18. yüzyılın ikinci yarısının dekoratif ve uygulamalı sanatı. XVIII yüzyılda dekoratif ve uygulamalı sanat. Halk ahşap mimarisi

Zaten 17. yüzyıl sanatında, özellikle de ikinci yarısında, 18. yüzyılın seküler gerçekçi sanatının hızlı gelişiminin yolunu açan bu tür eğilimler görülmektedir. İkon boyama geleneği, insanların, manzaraların ve tarihi olayların yeniden canlandırılmasına yol açar. Oldukça koşullu olarak yorumlanan geleneksel çiçek süsü, gerçekçi bir şekilde işlenmiş çiçeklerin, meyvelerin, yaprakların, çelenklerin ve kabukların çoğaltılması ile değiştirilir. Uygulamalı sanat eserlerinde, dini konularda resim yapmak, neredeyse laik, bazen vurgulu bir şekilde dekoratif ve teatral bir karakter alır. Nesnelerin biçimleri, çok çeşitli süslemelerle görkemli, ciddi hale gelir. Düz raf kulplu bardaklar, gümüş kardeşler gibi birçok eski ev eşyası türü yok oluyor. Geleneksel antik kepçeler, pratik anlamlarını yitirmiş tamamen dekoratif premium ürünlere dönüşüyor. Yeni mutfak eşyaları türleri ortaya çıkıyor: barok süslemelerle süslenmiş kaplar, günlük sahneler ve laik içerikli yazıtlar, kartal şeklinde kadehler, standlarda boynuzdan yapılmış kadehler ve diğerleri. Din adamlarının kilise eşyaları ve ev eşyaları artık tarz olarak tamamen dünyevi şeylerden farklı değildi ve hatta bazen daha büyük ihtişam ve maddi değerde onları aştı.

1764'te toprakların laikleştirilmesinden sonra, Trinity-Sergius Lavra mülklerini kaybeder, ancak bu zamana kadarki zenginliği o kadar büyüktü ki, bu reform ne manastırdaki inşaat işinin kapsamını ne de kilise içlerinin zengin tasarımını etkilemedi. , manastırda yaşayan vali ve metropolitin kişisel mahallelerinin yanı sıra kutsallığının ve hazinesinin zenginliği üzerine. Manastır, sarayın, Moskova metropolünün ve diğer din adamlarının imparatoriçelerinden ve yüksek saygınlarından katkı almaya devam etti. Kural olarak, bunlar yapılan işlerdi. en iyi ustalar Moskova, St. Petersburg, Veliky Ustyug, Rostov-Yaroslavl ve diğer uygulamalı sanat merkezleri. Bu nedenle, XVIII yüzyılın uygulamalı sanatının Lavra koleksiyonu. bu zamanın en çeşitli mücevher teknolojisi türlerini temsil eder.

Gümüş peşinde koşma sanatı, özellikle 18. yüzyılın ortalarından itibaren kendine özgü bir biçim kazanır. Bunlar ağırlıklı olarak büyük Barok buklelerdir, meyvelerin, çiçek sepetlerinin, aşk tanrılarının, çiçek çelenklerinin ve yaprakların görüntüsü ile birlikte oldukça yüksek bir kabartmada ustaca yürütülür. Kovalama genellikle ajur yapıldı ve bu durumda desene aydınlatma sağlayan ek bir arka plana sahipti.

Bu tür sikkelerin klasik bir örneği, İmparatoriçe Elizabeth'in katkılarıyla 1754'te Moskova'da yapılan İncil'in devasa okladıdır. Üçlü Birliğin, müjdecilerin ve İsa'nın hayatından sahnelerin boyanmış emaye görüntülerini içeren gümüş tabaklar, uzun kovalanmış kutulara ve karelere yerleştirilmiştir. Onlar laik.

Moskova ustası P. Vorobey, 17682'de (manastırda su kabı olarak kullanılan) gümüş bir kase yaptı. Yaldızlı bir arka plan üzerinde orijinal kıvrık kartuşlar ve geniş yapraklardan oluşan mükemmel bir kovalanmış süsü ile dekore edilmiştir. Kasenin bacakları, pençelerinde pürüzsüz topları tutan aslan pençeleridir. Kabartma ve niello ile süslenmiş 1787 tarihli tuzluk, bir Moskova ustasının Metropolitan Platon'a hediyesiydi3.

Mücevher yapımının yeni merkezi - St. Petersburg - müzenin koleksiyonunda, 1768'de zanaatkar Claes Johann Ehlers tarafından yapılmış, kartal başı şeklinde bir ağızlığa sahip kovalanmış gümüş bir kulp ile sunulmaktadır. Aynı zanaatkar, tarla boyunca Barok süslemeli ve İncil'deki bir sahnenin tasviri olan kovalanmış bir gümüş tabak yaptı: bir balina Jonah'ı karaya fırlattı5. Aynı zamanda, usta burada Peter ve Paul Kalesi ve katedralin kulesiyle St. Petersburg sahilini tasvir etti. Rukoma ve bir yemek - Metropolitan Platon'un katkısı.

Ritüel amaçlı şeyler de laik bir dekoratif karakter kazandı ve ciddiyetleri eşi görülmemiş büyüklükte bir boyutla vurgulandı. 18. yüzyılın tipik. 1789'da A. V. Sheremetyev tarafından yapılan bir dizi ayin kabı (kadeh, paten, yıldız ve iki tabak). Buradaki yüksek komünyon kasesi, kovalı çan şeklinde büyük bir tepsiye, kasenin gövdesinde ajurlu gümüş bir kasaya ve boyalı emaye bir kadehe sahiptir. Bu kadeh için özel olarak yapılmış geniş çaplı diskolar ve tabaklar, geleneksel ikonografik sahneleri yansıtan gravürlerle süslenmiştir.

Telkari sanatı tamamen farklı bir karakter kazanır. Filizli düz bir kıvrım yerine, 18. yüzyılın telkari çizimi olan eski eserlerde metalin pürüzsüz bir yüzeyine sarılır. bazen emaye ve değerli taşlarla birlikte üst üste bindirilmiş ek süslemeler ile karmaşık. Bazı durumlarda, telkari ajur yapılır ve ek bir arka plan üzerine bindirilir. Bazen şey taranan iş parçacıklarından yapılmıştır.

Olağanüstü iş Telkari davası, Metropolitan Platon7'nin katkısının 1789'daki meskenidir. Ajur telkari, emaye ile birleştirilmiş telkari ve pürüzsüz gümüş bir arka plan üzerine bindirilmiş telkari vardır. Tapınak, tamamen dini olmayan şekli, zarif dekorasyonu ve emaye ince metal parçalardan yapılmış köşelere dikilmiş çiçeklerle kanıtlandığı gibi laik bir tabuta benziyor.

Usta bir kabartma telkari örneği, "Piskopos Hizmeti Memuru" kitabının maaşında ve ayrıca Metropolitan Platon'un 17898'deki katkısında bulunabilir.

XVIII.Yüzyılda büyük gelişme sağlandı. Solvychegodsky ve Veliky Ustyug emayeleri, üzerine ayrı metal plakalar şeklinde bindirildikleri tek renkli (mavi veya beyaz) arka planlarıyla insan figürleri, çiçekler ve diğer resimler, bazen ek olarak emaye ile renklendirilir. Müze, Solvychegodsk ve Ustyug'dan geniş bir ev eşyası koleksiyonuna sahiptir.

XVIII yüzyılda. Lavra tapınaklarının içi için çizimlere göre gümüşten yapılmış anıtsal yapılar da yapılmıştır. ünlü sanatçılar Moskova ve Petersburg. Trinity Katedrali'nin sunağı için, Metropolitan Platon'un emriyle, defne ağacı şeklinde büyük bir gümüş yedi şamdan9 yapıldı, ayrıca Trinity Katedrali'nin ikonostasisinin gümüş tablasını süsledi. Moskovalı zanaatkar David Prif, Caravacca'nın bir çizimine göre Radonezh Sergius'un (İmparatoriçe Anna Ivanovna10 tarafından yaptırılan) türbesi üzerine gümüş bir gölgelik yaptı. Böylece, XVIII yüzyılın uygulamalı sanatı. müze koleksiyonunda en karakteristik eserlerle temsil edilir.

Müzenin koleksiyonundaki sanatsal zanaat eserleri, gelişimini Moskova'nın ilk büyük anıtlarından 18. yüzyılın sonuna kadar izlemeyi mümkün kılıyor. Bu uzun süreçte teknik beceri değişip gelişti, nesnelerin eski formları ortadan kalktı ve yenileri ortaya çıktı, süslemenin doğası değişti, her zaman estetik görüşlere bağlı olarak, döneminin sosyo-ekonomik ve politik koşullarının belirlediği, sanatın gelişimi. iç ve dış pazarlar, üretim ölçeği ve yöntemi.

XIV-XV yüzyılların eserleri hakkında. 13. yüzyılda Rus topraklarının Tatar-Moğol yıkımından sonra sanatsal el sanatlarının kademeli olarak canlandığının bir resmini ortaya koyuyor. Moskova ve diğer sanat merkezlerinin ustaları Eski Rusyaçeşitli sanatsal tekniklerde ustalaşın ve ustalık tekniğini geliştirin.

XVI yüzyılda. Moskova nihayet ülkenin kültürel yaşamında lider bir yer kazandı. Bu dönemin uygulamalı sanatı, çeşitli biçimler ve sanatsal süslemelerin yanı sıra büyük teknik beceri ile ayırt edilir. Çoğunlukla dekoratif bir nitelik kazanan karmaşık emaye sanatı geliştirilmekte, altın üzerine niello, kovalama ve oyma sanatı daha büyük bir beceri kazanmaktadır.

Ev ve kilise amaçlı gümüşten yapılmış eserler, halk sanatı geleneklerini takip eder ve insanların yaşam koşulları, ritüelleri ve yaşam biçimleriyle ilişkilendirilir.

17. yüzyıl ürünlerinin parlaklığı ve dekoratifliği, süslemenin karmaşıklığı, boyalı emayelerin görünümü, çok sayıda değerli taş, inci ve renkli cam kullanımı, uygulamalı sanata daha laik bir karakter kazandırıyor.

