Архів рубрики: Радянські художники. Радянський живопис - історія сучасного мистецтва Усі радянські художники

М. Брі-Бейн. Жінки-радистки. 1933 О. Верейський. Три сестри

Є. Самсонов. На нові землі. 1954

С. Каманін. Будівництво буксирних суден. 1953

Є. Данилевський. Проба стали. 1952

І. Симонов. Ливарники. 1959 ~ Є. Харитоненко. Електрозварювальниця. 1959

А. Дейнека. Хто кого? 1932

В. Купцов. АНТ-20 ("Максим Горький"). 1934

Б. Яковлєв. Транспорт налагоджується. 1923

Р. Рязький. Рудник. Урал. 1925

В. Малагіс. Сталевари. 1950

І. Бевзенко. Молодих сталеварів. 1961

Н. Базильов. Екскурсія на завод. 1956

Г. Бжозовський. У сталеплавильному цеху. 1964

Я. Ромас. На плотах. 1949

М. Мальцев. На вахті. 1953

В. Цвєтков. Птахоферма. 1971

М. Мальцев. Кранівник. 1953 З. Попова. Гарний улов. 1970
С. Бальзамов. Передова робітниця. 1951

Н. Базильов. Завод ім. Орджонікідзе. 1972

А. Петров. "Мосфільм". 1978

А. Петров. Москва. Казанський вокзал. 1981

В. Фірсов. Колонна. 1984

Ф. Решетніков. Прибув на канікули. 1948 ~ Ф. Решетніков. Знову двійка. 1951

Т. Яблонська. Ранок ~ Ю. Ракша. Маленькі купальники. 1979

М. Жуков. Ростемо і гарнішаємо. 1953 - А. Лактіонов. У гостях у онуків

І. Володимиров. У жіночій школі ~ В. Корнєєв. Школярі на концерті. 1952

Ф. Решетніков. За мир! 1950 ~ Н. Соломін. Молоді мами

Є. Гордієць. Освітлені сонцем. 1982 Б. Угаров. Мати

К. Петров-Водкін. Спляча дитина. 1924

Ю. Кугач. Біля колиски

Н. Терпсихоров. Вікно у світ. 1928

П. Кривоногов. Дівчина з лижами. 1963 ~ В. Жовток. Зима прийшла. 1953

А. Ратніков. Нагулялися. 1955

Т. Яблонська. У парку. 1950

Т. Яблонська. Застудилась. 1953

Н. Ульянов. Снігурі

Д. Колупаєв. Свято у школі. На ялинці. 1949

О. Костенко. І. Мічурін з дітьми. 1964 ~ П. Драченко. Піонерська пісня. 1959

В. Жовток. Дівчина з червоний капелюшок. 1955
А. Мильников. Верочка на веранді. 1957

С. Григор'єв. Воротар. 1949

К. Успенська-Кологрівова. Чи не взяли на рибалку

С. Григор'єв. Рибалка. 1958

І. Шульга. Піонери у гостях у чорноморців. 1940

П. Крилов. Дві Наташі

Р. Галицький. У фінішу

І. Шевандронова. У сільській бібліотеці

І. Шевандронова. Йде репетиція. 1959

А. Дейнека. Майбутні льотчики. 1937

В. Прибиловський. Майбутні капітани. 1963

С. Григор'єв. Піонер. 1951 ~ П. Крохоняткін. Діти на балконі. 1954 ~ О. Богаєвська. Дитяче свято. 1980

Є. Чернишова. Вишневолоцькі нареченої. 1984 - А. Левітін. Світ онукам. 1985

К. Петров-Водкін. Дівчина з лялькою. 1937 ~ М. Богатирьов. Майбутні чемпіони. 1950

Я. Титов. У мавзолею В.І.Леніна. 1953

П. Кривоногов. Похорон І.В. Сталіна. 1953

І. Давидович, Є. Тиханович. Першотравнева демонстрація

І. Давидович, Є. Тиханович. Першотравнева демонстрація (фрагмент)

А. Казанцев. І.В. Сталін із матір'ю

Б. Володимирський. Троянди для І.В.Сталіна

І. Пензов. Щасливе дитинство. 1978

Л. Котляров. Хліб-сіль (Л. І. Брежнєв з трудівниками села)
І. Радоман. Л. І. Брежнєв на ЗІЛі

А. Герасимов. І.В. Сталін та А.М. Гіркий на дачі. 1930

А. Герасимов. Сімейний портрет. 1934
Народний художник СРСР А.М.Герасимов
Незважаючи на небажання батьків, він їде до Москви, блискуче складає іспит з малюнку і стає студентом Училища. Його вчителем у пейзажному класі був М.К.Клодт, у головному - К.Н.Горський і А.М.Корін, у фігурному класі - С.Д.Милорадович та Н.А.Касаткін, у натурному - А.Є. Архіпов та Л.О.Пастернак. Багато в живописі йому дали вчителі В.Серов, К.Коровін, А.Васнєцов. Блискуче закінчивши мальовниче відділення Училища, А.М.Герасимов вирішив відвідувати майстерню К.Коровіна. Для цього потрібно було, за порадою Коровіна, вступити ще на якесь відділення Училища. Герасимов твердо вирішив – на архітектурне. Багато чого дав йому Костянтин Коровін, який по праву вважається основоположником російського імпресіонізму. Часто буваючи у Парижі, К.Коровін розповідав студентам про французький імпресіонізм і, зрозуміло, впливав на творчість молодого Герасимова. Особливо цей вплив простежується у його ранніх учнівських роботах, створених у 1912-13-х рр.: "Портрет В.А.Гіляровського", "Портрет Н.Гіляровської", "Портрет В.Лобанова". Усі ці роботи писалися на дачі В.Гіляровського, у Гіляївці. "Портрет В.А.Гіляровського" нині знаходиться у квартирі письменника в Москві, а два інших портрети - у зборах музею-садиби А.М.Герасимова.
В.А.Гіляровський у роки часто відвідував учнівські виставки в Училище живопису, скульптури і зодчества. По роботах він міг визначити як талант художника, а й звідки той чи інший художник. Він набував картини дуже молодого Герасимова, підтримував його морально і матеріально і це сприятливо позначалося творчості художника.

