 이 시대의 예술과 문화는 매우 다양하다. 어떤 사람들은 (예를 들어 영국 과학자들) “르네상스는 총체적인 것으로서의 르네상스”라고 믿습니다. 역사적 기간 1527년 로마가 함락되면서 끝났다." 후기 르네상스 예술은 다양한 운동의 투쟁에 대한 매우 복잡한 그림을 제시합니다. 많은 예술가들은 자연과 그 법칙을 연구하려고 노력하지 않았지만 단지 위대한 거장인 레오나르도, 라파엘, 미켈란젤로의 "방식"을 겉으로는 동화하려고 노력했습니다. 이 기회에 나이든 미켈란젤로는 예술가들이 자신의 “최후의 심판”을 복사하는 것을 보면서 이렇게 말한 적이 있습니다. “나의 이 예술은 많은 사람을 바보로 만들 것입니다.”
남부 유럽에서는 인체의 영광과 고대 이상의 부활을 포함하여 어떤 자유로운 사상도 환영하지 않는 반종교 개혁이 승리했습니다.
이 시기의 유명한 예술가로는 Giorgione(1477/1478-1510), Paolo Veronese(1528-1588), Caravaggio(1571-1610) 등이 있습니다. 카라바조바로크 양식의 창시자로 여겨진다.

르네상스 (르네상스)

르네상스 또는 르네상스 (프랑스 르네상스, 이탈리아 Rinascimento)는 중세 문화를 대체하고 현대 문화보다 앞선 유럽 문화사의 시대입니다. 시대의 대략적인 연대순 틀은 XIV-XVI 세기입니다.

르네상스의 독특한 특징은 문화의 세속적 성격과 인간 중심주의(즉, 우선 인간과 그의 활동에 대한 관심)입니다. 고대 문화에 대한 관심이 나타나고 그 "부흥"이 발생하며 이것이 용어가 나타난 방식입니다.

르네상스라는 용어는 조르조 바사리(Giorgio Vasari)와 같은 이탈리아 인본주의자들 사이에서 이미 발견되었습니다. 현대적인 의미에서 이 용어는 19세기 프랑스 역사가 Jules Michelet에 의해 사용되기 시작했습니다. 오늘날 르네상스라는 용어는 문화의 번영을 비유하는 말이 되었습니다. 예를 들어 9세기의 카롤링거 르네상스를 예로 들 수 있습니다.

르네상스의 일반적인 특징

유럽 ​​사회 관계의 근본적인 변화로 인해 새로운 문화적 패러다임이 탄생했습니다.

도시 공화국의 성장으로 봉건 관계에 참여하지 않는 계급, 즉 장인과 공예가, 상인, 은행가의 영향력이 증가했습니다. 중세의 주로 교회 문화와 그 금욕적이고 겸손한 정신이 창조한 계층적 가치 체계는 그들 모두에게 이질적이었습니다. 이는 사람, 성격, 자유, 적극적이고 창의적인 활동을 공공 기관을 평가하는 최고의 가치이자 기준으로 간주하는 사회 철학적 운동 인 인본주의의 출현으로 이어졌습니다.

과학과 예술의 세속적 중심지가 도시에 나타나기 시작했는데, 그 활동은 교회의 통제를 벗어났습니다. 새로운 세계관은 고대로 바뀌었고 그 안에서 인본주의적이고 비금욕적인 관계의 예를 보았습니다. 15세기 중반 인쇄술의 발명은 유럽 전역에 고대 유산과 새로운 시각을 전파하는 데 큰 역할을 했습니다.

르네상스는 이탈리아에서 일어났는데, 그곳에서 첫 번째 징후는 13세기와 14세기에 (Pisano, Giotto, Orcagni 가족 등의 활동에서) 눈에 띄었지만 15세기 20년대에만 확고하게 확립되었습니다. . 프랑스, 독일 및 기타 국가에서는 이 운동이 훨씬 나중에 시작되었습니다. 15세기 말에 그 정점에 이르렀다. 16세기에는 르네상스 사상의 위기가 닥치면서 매너리즘과 바로크 양식이 등장했습니다.