XVIII yüzyılda. yeni nesne biçimleri benimsendi, süslemenin gerçekçi doğası ve emaye üzerine resim Zagorsk Müzesi koleksiyonunda bu dönem Moskova ve St. Petersburg'daki en iyi atölyeler tarafından temsil ediliyor. Çalışmaları, uygulamalı sanatta meydana gelen yeni değişiklikleri yargılamamıza izin veriyor.

yüksek sanatsal beceri beş yüzyıldan fazla bir süredir sunulan uygulamalı sanat eserleri, Zagorsk Müzesi koleksiyonunu Rus sanat kültürü tarihinde önemli bir yere koyuyor

İyi çalışmalarınızı bilgi tabanına gönderin basittir. Aşağıdaki formu kullanın

Öğrenciler, yüksek lisans öğrencileri, bilgi tabanını çalışmalarında ve çalışmalarında kullanan genç bilim adamları size çok minnettar olacaktır.

Yayınlanan http://www.allbest.ru//

"18. yüzyılın dekoratif ve uygulamalı sanatı."

Tanıtım

18. yüzyılın ikinci yarısında, Rus uygulamalı sanatı önemli bir yükselişe geçti. Bu, ekonominin, ticaretin, bilimin ve teknolojinin gelişmesi ve büyük ölçüde mimari ve mimari ile yakın bağlarla kolaylaştırılmıştır. güzel Sanatlar. Kumaş, cam, porselen ve mobilya üreten irili ufaklı fabrikaların, fabrikaların, atölyelerin sayısı arttı. Mülklerindeki toprak sahipleri, serf emeğine dayalı çeşitli atölyeler düzenlediler.

Rus kültürünün en parlak fenomenlerinden biri, tarihi bir insanın yeryüzünde yaşadığı kadar yüzyıllara sahip olan Rus halk sanatıdır.

Rus sanatları ve el sanatları, halk el sanatları, dünya kültüründe benzerleri olmayan orijinal fenomenlerdir. Çok eski zamanlardan beri, Rus toprakları zanaatkarları, kendi elleriyle gerçek güzelliği yaratabilen ve yaratabilen insanlar ile ünlüdür. Halk el sanatları sanatı aracılığıyla geçmiş ile günümüz arasındaki bağlantı izlenir.

Halk el sanatları, kültürümüzü zengin ve benzersiz kılan şeydir. Boyalı objeler, oyuncaklar ve kumaş ürünler ülkemizin anısına yabancı turistler tarafından götürülüyor. Rusya'nın hemen hemen her köşesinde kendi iğne işi var.

Başlıca iğne işi türleri

DYMKOVO OYUNCAK

Dymkovo oyuncak (Vyatka, Kirov oyuncak), Rus halk sanatı zanaat; Uzun zamandır Dymkovo yerleşiminde (şimdi Kirov şehrinde) var olmuştur. Dymkovo oyuncağı kilden kalıplanmış, ateşlenmiş ve altın varak da dahil olmak üzere tempera ile zemine boyanmıştır. Hayvanları, binicileri, kabarık etekli kadınları, muhteşem, günlük sahneleri tasvir eder. Dymkovo oyuncağının sanatsal özgünlüğü, büyük bir geometrik süsleme (farklı renklerin, hücrelerin, vb.)

Dymkovo oyuncağı, Rusya'daki kil el sanatlarının en ünlüsüdür. Son derece basit ve şeffaf bir plastik form, genel bir siluet ve beyaz bir arka plan üzerinde parlak bir süs resmi ile ayırt edilir.

Geleneksel olarak, Dymkovo oyuncak endüstrisinde hat içi seri üretim yoktur.

Khokhloma, 17. yüzyılda Trans-Volga bölgesinde (Nizhny Novgorod eyaleti, Semino köyü) ortaya çıkan eski bir Rus halk sanatıdır. Bu belki de en ünlü Rus halk resmi türüdür. Altın zemin üzerine kırmızı ve siyah (nadiren yeşil) tonlarında ve altın renginde yapılmış ahşap mutfak eşyaları ve mobilya üzerine dekoratif bir tablodur. Bir ağacı boyarken altın değil, gümüş kalay tozu uygulanması şaşırtıcıdır. Daha sonra ürün özel bir bileşim ile kaplanır ve fırında üç veya dört kez işlenir. Bu, hafif ahşap mutfak eşyalarının devasa görünmesi sayesinde bu hoş bal-altın renginin ortaya çıktığı zamandır.

BOGORODSKAYA OYUNCAK

Bir stand üzerinde renkli ahşap tavuklar, demirci figürleri, bir adam ve bir ayı - çubuğu çekin ve küçük bir örs üzerinde çekiçlerle vuracaklar ... Çok eski zamanlardan beri Rusya'da bilinen komik oyuncaklar, ana halk sanatı haline geldi. Moskova yakınlarındaki Bogorodskoye köyünün sakinleri.

"Bogorodskaya oyuncağı", doğumunu şimdi Moskova bölgesinin Sergiev Posad semtinde bulunan Bogorodskoye köyüne borçludur. 15. yüzyılda, ünlü Moskova boyar M.B. Pleshcheev, ölümünden sonra köy, köylülerle birlikte en büyük oğlu Andrei ve ardından torunu Fedor tarafından miras alındı.

1595'ten itibaren Bogorodskoye köyü, Trinity-Sergius Manastırı'nın mülkü oldu ve köylüler manastır serfleri oldu. 16.-17. yüzyıllarda ahşap oymacılığının temellerini atanlar, mevcut "oyuncak krallığının başkenti" Bogorodskoye'yi tüm dünyaya yücelten köylülerdi.

MATRYOSHKA

Matryoshka, dünya çapında bir fenomen olan en ünlü ve sevilen Rus hatırasıdır. İlk Rus matruşka bebeği 19. yüzyılın sonunda ortaya çıktı; yine de, Rus halk sanatının bir sembolü olan Rusya'nın her şeyi kapsayan görüntülerinden biri olarak eşi görülmemiş bir tanıma kazandı. Rus matryoshka'nın öncülü ve prototipi, iyi huylu kel yaşlı bir adam olan Budist adaçayı Fukurum'un heykelciğiydi ve burada iç içe birkaç figürin daha vardı. Bu heykelcik Honshu adasından getirildi. Bu arada Japonlar, Honshu adasında böyle bir oyuncağı ilk oyan bilinmeyen bir Rus keşiş olduğunu iddia ediyor.

Rus ahşap ayrılabilir bebeğe matryoshka adı verildi. Devrim öncesi eyalette, Matryona adı, Matryosh, anne anlamına gelen Latince "mater" kelimesine dayanan en yaygın Rus isimlerinden biri olarak kabul edildi. Bu isim, büyük bir ailenin annesiyle, sağlıklı ve iri bir figürle ilişkilendirildi. Daha sonra, evde kullanılan bir kelime haline geldi ve rengarenk boyanmış ahşap bir ürün anlamına gelmeye başladı. Ancak bu güne kadar, matruşka, anneliğin, doğurganlığın sembolü olmaya devam ediyor, çünkü büyük bir bebek ailesine sahip bir bebek, insan kültürünün bu eski sembolünün mecazi temelini mükemmel bir şekilde ifade ediyor.

Vasily Zvezdochkin tarafından oyulmuş ve Sergey Malyutin tarafından boyanmış ilk Rus matryoshka sekiz kişilikti: bir oğlan, siyah horozlu bir kızı, ardından başka bir kızı takip etti. Tüm figürinler birbirinden farklıydı ve son sekizinci kundaklanmış bir bebeği tasvir ediyordu.

ÖRENBURG ŞAL

Orenburg'un tüm dünya tarafından tanınması sayesinde uygulamalı sanatın temelleri, 17. yüzyılın sonunda, Urallarda bir yer edinen Rus öncülerinin yerel halkla ticari ilişkilere girmesiyle Kazak eşleri tarafından atıldı. .

Bu yerlerin sert iklimi, sıcak ama hafif giysiler gerektiriyordu. Kazak kadınları, Kazaklardan ve Kalmıklardan keçi tüyü iğne işlerini kolayca benimsedi. Sadece bozkır sakinleri arasında örgü şekli devamlılık göstermiş, Yaik eşleri Rus dantellerini kullanmaya başlamışlardır.

PAVLOPOSADSK ŞAL

Parlak ve hafif, feminen Pavloposad şalları her zaman moda ve alakalı. Ve bugün, orijinal çizimler, farklı renklerde oluşturulan saçak gibi çeşitli unsurlarla tamamlanıyor ve hemen hemen her görünüm için harika bir aksesuar olmaya devam ediyor.

Geleneksel renkli baskılı süslemelerle süslenmiş Pavlovsky Posad baskılı, yünlü ve yarı yünlü şallar, 1860'lar-80'lerde Moskova yakınlarındaki Pavlovsky Posad şehrinde ortaya çıktı. Pavlovsky Posad bölgesi (eski Bogorodsky bölgesinin bölgesi), en eski Rus tekstil merkezlerinden biridir. 18. - 19. yüzyılın ilk yarısında. Bogorodsk şalları ve sarafan kumaşları, altın iplikle dokunan süslemenin özel güzelliği ile ayırt edildi. Daha sonra, ipek dokuma burada ve 1860'lardan itibaren geniş çapta yayıldı. renkli baskılı süslemelerle süslenmiş yünlü ve yarı yünlü şal üretimine başlandı. Yavaş yavaş, üretim arttı ve belirgin bir ulusal karakter kazandı.

ROSTOV Emaye

Rostov emaye, 18. yüzyılın ikinci yarısında ortaya çıkan eşsiz bir geleneksel halk sanatı sanatıdır. ikonografi olarak. Bu seride Palekh, Mstyora, Kholuy ile ilgilidir, sadece malzeme oldukça nadirdir - emaye üzerine boyama. "Emaye", "titreme" anlamına gelen Yunanca tsEggpt (fengos) adından gelir. Metal oksitlerin eklenmesiyle cama dayalı özel boyalar (1632'de Fransız kuyumcu Jean Tutin tarafından icat edildi) metal bir tabana (çelik, bakır, gümüş, altın levha) uygulanır ve bir fırında pişirilerek sabitlenir. Rostov emaye, Rusya'daki en iyi on halk sanatından biridir.

