Архив рубрики: Советские художники. Советская живопись - история современного искусства Все советские художники

М. Бри-Бейн. Женщины-радистки. 1933 ~ О. Верейский. Три сестры

Е. Самсонов. На новые земли. 1954

С. Каманин. Строительство буксирных судов. 1953

Е. Данилевский. Проба стали. 1952

И. Симонов. Литейщики. 1959 ~ Е. Харитоненко. Электросварщица. 1959

А. Дейнека. Кто кого. 1932

В. Купцов. АНТ-20 ("Максим Горький"). 1934

Б. Яковлев. Транспорт налаживается. 1923

Г. Ряжский. Рудник. Урал. 1925

В. Малагис. Сталевары. 1950

И. Бевзенко. Молодые сталевары. 1961

Н. Базылев. Экскурсия на завод. 1956

Г. Бжозовский. В сталеплавильном цехе. 1964

Я. Ромас. На плотах. 1949

М. Мальцев. На вахте. 1953

В. Цветков. Птицеферма. 1971

М. Мальцев. Крановщик. 1953 ~ З. Попова. Хороший улов. 1970
С. Бальзамов. Передовая работница. 1951

Н. Базылев. Завод им. Орджоникидзе. 1972

А. Петров. "Мосфильм". 1978

А. Петров. Москва. Казанский вокзал. 1981

В. Фирсов. Колонна. 1984

Ф. Решетников. Прибыл на каникулы. 1948 ~ Ф. Решетников. Опять двойка. 1951

Т. Яблонская. Утро ~ Ю. Ракша. Маленькие купальщики. 1979

Н. Жуков. Растем и хорошеем. 1953 ~ А. Лактионов. В гостях у внуков

И. Владимиров. В женской школе ~ В. Корнеев. Школьники на концерте. 1952

Ф. Решетников. За мир! 1950 ~ Н. Соломин. Молодые мамы

Е. Гордиец. Освещенные солнцем. 1982 ~ Б. Угаров. Мать

К. Петров-Водкин. Спящий ребенок. 1924

Ю. Кугач. У колыбели

Н. Терпсихоров. Окно в мир. 1928

П. Кривоногов. Девочка с лыжами. 1963 ~ В. Жолток. Зима пришла. 1953

А. Ратников. Нагулялись. 1955

Т. Яблонская. В парке. 1950

Т. Яблонская. Простудилась. 1953

Н. Ульянов. Снегири

Д. Колупаев. Праздник в школе. На елке. 1949

А. Костенко. И. Мичурин с детьми. 1964 ~ П. Драченко. Пионерская песня. 1959

В. Жолток. Девочка с красной шляпкой. 1955
А. Мыльников. Верочка на веранде. 1957

С. Григорьев. Вратарь. 1949

К. Успенская-Кологривова. Не взяли на рыбалку

С. Григорьев. Рыбачок. 1958

И. Шульга. Пионеры в гостях у черноморцев. 1940

П. Крылов. Две Наташи

Р. Галицкий. У финиша

И. Шевандронова. В сельской библиотеке

И. Шевандронова. Идет репетиция. 1959

А. Дейнека. Будущие летчики. 1937

В. Прибыловский. Будущие капитаны. 1963

С. Григорьев. Пионер. 1951 ~ П. Крохоняткин. Дети на балконе. 1954 ~ О. Богаевская. Детский праздник. 1980

Е. Чернышова. Вышневолоцкие невесты. 1984 ~ А. Левитин. Мир внукам. 1985

К. Петров-Водкин. Девочка с куклой. 1937 ~ М. Богатырев. Будущие чемпионы. 1950

Я. Титов. У мавзолея В.И.Ленина. 1953

П. Кривоногов. Похороны И.В. Сталина. 1953

И. Давидович, Е. Тиханович. Первомайская демонстрация

И. Давидович, Е. Тиханович. Первомайская демонстрация (фрагмент)

А. Казанцев. И.В. Сталин с матерью

Б. Владимирский. Розы для И.В.Сталина

И. Пензов. Счастливое детство. 1978

Л. Котляров. Хлеб-соль (Л. И. Брежнев с тружениками села)
И. Радоман. Л. И. Брежнев на ЗИЛе