르네상스 예술.

중세 세계 그림의 신 중심주의와 금욕주의와 함께 중세 예술은 주로 종교에 봉사하여 신과의 관계에서 세상과 인간을 전통적인 형태로 전달했으며 성전 공간에 집중되었습니다. 어느 것도 아니다 보이는 세계, 어떤 사람도 그 자체로 귀중한 예술 대상이 될 수는 없습니다. 13세기에 다섯 중세 문화새로운 경향이 관찰됩니다 (인본주의의 선구자 단테의 작품 인 성 프란치스코의 유쾌한 가르침). 13세기 후반. 이탈리아 예술 발전의 과도기적 시대인 프로토 르네상스(15세기 초까지 지속)가 시작되어 르네상스의 길을 준비했습니다. 도상학에서 중세 시대의 일부 예술가 (G. Fabriano, Cimabue, S. Martini 등)의 작품은 더 밝고 세속적 인 시작으로 가득 차 있으며 인물은 상대적인 양을 얻습니다. 조각에서는 인물의 고딕적 천상성을 극복하고 고딕적 감성을 감소시킨다(N. Pisano). 처음으로 명확한 단절이 발생했습니다. 중세 전통 13세기 말부터 14세기 1/3까지 등장했습니다. 그림에 3차원 공간감을 도입하고, 더 많은 볼륨으로 인물을 그리고, 상황에 더 많은 관심을 기울였으며, 가장 중요한 것은 묘사에서 고귀한 고딕 양식과는 다른 특별한 사실주의를 보여준 Giotto di Bondone의 프레스코 화에서 인간의 경험.

원시 르네상스의 거장들이 경작한 토양에서 이탈리아 르네상스가 일어났으며, 이는 진화의 여러 단계(초기, 고기, 후기)를 거쳤습니다. 인본주의자들에 의해 표현된 새롭고 본질적으로 세속적인 세계관과 관련하여, 그것은 사원 너머에 퍼져 있는 종교와 불가분의 관계를 상실합니다. 그림의 도움으로 작가는 새로운 방식을 사용하여 눈에 보이는 대로 세계와 인간을 마스터했습니다. 예술적 방법(원근법(선형, 공중, 색상)을 사용한 3차원 공간의 이동, 플라스틱 볼륨의 환상 생성, 도형의 비례 유지). 성격과 개인의 특성에 대한 관심은 사람의 이상화, "완벽한 아름다움"에 대한 추구와 결합되었습니다. 신성한 역사의 주제는 예술을 떠나지 않았지만 이제부터 그들의 묘사는 세상을 지배하고 지상의 이상을 구현하는 작업과 불가분의 관계가 있습니다. 따라서 바커스와 세례 요한의 레오나르도, 비너스 및 신의 어머니의 유사점 보티첼리). 르네상스 건축은 하늘에 대한 고딕 양식의 열망을 잃고 인체에 대한 "고전적인"균형과 비례, 비례를 얻습니다. 고대 질서 체계가 부활하고 있지만 질서의 요소는 구조의 일부가 아니라 전통적(사원, 당국의 궁전) 건물과 새로운 유형의 건물(도시 궁전, 시골 별장)을 장식하는 장식이었습니다.

초기 르네상스의 창시자는 조토의 전통을 계승하고 거의 조각적인 인물의 유형성을 달성했으며 선형 원근법의 원칙을 사용하고 상황을 묘사하는 관습에서 벗어난 피렌체 화가 마사치오로 간주됩니다. 15세기에 회화가 더욱 발전했습니다. 피렌체, 움브리아, 파도바, 베니스(F. Lippi, D. Veneziano, P. della Francesco, A. Palaiolo, A. Mantegna, C. Crivelli, S. Botticelli 등)에서 학교를 다녔습니다. 15세기에 르네상스 조각이 탄생하고 발전하다(L. Ghiberti, Donatello, J. della Quercia, L. della Robbia, Verrocchio 등, 도나텔로는 건축과 무관한 자립형 원형 조각상을 만든 최초의 인물, 나체의 조각상을 묘사한 최초의 인물) 관능미가 표현된 신체) 및 건축 (F. Brunelleschi, L.B. Alberti 등). 15세기의 거장들 (주로 L.B. Alberti, P. della Francesco)는 미술과 건축 이론을 창안했습니다.