У саду. Портрет Ніни Гіляровської, 1912

Портрет мистецтвознавця В.М.Лобанова. 1913
Наприкінці 1930-х А.М.Герасимов захоплюється портретом: " Портретний жанрє основним видом моєї творчості, що виражає мою сутність як художника", - писав Герасимов. Художника приваблювали особистості творчі, інтелектуально багаті і значні. "Я любив і люблю сильне і яскраве в природі, шукаю те саме в людині і коли знаходжу, мені нестримно сфотографувати його в барвистий образ", - Згадував А.М.Герасимов. Потреба в увічненні сильного, прекрасної людини, побаченого в його широких зв'язках з часом, епохою, середовищем вилилося у створення воістину грандіозної серії портретів. У тому числі особливо виділявся " Портрет балерини О.В.Лепешинской " (1939). Балерина зображена у репетиційному залі, на тлі величезного дзеркала, стоячи на пуантах. Цей прийом дозволяє показати фігуру танцівниці у двох ракурсах. У дзеркалі відображається столик з гримувальним приладдям і частина балетного верстата, видно і мольберт, за яким працював митець.
Чудові портрети А.К.Тарасової (ГРМ), актора МХАТу І.М.Москвіна (1940) (Львівська) картинна галерея), "Портрет артистки Тамари Ханум" (1939). Пізніше він пише "Груповий портрет найстаріших артисток Державного академічного Малого театру СРСР А.А.Яблочкиної, В.Н.Рижової, Е.Д.Турчанинової" (1956), "Портрет Рини Зеленої" (1954) та ін.

Портрет артистки А.К. Тарасової. 1939 ~ Портрет дочки. 1951

А.М. Герасимів. Портрет К.Є. Ворошилова. 1927
Портрет Клима Петровича Ворошилова, онука К.Е.Ворошилова. 1949
Герасимов Олександр Михайлович

Герасимов мав дар легко схоплювати портретну подібність і відчував себе насамперед портретистом. Серед його робіт поступово починають переважати зображення високопоставлених людей. Особливу популярність Герасимов отримав як автор численних зображень В. І. Леніна, І. В. Сталіна та великих партійних бонз. Свою кисть він свідомо віддав на службу тріумфальної комуністичної влади в обмін на особистий успіх.

Неабиякий талант, життєрадісна, «соковита» манера письма – все це в міру просування художника по кар'єрних сходахнабувало парадного блиску (Портрет К. Є. Ворошилова. 1927. Музей сучасної історіїРосії). Його найбільш визнаними полотнами стали «Ст. І. Ленін на трибуні» (1930. ДІМ; повторення 1947 в ГТГ) і «Виступ В. І. Леніна на Пленумі Мосради 20 листопада 1922» (1930. ДІМ).

Успіх і визнання не змусили на себе чекати. На початку 1936 року у Москві відкрилася персональна виставка Герасимова, де було показано 133 твори, починаючи з ранніх. Центральне місце, звичайно, займали портрети партійних вождів, головне місце на експозиції було віддано "Виступу І. В. Сталіна на XVI з'їзді партії" (1933. Архів художніх творів).

На відміну багатьох інших, Герасимову дозволялося виїжджати там. У 30-ті роки він побував у Берліні, Римі, Неаполі, Флоренції, Венеції, Стамбулі та Парижі. За кордоном художник писав багато етюдів («Айя-Софія». 1934. ГРМ) та постійно відвідував художні виставки. Але «правильному» борцю за соцреалізм не сподобалося безідейне мистецтво Європи, як він вважав. Французькі художники, на запевнення Герасимова, з цікавістю слухали його розповіді про « художньої діяльностіу СРСР». «Їм здавалося казкою прекрасне життя та умови роботи художників у Радянському Союзі, де всі види мистецтва оточені турботою з боку партії та уряду» (Сокольников М. А. М. Герасимов. Життя та творчість. – М., 1954. С.134. ).

У другій половині тридцятих і сорокових роках з'являються такі офіційно помпезні твори Герасимова, як «І. В. Сталін та К. Є. Ворошилов у Кремлі» (1938. ГТГ), «І. В. Сталін робить звітну доповідь на ХVIII з'їзді ВКП(б) про роботу ЦК ВКП(б)» (1939. ГТГ), «Гімн Жовтню» (1942. ГРМ), «І. У. Сталін біля труни А. А. Жданова» (1948. ГТГ, Сталінська премія 1949 р.). Подібні «епохальні» картини зазвичай створювалися бригадним методом, тобто підмайстрами – сам маестро прописував лише відповідальні деталі. Його величезні за розмірами полотна, сповнені плакатного пафосу, ставали еталоном офіційного стилю. радянського мистецтва.

Його картини створювали образ «мудрого вождя» та відігравали важливу роль у пропагандистських кампаніях. Художник нестримно лестив Сталіну і у своїх помпезних зображеннях генсека, і у висловлюваннях про нього. Можливо, щоб підняти свій авторитет, він запевняв, що Сталін у розмовах з ним «висловлював найцінніші, для нас – художників, зауваження, що стосуються самої теми нашого ремесла». Однак сам Сталін не вважав себе знавцем живопису, швидше він був до нього байдужий, якщо справа не стосувалася його власних портретів (Громов Є. Сталін: влада та мистецтво. - М., 1998. С. 288, 305).

Художник не покладаючи рук також писав портрети високопосадовців комуністичної партії та уряду (Портрет В.М.Молотова. [В.М. Молотов виступає на засіданні у Великому театрі 6 листопада 1947 року.]. 1948. ГТГ), воєначальників та героїв соціалістичної праці. Іноді Герасимов писав і представників творчої інтелігенції: «Балерина О.В. »(1944, Сталінська премія 1946 року). Портретував він також свою сім'ю - Сімейний портрет»(1934. Музей Республіки Білорусь).

Для себе Герасимов займався грубуватою і спрощеною еротикою, збереглися численні етюди до незакінчених картин «Сільська лазня» (1938, Будинок-музей А.М. Герасимова, Мічурінськ) і «Половецькі танці» (1955, власність сім'ї художника, Москва). На тему «Сільської лазні» Герасимов писав безліч етюдів «для себе» протягом багатьох років (Сільська лазня. Етюд. 1950. Збори сім'ї художника). "Відводив душу" він і в роботі над ілюстраціями до "Тараса Бульби" (1947-1952), в яких, можливо, шукав втрачені шляхи до національного романтизму початку століття.