А. Герасимов. И.В. Сталин и А.М. Горький на даче. 1930

А. Герасимов. Семейный портрет. 1934
Народный художник СССР А.М.Герасимов
Несмотря на нежелание родителей, он едет в Москву, блестяще сдает экзамен по рисунку и становится студентом Училища. Его учителем в пейзажном классе был М.К.Клодт, в головном - К.Н.Горский и А.М.Корин, в фигурном классе - С.Д.Милорадович и Н.А.Касаткин, в натурном - А.Е.Архипов и Л.О.Пастернак. Многое в живописи ему дали учителя В.Серов, К.Коровин, А.Васнецов. Блестяще закончив живописное отделение Училища, А.М.Герасимов решил посещать мастерскую К.Коровина. Для этого нужно было, по совету Коровина, поступить еще на какое-либо отделение Училища. Герасимов твердо решил - на архитектурное. Многое дал ему Константин Коровин, по праву считающийся основоположником русского импрессионизма. Часто бывая в Париже, К.Коровин рассказывал студентам о французском импрессионизме и, разумеется, влиял на творчество молодого Герасимова. Особенно это влияние прослеживается в его ранних ученических работах, созданных в 1912-13-х гг.: "Портрет В.А.Гиляровского", "Портрет Н.Гиляровской", "Портрет В.Лобанова". Все эти работы писались на даче В.Гиляровского, в Гиляевке. "Портрет В.А.Гиляровского" ныне находится в квартире писателя в Москве, а два других портрета - в собрании музея-усадьбы А.М.Герасимова.
В.А.Гиляровский в эти годы часто посещал ученические выставки в Училище живописи, ваяния и зодчества. По работам он легко мог определить не только талант художника, но и откуда тот или иной художник. Он приобретал картины совсем молодого Герасимова, поддерживал его морально и материально и это благоприятно сказывалось на творчестве художника.

В саду. Портрет Нины Гиляровской, 1912

Портрет искусствоведа В.М.Лобанова. 1913
В конце 30-х годов А.М.Герасимов увлекается портретом: "Портретный жанр является основным видом моего творчества, выражающим мою сущность как художника", - писал Герасимов. Художника привлекали личности творческие, интеллектуально богатые и значительные. "Я любил и люблю сильное и яркое в природе, ищу то же в человеке и когда нахожу, мне неудержимо хочется запечатлеть его в красочном образе", - вспоминал А.М.Герасимов. Потребность в увековечивании сильного, прекрасного человека, увиденного в его широких связях со временем, эпохой, средой вылилась в создание поистине грандиозной серии портретов. Среди них особенно выделялся "Портрет балерины О.В.Лепешинской " (1939). Балерина изображена в репетиционном зале, на фоне огромного зеркала, стоя на пуантах. Этот прием позволяет показать фигуру танцовщицы в двух ракурсах. В зеркале отражается столик с гримировальными принадлежностями и часть балетного станка, виден и мольберт, за которым работал художник.
Замечательны портреты А.К.Тарасовой (ГРМ), актера МХАТа И.М.Москвина (1940) (Львовская картинная галерея), "Портрет артистки Тамары Ханум" (1939). Позже он пишет "Групповой портрет старейших артисток Государственного академического Малого театра СССР А.А.Яблочкиной, В.Н.Рыжовой, Е.Д.Турчаниновой " (1956), "Портрет Рины Зеленой" (1954) и др.

Портрет артистки А.К.Тарасовой. 1939 ~ Портрет дочери. 1951

А.М. Герасимов. Портрет К.Е. Ворошилова. 1927
Портрет Клима Петровича Ворошилова, внука К.Е.Ворошилова. 1949
Герасимов Александр Михайлович

Герасимов имел дар легко схватывать портретное сходство и ощущал себя в первую очередь портретистом. Среди его работ постепенно начинают преобладать изображения людей высокопоставленных. Особую известность Герасимов получил как автор многочисленных изображений В. И. Ленина, И. В. Сталина и крупных партийных бонз. Свою кисть он сознательно отдал на службу торжествующей коммунистической власти в обмен на личное преуспевание.

Незаурядный талант, жизнерадостная, «сочная» манера письма – все это по мере продвижения художника по карьерной лестнице обретало парадный лоск (Портрет К. Е. Ворошилова. 1927. Музей современной истории России). Его наиболее признанными полотнами стали «В. И. Ленин на трибуне» (1930. ГИМ; повторение 1947 в ГТГ) и «Выступление В. И. Ленина на Пленуме Моссовета 20 ноября 1922 года» (1930. ГИМ).