1500년경 레오나르도 다 빈치, 라파엘로, 미켈란젤로, 조르조네, 티치아노의 작품에서 이탈리아 회화와 조각은 전성기 르네상스에 접어들면서 정점에 이르렀습니다. 그들이 만들어낸 이미지는 인간의 존엄성, 힘, 지혜, 아름다움을 완벽하게 구현했습니다. 회화에서는 전례없는 가소성과 공간성이 달성되었습니다. 건축은 D. Bramante, Raphael, Michelangelo의 작품에서 정점에 도달했습니다. 이미 1520년대에 이탈리아 중부 미술과 1530년대 베니스 미술에 변화가 일어났는데, 이는 후기 르네상스의 시작을 의미했습니다. 15세기 인본주의와 관련된 전성기 르네상스의 고전적 이상은 새로운 역사적 상황(이탈리아는 독립을 잃었다)과 정신적 분위기(이탈리아 인본주의가 더욱 냉정해지고 심지어 비극적으로 변했다)에 반응하지 않고 빠르게 그 의미를 잃었다. 미켈란젤로와 티치아노의 작품은 드라마틱한 긴장감과 비극, 때로는 절망에 이르기까지의 형식적 표현의 복잡성을 획득한다. 후기 르네상스에는 P. Veronese, A. Palladio, J. Tintoretto 등이 포함됩니다. 높은 르네상스의 위기에 대한 반응은 높은 주관성과 매너리즘 (종종 허식과 애정에 도달하는 매너리즘)의 출현이었습니다. ), 성급한 종교적 영성과 냉담한 우화주의 (Pontormo, Bronzino, Cellini, Parmigianino 등).

북부 르네상스는 1420~1430년대 후기 고딕(조티안 전통의 간접적인 영향 없이는 아님)을 기반으로 소위 "아르스 노바"- "새로운 예술"이라고 불리는 새로운 회화 스타일의 출현으로 준비되었습니다. (E. Panofsky의 용어). 연구자들에 따르면 그 영적 기초는 무엇보다도 특정한 개인주의와 세계에 대한 범신론적 수용을 전제로 한 15세기 북부 신비주의의 소위 "새로운 경건"이었습니다. 새로운 스타일의 기원은 유성 페인트를 개선한 네덜란드 화가 Jan van Eyck와 Flemalle의 Master, G. van der Goes, R. van der Weyden, D. Bouts, G. tot Sint Jans, I. Bosch 및 기타 (15세기 중반~후반). 새로운 네덜란드 그림은 유럽에서 폭넓은 반응을 얻었습니다. 이미 1430~1450년대에 새로운 그림의 첫 번째 사례가 독일(L. Moser, G. Mulcher, 특히 K. Witz), 프랑스(Aix의 수태고지 마스터)에 나타났습니다. 그리고 물론 J .Fouquet도 마찬가지입니다. 새로운 스타일은 원근법을 통한 3차원 공간의 전달(대체로 대략적인), 볼륨에 대한 욕구 등 특별한 사실주의가 특징입니다. 매우 종교적인 "새로운 예술"은 개인의 경험, 사람의 성격에 관심이 있었고 무엇보다도 겸손과 경건함을 중요하게 생각했습니다. 그의 미학은 인간의 완벽함에 대한 이탈리아의 파토스, 고전적 형태에 대한 열정과는 거리가 멀습니다(캐릭터의 얼굴은 완벽하게 비례하지 않고 고딕적으로 각이 져 있습니다). 자연과 일상 생활은 특별한 사랑과 세부 묘사로 묘사되었으며, 세심하게 그려진 사물은 일반적으로 종교적, 상징적 의미를 가졌습니다.