До кінця 1930-х років, у період масових репресій та становлення тоталітарної сталінської системи, Герасимов досягає повного офіційного успіху та благополуччя. Тепер він не лише придворний, високо оплачуваний живописець, улюбленець Сталіна, а й наділений владою керівник художнього життякраїни. Йому було довірено очолювати та, головне, контролювати творчість інших художників. Його призначили головою правління Московського відділення Спілки художників (1938-1940 рр.) та головою оргкомітету Спілки радянських художників (1939-1954 рр.). Коли в 1947 році була створена Академія мистецтв СРСР, то першим її президентом на вимогу Ворошилова був призначений Герасимов - у цьому кріслі він протримався до 1957 року.

На всіх постах Герасимов виявляв себе енергійним помічником партії у придушенні творчої інтелігенції. Він неухильно боровся з будь-якими відхиленнями від соцреалізму під хибним гаслом «вірності великим традиціям російського реалізму». Він твердо і послідовно боровся з «формалізмом», проти «схиляння перед виродженим мистецтвом буржуазії».

Як відданий підручний Ворошилова, він активно сприяв закриттю у 1946 році Музею нового західного мистецтва, у будівлі якого розмістився Музей подарунків І. У. Сталіну. У 1948 році під час дискусії про формалізм він невпинно виступав «за високе ідейне мистецтво», тобто за мистецтво вихолощене та ідеологічне. Герасимов риторично запитував і відверто відповідав: «Чому я мав вважати смаки художників-формалістів вище мого смаку? [...] усім своїм нутром я розумів, що це якась загибель, мене нудило від усього цього і викликало ненависть, яка досі не стає меншою».

З особливою люттю і задоволенням він тупцював імпресіоністів. Вірні людиГерасимова вишукували непокірних художників і доносили про них суворому охоронцю соцреалістичного порядку. Розгляд завжди був коротким та безапеляційним. Якщо митець писав мазками, то було звинувачення в «імпресіонізмі». З цього моменту будь-які твори такого опального живописця вже нікуди не приймалися і він прирікався голодного існування.

Водночас Олександр Герасимов чудово розумів, що таке справжнє мистецтво та справжня творчість. Коли його думки були далекі від відповідальних постів та високих трибун, він створював камерні, ліричні твори, віддаючи перевагу пейзажу та натюрморту. У цих роботах далася взнаки, хоч-не-хоч, мальовнича система його вчителя Костянтина Коровіна. Чимало їх ми несуть виразні сліди імпресіоністичного листи: «Пісня шпака» (1938. ГТГ), «Яблуні у цвіті» (1946. Зібрання сім'ї художника). На мою думку, найкращий його твір – «Після дощу. Мокра тераса»(1935. ГТГ). У ньому художник виявив справжню мальовничу майстерність.

У побуті Олександр Михайлович був відомий як м'яка та доброзичлива людина. У розмовах із близькими людьми він дозволяв собі дуже неортодоксальні висловлювання. Молодим художникам він радив: «Найважливіше це схопити життя за хвіст. Її неповторність. Не женіться за особливо офіційними полотнами. Гроші отримаєте, а митця у собі втратите».

До старості маститий художник ніби зменшився в рості і виглядав карликом, зморшкувата жовта шкіра звисала на обличчі складками, чорні монголоїдні очі під в'ялими віками здавались сумними. Нічого злодійського в його образі не було. Про себе він говорив: «Я ж найчистіший російський! Але татари в моєму роді, мабуть, побували ґрунтовно. Мені б на коні сидіти, під сідлом в'ялену бастурму відбивати, пити, як захотів, кінську жилу підрізати, крові напитися. Втім, я і так крові всяких формалістів, і імажиністів, бубновалетчиків насмоктався ось так... більше не хочу, нудить...».

Зі смертю Сталіна вплив Герасимова стало сходити нанівець, а після XX з'їзду КПРС та викриття культу особистості колишній володар художників був усунений від справ. У 1957 році він втратив пост президента Академії, картини з колишніми вождями прибрали в музейні запасники.

Опала Герасимова була сприйнята інтелігенцією як один із симптомів хрущовської «відлиги». Проте сам художник, який високо цінував свій талант, вважав себе незаслужено відкинутим. Коли одна з його знайомих, художній критик, зустріла на вулиці колишнього главу соцреалізму і запитала, як у нього справи, той відповів разючою фразою: «У забутті, як Рембрандт». Однак він перебільшував міру і своєї знедоленості, і свого таланту. Соцреалісти будуть затребувані аж до падіння партократії у 1991 році.

Феномен Герасимова та багатьох йому подібних художників радянського періоду неоднозначний. Герасимов – художник, наділений від Бога великим талантом. Будь-який майстер у своїй творчості, хоче він цього чи ні, залежить від влади, від соціокультури, від спільноти, що склалася, від грошей. Якою мірою він може дозволити собі піти на компроміс, якого не уникнути? Герасимов вочевидь перейшов невидиму демаркаційну лінію. Він став служити не своєму Таланту, а Вождям.

Після дощу. Мокра тераса, 1935
На експозиції в Третьяковській галереївиставлено дві герасимівські картини: «Мокра тераса» та «І.В. Сталін та К. Є. Ворошилов у Кремлі». Приклад творчої альтернативи майбутніх істориків мистецтва. Але, можливо, нащадки, коли покриються патиною часу злочину та несправедливості сталінської епохи, побачать у них лише великий мальовничий дар поза зв'язком із політичною кон'юнктурою минулого. І ще ненаписаної історії російського мистецтва залишиться і «Мокра тераса», і «І. В. Сталін та К. Є. Ворошилов». Як визначні пам'ятки своєї епохи. Адже нікому зараз не спаде на думку дорікати за царські портретиД. Г. Левицького, Ф. С. Рокотова, В. Л. Боровиковського, І. Є. Рєпіна, В. А. Сєрова.

Помер Олександр Михайлович Герасимов у Москві 23 липня 1963; того ж року вийшли і мемуари «войовничого соцреаліста» («Життя художника»).

У березні 1977 року в Мічурінську було відкрито меморіальний будинок-музей художника. Це велика двоповерхова цегляна будівля. Є сад, дворові будівлі, каретний сарай та комору. Зважаючи на все, батьки художника були заможними купцями, які вміли торгувати з вигодою для себе. Син пішов їх стопами.