Успех и признание не заставили себя ждать. В начале 1936 года в Москве открылась персональная выставка Герасимова, на которой были показаны 133 произведения, начиная с самых ранних. Центральное место, конечно, занимали портреты партийных вождей, главное место на экспозиции было отдано «Выступлению И. В. Сталина на XVI съезде партии» (1933. Архив художественных произведений).

В отличие от многих других, Герасимову разрешалось выезжать за рубеж. В 30-е годы он побывал в Берлине, Риме, Неаполе, Флоренции, Венеции, Стамбуле и Париже. За границей художник писал много этюдов («Айя-София». 1934. ГРМ) и постоянно посещал художественные выставки. Но «правильному» борцу за соцреализм не понравилось безыдейное, как он считал, искусство Европы. Французские художники, по уверению Герасимова, с интересом слушали его рассказы о «художественной деятельности в СССР». «Им казалась сказкой прекрасная жизнь и условия работы художников в Советском Союзе, где все виды искусства окружены заботой со стороны партии и правительства» (Сокольников М. А. М. Герасимов. Жизнь и творчество. – М., 1954. С.134.).

Во второй половине тридцатых и в сороковых годах появляются такие официально помпезные произведения Герасимова, как «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле» (1938. ГТГ), «И. В. Сталин делает отчетный доклад на ХVIII съезде ВКП(б) о работе ЦК ВКП(б)» (1939. ГТГ), «Гимн Октябрю» (1942. ГРМ), «И. В. Сталин у гроба А. А. Жданова» (1948. ГТГ, Сталинская премия 1949 г.). Подобные «эпохальные» картины обычно создавались бригадным методом, то есть подмастерьями, – сам маэстро прописывал лишь ответственные детали. Его огромные по размерам холсты, полные плакатного пафоса, становились эталонами официального стиля советского искусства.

Его картины создавали образ «мудрого вождя» и играли важную роль в пропагандистских кампаниях. Художник безудержно льстил Сталину и в своих помпезных изображениях генсека, и в высказываниях о нем. Быть может, лишь чтобы поднять свой авторитет, он уверял, что Сталин в разговорах с ним «высказывал ценнейшие, для нас – художников, замечания, касающиеся самой темы нашего ремесла». Однако сам Сталин не считал себя знатоком живописи, скорее он был к ней равнодушен, если дело не касалось его собственных портретов (Громов Е. Сталин: власть и искусство. – М., 1998. С. 288, 305.).

Художник не покладая рук также писал портреты высокопоставленных лиц коммунистической партии и правительства (Портрет В.М.Молотова. [В.М. Молотов выступает на заседании в Большом театре 6 ноября 1947 года.]. 1948. ГТГ), военачальников и героев социалистического труда. Иногда Герасимов писал и представителей творческой интеллигенции: «Балерина О. В. Лепешинская» (1939), «Групповой портрет старейших художников И. Н. Павлова, В. Н. Бакшеева, В. К. Бялыницкого-Бирули, В. Н. Мешкова» (1944, Сталинская премия 1946 года). Портретировал он также свою семью – «Семейный портрет» (1934. Музей Республики Беларусь).

Для себя Герасимов занимался грубоватой и упрощенной эротикой, сохранились многочисленные этюды к незаконченным картинам «Деревенская баня» (1938, Дом-музей А.М. Герасимова, Мичуринск) и «Половецкие пляски» (1955, собственность семьи художника, Москва). На тему «Деревенской бани» Герасимов писал множество этюдов «для себя» на протяжении многих лет (Деревенская баня. Этюд. 1950. Собрание семьи художника). «Отводил душу» он и в работе над иллюстрациями к «Тарасу Бульбе» (1947-1952), в которых, возможно, искал потерянные пути к национальному романтизму начала века.