실제로 북부 르네상스 예술은 15~16세기 초에 탄생했습니다. Trans-Alpine 국가의 국가적 예술적, 영적 전통과 이탈리아의 르네상스 예술 및 인본주의, 북부 인본주의의 발전이 상호 작용한 결과입니다. 르네상스 유형의 첫 번째 예술가는 뛰어난 독일 거장 A. Durer로 간주될 수 있지만 그는 무의식적으로 고딕 영성을 유지했습니다. G. Holbein the Younger는 그림 스타일의 "객관성"을 통해 고딕 양식과의 완전한 단절을 달성했습니다. 반대로 M. Grunewald의 그림에는 종교적 승영이 가득했습니다. 독일 르네상스는 한 세대의 예술가들의 작품이었으며 1540년대에 흐지부지되었습니다. 16세기 전반기 네덜란드에서. 이탈리아의 전성기 르네상스와 매너리즘을 지향하는 흐름이 퍼지기 시작했습니다(J. Gossaert, J. Scorel, B. van Orley 등). 16세기 네덜란드 회화에서 가장 흥미로운 점. -이젤 회화, 일상 및 풍경 장르의 발전입니다 (K. Masseys, Patinir, Luke Leydensky). 1550년대~1560년대 전국적으로 가장 독창적인 예술가는 P. Bruegel the Elder로 일상 생활과 풍경 장르의 그림뿐만 아니라 일반적으로 민속과 관련된 비유 그림과 예술가 자신의 삶에 대한 씁쓸하고 아이러니한 견해를 소유했습니다. 네덜란드의 르네상스는 1560년대에 끝난다. 본질적으로 완전히 정중한 프랑스 르네상스(네덜란드와 독일에서는 예술이 시민과 더 관련이 있음)는 아마도 북부 르네상스에서 가장 고전적인 것일 것입니다. 이탈리아의 영향으로 점차 힘을 얻고있는 새로운 르네상스 예술은 루브르 박물관의 창시자 인 건축가 P. Lescot, F. Delorme, 조각가 J. Goujon 및 J의 작업으로 세기 중반 ~ 후반에 성숙해졌습니다. . Pilon, 화가 F. Clouet, J. Cousin Senior. 매너리즘 양식으로 활동한 이탈리아 미술가 로소(Rosso)와 프리마티치오(Primaticcio)가 프랑스에서 창설한 '퐁텐블로 학교'는 앞서 언급한 화가, 조각가들에게 큰 영향을 미쳤으나, 프랑스의 거장들은 매너리즘에 빠지지 않고 고전주의를 받아들였다. 매너리즘적인 모습으로 숨겨진 이상. 프랑스 미술의 르네상스는 1580년대에 끝난다. 16세기 후반. 이탈리아와 다른 유럽 국가의 르네상스 예술은 점차 매너리즘과 초기 바로크 양식으로 바뀌고 있습니다.

르네상스는 인류 역사상 가장 위대한 진보적 혁명이다.

15세기 초, 이탈리아의 생활과 문화에는 큰 변화가 있었습니다. 이탈리아의 마을 사람들, 상인, 장인들은 12세기부터 봉건적 의존에 맞서 영웅적인 투쟁을 벌였습니다. 무역과 생산이 발전하면서 마을 사람들은 점차 부유해졌고, 봉건 영주의 권력을 무너뜨리고 자유 도시 국가를 조직했습니다. 이들 이탈리아 자유 도시들은 매우 강력해졌습니다. 그들의 시민들은 그들의 정복을 자랑스러워했습니다. 독립된 이탈리아 도시의 막대한 부는 그들의 활발한 번영의 이유였습니다. 이탈리아 부르주아지는 다른 눈으로 세상을 바라보았고, 자신의 힘을 굳게 믿었습니다. 그들은 지금까지 그들에게 전파되었던 고통, 겸손, 모든 지상의 기쁨에 대한 열망에 대해 이질적이었습니다. 삶의 기쁨을 누리는 지상인에 대한 존경심이 커졌습니다. 사람들은 삶에 적극적으로 접근하고, 세상을 열심히 연구하고, 세상의 아름다움에 감탄하기 시작했습니다. 이 기간 동안 다양한 과학이 탄생하고 예술이 발전했습니다.