Для живопису початку ХІХ ст. класицизм не був настільки плідним, як для архітектури і скульптури. Опором класицизму в живопису була на той час імператорська Санкт-Петербурзька Академія мистецтв, центр мистецького життя країни. Але, громадське піднесення початку нового століття позначилося і тут. Ще в 1790-х роках в Академії виникло одне з перших у країні товариств, які займалися питаннями «устрою внутрішнього буття Росії». Багато його членів вступили потім у «Вільне товариство любителів словесності, наук та мистецтв», створене за безпосередньою участю радищевців. У 1802 році серед художників народився проект і самостійної, суто художньої співдружності, яка займалася б спеціально питаннями мистецтва. Вплив «вільного суспільства» сприятливо позначалося на художньому житті країни. Їм підтримувався інтерес до національної історіїдо громадянських мотивів у мистецтві. Академічні викладачі і сам президент її А. С. Строганов були серед найбільш шанованих членів Товариства.

Поступовий відхід Олександра I від лібералізму перших років царювання позначився і життя Академії. З посиленням реакційних елементів над академією встановлюється суворий бюрократичний контроль. Крок за кроком вона втрачає зв'язок із передовими напрямами в мистецтві і позбавляється ролі ідейного центру національного художнього життя. Певною мірою риси догматизму набула з часом її педагогічна система

За Миколи I регламентація академічного життя ще більше посилилася. Академія з відання Міністерства народної освіти переводиться у відання Міністерства двору. Особистим втручанням у її справи Микола I стверджував офіційний напрямок у мистецтві.

Риси мистецтва, культивованого Академією на початку ХІХ століття, можна спостерігати роботах трьох її вихованців і професорів: Андрія Івановича Іванова, Олексія Єгоровича Єгорова і Василя Козьмича Шебуева.

Творчість цих майстрів розкриває своєрідність прояви живопису високого класицизму. На відміну від класицизму XVII I століття, воно звільняється від впливу барокового мистецтва, прагне граничної простоти і ясності образотворчої мови, до підкресленої пластиці форм, до суворості малюнка. Бездоганна логіка у розвитку сюжету, сувора відповідність сюжету обраній темі та раціоналізм побудови композиції – стають альфою та омегою цього напряму. Водночас проблеми колориту відступають на другий план, колір часто тяжіє до локальності.

Іванов, Єгоров і Шебуєв закінчили Академію мистецтв одночасно в 1797 як учні І. А. Акімова і Г. І. Угрюмова і відразу ж почали свою педагогічну діяльність. У 1803 Єгоров і Шебуєв поїхали в пенсіонерську поїздку до Риму, де пробули до 1807 року, Іванов же залишився в Росії.

Характерні роботи О. Іванова – «Подвиг молодого киянина» та «Єдиноборство Мстислава Удалого з Редедею». У них багато того громадянського пафосу, яким перейнято було свідомість передової російської людини початку століття та часу Вітчизняної війни. А. Іванову, як члену «Вільного суспільства», громадянсько-патріотичні ідеали були особливо близькі. В обох картинах образ мужнього, одухотвореного, юного атлета протиставлений потужному, але важкому і нескладному воїну, який уособлює грубу фізичну сіу.

Обидві картини стверджують перевагу піднесеного, героїчного початку над початком стихійного, не освітленого світлом розуму. Епізод із вітчизняної історіїперетворений на апофеоз національного духу. Саме в цих творах передові устремління Академії у живописі висловилися мовою улюбленого нею жанру – жанру. історичної картини.

Роботи А. Іванова ще багато в чому близькі барочним традиціям у російській історичного живописукінця XVIII ст. Про це свідчать алегорична постать Слави, що ширяє над юнаком, особлива патетика руху, динаміка сцен, риси декоративності у його вирішенні.

Найбільш усталеними принципи високого класицизму постають маємо у творчості «Російського Рафаеля» Єгорова, відомого своїми чудовими малюнками.

Програмне полотно Єгорова – картина «Мучиння Спасителя». На думку багатьох сучасників, вона була найкращим творомхудожника. Усе тут притаманно класицизму початку ХІХ ст. Простота та строга логічність композиції, невелика кількість дійових осіб, спокій рухів і врівноваженість емоцій, простота поз, нейтральний фон – усе це різко відрізняється від образотворчих засобів і прийомів російської історичної картини кінця XVIII в. Виразний та правильний малюнок, Досконале знання пластики людського тіла визначають гідність картини Єгорова. Безсумнівна деяка абстрактність вирішення її етичної проблематики – урочистості сили духу над фізичною силою. Стриманість кольорової гами полотна, побудованої на оливково-коричневих та охристих відтінках, межує із сухістю. Невипадково сучасникам, відстоювали найбільш передові погляди завдання мистецтва, у цій картині бракувало безпосередності бачення світу.

Єгоров і Шебуєв після повернення до Петербурга з Італії працювали головним чином над церковними замовленнями. Саме їм було доручено мальовничі роботи для нового Казанського собору, цього своєрідного символу російської національної гідності, будівлі, задуманої, виконаної та прикрашеної «природними російськими художниками»

Але церковний живопис був найменш цікавою частиною мистецтва обох художників. Більше індивідуальних рис несуть полотна, не пов'язані з офіційними замовниками: портрети княгині Гоїцина та Суханова роботи Єгорова.

У роботах Єгорова спостерігається становлення нових тенденцій у російському історичному живописі. На перший план виходить релігійна тематика: французькі зразки поступаються місцем італійському мистецтву XVI століття, найбільше Рафаелю і майстрам болонської школи.

Характерна невелика картина Єгорова «Відпочинок на шляху до Єгипту». Мотиви, прийоми компонування сягають високому Ренесансу. Ця картина не позбавлена ​​відомої витонченості. Весь лад її образів несе печатку своєрідного гармонійного спокою, що свідчить про великий дар художника. Про те, що почуття гармонії форм та ліній могло поєднуватися у Єгорова з живим відчуттям натури, свідчить і невелика «Купальниця»

Для полотен Шебуєва характерні романтичні пошуки. Такий його автопортрет із ворожкою, де він представив себе у костюмі чепуруна XVII століття. Цікаво і тондо «Іоанн Хреститель», де зображений напівоголений хлопчик, п'є водуіз гірського джерела. Навіяна творами французького класицизму XVII століття, шанованого Академією Пуссена, картина приваблює щирістю. Заклик до безпосередності та простоти, що одушевлює передове мистецтво початку століття, звучить і тут. Пізніша робота Шебуева, його велике історичне полотно «Подвиг купця Иголкина», належить вже інший період розвитку російської академічної живопису. Тут деякі традиції класицизму початку століття з його твердим малюнком та виразною пластичністю виступають у поєднанні з холодним штучним пафосом пізнього романтизму. Не випадково Андрію Іванову, який до кінця свого життя сповідує класицистичні ідеали суворої логічної обумовленості всіх елементів зображення здається, що шведські солдати в цій картині біжать до Іголкіна настільки стрімкою, що неодмінно повинні пробігти повз нього.