К концу 1930-х годов, в период массовых репрессий и становления тоталитарной сталинской системы, Герасимов добивается полного официального успеха и благополучия. Теперь он не только придворный, высоко оплачиваемый живописец, любимец Сталина, но и наделенный властью руководитель художественной жизни страны. Ему было доверено возглавлять и, главное, контролировать творчество других художников. Его назначили председателем правления Московского отделения Союза художников (1938-1940 гг.) и председателем оргкомитета Союза советских художников (1939-1954 гг.). Когда в 1947 году была создана Академия художеств СССР, то первым ее президентом по настоянию Ворошилова был назначен Герасимов – в этом кресле он продержался до 1957 года.

На всех постах Герасимов выказывал себя энергичным помощником партии в подавлении творческой интеллигенции. Он неукоснительно боролся с любыми отклонениями от соцреализма под ложным лозунгом «верности великим традициям русского реализма». Он твердо и последовательно боролся с «формализмом», против «преклонения перед выродившимся искусством буржуазии».

Как преданный сподручный Ворошилова, он активно способствовал закрытию в 1946 году Музея нового западного искусства, в здании которого разместился Музей подарков И. В. Сталину. В 1948 году в ходе дискуссии о формализме он неустанно выступал «за высокое идейное искусство», то есть за искусство выхолощенное и идеологическое. Герасимов риторически спрашивал и без обиняков отвечал: «Почему я должен был считать вкусы художников-формалистов выше моего вкуса? [...] всем своим нутром я понимал, что это какая-то гибель, меня тошнило от всего этого и вызывало ненависть, которая до сих пор не делается меньше».

С особой яростью и с удовольствием он топтал импрессионистов. Верные люди Герасимова выискивали непокорных художников и доносили о них строгому блюстителю соцреалистического порядка. Разбирательство всегда было коротким и безапелляционным. Если художник писал мазками, то следовало обвинение в «импрессионизме». С этого момента любые произведения такого опального живописца уже никуда не принимались и он обрекался на голодное существование.

В то же время Александр Герасимов прекрасно понимал, что такое настоящее искусство и подлинное творчество. Когда его мысли были далеки от ответственных постов и высоких трибун, он создавал камерные, лирические произведения, отдавая предпочтение пейзажу и натюрморту. В этих работах сказалась, волей-неволей, живописная система его учителя Константина Коровина. Многие из них несут отчетливые следы импрессионистического письма: «Песня скворца» (1938. ГТГ), «Яблони в цвету» (1946. Собрание семьи художника). На мой взгляд, лучшее его произведение – «После дождя. Мокрая терраса» (1935. ГТГ). В нем художник явил подлинное живописное мастерство.

В быту Александр Михайлович был известен как мягкий и доброжелательный человек. В разговорах с близкими людьми он позволял себе весьма неортодоксальные высказывания. Молодым художникам он советовал: «Самое важное – это ухватить жизнь за хвост. Ее неповторимость. Не гонитесь за особо официальными полотнами. Деньги получите, а художника в себе потеряете».

К старости маститый художник словно уменьшился в росте и выглядел карликом, морщинистая желтая кожа свисала на лице складками, черные монголоидные глаза под дряблыми веками казались грустными. Ничего злодейского в его облике не было. О себе он говорил: «Я ведь чистейший русский! Но татары в моем роду, видимо, побывали основательно. Мне бы на коне сидеть, под седлом вяленую бастурму отбивать, пить, если захотел, конскую жилу подрезать, крови напиться. Впрочем, я и так крови всяких формалистов, и имажинистов, бубновалетчиков насосался вот так... больше не хочу, тошнит...».

Со смертью Сталина влияние Герасимова стало сходить на нет, а после XX съезда КПСС и разоблачения культа личности прежний властитель художников был отстранен от дел. В 1957 году он лишился поста президента Академии, картины с прежними вождями убрали в музейные запасники.

Опала Герасимова была воспринята интеллигенцией как один из симптомов хрущевской «оттепели». Однако сам художник, высоко ценивший свой талант, считал себя незаслуженно отторгнутым. Когда одна из его знакомых, художественный критик, встретила на улице бывшего главу соцреализма и спросила, как у него дела, тот ответил поразительной фразой: «В забвении, как Рембрандт». Однако он преувеличивал меру и своей отверженности, и своего таланта. Соцреалисты будут востребованы вплоть до падения партократии в 1991 году.