Gzhel, Moskova'ya 60 kilometre uzaklıktaki Moskova yakınlarındaki pitoresk bir bölgenin adıdır. "Gzhel" kelimesi bugün inanılmaz derecede popüler. Uyum, peri masalı ve gerçekliğin güzelliği ile ilişkilidir. Zarif mavi boya ve çok renkli mayolika ile porselen artık sadece Rusya'da değil, yurtdışında da biliniyor. Gzhel ürünleri, güzelliği, zengin hayal gücü ve uyumu, yaratıcılarının yüksek profesyonelliğini seven herkesi kendine çeker. Gzhel, Rus seramiklerinin beşiği ve ana merkezidir. Burada en iyi özellikleri oluştu ve halk sanatının en yüksek başarıları ortaya çıktı.

Bu Rus halk sanatı kaç yaşında? Gzhel topraklarındaki arkeolojik araştırmalar, 14. yüzyılın başından beri burada çanak çömlek varlığını doğrulamaktadır. Ve şaşırtıcı değil, Gzhel toprakları uzun zamandır ormanlar, nehirler, yüksek kaliteli killer açısından zengindi, .. "Üstün beyazlığa sahip hiçbir yerde görmedim." O zamandan beri, altı asırdan fazla olan tarihinde, Gzhel farklı dönemler yaşadı.

19. yüzyılın sonu - 20. yüzyılın başı derin bir kriz dönemi oldu. Gzhel sanatının sonsuza dek kaybolduğu görülüyordu.

Savaş sonrası dönem, zanaatın yeniden canlanmasının başlangıcı ve kendi mecazi dili arayışı ile ilişkilidir. Yıllarca süren özenli ve yorulmak bilmeyen bir çalışma, yeni ustaların eğitimi aldı. Sonuç olarak, başarıya yol açmıştır. Dymkovo oyuncak matryoshka Gzhel uygulandı

1972'de, birkaç köyde bulunan altı küçük sanayiye dayanan Gzhel derneği kuruldu. Yaratıcı ekipler yeni tasarımlar geliştirdi. Tamamen yeni ürün formları oluşturuldu. Resim zenginleşti ve günümüzün sanatsal taleplerini yerine getirdi.

TAKILI TEPSİ

Metal üzerine Ural lake boyama 18. yüzyılda ortaya çıkmıştır. Nizhny Tagil fabrikalarında. Tagil tepsisi, Zhostovo'dan daha eskidir. Rus metal resminin doğum yeri olarak kabul edilen Nizhny Tagil'dir. Boyalı ürünlerin ana müşterileri olan Ural yetiştiricileri Demidovs, lake zanaatını mümkün olan her şekilde destekledi. Metal üzerine Tagil boyaması başka hiçbir şeyle karıştırılamaz: renklerin zenginliği, renklerin işlenmesinde saflık ve zarafet, kompozisyonun bütünlüğü ve süslerin rafine birleşmesi ile karakterizedir.

Zhostovo boyama, Moskova bölgesi, Mytishchi bölgesi, Zhostovo köyünde bulunan, metal tepsilerin sanatsal boyama halk sanatıdır. Boyalı metal tepsilerin zanaatı, M.Ö. orta onsekizinci içinde. Demidov'ların metalurji tesislerinin bulunduğu Urallarda. Sadece XIX yüzyılın ilk yarısında. Moskova eyaletinin köylerinde tepsiler yapılmaya başlandı - Zhostov, Troitsky, Novoseltsevo. Moskova Bölgesi balıkçılık yakında lider oldu.

Zhostovo tepsileri, yaratıcıları sıradan Rus köylüleri olan, çoğunlukla çiçek süslerinden oluşan resimlerdir. Lake boyamaya renklerin parlak neşesini, görüntülerin sadeliğini ve anlaşılırlığını, özelliklerin doğruluğunu, çizimin netliğini getirdiler.

Boyama, ön çizim olmadan serbest bir fırça darbesi ile gerçekleştirilir. En sık kullanılan siyah arka plan. Çiçeklerin ve yaprakların hacimleri arka planın derinliğinden büyümüş gibi görünüyor. Bu, yavaş yavaş koyu tonlardan daha açık tonlara geçilerek yapılır. Çiçekler resimde canlanmış gibi görünüyor.

Tepsi yapmak için modern teknoloji, daha önce Zhostovo köyünün ustaları tarafından kullanılandan çok az farklıdır. İnce bir demir levha preslenir. istenilen şekil, tepsinin kenarları sertleştirmek için yuvarlanır, yüzeyi düzlenir. Tepsinin ön yüzeyi astarlanır ve macunlanır, ardından zımparalanır ve siyah (nadiren farklı renkte) vernik ile kaplanır. Tepsiler, 90 derece C'ye kadar olan sıcaklıklarda fırınlarda kurutulur. Kaplama üç kez yapılır, ardından tepsinin renkli yüzeyi bir parlaklık kazanır.

FEDOSKİNO

Fedoskino minyatürü, 18. yüzyılın sonunda şekillenen papier-mâché üzerine yağlı boyalarla yapılan geleneksel Rus lake minyatür resminin bir türüdür. Moskova yakınlarındaki Fedoskino köyünde.

Kağıt hamuru ürünlerinin üretimi, 1798'de tüccar P.I. Korobov, satın aldığı (şimdi Fedoskin'in bir parçası) Danilkov köyünde bir koz üretimi düzenledi. Birkaç yıl sonra, Korobov Johann Stobwasser'in Brauschweig'deki fabrikasını ziyaret etti, orada kağıt hamuru ürünleri teknolojisini benimsedi ve fabrikasında o zamanlar popüler olan, kapak üzerine yapıştırılmış gravürlerle süslenmiş, bazen boyanmış ve verniklenmiş enfiye kutuları üretmeye başladı. . 19. yüzyılın ikinci çeyreğinde enfiye kutuları, boncuklar, tabutlar ve diğer eşyalar klasik resimsel tarzda yağlı boyalarla yapılmış resimli minyatürlerle süslenmeye başlandı.

Ustalar fabrikada kiralık olarak çalıştı, birçoğu Sergiev Posad ve Moskova'nın ikon boyama atölyelerinden geldi, bazıları sanat eğitimi aldı. Stroganov Okulu. Bazılarının isimleri biliniyor - S. I. Borodkin, A. A. Shavrin, A. V. Tikhomirov, D. A. Krylov ve diğerleri.

Fedoskino minyatürcülerinin resim yapmak için favori motifleri o zamanlar popüler olan konulardı: “troykalar”, “çay partileri”, Rus ve Küçük Rus köylü hayatından sahneler. En değerli sandıklar, karmaşık çok figürlü kompozisyonlarla süslendi - Rus ve Batı Avrupalı sanatçıların resimlerinin kopyaları.

Fedoskino minyatürü yağlı boyalarla üç veya dört katman halinde gerçekleştirilir - arka arkaya boyama (kompozisyonun genel bir taslağı), yazma veya yeniden boyama (daha ayrıntılı çalışma), camlama (görüntüyü şeffaf boyalarla modelleme) ve parlama (tamamlama) yapılır. nesneler üzerinde parlamayı ileten açık renklerle çalışın).

Palekh minyatürünün tüm dünyada benzerleri yoktur. Kartonpiyer üzerine yapılır ve ancak daha sonra çeşitli şekil ve büyüklükteki tabutların yüzeyine aktarılır.

Palekh lake minyatürlerinin tuhaf ve ince sanatı, eski Rus resminin ilkelerini emdi ve Halk sanatı. Şu anda, Palekh minyatürü, genel olarak yerli sanat ve el sanatlarının ayrılmaz bir parçasıdır. Eski geleneklerin gelişmesiyle birlikte, Rus kültürünün karakteristiği olan dünyanın şiirsel bir vizyonunu taşır. Halk Hikayeleri ve şarkılar.

Bu sanatın Palekh'te doğuşu tesadüfi değildir. Asırlık geleneklerin yeni tarihsel koşullarda gelişmesinin doğal bir sonucuydu, birçok nesil ikon ressamının becerisini miras aldı. Eski Palekh deneyimi zengin ve çeşitlidir. Çok eski zamanlardan beri, eski Rus sanatının gelenekleri Palekh'te incelenmiş ve korunmuştur.

Bağımsız bir Palekh tarzı ikon resmi ancak 18. yüzyılın ortalarında kuruldu. Novgorod ve Stroganov okullarının temel ilke ve unsurlarını ve 17. yüzyılın ikinci yarısının Volga bölgesinin resmini özümsedi ve geliştirdi. 17.-19. yüzyıllarda, Palekh ustaları Novgorod tarzında veya Moskova friz karakterindeki simgeler için siparişleri defalarca tamamladı.

Çözüm

Malzemenin estetik niteliklerini ortaya çıkarabilme yeteneği, günlük hayattan mimariye kadar hayatın her alanında kendini gösteren, taş kesme sanatında becerinin ifade edildiği Rus ustalarını her zaman ayırt etmiştir.

Rusya'da mücevher sanatının en parlak dönemi 18. yüzyılın ortalarında başlar ve yüzyıl boyunca devam eder.

Bu dönemde gümüşçüler büyük başarılar elde ettiler. Yeni zevklere uygun olarak gümüş takımların formları sade ve nettir. Flüt, antika süs eşyaları ile dekore edilmiştir. Gümüş bardaklarda ve enfiye kutularında, Veliky Ustyug'un ustaları, eski sahnelerin gravür görüntülerini, Rus birliklerinin zaferlerini çoğaltır.

18. yüzyılın uygulamalı sanatında göze çarpan bir fenomen, Tula ustalarının çelik sanat ürünleridir: mobilya, çekmeceler, şamdanlar, düğmeler, tokalar, enfiye kutuları.

18. yüzyılın Rus uygulamalı sanatının en parlak dönemi, mimarlar Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin ve bir dizi eğitimli halk sanatçısının çalışmalarıyla ilişkilendirildi. Ancak asıl ihtişamı, çoğunlukla geri kalan bilinmeyen serf ustaları tarafından yaratıldı - mobilyacılar, oymacılar, dokumacılar, taş kesiciler, kuyumcular, camcılar, seramikçiler ....

Edebiyat

Rus sanatının tarihi. Yönetici editörler I.A. Bartenev, R.I. Vlasova - M., 1987

Rus sanatının tarihi. Ed. I.E. Grabar. V. 1-12 (sanat ve zanaat bölümleri). E.: 1953-1961

Rus sanat ve el sanatları. Ed. yapay zeka Leonova. 1-3. E.: 1962-1965

Rybakov B.A. X-XIII yüzyılların Rus uygulamalı sanatı. L.: 1971

Vasilenko V.M. Rus uygulamalı sanat. Kökenleri ve oluşumu. 1. yüzyıl M.Ö. - XIII yüzyıl. AD E.: 1977

Allbest.ru'da barındırılıyor

...