Текст: Natalya-51

Дитячий та жіночий портрет у Росії початку XIX століття

Дитячий портрет XVIIIстоліття при всій його чарівності ще дуже умовний. По суті, його тема - дитина, майже схожа на дорослого або грає у дорослого. Приклади цього можна знайти серед робіт А. Вишнякова, Ф. Рокотова та інших.

Портрет хлопчика роботи І. Дрождіна дещо специфічніший у розумінні художнього завдання. Однак тут сама «дитячість» образу носить ще дещо умоглядний декларативний характер: це втілена «чиста дошка» просвітницької філософії. У портреті дуже мало індивідуальних характеристик, а емоції відсутні.

Дитячому портрету роботи Кіпренського близький тропінінський портрет сина Арсенія. Образ останнього навіяний, скоріше сентименталістськими ідеалами і подібність тут не приналежність романтизму, від якого Тропінін більш далекий, ніж Кіпренський. Проте характерно, що завдання створення дитячого портретазрозуміла і як відображення людської цінності юного віку.

Типово для дитячого портрета на початку ХІХ ст. і пізніше, ніж ці портрети, зображення хлопчика Томилова роботи Олександра Григоровича Варнека. Незважаючи на деяку сухість виконання, притаманну багатьом творам Варнека, тут підкуповує простота задуму художника, безпосередність передачі натури та серйозність вираження дитячої особи, в якій чітко виражені особливості віку: блискучі, наче вимиті вишні на блюдце – вдало знайдена деталь – повідомляє образ своєрідну свіжість.

Художникам цієї епохи не далека романтичність і у зображенні жінок. Щоб гідно оцінити весь ступінь одухотвореності та ліричної наповненості жіночих образівКіпренського, достатньо порівняти їх із сучасними ним жіночими портретами роботи А. Г. Варнека. Наприклад, два чудові портрети цього живописця: дочок скульптора І. П. Мартоса та поетеси Ганни Петрівни Буніної. Крім майстерного виконання ми знаходимо в цих роботах вірність натурі, простоту композиційного задуму, симпатичність і витонченість загального вигляду дівчат, але в них зовсім відсутня та внутрішня трепетність, якою наділені жінки Кіпренського.

Романтичну героїзацію ми спостерігаємо не тільки в жіночих портретівКіпренського, а й у творчості Варнека. У його ранніх автопортретах, при всьому егоцентризмі та самолюбуванні зображеної в них людини, прозирала радість і повнота життя: пізній автопортрет зображує художника втомленим, недбало одягненим. Холодуваті «денні» тони не приховують збляклих фарб його злегка обрюзглого обличчя. Романтизований образ поступається місцем прозовій правді життя.

Романтичне твердження поетичної цілісності замінюється реалістичним поглядом на особистість та її суспільні зв'язки, поглядом, який часом свідчить про спустошеність внутрішнього світусамого художника. Характерний цього часу цікавий груповий портрет Кіпренського – «Читачі газети у Неаполі». Портрет типовий романтизму своїм задумом. На відміну від групового портрета сентименталізму, який зображував зазвичай членів однієї сім'ї, романтичний груповий портрет об'єднує однодумців, пов'язаних, насамперед, духовними узами. Портрет зображує росіян або, за іншою версією, поляків, які читають у Неаполі статтю про революційних подіяху Польщі 1830-1831 років. Контраст між нерухомою зосередженістю слухачів і тим внутрішнім хвилюванням, яке, безсумнівно, відчуває кожен із них, надає романтичну напруженість «атмосфері» портрета. Незважаючи на те, що зображені згруповані дуже тісно і буквально «дихають один одному в обличчя», у кожному з них відчувається якась замкнутість, зосередженість на своїх власних думках. Не обмінюються ні словом, ні поглядом. Відчуття роз'єднаності посилюється ще й підкресленою, майже відчутною пластикою об'ємної форми, її замкнутістю. У «читачах газети» хочеться бачити не лише людей, відірваних від батьківщини в один із найтрагічніших періодів її історії, але людей післядекабристського часу, які виросли на гуманістичних та просвітницьких ідеалах початку XIX ст. і тих, хто відчув своє безсилля і самотність у нових для них соціальних і політичних обставин.

Нова фаза у творчості Кіпренського як портретиста – і лише Кипренського – відобразила риси нового, післядекабристського періоду російської культури.

Однією з найцікавіших, переважно самостійних областей портрета у цей час був портрет олівцем. Як і пастельний, він змінив початківці виходити з моди: мініатюру на кістки та емалі, силует та гравюру. Малюнок був найяскравішим явищем розквіту камерного, інтимного портретного зображення, надзвичайно поширеного у першій половині сторіччя. Саме в камерному портреті, де думка художника розвивається вільніше, найбільш безпосередньо позначився і типовий для епохи інтерес до світу людських почуттів, духовного життя людини.

Цікавими є портретні малюнки Орловського, Кіпренського, Венеціанова, раннього П. Соколова. Серед них безперечна першість належить роботам Кіпренського. Вони дуже різноманітні за задумом та виконання. Тут є ретельно розроблені малюнки, що наближаються, незважаючи на відсутність кольору, за своєю закінченістю, характером трактування образу до портретів, написаних маслом. Такі, наприклад, «Мати з дитиною» (портрет Прейс) або портрет П. А. Оленіна.

Барвистий і багатий на події 20 століття залишився для нащадків у витворах мистецтва. Пізнати умонастрої людей минулого століття неможливо, якщо ігнорувати картини, що збереглися для нас. Кількість яскравих кольорів або їх відсутність, манера написання полотен здатні багато розповісти нашим сучасникам.

І для істориків, і для любителів мистецтва великий інтерес становлять картини, які створили іноземні та російські художники 20 століття. Імена творців живі історія і відомі всьому світу.

В. В. Кандинський (16.12.1866 - 13.12.1944)

Одним із найвідоміших живописців минулого століття вважається В. В. Кандинський. Художник відкрив у собі талант досить пізно. Тягу до творчості він відчув після знайомства з полотнами Моне.