이탈리아는 고대 로마 예술의 많은 기념물을 보존해왔기 때문에 고대 시대가 다시 모델로 추앙되기 시작했습니다., 고대 예술은 숭배의 대상이되었습니다. 고대의 모방은 예술에서 이 시기를 불러일으켰습니다. 르네상스 , 이는 프랑스어로 "르네상스".물론 이것은 고대 예술의 정확한 반복이 아니었고 이미 새로운 예술 이었지만 고대 사례를 바탕으로 한 것입니다.

이탈리아 르네상스는 세 단계로 나누어진다. : 13~15세기 -르네상스 이전(프로토 르네상스, 트레센토) ; 15세기- 초기 르네상스(콰트로센토) ); 15세기 말~16세기 초-전성기 르네상스(cinquecento).

고대 기념물을 찾기 위해 이탈리아 전역에서 고고학 발굴이 수행되었습니다. 새로 발견된 조각상, 동전, 접시, 무기, 프레스코화는 이러한 목적을 위해 특별히 만들어진 박물관에 조심스럽게 보존 및 수집되었습니다. 예술가들은 이러한 고대의 예에서 배웠고 이를 삶에서 그렸습니다.

전성기 르네상스

15세기 말부터 이탈리아는 경제적, 정치적 문제로 어려움을 겪기 시작했습니다. 그리고 국가의 어려운시기에 이탈리아 르네상스의 단명 한 황금기가 시작되었습니다. 전성기 르네상스, 최고점 이탈리아 미술의 전성기. 이 시대의 예술은 특히 인간이 무엇이든 할 수 있다는 인간의 창조력에 대한 믿음으로 가득 차 있습니다. 전형적인 전성기 르네상스 그림은 구성 면에서 엄격하게 균형을 이루고 있습니다. 캐릭터는 종종 그룹으로 뭉쳐지고, 풍경은 마치 푸른 거리에 익사하는 것처럼 배경 역할을 하거나 창을 통해 보입니다.

전성기 르네상스 시대에 세 명의 위대한 거장이 이탈리아에서 활동했는데, 그들의 작품은 이 멋진 시대를 전체적으로 반영합니다. 이것 - 레오나르도 다빈치, 라파엘로 산티, 미켈란젤로 부오나로티.

베네치아 르네상스

그림은 베니스에서 자신만의 특별한 방식으로 발전했습니다. 섬 위에 세워진 이 도시의 습한 분위기는 프레스코화에 해를 끼쳤습니다. 따라서 이곳은 이탈리아의 어느 곳보다 일찍 예술가들이 유화 기법을 익히고,네덜란드에서 발명되었습니다. 편리하고 아티스트에게 더욱 다양한 기회를 제공했습니다. 축제 분위기, 특별하고 따뜻한 황금색 - 이것이 이 도시의 화가들의 작품에 내재된 전형적인 특징입니다.

북부 르네상스 미술

이탈리아 북쪽에 위치한 국가(네덜란드, 독일, 프랑스)에서는 15세기와 16세기에 북부 르네상스라는 문화가 발전했습니다.

이탈리아와 마찬가지로 북부 르네상스는 중세보다 더 높은 유럽 문화 발전의 새로운 단계를 의미합니다. 이탈리아에서와 마찬가지로 예술 속에서 세계와 인간의 발견이 이루어지는 이곳에서도 인간은 예술에서 최고의 가치가 됩니다. 그러나 이탈리아에서 르네상스가 고대 이상의 부흥과 중세 견해의 부정으로 시작되었다면 북부에서는 15세기와 16세기의 문화가 여전히 중세와 매우 밀접하게 연결되어 있습니다. 이상을 추구했던 이탈리아 미술과 달리 북부 미술은 현실에 더 가깝고, 실생활. 이탈리아 예술은 축제적이고 즐겁고 북부 르네상스 예술입니다. 더엄격한, 억제된. 이탈리아에서는 르네상스 예술이 건축, 조각, 회화 등 모든 형태로 번성했으며 북부에서는 예술에 대한 새로운 견해가 회화와 그래픽에서만 나타났습니다. 건축물과 조각품은 주로 고딕 양식으로 남아 있습니다.