Феномен Герасимова и многих ему подобных художников советского периода неоднозначен. Герасимов – живописец, наделенный от Бога большим талантом. Любой мастер в своем творчестве, хочет он этого или нет, зависит от власти, от социокультуры, от сложившегося сообщества, от денег. До какой степени он может позволить себе пойти на компромисс, которого не избежать? Герасимов явно перешел невидимую демаркационную линию. Он стал служить не своему Таланту, а Вождям.

После дождя. Мокрая терраса, 1935
На экспозиции в Третьяковской галерее выставлены две герасимовские картины: «Мокрая терраса» и «И.В. Сталин и К. Е. Ворошилов в Кремле». Пример творческой альтернативы для будущих историков искусства. Но, быть может, потомки, когда покроются патиной времени преступления и несправедливости сталинской эпохи, увидят в них лишь большой живописный дар вне связи с политической конъюнктурой прошлого. И в еще ненаписанной истории русского искусства останется и «Мокрая терраса», и «И. В. Сталин и К. Е. Ворошилов». Как выдающиеся памятники своей эпохи. Ведь никому сейчас не придет в голову упрекать за царские портреты Д. Г. Левицкого, Ф. С. Рокотова, В. Л. Боровиковского, И. Е. Репина, В. А. Серова.

Умер Александр Михайлович Герасимов в Москве 23 июля 1963 года; в том же году вышли и мемуары «воинствующего соцреалиста» («Жизнь художника»).

В марте 1977 года в Мичуринске был открыт мемориальный дом-музей художника. Это обширное двухэтажное кирпичное здание. Имеются сад, дворовые постройки, каретный сарай и амбар. Судя по всему, родители художника были зажиточными купцами, умевшими торговать с выгодой для себя. Сын пошел по их стопам.

Для живописи начала XIX в. классицизм не был столь плодотворен, сколь для архитектуры и скульптуры. Оплотом классицизма в живописи была в то время императорская Санкт-Петербургская Академия художеств, центр художественной жизни страны. Но, общественный подъем начала нового века отразился и здесь. Ещё в 1790-х годах в Академии возникло одно из первых в стране обществ, занимавшихся вопросами «устройства внутреннего бытия России». Многие его члены вступили затем в «Вольное общество любителей словесности, наук и художеств», созданное при непосредственном участии радищевцев. В 1802 году в среде художников родился проект и самостоятельного, чисто художественного содружества, которое занималось бы специально вопросами искусства. Влияние «вольного общества» благотворно сказывалось на художественной жизни страны. Им поддерживался интерес к национальной истории, к гражданственным мотивам в искусстве. Академические преподаватели и сам президент её А. С. Строганов были в числе наиболее уважаемых членов Общества.

Постепенный отход Александра I от либерализма первых лет царствования сказался и на жизни Академии. По мере усиления реакционных элементов над академией устанавливается строгий бюрократический контроль. Шаг за шагом теряет она связь с передовыми направлениями в искусстве и лишается роли идейного центра национальной художественной жизни. В известной мере черты догматизма приобрела со временем и её педагогическая система

При Николае I регламентация академической жизни ещё более усилилась. Академия из ведения Министерства народного просвещения переводится в ведение Министерства двора. Личным вмешательством в её дела Николай I утверждал официозное направление в искусстве.

Черты искусства, культивируемого Академией в начале XIX века, можно наблюдать в работах трех её воспитанников и профессоров: Андрея Ивановича Иванова, Алексея Егоровича Егорова и Василия Козьмича Шебуева.

Творчество этих мастеров раскрывает своеобразие проявления в живописи высокого классицизма. В отличие от классицизма XVIII века, оно освобождается от влияния барочного искусства, стремится к предельной простоте и ясности изобразительного языка, к подчеркнутой пластике форм, к строгости рисунка. Безупречная логика в развитии сюжета, строгое соответствие сюжета избранной теме и рационализм построения композиции – становятся альфой и омегой этого направления. Вместе с тем проблемы колорита отступают на второй план, цвет часто тяготеет к локальности.

Иванов, Егоров и Шебуев окончили Академию художеств одновременно в 1797 году как ученики И. А. Акимова и Г. И. Угрюмова и сразу же начали свою педагогическую деятельность. В 1803 году Егоров и Шебуев уехали в пенсионерскую поездку в Рим, где пробыли до 1807 года, Иванов же остался в России.