Після цього моменту Василь Васильович відмовляється від кар'єри юриста і все частіше усамітнюється з етюдником, вирушає на природу та замальовує те, що його вражає. Він вирішує здобути освіту і вирушає до Мюнхена, де його талант був оцінений. Після того, як курс навчання закінчився, Кандинський вирішив залишитися в країні і викладати. Вважається, що цей період життя став для художника найпродуктивнішим.

По першим картинам художника важко було вгадати, що він має зробити революцію у світі мистецтва. Поступово знайшов свій шлях Кандінський. Художник спробував багато, перш ніж стати родоначальником абстракціонізму.

Одним з перших полотен, створеним у даному напрямку, є «Ущелина», написана в 1914 році. також вважається і одним з найвідоміших у творчій кар'єріКандинського.

Розпочата Перша Світова війназмусила художника повернутися до рідну країну. Через революцію і громадянську війну, що відбулася, на якийсь час довелося відмовитися від виставок. Тільки в 1916 році Кандинський зміг показати свої полотна в Швеції.

Оновлена ​​Росія надихнула художника створення картини «Червона площа». Після цього полотна Кандінський знову довелося залишити творчість. Йому доводилося виконувати великий обсяг роботи, який не залишав ні сили, ні часу для створення картин. Тоді було вирішено вирушити до Німеччини, щоби там зосередити всю увагу на улюбленій справі. Але нова країна зустріла митця неприємним сюрпризом.

Як і багато художників 20 століття, Кандинський деякий час жив у злиднях. У Німеччині та Франції Василь Васильович створив багато нових полотен, відомих у всьому світі. Серед них – «Кола у колі», «Інтимна звістка», «Кожен за себе».

Кандинський помер у 1944 році після тяжкої хвороби.

А. Матісс (31.12.1869 - 03.11.1954)

Анрі Матіс — один із самих відомих художниківминулого століття. Вважається, що майбутнього живописця надихнула взяти кисть до рук його матері, яка займалася розписом кераміки. Як і багато художників 20 століття, Матісс не відразу знайшов свій шлях. Він знав, що йому подобається живопис, але основним способом заробітку він стати не може. Тому майбутній художникздобув юридичну освіту та деякий час працював за професією. Але при цьому він шукав час для уроків живопису. Лише 1891 року, незважаючи на заборони батька, Матісс вирішує залишити юриспруденцію, вирушити до Парижа і серйозно зайнятися живописом.

Через 5 років його картини вперше опиняються перед широкою публікою. Полотно «Читаюча» набуло особливої ​​популярності, воно було придбано для прикраси кабінету президента Франції.

Матісс займався як живописом. Він захоплювався скульптурою та відвідував курси. Але це не дало йому стільки популярності. На початку свого шляху Матісс, як і багато 20 століття, зазнавав фінансових труднощів, тому деякий час йому разом із сім'єю доводилося жити у батьків.

У 1905 побачила світ одна з найвідоміших - «Жінка в зеленому капелюсі». Ця робота та низка інших змусили любителів мистецтва заговорити про Анрі, почати цікавитись його творчістю.

Одним із перших шанувальників таланту відомого живописця став російський колекціонер С. І. Щукін. Він надихнув Матісса відвідати Москву, де художник відкрив собі колекції старих російських ікон. Вони вразили його та наклали відбиток на подальшу його творчість.

Всесвітньо відомим ім'яМатісса стає після створення циклу «Одаліски» та декорацій для представлення балету Стравінського.

40-ті були дуже важкі для художника. Його дружина, дочка та син були заарештовані гестапо за участь у русі Опору, а сам він тяжко хворів. Але Матісс продовжував роботу. Незважаючи на трагічні події у світі та в житті художника, полотна залишаються яскравими, легкими, радісними.

Матісс продовжував роботу до останніх своїх днів. Він помер від інфаркту у 1954 році.

П. Пікассо (25.10.1881 - 08.04.1973)

Досі відомі та популярні художники 20 століття. Список їх, однак, був би неповним, якби в ньому не було згадки про великого іспанського творця Пабло Пікассо.

Ця дивовижна людина ще в ранньому дитинстві проявила потяг до живопису. Становленню таланту допомогло й те, що батько був учителем малювання і давав уроки своєму синові. Перша серйозна робота виникла, коли молодому живописцю було лише 8. Та робота називалася «Пікадор». До кінця свого життя Пікассо не розлучався з нею.

Батьки художника часто переїжджали, але у кожному новому місті Пікассо робив усе для того, щоб здобути освіту. Він дивував своїми вміннями в такому юному віці.

У Барселоні Пікассо знайшов однодумців та друзів. Тоді розвиток здібностей художника відбулося новий рівень. Але великий удар по Пікассо завдало самогубства його друга. Наступні картини, які прийнято зараховувати до «блакитного» періоду, пронизані темою старості та смерті. У цей період з'являються «Жінка з пучком волосся», «Коханка абсенту» та багато інших картин. Натхненням для художника стають нижчі верстви населення.

Потім увагу Пікассо привертають артисти бродячих цирків. Рожевий повільно витісняє блакитний картини. Починається "рожевий" період. До нього відноситься картина «Дівчинка на кулі».

Дедалі більшу увагу живописця привертає не колір, а форма. Разом зі своїм другом Пікассо створює зовсім новий напрямок у мистецтві – кубізм. З'являються відомі «Фабрика в Хорта де Ебро» та «Портрет Фернанди Олів'є». Художник не перестає експериментувати. Він використовує різні матеріали для створення полотен.

Робота у цьому напрямі закінчилася з початком Першої Світової війни. Тоді Пікассо довелося розлучитися зі своїм другом. Як і багато художників 20 століття, Пабло був вражений красою російського балету. Він погоджується створювати костюми для артистів та декорації, разом зі своїми новими знайомими вирушає на гастролі. Пікассо одружується з російською дівчиною Ольгою Хохловою. Вона стає його натурщицею для багатьох полотен.

1925 стає роком перелому в творчої біографіїхудожника. Його полотна все більше нагадують ребуси. Великий вплив на художника мають поети-сюрреалісти. У цей період були створені «Дівчина перед дзеркалом», «Чоловік із букетом» та інші картини.

Багато що змінилося перед початком війни. Руйнування вщент міста басків змусило Пікассо створити відоме полотно «Герніка». Ця та подальші роботи художника були просякнуті ідеєю пацифізму.