종교는 사회 생활에서 계속해서 중요한 위치를 차지했습니다. 그러나 이전에 하나님이 사람에게서 멀리 떨어져 있었고 사람이 하찮은 모래알로 여겨졌다면 이제 사람은 하나님처럼 우주의 일부가됩니다.

15세기와 16세기에 접어들면서 서유럽 국가에서는 과학에 대한 깊은 관심이 나타나 매우 빠르게 발전했습니다. 이 기간 동안 과학자들 사이에서는 북유럽그리고 종교 지도자들은 국가가 자유로워야 하는지 아니면 가톨릭 교회가 지배하는 봉건적이어야 하는지에 대한 열띤 논쟁을 벌이고 있습니다. 이러한 논쟁은 전국적인 운동으로 확대되었습니다. 종교개혁(“믿음의 정화”).당시 독일에서는 농민전쟁이 벌어지고 있었고, 네덜란드에서는 스페인의 지배로부터 해방되기 위한 치열한 투쟁이 벌어지고 있었다. 이러한 역사적 상황에서 북부 르네상스 예술이 탄생했습니다.

북부 르네상스는 다음에서 시작되었습니다. 네덜란드.

네덜란드 르네상스의 새로운 예술의 첫 번째 촬영은 서적 문학에서 관찰됩니다. 네덜란드의 책 미니어처 개발에 큰 공헌을 한 사람은 다음과 같습니다. 휴베르트(Hubert)와 얀 반 에이크(Jan van Eyck) 형제. 얀 반 에이크유화의 창시자로 여겨진다. 그리고 예술가 피터 브뤼겔정말 인기가 많다고 생각됨 "무히츠키"그들이 그를 불렀던 것처럼. 르네상스 예술은 네덜란드의 반스페인 운동 기간에 발생했기 때문에 이는 네덜란드 예술가 I. Bosch, P. Bruegel the Elder 등의 작품에 반영될 수밖에 없습니다.

14~15세기 초에 독일 이전 기간보다 훨씬 더 단편화되어 봉건 재단의 생존 가능성에 기여했습니다.

독일 도시의 발전은 네덜란드와 관련하여도 늦었고, 독일 르네상스는 한 세기 후에 이탈리아 도시와 비교하여 형성되었습니다. 독일의 16세기는 군주 권력과 로마 가톨릭교에 맞서는 농민, 기사단, 시민의 강력한 혁명 운동으로 시작됩니다. 그러나 이 운동은 1525년에 패배했지만 농민 전쟁의 시기는 정신적으로 고조되고 독일 인본주의, 세속 과학, 독일 문화가 꽃피는 시기였습니다. 이 기간 동안 그러한 위대한 사람들이 유명해졌습니다. 뛰어난 예술가들, 어떻게 A. Dürer, G. B. Green, M. Grunewald, G. Holbein Jr., A. Altdofer, L. Cranach St.. 그리고 다른 많은 사람들.

르네상스의 시작은 15세기 중반으로 거슬러 올라간다. 프랑스 , 초기 단계에서는 여전히 고딕 예술과 밀접한 관련이 있습니다. 프랑스 예술가들은 이탈리아 예술에 대해 알게 되었고, 15세기 말부터 고딕 전통과의 결정적인 단절이 시작되었습니다. 프랑스 르네상스는 궁정문화의 성격을 띠고 있었다.

네덜란드에서처럼 현실적인 경향은 주로 신학 서적과 세속 서적의 축소판에서 관찰됩니다. 프랑스 르네상스의 첫 번째 주요 예술가 - 장 푸케,샤를 7세와 루이 11세의 궁정화가. 16세기에는 미술 감정가이자 레오나르도의 후원자인 프랑수아 1세의 궁정이 프랑스 문화의 중심지가 되었습니다. !6세기 - 프랑스 초상화의 전성기. 그는 이 장르에서 특히 유명해졌습니다 장 클루에,프란시스 1세의 궁정 예술가.

• < 뒤로
• 다음 >