Benzer Belgeler

Sanat ürünleri yapma gelenekleri. Huş kabuğundan sanatsal ürünler. Bogorodsk oymalı oyuncak. Abramtsevo-Kudrinskaya veya Khotkovskaya ahşap oymacılığı. Palekh ve Fedoskino lake boyama. Gerçek bir Rus güzelliği bir matruşkadır.

özet, 24/06/2009 eklendi

19. yüzyılın sonlarında - 20. yüzyılın başlarında Altaylıların etnografik ve sanat ve el sanatları. Mücevherat ve metal işleme. Keçe ve yumuşak tekstil malzemelerinin işlenmesi. Kazakların dekoratif ve uygulamalı sanatı. Halk el sanatlarının özellikleri.

dönem ödevi, eklendi 06/07/2014

Mimari XVIII Yüzyıl. On sekizinci yüzyılın heykeli. On sekizinci yüzyılın ilk yarısının resmi. On sekizinci yüzyılın ikinci yarısının resmi. 18. yüzyılın ilk yarısının gravürü. 18. yüzyılın ikinci yarısının gravürü. 18. yüzyılın ilk yarısının uygulamalı sanatı.

dönem ödevi, 26/10/2002 eklendi

17.-18. yüzyıllarda birbirini dışlayan sanatsal özlemlerin çarpışması dönemi. Rus ikon resminde laik sanatın özelliklerinin tezahürü. Kremlin'deki Cephanelik'teki ikon boyama atölyesinin açılışı. Fresk resmi, tarihi tür.

sunum, 12/25/2013 eklendi

Dekoratif ve uygulamalı sanat. Doğu Porseleninin Sırrı. Fayans ve mayolika görünümü. Rusya'da seramik. Halk sanatı seramik zanaat. Gzhel, Dymkovo oyuncağı. oyuncak üretimi erken XIX Yüzyıl. Rus seramiklerinin yönleri.

sunum, 18/12/2014 eklendi

Skopino seramikleri ve oyuncakları, gelişim tarihi. Kargopol ilçesine bağlı köylerde yerel kırmızı killerde mevsimlik çanak çömlek. Dymkovo, Vyatka ve Kirov oyuncakları, en yaygın arsaları. Filimonov zanaatkarlarının sanatı.

özet, 15.06.2012 eklendi

Rus resminin gelişimindeki eğilimler, sanatçılar tarafından doğrusal perspektifte ustalaşma. Yağlı boya tekniklerinin yaygınlaşması, yeni türlerin ortaya çıkması. Özel mekan Portre resim, 18. yüzyılın Rus resminde gerçekçi bir eğilimin gelişimi.

sunum, eklendi 30.11.2011

Halk sanatları ve el sanatları. Halk sanatları ve el sanatları. Çömlek yapmak. Chernyshinsky oyuncağı. Eski bir oyuncak nasıl canlandı? Sergi halk oyuncakları. Güzellik nasıl doğar. Evdokia Ilyinichna Lukyanova'nın Yaratıcılığı.

test, 21/08/2008 eklendi

XVIII yüzyılın sonlarında Rus ressamlarının çalışmalarının analizi: Rokotov, Levitsky, Borovikovsky. Rusların en parlak temsilcileri resim XIX içinde.: Kiprensky, Tropinin, Venetsianov, Bryullov, Fedotov, Ivanov. Teknolojideki değişiklikler ve portre türünün gelişimi.

dönem ödevi, 21.09.2012 eklendi

Kamu bilincinin yükselişi ve genel düşünce, gelişen sanat. Rus sanatçıların resimleri - Rokotov, Levitsky, Borovikovsky, Losenko, Shibanov. Gerçekçi yönün baskınlığı, tarihi, manzara, günlük resim.

18. yüzyılın ikinci yarısında, Rus uygulamalı sanatı önemli bir yükselişe geçti. Bu, ekonominin, ticaretin, bilimin ve teknolojinin gelişmesi ve büyük ölçüde mimari ve güzel sanatlarla yakın bağlarla kolaylaştırıldı. Kumaş, cam, porselen ve mobilya üreten irili ufaklı fabrikaların, fabrikaların, atölyelerin sayısı arttı. Mülklerindeki toprak sahipleri, serf emeğine dayalı çeşitli atölyeler düzenlediler.

Aydınlanmanın hümanist fikirleri, 18. yüzyılın sonlarının uygulamalı sanatında tuhaf bir şekilde yansıtıldı. Bu zamanın ustaları, bir kişinin kişisel zevklerine ve ihtiyaçlarına, çevrede rahatlık arayışına dikkat ederek ayırt edildi.

Yeni stil - Rus klasisizmi - 1770-1780'lerin başında her türlü uygulamalı sanatta kuruldu. Mimarlar M. F. Kazakov, I. E. Starov, D. Quarenghi, C. Cameron, A. N. Voronikhin, hem plastik hem de pitoresk mimari dekorun yapısal olarak haklı bir düzenlemesiyle, parçaların net bir şekilde bölünmesiyle asil sadelik ve kısıtlama ruhu içinde iç mekanlar yarattı.

Saray binaları için mobilyalar, şamdanlar, avizeler aynı prensiplerle tasarlandı. Açık bir ritimde inşa edilen mobilyaların, tabakların, kumaşların süslemesinde antik motifler ortaya çıktı - akantus, menderes, iyonikler, canlı yorumlanmış çiçekler, çelenkler, aşk tanrısı görüntüleri, sfenksler. Yaldız, renkler 18. yüzyılın ortalarından daha yumuşak ve daha ölçülü hale geldi.

18. yüzyılın sonunda, antik çağa olan tutku, karmaşık ve muhteşem bir kostümü bile terk etmeye zorladı. Antik tarzda yüksek kemerli, akan kıvrımlı hafif gevşek elbiseler moda oldu (V. L. Borovikovsky. "M. I. Lopukhina'nın Portresi." 1797).

Rus klasisizminde sanatların sentezi, tüm sanat türlerinin uyumlu bir kombinasyonu ilkesine dayanmaktadır.

Mobilya. Klasisizm döneminde formları basit, dengeli, net bir şekilde oluşturulmuş, ritimler sakin. Ana hatlar hala biraz yumuşaklık, yuvarlaklık korudu, ancak dikey ve yatay çizgiler zaten göze çarpıyordu. Süsler (alçak oymalar, resimler, bronz ve pirinç kaplamalar) yapıların dışavurumculuğunu vurguladı. Rahatlık için daha fazla endişe vardı. Çeşitli amaçlar için ön odalar için setler tasarlandı: bir oturma odası, bir ofis, bir ön yatak odası, bir salon. Yeni mobilya biçimleri ortaya çıktı: kart oyunları için masalar, el işleri, hafif portatif fasulye masaları (fasulye şeklinde kapaklı), farklı türşifonyer Kanepeler yaygın olarak kullanıldı ve ofis mobilyaları büro sekreterlerinde silindirik döner kapaklı bir büro kullanıldı.

Rus mobilyası önceki dönemlerde olduğu gibi Batı mobilyalarından daha masif, daha genel, detaylarda daha sade. Bunun için malzeme yerel ağaç türleriydi - ıhlamur, huş ağacı (altında yaldızlı ve lekeli parlak tonlar), ceviz, meşe, kavak, dişbudak, armut, bataklık meşesi. 18. yüzyılın sonunda Karelya huş ağacı ve ithal renkli maun, amaranth, gül ağacı ve diğer türler kullanmaya başladılar. Ustalar, cilalayarak ustaca vurgulanan güzelliklerini, yapılarını, renklerini, parlaklıklarını gösterebildiler.

Rus ustaları dizgi tekniğinde (kakmacılık) büyük başarılar elde ettiler. Özü, renkli ahşap parçalarından ahşap nesnelerin yüzeyindeki süs eşyalarının ve bütün Resimlerin (genellikle gravürlerden) bileşimindedir. Bu tür eserler sadece başkentin saray mobilyası üreticileri arasında değil, aynı zamanda Moskova ve Moskova bölgesinde çalışan eski serfler arasında da bilinmektedir: Nikifor Vasilyev (Şek. 78), Matvey Veretennikov ve Tver, Arkhangelsk'ten deniz aygırı tanıtan isimsiz ustalar. setin içine fildişi. Ostankino Sarayı'nın mobilyalarını oyma sanatının örnekleri, serfler Ivan Mochalin, Gavrila Nemkov ve diğerlerine aittir. I. Peter'ın yönetiminde farklı yerlerden başkente transfer edilen Okhta'lı ustaların mobilya ve oymaları St. Petersburg'da ünlüydü.

Kumaşlar. 18. yüzyılın ikinci yarısındaki tüm endüstrilerden tekstil endüstrisi en başarılı şekilde gelişti (Moskova, İvanovo, Yaroslavl, Vladimir eyaleti). Yükselişi yalnızca büyük manüfaktürler tarafından değil, aynı zamanda küçük köylü işletmeleri tarafından da belirlendi. Esnaflar, ketenin doğal gümüşi-beyaz tonlarının bir oyunu ile karmaşık dokumalara sahip yeni desenli keten kumaşlarda özel mükemmellik elde ettiler. Burada köylü dokuma gelenekleri, etkilenen malzemenin derin bir anlayışı. Toplu ucuz rengarenk ve krashenina da üretildi. Renkli kumaş ve yünlü kumaşların dekoratif nitelikleri önemli ölçüde iyileşmiştir.

Elbiseler ve dekoratif kumaşlar, eşarplar, kurdeleler için ipek kumaşların üretimi hızla gelişti (resim 80). 18. yüzyılın sonunda, Avrupa'nın en iyisi olan Fransızlardan daha düşük kalitede değildiler. Rus dokumacılar, nakışı andıran en karmaşık dokuma olan çeşitli iplikleri kullanmayı öğrendi. kompozisyon teknikleri, dekoratif kumaşlardaki paletin zenginliği, alan aktarımını, ton geçişlerinin inceliğini, çiçek deseninin, kuşların, manzaraların doğruluğunu sağladı. Bu tür kumaşlar, yurt dışına hediye olarak gönderilen sarayların dekorasyonunda kullanıldı.