Щастя приходить до Пікассо із закінченням війни. Він одружується, у нього народжуються ще дві дитини. Разом із дружиною художник переїжджає. Молода дружина та діти стають натхненням для Пікассо.

Н. К. Реріх (27.09.1874 - 13.12.1947)

Реріх Микола Костянтинович з раннього дитинствапоказав себе неординарною людиною. Йому легко давалися науки, він швидко проходив запропоновану йому програму навчання. З легкістю він склав іспити і вступив до однієї з найкращих і найдорожчих гімназій Санкт-Петербурга. Коло інтересів майбутнього художника було неймовірно широке. І вже тоді його цікавив живопис.

Але на настійну вимогу свого батька Реріх вирішує вивчитися на юриста. Отримуючи освіту, він багато читає історичні праці, цікавиться літописами і бере участь в археологічних розкопках. Як і багато художників початку 20 століття, він не відразу приходить до думки про те, що живопис має стати його основним заняттям. Усвідомити свій талант Реріх зміг після спілкування з Куїнджі, який погодився стати учителем молодого художника.

Захоплення історією знайшло своє відображення у полотнах Миколи Костянтиновича. Він створив серію картин «Початок Русі. Слов'яни». Реріх не намагався показати за допомогою своїх полотен якісь ключові моменти історичного розвитку. Він розповідав про побут, повсякденні моменти, які, проте, здаються сучасному глядачеві практично казковими.

Велику роль у житті Миколи Костянтиновича відіграла його дружина, яка надихала його та допомагала йому у роботі. Разом з нею Реріх вирушив у подорож стародавніми містами Росії. Підсумком його стала серія картин, що відображає пам'ятки архітектури.

Багато художників 20 століття цікавилися театром та створювали декорації. Не став винятком і Микола Костянтинович. Його роботи допомогли створити атмосферу для багатьох уявлень.

Після революції Реріх Микола Костянтинович та його дружина вирушають у подорож, яка стане поворотним моментому їхньому житті. Художник досліджує Центральну Азію, вивчає Тибет, Індію, Алтай, Монголію, Гімалаї. Результатом цієї поїздки стали не лише картини, а й великий матеріалпро традиції, звичаї та історію тих земель, де побувала експедиція.

У останні рокиРеріх життя все частіше малював пейзажі. Він створив Гімалаї. Льодовики», «Ступа Ладак», «Королівський монастир. Тибет» та багато інших чудові картини. Роботи художника, його історичну працю високо оцінили уряд Індії. Його вважали російським другом цієї загадкової та прекрасної країни.

Микола Костянтинович Реріх помер в Індії 1947 року. Його син привіз до Росії картини батька.

К. С. Петров-Водкін (24.10.1878 - 15.02.1939)

Багато чудових робіт залишили своїм нащадкам художники Срібного віку. Одним із найвідоміших живописців, які працювали на той час, став Кузьма Сергійович Петров-Водкін.

Майбутній художник народився у сім'ї, яка була далека від світу мистецтва. Якби не місцеві купці, які допомагали Кузьмі Сергійовичу здобувати освіту, він міг би так і не розкрити свій талант. Спочатку він навчався у класі живопису в Самарі, потім вирушив відточувати свої здібності до Москви, де брав уроки у відомого художника В. А. Сєрова.

Велике значення у біографії Петрова-Водкіна має подорож Європою. Тоді він знайомиться із полотнами творців епохи Відродження. Картини художників 20 століття також мали вплив: Петрова-Водкіна вразили роботи французьких символістів.

Символізм захоплює художника. Він починає створювати картини у цьому напрямі. Найвідомішою з них стає полотно «Купання червоного коня», створене 1912 року. Трохи менш відомі картини «Мати» та «Дівчата на Волзі».

Петров-Водкін створив кілька портретів. Найчастіше зображені друзі художника. Великою популярністю користується створений портрет Анни Ахматової.

Кузьма Сергійович підтримував революційні ідеї. Учасники Громадянської війни, що підтримують ідеї червоних, постають на його полотнах у ролі героїв. Широко відомі картини "Поле бою", "Смерть комісара".

Ближче до кінця свого життя Петров-Водкін написав кілька цікавих як шанувальникам його таланту, а й усім любителям літератури.

Малевич (11.02.1879 - 15.05.1935)

Одним із найвідоміших художників минулого століття став Казимир Северинович Малевич. Художник-авангардист справив справжній фурор у світі мистецтва та зробив своє ім'я відомим на всій планеті.

Ніхто не міг припустити, що хлопчик із польської родини, який допомагає у вільний час мешканцям села розмальовувати печі, якось стане великим. Сільський побут вражав майбутнього художника. Він малював усе те, що йому особливо запало у душу.

Сім'я часто переїжджала. Коли Малевичі мешкали у Києві, Казимир Северинович займався у малювальній школі. У Курську він намагався заробити гроші на навчання в Москві. Дуже довго йому не вдавалося вчинити. Точно не відомо, але вважається, що жодна його спроба не мала успіху. Однак у Москві Малевич придбав багато нових знайомств, а також побачив картини, які вплинули на подальшу його творчість.

У місті Казимир Северинович знайшов друзів, серед яких художники Росії 20 століття. Вони хотіли привнести щось нове у світ мистецтва, ділилися з Малевичем своїми амбітними ідеями та баченням майбутнього мистецтва.

Основою живопису сам Казимир Северинович вважав колір та почуття. Він мріяв змінити традиції живопису. Довгий час він нікому не показував своїх робіт. Зрештою вони з'явилися на виставці футуризму. Незадовго до неї Малевич опублікував брошуру, в заголовку якої вперше згадується супрематизм.

На виставці футуризму вперше глядачі вбачають легендарний «Чорний квадрат», а також «Червоний квадрат» та «Супрематизм». Автопортрет у двох вимірах».

Нововведення, внесене Малевичем, набуло визнання. У Казимира Севериновича з'явилися перші учні, із якими він займався спочатку у Вітебську, та був у Петрограді. Слава Малевича проникла і до інших країн. Він вирушив до Німеччини, щоб організувати виставку своїх робіт.

Картини Малевича було виставлено у Третьяковській галереї. Він готовий був працювати і далі, але його здоров'я з кожним днем ​​ставало дедалі гіршим. Казимир Северинович помер 15 травня 1935 року.

С. Далі (11.05.1904 - 23.01.1989)

Найнеоднозначнішим художником минулого століття, поза всяким сумнівом, є Сальвадор Далі. Дуже рано у ньому відкрився талант живописця. Його батьки були раді тому, що їхній хлопчик любить малювати, тому всіляко заохочували його захоплення. У Сальвадора з'явився перший учитель, професор Жоан Нуньєс.