1780'lere ve 1790'lara kadar, elbise kumaşlarında, özellikle sundress kumaşlarında karmaşık, dalgalı çiçek çelenkleri, kurdeleler ve boncuklardan oluşan desenler kullanıldı. Ancak yavaş yavaş çelenklerin yerini çizgiler aldı, desenler daha basit hale geldi, ritimleri daha yumuşak, renk şeması daha açık, daha yumuşak hale geldi.

1750-1760'larda St. Petersburg'da ve daha sonra Moskova'da köyde. Ivanovo (şimdi Ivanovo şehri), basma üretimi (muhallebi ile baskılı desenli pamuklu kumaş, solmayan boyalar ve ardından cilalama) geliştirildi. Basma desenlerinde, zanaatkarlar, özellikle İvanovo'dan gelenler, ipek kumaşların motiflerini tuhaf bir şekilde yeniden işlediler. Halk topuğu temelinde, sulu pitoresk bir nokta ve grafik kesimi (desen konturları, kafesler, arka plan noktaları) birleştirdiler. İlk başta, patiskalar çok pahalıydı. 18. yüzyılın sonunda ucuz çeşitleri üretilmeye başlandı.

Porselen. 18. yüzyılın sonunda, Rus porseleni Avrupa'nın en iyilerinden biri haline geldi. Devlet Porselen Fabrikası St. Petersburg'da başarıyla çalıştı. Ürünleri hafif sıcak beyazlıkları, parlak cilaları ve yüksek teknik kaliteleriyle öne çıkıyordu. Tabakların, vazoların, resimlerinin biçimleri Batılılardan daha düşük değildi.

Hizmetlerin en önemlisi yaratılmıştır - mahkeme resepsiyonları için Arabesk (1784, hasta. 77). Bu dokuz alegorik heykel setinin masa dekorasyonu, II. Catherine'in (heykeltıraş Zh. D. Rashet) "erdem"i olan Gürcistan ve Kırım'ın ilhakını yüceltiyor. 18. yüzyılın sonundaki klasisizmin tipik sakin pozları, hafif yaldızlar, antika süslemelere dayalı arabesk şeklinde boyanmış servis yemeklerinin katı oranları hakimdir.

1780'lerde, bir dizi "Rusya Halkı" heykeli yaratıldı (gravürlerin yaratıcı işlenmesi) - karakteristik görüntülerle parlak dekoratif - bireysel milliyetlerin temsilcileri (Yakut, Samoyed, Tatar). Sokak satıcılarının, hareket halinde ve iş başında betimlenen zanaatkarların heykelsi heykelcikleri üretildi. Porselen heykel, onlarca yıldır asil iç mekanların favori dekorasyonu haline geldi.

Özel porselen fabrikalarından Franz Gardner'ın (1765) (Moskova yakınlarındaki Verbilki köyü) fabrikası en uygunudur. Zaten 18. yüzyılın sonunda, resimlerde Rus siparişlerinin motiflerinin orijinal kullanımıyla kraliyet evi için setler yaptı. Formun sadeliği, sulu çiçek boyama ile karakterize oldukça ucuz Gardner porselen sofra takımı, yakın halk gelenekleri, hem başkentte hem de taşrada başarılı oldu (resim 79).

Bardak. Renkli cam, 18. yüzyılın son üçte birinde Rus camına gerçek ihtişamı getiriyor. M.V. Lomonosov, renk teorisi ve renkli cam teknolojisi üzerine yaptığı çalışmalarla Rus cam yapımına yeni yollar açtı, cam paletini zenginleştirdi ve Rus mozaiklerini canlandırdı. Petersburg eyaleti Ust-Ruditsa köyünde smalt, boncuk ve cam üretimi için bir fabrika kurdu. Petersburg'daki Devlete ait fabrikanın ustaları Druzhinin ve Kirillov, Lomonosov tarafından renkli camların eritilmesi konusunda eğitildi. Bitki, mavi, menekşe, gül kırmızısı, zümrüt yeşili - derin ve saf tonlarda cam üretiminde ustalaşır. Artık üretimine oymalı kristal değil, ince renkli ve renksiz cam hakimdir. Bardaklar, kadehler, sürahiler, vücudun pürüzsüzce bacağa geçtiği ve yumuşak, zarif konturlar oluşturduğu pürüzsüz şekiller alır. Altın ve gümüş çelenkler, fiyonklar, yıldızlar, monogramlar ritim içinde sakindir ve kapların plastik hacimlerini vurgular.

Süt beyazı denilen cam (bardaklar, sürahiler, kilise eşyaları) da üretilir ve daha pahalı porselen duvar resimlerinin görünümünü ve doğasını anımsatır.

18. yüzyılın sonunda, Bakhmetyev'in Penza eyaletindeki özel cam fabrikaları, Vladimir ve Oryol eyaletlerindeki Maltsevler ve daha birçokları gelişiyor ve büyük başarılar elde ediyordu. Renksiz ve renkli camları, kristalleri Rusya genelinde yaygın olarak dağıtılmaktadır.

Metalin sanatsal işlenmesi. Rusya'da mücevher sanatının en parlak dönemi 18. yüzyılın ortalarında başlar ve yüzyıl boyunca devam eder. Olağanüstü güzellikte sanatsal malzemelere sahiptir: elmaslar, zümrütler, safirler ve diğer değerli ve yarı değerli taşlar, boyalı emayeler, demir dışı metaller (altın, gümüş, platin, alaşımlar). Taş kesme sanatı yüksek bir mükemmellik derecesine ulaşır. Bir taşın oyununu geliştirmek için kuyumcular, montaj ve hareketli parçalar için çeşitli sanatsal ve teknik teknikler bulurlar. Mücevher sanatçıları tuhaf şekiller, çok renkli mücevherler yaratır: küpeler, yüzükler, enfiye kutuları, ayakkabı tokaları, hem erkekler hem de kadınlar için lüks takım elbise düğmeleri.

18. yüzyılın son üçte birinde takı formları dengelenir, değerli taşların renk skalası sıkılaşır.

18. yüzyılın uygulamalı sanatında göze çarpan bir fenomen, Tula ustalarının çelik sanat ürünleridir: mobilya, çekmeceler, şamdanlar, düğmeler, tokalar, enfiye kutuları. Pürüzsüz hafif çeliğin karşıtlığı ve elmas gibi parıldayan yontulmuş parçalar şeklindeki süslemeler üzerine işlerinin dekoratif etkisini inşa ederler. Ustalar, yeşil, mavi, mor, kalından parlaka farklı tonlar veren metal parlatma (farklı sıcaklıklarda bir fırında ısıl işlem) kullanır. Halk sanatının gelenekleri, malzemenin derin bir anlayışında parlak renk sevgisine yansır.

Renkli taş. 18. yüzyılın ikinci yarısında, Urallarda mermer yatakları, kiraz pembesi kartal, çok renkli jaspers, alacalı breşler, Altay porfirleri ve mavi Baykal lapis lazuli keşfedildi. Altay'ın tam kalbinde Peterhof (1722-1723) ve Yekaterinburg'a (1730'ların başı) ek olarak, Loktevskaya fabrikası 1787'de çalışmaya başladı (1802'den beri yerini Kolyvanskaya aldı). Saray iç mekanlarının anıtsal ve dekoratif eserlerinin dekorasyonunda ve dekorasyonunda renkli taş kullanımı için geniş imkanlar bulunmaktadır.

Malzemenin estetik niteliklerini ortaya çıkarma yeteneği, Rus ustaları her zaman ayırt etti, ancak özellikle taş kesme sanatında açıkça ifade edildi. Mimarların projelerine göre çalışan taş kesiciler, taşın muhteşem güzelliğini, doğal desenini, sıra dışı renk tonlarını, parlaklığını sanatsal bir şekilde ortaya çıkarır ve mükemmel cilalama ile zenginleştirir. Kulp şeklinde yaldızlı bronz, kulp sadece şekli tamamlar ve vurgular. Quarenghi ve Voronikhin tarafından antik formlara dayanan taş kesme ürünleri, dikilitaşlar, vazolar için projeler oluşturuldu.

18. yüzyılın Rus uygulamalı sanatının en parlak dönemi, mimarlar Kazakov, Starov, Quarenghi, Cameron, Voronikhin ve bir dizi eğitimli halk sanatçısının çalışmalarıyla ilişkilendirildi. Ancak asıl ihtişamı, çoğunlukla, geriye kalan bilinmeyen serf zanaatkarları - mobilyacılar, oymacılar, dokumacılar, taş kesiciler, kuyumcular, camcılar, seramikçiler tarafından yaratıldı.

Yüzyıl ortalarının üslubu sanat ve zanaatları da etkiler. Elizaveta Petrovna'nın "Kendi" hizmeti gibi porselen ürünler ve diğer malzemeler, kavisli şekiller ve ayrıca desende bir kabuğa yükselen sulu sıva süslemesi ve esnek bitki filizleri ile karakterize edilir. Nesnelerin tuhaf silueti, parlak renkler, bol miktarda yaldız ve iç mekanın şenlikli resmini tamamlayan ayna yüzeylerinin parlaklığı ile organik olarak birleştirilmiştir.

18. yüzyılın ilk yarısının resmi

Petrine döneminden bu yana, resim muazzam değişiklikler geçirdi. Semantik ve anlamsal özellikleriyle şövale boyama sanatı kompozisyon özellikleri. Ters perspektif, uzay derinliğinin doğrudan ve ilgili iletimi ile değiştiriliyor. En önemli özelliği figürün anatomik doğruluk ilkelerine uygun görüntüsüdür. Hacmi iletmek için yeni araçlar ortaya çıkıyor. En önemli kalite, koşullu sembolik kontur çizgisini değiştiren chiaroscuro'dur. Özel teknikleri ve renk ilişkileri sistemi ile yağlı boya tekniğinin kendisi, hemen olmasa da, sanatsal kullanıma sıkı bir şekilde dahil edilmiştir. Doku hissini geliştirir. Sanatçı, yumuşak kadife, sert ermin kürkü, ağır altın brokar ve ince dantelin kendine has özelliklerini aktarma yeteneği kazanır. İÇİNDE arsa resmi rakamlar arasındaki ilişkinin yeni ilkelerini takip edebilirsiniz. Çıplak bir vücudun tasviri yeni ve en zor bir iştir. Resmin yapısı daha da dallanıp budaklanır. Başta XVIII yüzyıl laik sanat, çeşitli şövale işleri, paneller ve plafondlar şeklinde anıtsal resimler, minyatür yazılar yetiştirir. Portre, bilinen tüm çeşitleri içerir - tören, oda, normal ve kostüm versiyonunda, çift ve çift. Sanatçılar alegorik ve mitolojik konularda ustalaşırlar. Bu özelliklerin varlığı, ilk başta bir uzlaşma biçiminde görünseler de, yeni bir resim türünün ortaya çıkışından söz etmemizi sağlar.

Bir portrenin oluşumuna yönelik ilk adımlar, Cephanelik resim atölyesinin faaliyetleri ile ilişkilidir. Rus ve yabancı ustaların yaptığı eserler, doğası gereği parsunaya yöneliyor. Tüm tipolojik varyantlardan parsuna, tören portresini tercih eder ve bu kapasitede çeşitli çeşitlerde bulunur. Bunlar arasında “portre tezi” en arkaik olanıdır. Geleneksel simge alanı içinde portre görüntüleri ve çok sayıda açıklayıcı yazıları birleştirir. Ayrıca "portre-apotheosis" hakkında da konuşabilirsiniz. Bunlar, Peter I'in silahlarının özelliklerini simgeleyen portreler-resimlerdir. Peter, Menshikov, Sheremetev'in tam büyüme ve at sırtında sıradan portreleri de yaygındır.

Mekân her yerde çok basmakalıp bir şekilde ele alınır ve nesnelerin genel düzenlemesi daha çok gerçek mekansal ilişkilerin sembolik bir gösterimi olarak hizmet eder. İç ve dış mekan sorunu, anlam ve ölçek açısından aynı koşullu şekilde çözülür. Parsuna, 17. yüzyılın ikon resmine özgü renk zenginliğinden biraz sapıyor. Bununla birlikte, cüppelerin süslemelerinin ve çeşitli detayların titizlikle aktarılması, tuvallere dekoratif bir ses verir.

Usta, vurgulu dışbükey boyalı yüzleri ve düzlemsel desenli cüppeleri birleştiren yeni hacim aktarımı ilkelerinde hala tam olarak usta değil. Tuvallerin büyüklüğü, heybetli ruhu, mobilyaların zenginliği ve sergilenen mücevherler, tasvir edilenin toplumsal önemini göstermeyi amaçlıyor. İmge özerktir, kendine odaklanır ve başkalarına kayıtsızdır. Henüz bireyi aktaracak olgunlaşmamış resim, bu karakterin doğasında var olan özellikleri kendince fark etmeye çalışır. Bununla birlikte, genel ve bireysel henüz organik bir birlik içinde birleştirilmemiştir ve belirli özellikler, konsolide tipleştirme maskesinin altında zar zor kendini göstermektedir.

Nispeten kısa bir süre, özellikle 80'lerde ve özellikle 17. yüzyılın 90'larında var olan parsuna çizgisi, daha sonra, neredeyse yerini alan yabancıların ve emekli sanatçıların çok güçlü bir iş akışıyla çarpışır. Aynı zamanda, Rus portresinin genel gelişim sürecinde tesadüfi bir bölüm olduğu düşünülmemelidir. Ana konumlardan geri itilen parsuna var olmaya devam etti. Buna ek olarak, özellikleri, ortaçağ yazılarından yeni bir stile tamamlanmamış bir geçişin kanıtı olarak bir dizi ileri sanatçının çalışmasında ortaya çıktı. Bu nedenle I. Nikitin, I. Vishnyakov ve A. Antropov'un eserlerinde bulunabilir.

18. yüzyılın ikinci yarısında, özellikle ikon resminden başlayarak, kural olarak bağımsız olarak yeni sanata gelen serf veya taşralı sanatçıların eserlerinde de parsonizm izleri bulunur. Sanatsal bir fenomen olarak ayrıştırmanın sadece Rus okulunda değil, Ukrayna ve Polonya'da da var olduğunu belirtelim. Aynı zamanda Bulgaristan, Yugoslavya ve hatta Orta Doğu ülkelerinde, yani benzer bir tarihsel durumda resmin yeni zamanın sanatına ve laik sanata temelde benzer bir aşinalık yaşadığı yerlerde de bulunur.

Düğün sandığı. İtalya. 17. yüzyıl

Heykel grubu "Kış". "Dört Mevsim" dizisinden. Almanya. meissen

Hizmet öğeleri. Fransa. Sevr. 1780-1784. Yumuşak porselen, boyama. Dondurucu

18. ve 19. yüzyıl Fransız Sanatı Salonu

Kabine. Augsburg. XVII yüzyıl. Ahşap, oyma, beyaz metal, yaldız, 196x135x61

Büro silindiri. Rusya. 18. yüzyılın sonu.

Vazo. Rusya. 19. yüzyılın ilk çeyreği. Cam, altın boyama. Yükseklik 35.5

Dondurucu. Rusya. İmparatorluk Porselen Fabrikası. 19. yüzyılın ilk çeyreği. Porselen, boyama. Yükseklik 40

Dekoratif ve uygulamalı sanat koleksiyonları, müzenin açılışında çoğu Saksonya olmak üzere 40 parça eski porselen bağışlayan A.P. Bogolyubov'un adıyla da ilişkilendiriliyor. Çeşitli mutfak eşyaları ve mobilyalar daha sonra 92 parçaya ulaştı. 1897'de Bogolyubov'un ölümünden sonra, vasiyetine göre, mobilya, cam, bronz ve gümüş eşyalar dahil olmak üzere başka bir grup eşya alındı.

Bogolyubov koleksiyonları, özellikle porselen, devrim sonrası ilk yıllarda, tüm ulusal sanat eserlerinin akın ettiği Devlet Müzesi Fonu'ndan önemli ölçüde yenilendi. 1970 yılında müze, tanınmış bir Saratov göz doktoru olan O. A. Gordeeva'ya miras kalan Rus ve Batı Avrupa porselen örnekleri (300'den fazla ürün) aldı.

Bu incelikli ve incelikli sanatın tarihi yüzyıllar öncesine dayanmaktadır. Porselen, Çin'de 7-8. yüzyılların başında ortaya çıktı. Avrupa'da, XIII.Yüzyılda bunu öğrendiler. Ünlü Venedikli gezgin Marco Polo, Doğu'dan birkaç porselen kap getirdi. Avrupa "porselen hummasına" kapıldı, herkes bu beyaz parlak malzemeden, parlak, solmayan renklerle boyanmış ürünlere sahip olmak istedi. Porselenlerden yapılan şeyler kırıldığında, hala saklanmaya devam ettikleri, genellikle kırıkların değerli metallere yerleştirildiği ve mücevher olarak giyildiği bilgisi korunmuştur. Porselen sadece güzelliği için değil, aynı zamanda daha önce hiç görülmemiş özellikleriyle de değerlendi. Sırlı porselen yüzey kimyasal saldırıya maruz kalmamış ve aşılmaz olmuştur. Porselen hakkında efsaneler vardı. Üretiminin sırrı, 18. yüzyılın başlarına kadar çözülemedi. Ancak bu arada, görünüşte Çinli ustaların ürünlerine benzeyen birçok yeni malzeme keşfedildi. Venedik'te sütlü cam, İspanya-Mağribi seramikleri, İngiltere ve Hollanda'da fayans böyle ortaya çıktı.

Avrupa'da porselen alan ilk kişi, Saksonya'daki Meissen yakınlarında beyaz kil (kaolin) birikintileri bulan I.F. Betger'di. Avrupa'da yüzyıllardır uğruna mücadele edilen porselen üretiminin sırrı ortaya çıktı. Yakında Meissen fabrikasından gelen porselen Avrupa çapında tanınmaya başladı. Ve şimdi bu bitkinin ürünleri sanatseverler arasında popüler.

Müzemizin koleksiyonunda Meissen porselenleri çok iyi ve eksiksiz bir şekilde sunulmaktadır. Buna Bogolyubov tarafından miras kalan eşyalar ve O. A. Gordeeva koleksiyonundan porselen eşyalar ve diğer sergiler dahildir.

En büyük ilgi, 18. yüzyılın Meissen porselenidir. Bu dönem, Avrupa porseleninin gelişiminde klasik dönem olarak kabul edilir. Bu sırada usta, porselenin beyazlığını ve inceliğini vurgulamaya çalışır, malzemeyi doğal özelliklerini dikkate alarak sunar.

Avrupa'nın ilk porselen üretimi olan Meissen'in özel ihtişamı, küçük plastik. Bayanlar, baylar, alegorik kompozisyonlar ve pastorales görüntülerinde, Rokoko stilinin niteliklerinden biri, belirli bir güçle kendini gösterdi - çizginin sürekli pürüzsüz akışının yanılsaması. Johann Joachim Kaendler ve Peter Reinicke isimleri Meissen heykelinin oluşumu ile ilişkilidir. Eserleri, uygun heykel ve sanat ve zanaat unsurlarını birleştirdi. Tuhaf konturlar ve rengin güzelliği - modellerine göre yapılan heykelleri karakterize eden şey budur.

Johann Joachim Kaendler'in modellerinden sonra yapılan "Dört Mevsim" - "Kış" ve "Bahar" dizisinden iki alegorik figür ortaya çıkıyor karakter özellikleri porselende rokoko tarzı. Mevsimler, bulutların üzerinde oturan eski tanrıların görüntülerinde temsil edilir. Kışı Satürn ve Hebe, baharı Mars ve Flora temsil eder. Heykel grupları, 18. yüzyılda Meissen fabrikasının ünlü olduğu parlak renklerde boyanmış ince sıvalı çiçeklerle dekore edilmiştir.

Yüksek sanatsal nitelikler, küçük bir ürün koleksiyonunu Berlin fabrikasından ayırır. Bunlar ağırlıklı olarak sofra ve iç dekorasyon ürünleridir. Bu üretimin görkemi olan en narin mor, A. Watteau "koç kupası" motiflerine göre boyanmıştır. Çaydanlıkların, cezvelerin, dekoratif vazoların gövdeleri, 18. yüzyılın gözdesi pastorallerle, çiçekli süslemelerle süslenmiştir.

Viyana fabrikasındaki ürün grubu, yeni bir tarzın, İmparatorluk tarzının özelliklerinin Avrupa porseleninde şekillendiği 18. - 19. yüzyılın başlarında temsil edilmektedir. Artan dekorasyona özen gösteren Viyanalı ustalar, resmin kendi versiyonunu verdiler. Süslemenin zengin bir altın çerçevesindeki plakaların aynasında, en çok Rönesans ustalarının resimlerinden kopyalar yerleştirildi.