Далі був незвичайною людиною, він готовий був змиритися з встановленими правилами. Його вигнали з чернечої школи, чим був дуже незадоволений батьком. Тоді Сальвадору довелося їхати до Мадриду, щоб там розвивати свій талант і навчитися чогось нового.

В Академії Далі цікавився кубізмом та футуризмом. Тоді він створив картини «Пристосування та рука» та «Портрет Луїса Буньюеля». Але з Академії Сальвадора вигнали за його відмову підкорятися правилам закладу, ексцентричну поведінку та неповагу до викладачів.

Але ця подія не стала трагедією. Далі вже тоді був відомий та влаштовував персональні виставки. Він спробував себе у ролі художника, він також створював фільми. Першою кінокартиною став «Андалузький ліс», за ним з'явився «Золоте століття».

У 1929 році Сальвадор Далі зустрів свою музу та майбутню дружину Олену Дьяконову, яка називала себе Гала. Вона допомогла своєму коханому, познайомила його з багатьма відомими людьми, Серед яких були і художники Росії, допомогли йому знайти свій власний шлях. Ним став сюрреалізм.

Майже всі наступні картини були пов'язані з коханою дружиною Далі. Він створює «Стійність пам'яті» та «Параноїчне перетворення обличчя Гали».

Після початку Другої Світової війни Далі разом зі своєю дружиною вирушив до США, де випустив автобіографію. Сальвадор дуже багато працював у цій країні. Він не лише створював картини, а й пробував себе в ролі дизайнера, ювеліра, творця декорацій, головного редактора газети.

Після війни Далі повертається на Батьківщину. У цей час з'являється у багатьох картинах художника. Серед них, наприклад, «Носорогоподібна фігура Іліса Фідія».

Справжнім ударом для Сальвадора Далі стала смерть коханої жінки Олени Дьяконової. Він був настільки пригнічений, що не зміг прийти на її похорон. Довгий час після цього Далі не міг створити жодної картини. Однак він все ще залишався шалено популярним.

Останньою картиною Далі стало полотно «Ластівчин хвіст». Після цього через хворобу митець більше не міг працювати. Він помер 23 січня 1989 року.

Фріда Кало (06.07.1907 - 13.07.1954)

Однією з небагатьох відомих на весь світ жінок-художниць минулого століття стала Фріда Кало. Вона ніколи ні в чому не хотіла поступатися протилежній статі, займалася спортом, навіть захоплювалася деяким часом боксом.

Як і багато художників Росії та Заходу, Фріда не відразу обрала свій шлях. Вона вивчала медицину. Саме під час навчання вона познайомилася з Дієго Ріверою, який згодом стане її чоловіком.

Коли Фріді було 18, вона потрапила у жахливу аварію. Через це вона довгий час провела у ліжку і вже ніколи не змогла стати матір'ю. Лежачи в ліжку, не маючи змоги піднятися, Кало почала вивчати живопис. Вона дивилася на закріплене вгорі дзеркало та малювала автопортрети.

У 22 роки Фріда продовжила здобувати освіту, але живопис вже не зміг залишити. Вона продовжувала роботу, все ближче сходилася з Ріверою, а потім стала його дружиною. Але Дієго завдав сильного удару по Фріді - він зрадив художниці з її сестрою. Після цього Кало створила картину «Усього кілька подряпин».

Фріда була комуністкою. Вона спілкувалася з Троцьким і була дуже рада, що той мешкав у Мексиці. Подейкували, що їх пов'язувало щось більше, ніж дружба.

Кало мріяла стати матір'ю, але травми, отримані під час аварії, не дозволяли їй зробити це. Головними героями її картин дедалі частіше ставали мертві діти. Однак, незважаючи на страждання, Фріда любила життя, була світлою і позитивною людиною. Вона цікавилася політикою СРСР, захоплювалася вождями. Залучали її художники Росії. Фріда хотіла намалювати портрет Сталіна, але не встигла закінчити свою роботу.

Тяжкі травми не давали про себе забути. Вона дуже часто змушена була лежати у шпиталі, їй ампутували ногу. Але після цього була світла пляма у її житті — перша персональна виставка.

Д. Поллок (28.01.1912 - 11.08.1956)

Одним із найвідоміших художників минулого століття став Джеймс Поллок. Він був учнем Томаса Ханта Бенсона і завдяки цій людині розвивав і примножував свої здібності.

Ближче до кінця 30-х Поллок познайомився з творчістю експресіоністів. Полотна справили на нього незабутнє враження. Навіть незважаючи на те, що картини Поллока були оригінальні та самобутні, відчувалося, що вони натхненні Пікассо, ідеями сюрреалістів.

В 1947 Поллок створив свій власний метод написання картин. Він виплескував фарби на полотно, а потім створював барвисте павутиння шляхом ударів мотузкою. Такий спосіб викликав велику цікавість.

Джексон Поллок став іконою для молодих художників-нонконформістів, які також мріяли знайти свій шлях і показати всьому світу своє бачення. Джексон став символом новаторства мистецтво.

Е. Уорхол (06.08.1928 - 22.02.1987)

Навіть через довгі рокизалишається модним та популярним художником. Першу освіту він здобув в Інституті технології Карнегі, він відвідував безкоштовні заняття з малювання та розвивав свій талант. Однак одразу після цього великим художником не став.

Довгий час Уорхол малював ілюстрації для популярних модних журналів, створював графічні роботи у сфері реклами. Саме це зробило його ім'я відомим. Він почав малювати олівцем і створив одну із перших своїх відомих робіт- Пляшку "Кока-Коли".

Енді зображував те, що було популярно у світі зараз. Він став родоначальником нового напряму, який отримав ім'я поп-арт. Легендарними стали його картини, що зображують Мерилін Монро, Елвіса Преслі, Міка Джагера та багатьох інших відомих особистостей.

Уорхол був як художником, а й сценаристом, і навіть режисером. Він створив велику кількість фільмів, перші з яких були німими та чорно-білими. Крім того, він написав кілька автобіографій, був редактором телеканалу та навіть продюсером рок-групи.

Велике значення для світового мистецтва мають полотна художників минулого століття. Кожен із них привніс щось нове та незвичайне. Гідне місце серед них займають і художники Росії 20 століття.