Her ülke porselene kendi yolunu çizmiş, hem özel bir teknoloji geliştirmiş hem de özel karakter süsler, bazen aynı tarz içinde. Renkli arka plana sahip Fransız yemekleri Avrupa'da ünlüydü: turkuaz, pembe, mavi, yaldızlı süslemelerle çerçevelenmiş madalyonlara boyanmış. Bu porselen, Fransa'daki ana porselen üretimi olan Sevr fabrikasında yapıldı.

Prens Yusupov'a ait servisin bir parçası olan mavi dondurmacı, tepsi ve baharatçı bu şekilde boyanmıştır. Bu hizmet uzun yıllar yapılmış ve en büyük porselen ressamları tarafından dekore edilmiştir. Dondurma makinesi, II. Catherine tarafından Sevres tarafından yaptırılan ünlü kamera hücresi servisinin resminin yazarı Vincent Jr. tarafından boyandı ve şimdi Hermitage'da tutuluyor. Yusupov servisi "yumuşak porselenden" yapılmıştır. Ve bu malzemenin kendine has özellikleri, olağan yumuşak konturları ve dalgalı çizgileri ile Rokoko stiline mükemmel bir şekilde uyuyordu. Sevr kütlesinin özellikleri de resmin doğasını belirledi: hiçbir seramik malzeme bu kadar çok tonlu bu kadar derin tonlar vermez.

Rusya'da porselen ilk olarak 18. yüzyılın ortalarında D. I. Vinogradov tarafından St. Petersburg'daki İmparatorluk Porselen Fabrikası'nda (IPM) elde edildi. Müze koleksiyonunda, Rus porselenleri çok sayıda özel işletmenin ürünleri ile temsil edilmektedir. Müze, kendi benzersiz çekiciliğine sahip olan Gardner, Popov, Kornilov, Gulin, Safronov fabrikaları olan IPM'nin muhteşem örnekleriyle gurur duyabilir.

Rus ustaların 19. yüzyılın başlarındaki klasisizm veya İmparatorluk tarzındaki başarıları iyi bilinmektedir. Bu üslup içerisinde Rus porseleni, diğer uygulamalı sanat dallarında olduğu gibi mükemmel örnekler sunmaktadır.

İmparatorluk antik çağlardan ilham aldı. Dekorasyon motiflerine defne çelenkleri, aslanlar, griffinler, askeri nitelikler vb. hakimdir. Formlarda, kitlelerin sağlamlığı, statik karakteri ortaya çıktı. Bu üslubun yasalarına göre, IPM ustaları tarafından oval biçimli bir kaseyi destekleyen iki klasik figür şeklinde bir masa süsleme vazosu yapılmıştır. Bisküviden (sırsız porselen) yapılan figürlerin beyaz rengi, mavi bir ton ve kaidenin yaldızıyla tezat oluşturuyor. İmparatorluğun rengin parlaklığına ve kontrastına olan sevgisi etkiler. Diğer vazo da temsil eder heykel grubu: Venüs, Cupid'in üzerine oklu bir sadak koyar. Bu tür vazolar büyük törenler veya yıldönümü hizmetleri için yapıldı ve tören masasının ortasına yerleştirildi.

Aynı üslubun özellikleri, eski bronzun altındaki koyu renkli üç aslan pençesindeki dondurmacıda belirgindir. Rengi, yaldızın parıltısıyla güzel bir şekilde birleştirildi.

Özel fabrikaların ürünleri daha belirgindir. Rahip, Gardner veya Safronov porselenleri hakkında konuşabilirsiniz. Bu fabrikalar, IPM'nin aksine benzersiz öğelerle değil, belirli bir sınıfın ömrüyle ilişkili sözde sıradan mutfak eşyaları ile temsil edilir. 1830-1850'lerde Popov fabrikasında oluşturulan iddiasız çiçek boyama ile süslenmiş "taverna" parlak zarif çaydanlıkların sosyal ilişkisini tahmin etmek kolaydır.

Zanaatkarların tabak formlarını ve resim motiflerini çıkardıkları kaynak, geleneksel Rus halk sanatıdır. Bu yol, yaklaşmakta olan interstyle zamanında en verimli olacak, bu zor zamanda Rus özel fabrikalarını, eklektizm çağında kaçınılmaz "seramiklik" kaybından büyük ölçüde kurtaracak.Kornilov fabrikasının cezvesinde, boyalı küçük altın yapraklar ve güller ile beyaz bir arka plan üzerinde, rahibin fabrikasının ustaları tarafından yapılan parlak yeşil kaplarda, asıl şey kaybolmadı: nesnenin biçim dengesi ve işlevsel amacı.

Sovyet porselen koleksiyonu nispeten küçüktür. 1920'lerde devrimci propaganda araçlarından biri olan propaganda çini ile temsil edilir.

S. Chekhonin ve N. Altman'ın çizimlerinden sonra boyanmış tabak ve bardaklar, N. Danko'nun heykelleri, genç Sovyet devletinin devrimci sloganları ve amblemleriyle A. Shchekatikhina-Pototskaya'nın tabakları - Sovyetler Ülkesinin bu ilk porseleni dili konuştu onun zamanının. Moskova'da Kuznetsk köprüsünde ve Petrograd'da Nevsky'de özel vitrinlerde sergilendi. "Bu porselen güzel bir gelecekten haberdi. Sovyet ülkesi kıtlığa, yıkıma ve müdahaleye karşı korkunç savaşlarda” diye yazdı E.Ya.

A.N.'de saklanan cam eşyalar Radishchev Müzesi porselen ile aynı şekilde geldi: 1897'de A.P. Bogolyubov'un isteğine göre, Devlet Müzesi Fonu aracılığıyla özel koleksiyonlardan.

18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarındaki küçük ama ilginç bir Rus cam koleksiyonu, 1973'te E.P. Razumova Müzesi'ne bırakıldı.

Devlet ve özel Rus cam fabrikaları, 18. yüzyılın başında Moskova ve St. Petersburg'da, Smolensk ve Kaluga yakınlarında ortaya çıktı. Züccaciye ürünlerine talep artıyor. Fabrika sayısı da artıyor. Ünlü Maltsev fabrikası Vladimir yakınlarındaki Gus Nehri üzerinde ve Nikolsky köyünde Penza yakınlarındaki Bakhmetiev fabrikası ortaya çıkıyor.

en çok erken çalışmalar Koleksiyonumuzda XVIII yüzyılın cam endüstrisi özel fabrikaların ürünleridir. Her şeyden önce, bu iddiasız bir çiçek süslemeli yeşil bir cam şam ve şu yazıt: "Bu gemiyi 726'da Gavrilov'un fabrikasında yapın. . . Bu, Rusya'da yapılan sıradan Rus yemeklerinin erken bir örneğidir. Büyük miktarlar, onu esirgemediler ve onunla ilgilenmediler. Kaybolan ve kırılanın yerine yenisini aldılar. Bu nedenle, bu tür birkaç yemek korunmuştur. Shtof imzalı olduğu için de ilginç. Üretim tarihini ve yerini gösterir. 1724 yılında Moskova bölgesinde Gavrilov ve Loginov fabrikasının kurulduğu bilinmektedir. Bu üretim hakkında başka bir bilgi yok. Şamımız, az bilinen bir işletmenin ürünlerinin doğası hakkında bir fikir verir.

Rusya'da cam pratikte işaretlenmedi. 19. yüzyılın 20'li yıllarından başlayarak (I. Nicholas döneminden itibaren) İmparatorluk cam fabrikası ürünlerine damga vurmaya başladı. Elbette bir damganın varlığı, bir ürünün üretim yerini ve zamanını belirlemenin tek yolu değildir. Cam eşyanın dikkate değer anıtları, hükümdar kişilerin oyulmuş armaları veya monogramlarla süslenmiş, genellikle kapaklı, uzun, konik kadehlerdir. Benzeller, "rocaille" adı verilen bitki sürgünleri ve bukleler ile çerçevelenmiştir. Kadehlerin tepesinde, kenarlara yakın, oymalı ve cilalı, kemerli "çukurlar" deseni vardır. Bacak rafları, bazen beş parçaya kadar bir rafa gerilmiş "elma" ile bir korkuluk şeklinde yapılmıştır. Bu ürünlerdeki gravür yüzeysel ve geniştir. Bu nitelikler Rus kupalarını, müzede bulunan Bohemya ve Almanya kupalarından ayırmaktadır.

Belli ki özel fabrikalarda çok sayıda renkli bardak, sürahi, şişe yapılmıştır. Renkli cam Rusya'da çok popülerdi. farklı Batı Avrupa, burada 18. yüzyılın ortalarında büyük miktarlarda ortaya çıkan tek renkli camdan yemekler yaptılar. Bu, M. Lomonosov'un başarılı deneylerinden kaynaklanmaktadır.

18. yüzyılın sonunda - 19. yüzyılın başında, çeşitli şekillerde mantarlı uzun yönlü sürahiler, ince bacaklarda yükseltilmiş bardaklar, ışıltılı kenarlı zarif bardaklar ortaya çıktı - şenlikli masaları ve malzemeleri süsleyen zarif yemekler. Yönlü tabaklar, özel bir parlaklık veren kurşun ilavesiyle renksiz camdan yapılmıştır. Kristal denir ve sözde "elmas yüz" ile kesilir. Bu teknik günümüzde hala cam yapımında kullanılmaktadır.

19. yüzyılın ikinci yarısı, sanat ve el sanatlarına, özellikle de tarihine olan ilginin arttığı bir dönemdi. Antika koleksiyonu yaygındır. Aynı zamanda antika mobilyalara olan ilginin artması da tesadüf değildir. Koleksiyonerler, 18. yüzyılın oymalı yaldızlı mobilyalarını, şifonyerleri, dolapları, İtalyan ve Alman düğün sandıklarını, masif meşe ve ceviz dolaplarını 17. yüzyılın Almanya'sından toplar. Benzer öğeler Bogolyubov'un koleksiyonundaydı.

Antika mobilyalarla hayranlık, antika dükkanlarını sular altında bırakan sahte ürünlere yol açar. Birbiri ardına, Paris, Venedik, St. Petersburg'da, bazen orijinalinden ayırt edilemeyen antika mobilyalar üreten atölyeler yaratılıyor - ahşap çok düzgün cilalanmış, yapısal parçalarının oranları çok doğru bir şekilde gözlemleniyor.

Müze koleksiyonundaki en eski mobilyalar 16-17. yüzyıllara kadar uzanıyor. Bunlar, A.P. Bogolyubov tarafından monte edilen Almanya, Fransa, İtalya, Hollanda'dan mobilyalar. Tabii ki, o dönemin mobilya koleksiyonumuz hakim iç mekan hakkında konuşmaya zemin oluşturmaz, ancak mobilya sanatı eserlerinin ulusal özelliklerini sunmamıza izin verir. Farklı ülkeler oldukça geniş bir kronolojik çerçeve içinde.

Mobilya kısa ömürlüdür, üretimi için malzeme, çeşitli etkilere kolayca maruz kalan ahşaptır. Birçoğu hem doğal afetlerden hem de savaşların bir sonucu olarak ve modanın etkisiyle ilgili nedenlerle öldü. Mobilya bir metadır. Bu, zamanla eskidiği ve yenisiyle değiştirilmesi gerektiği anlamına gelir. Sıradan insanların evlerinden küçük mobilyalar korunmuştur. Bununla birlikte, bazı Avrupa ülkelerinde mobilya sanatı tarihinin ana aşamaları, koleksiyonumuzdaki objelerde de izlenebilir.

16. yüzyılın İtalya'sında, oymalı bir sırt, bir düğün sandığı, bir dizi Venedik eseri, bir sunak olan masif ahşaptan bir sandalye yapıldı. Bu mobilyanın üretimi için, ustanın büyük bir sanatsal etki elde etmesini sağlayan İtalya'ya özgü bir malzeme olan kahverengi ceviz kullanıldı. Oyma motifleri antik sanatın mirasından alınmıştır. Açıkça Floransalı işlerden oluşan düğün sandığında, 16. - 17. yüzyılın başlarındaki İtalyan mobilya yapımcılarını ayırt eden biçim ve süslemenin ender birlikteliği insanı şaşırtıyor.

Yapıcı mantığında bu dönemin mobilyaları mimari yapılara benzer. Sunak, asmalarla iç içe sütunlu bir portal şeklinde, Tanrı'nın Annesi figürü için bir niş içinde bir podyum şeklinde yapılmıştır - bu mimari unsurlar, 16.-17. yüzyıl mobilyalarının son derece karakteristik özelliğidir. Bu özellikle güney Almanya'da yapılan dolap mobilyalarında hissedilir. Dolap, her katı bir kornişle ayrılan iki katlı bir binaya dönüşüyor. Katmanlar sütunlar veya pilastrlar ile dekore edilmiştir. Kanatlı kapılar, arşitravlar veya alınlıklarla süslenmiş portallara veya pencerelere benzer. Tüm bu mimari detaylar yapıştırıcı ile güçlendirilmiş ve aslında iki sandıktan oluşan bir dolabın tasarımını gizleyen bir dekorasyon. Bu izlenim, yan cephelerinde katlanır göğüs kulpları ile pekiştirilmiştir. Gardırop bu şekilde tasarlanır, bir kabartma ile süslenir (ağaçta bir büyüme, ahşapta zengin, güzel bir doku veren bir kusur). Dolaplara mutlaka raflar sağlandı ve giysiler katlanmış olarak saklandı. Ayrıca çeşitli mutfak eşyaları depolamaya da hizmet edebilirler.

Katlanır, sözde curule sandalyenin şekli de 16.-17. yüzyıllarda Almanya için geleneksel olarak kabul edilebilir. Eskiler için, gücün bir simgesiydi. Sadece böyle bir koltukta oturarak yargılama ve misilleme yapmak mümkündü. Böyle bir sandalye genellikle konsolosların, üst düzey askeri liderlerin, diktatörlerin arkasına giyilirdi. Birkaç dar tahtadan yapılmış düzgün kavisli bacak rafları, dayanıklılık için çapraz çubuklarla çaprazlanır ve bağlanır ve bir ara parçası olarak koltuğun üst kısmına yerleştirilmiş çıkarılabilir bir tahta arkayı oluşturur.

16. yüzyıldan bu yana, Almanya'da 17. yüzyılda bu ülkenin mobilya sanatında yaygınlaşan tuhaf bir sandalye biçimi ortaya çıktı - sözde köylü sandalyesi. Bir dizi benzer ürün ile Çeşitli seçenekler Müzemizde de aynı süsleme var. Böyle bir sandalyenin prototipi, ilk başta, dallardan arındırılmış ve üç ayak üzerinde stabilite için güçlendirilmiş bir ağaç kütüğüydü. Ve konforlu kentsel konutlar için dört ayaklı sandalyeler yapıldı - yüksek işçilik örnekleri. Sadece sırt görevi gören bir tahta ile dekore edilmiştir. Sadece ceviz değil, meşe ve çam olabilir. Öğenin nerede yapıldığına bağlıdır. Oymacılıkta, kural olarak, ustanın hayal gücü ile genellikle muhteşem bir desene dönüşen grotesk bir süslemenin motifleri kullanılır.

17. yüzyıl, mobilya sanatına birçok yeni şey getiriyor. Bu, öncelikle Avrupa'daki üçüncü sınıfın konumunda bir değişikliğe yol açan sosyal dönüşümlerden kaynaklanmaktadır. İktidara geldikten sonra alçakgönüllülüğü, sadeliği, aile ocağının kutsallığını geliştirir. Hollandalı mobilya sahiptir büyük talep, tüm ülkelere ihraç edilmektedir. Diğer uçta, sanatında muhteşem, ciddi bir üslubun zafer kazandığı Fransa var.

Mobilya koleksiyonumuzda, 17. yüzyılın saray tören mobilyalarının tipik özelliği olan tek bir parça var. Bu sözde dolap - sürgülü tahtalı birçok çekmeceli, bölmeli bir dolap. Augsburg şehrinin ustaları tarafından yapılmış, cephede hayvanları betimleyen metal plakalar, bükülmüş yaldızlı sütunlarla süslenmiştir. Tahta değerli ahşaptan yapılmıştır.

Bu tür dolaplar 16. yüzyılda ortaya çıktı. Anavatanları İspanya'dır. İlk dolaplar, alt şasideki tabutlardı. İÇİNDE XVII yüzyıl- bunlar zaten ofis adı verilen odanın dekorasyonunun bir parçası haline gelen büyük dolaplardır. Madalyalar, mektuplar, mücevherler dolaplarda tutuldu.

Aşağıdakileri içeren Rus mobilya koleksiyonunun çoğu XVIII-XIX çalışmaları yüzyıllarda ya küçük özel atölyelerde ya da soylu mülklerin mobilya imalatçılarında yapılmıştır. Ustalar, çeşitli sanatsal zevkleri, biriktirdikleri tüm bilgi ve becerileri, ahşap işleme yöntemlerini, süslemeyi ve süslemeyi eserlerine taşıdılar. Öncelikle, halk sanatından büyük ölçüde etkilenen o zamanın ev mobilyalarının biçimlerine yansıdılar. Bu, sadece formlarda ve dekorda değil, aynı zamanda ahşabın seçiminde ve işlenmesinde de kendini gösterdi. 18. yüzyılın sonunda Karelya huş ağacı ve kavak en sevilen malzeme haline geldi. Sadece Rusya'da geçerlidir.

Mobilya sanatında her ülke, ya Rönesans'taki İtalya gibi bir tarzın atasıydı ya da İngiltere'deki T. Chippendale veya Fransa'daki J. Jacob gibi ünlü bir mobilya üreticisinin doğum yeriydi.

Rus mobilyaları, esas olarak 19. yüzyılın ilk üçte birinin asil iç dekorasyonunun öğeleriyle temsil edilmektedir. Rus sanat ve el sanatları ve özellikle mobilya tarihinin en parlak dönemlerinden biriydi. 19. yüzyılın ilk on yıllarının sanatına, Fransa'da ortaya çıkan ve tüm Avrupa'nın mülkü haline gelen İmparatorluk tarzı hakimdir. Rusya, yüksek ve ilerici fikirlerin sözcüsü haline geldiği bu tarzın kendi özel, orijinal versiyonunu sunuyor. İmparatorluk tarzının dekoratif özelliği, anıtsallık arzusu ve mobilyada belirlenen formların genelleştirilmesi, malzeme seçimini ve form ve dekor ile etkileşiminin doğasını belirler. Rus mobilya üreticilerinin ana malzemesi, ahşabın güzel dokusu için sevdikleri maun ve Karelya huş ağacı olacak.

Müzemizde depolanan mobilyalar esas olarak serf ustaların elleriyle yapılmıştır ve Rus soylularının yaşamına geniş ölçüde dahil olan İmparatorluk tarzının bu versiyonunu temsil etmektedir. Saray mobilyalarından daha basittir. Bu mobilya, Büyük Ekim Sosyalist Devrimi'nden sonra çevredeki sitelerden, şehir evlerinden müzeye geldi ve sadece sanatsal değil, aynı zamanda tarihi değere de sahip.

Özellikle çeşitli oturma mobilyaları. Yaldızlı lirlerle süslenmiş, sırtı oymalı, ajurlu iki ikiz koltuk, 19. yüzyılın ilk çeyreğine ait Rus ev mobilyalarının bir örneğidir. Siyah gözlü Karelya huş ağacı ile kaplanmış, neredeyse süslemelerden yoksun formlar var.

Bu sırada asil malikanenin iç kısmında sofa odası denilen başka bir oda belirmiştir ve onun vazgeçilmez aksesuarı sofadır. Genellikle bu kanepeler yumuşak, dikdörtgen şeklindedir, sırtların üstleri ve dirsekler o yıllarda yaygın olan Karelya huş ağacı veya maun ile kaplanmıştır. İç mekanda kanepe, koltuklar ve kanepenin önünde bir masa ile birleştirildi. Bu tür varyasyonlar bizim açıklamamızda da bulunur ve İmparatorluk döneminde zaten yerleşik olan iç mekana tanıklık eder. Bu mobilya önden farklıdır: bronz yerine daha az yaldız vardır, gesso kullanıldıktan sonra ahşap yaldızlı, Rus ustaları tarafından çok sevilen geleneksel ahşap işleme yöntemlerinden biri korunur - oyma.

Müzenin koleksiyon faaliyeti devam ediyor. Son yıllarda, sanat ve el sanatları koleksiyonları, en iyileri sergide yer bulan ilginç sergilerle dolduruldu.