Характерные работы А. Иванова – «Подвиг молодого киевлянина» и «Единоборство Мстислава Удалого с Редедею». В них много того гражданственного пафоса, которым проникнуто было сознание передового русского человека начала века и времени Отечественной войны. А. Иванову, как члену «Вольного общества», гражданственно-патриотические идеалы были особенно близки. В обеих картинах образ мужественного, одухотворенного, юного атлета противопоставлен мощному, но грузному и нескладному воину, олицетворяющему грубую физическую сиу.

Обе картины утверждают превосходство возвышенного, героического начала над началом стихийным, не освещенным светом разума. Эпизод из отечественной истории превращен в апофеоз национального духа. Именно в этих произведениях передовые устремления Академии в живописи, выразились языком любимого ею жанра – жанра исторической картины.

Работы А. Иванова ещё во многом близки барочным традициям в русской исторической живописи конца XVIII века. Об этом свидетельствуют аллегорическая фигура Славы, парящая над юношей, особая патетика движения, динамика сцен, черты декоративности в его решении.

Более установившимися принципы высокого классицизма предстают перед нами в творчестве «Русского Рафаэля» Егорова, известного своими превосходными рисунками.

Программное полотно Егорова – картина «Истязание Спасителя». По мнению многих современников, она была лучшим произведением художника. Все здесь характерно для классицизма начала XIX в. Простота и строгая логичность композиции, небольшое число действующих лиц, спокойствие их движений и уравновешенность эмоций, простота поз, нейтральный фон – все это резко отличается от изобразительных средств и приемов русской исторической картины конца XVIII в. Выразительный и правильный рисунок, совершенное знание пластики человеческого тела определяют достоинство картины Егорова. Несомненна некоторая отвлеченность решения её этической проблематики – торжества силы духа над силой физической. Сдержанность цветовой гаммы полотна, построенной на оливково-коричневых и охристых оттенках, граничит с сухостью. Не случайно современникам, отстаивавшим наиболее передовые взгляды на задачи искусства, в этой картине недоставало непосредственности видения мира.

Егоров и Шебуев по возвращении в Петербург из Италии работали главным образом над церковными заказами. Именно им были поручены живописные работы для нового Казанского собора, этого своеобразного символа русского национального достоинства, здания, задуманного, исполненного и украшенного «природными Российскими художниками»

Но церковная живопись была наименее интересной частью искусства обоих художников. Больше индивидуальных черт несут полотна, не связанные с официальными заказчиками: портреты княгини Гоицыной и Суханова работы Егорова.

В работах Егорова наблюдается становление новых тенденций в русской исторической живописи. На первый план выходит религиозная тематика: французские образцы уступают место итальянскому искусству XVI века, более всего Рафаэлю и мастерам болонской школы.

Характерна небольшая картина Егорова «Отдых на пути в Египет». Мотивы, приемы компоновки восходят к высокому Ренессансу. Эта картина не лишена известного изящества. Весь строй её образов несет печать своеобразного гармонического спокойствия, что свидетельствует о большом даровании художника. О том, что чувство гармонии форм и линий могло соединяться у Егорова с живым ощущением натуры, свидетельствует и небольшая «Купальщица»

Для полотен Шебуева характерны романтические искания. Таков его автопортрет с гадалкой, где он представил себя в костюме щеголя XVII века. Интересно и тондо «Иоанн Креститель», где изображен полуобнаженный мальчик, пьющий воду из горного источника. Навеянная творениями французского классицизма XVII века, почитаемого Академией Пуссена, картина привлекает искренностью. Призыв к непосредственности и простоте, одушевляющей передовое искусство начала века звучит и здесь. Более поздняя работа Шебуева, его большое историческое полотно «Подвиг купца Иголкина», принадлежит уже иному периоду развития русской академической живописи. Здесь некоторые традиции классицизма начала века с его твердым рисунком и отчетливой пластичностью выступают в соединении с холодным искусственным пафосом позднего романтизма. Не случайно Андрею Иванову, до конца своей жизни исповедующему классицистические идеалы строгой логической обусловленности всех элементов изображения кажется, что шведские солдаты в этой картине бегут к Иголкину столь стремительною, что непременно должны пробежать мимо него.

Текст: Natalya-51

Детский и женский портрет в России начала XIX века

Детский портрет XVIII века при всем его очаровании ещё очень условен. В сущности, его тема – ребёнок, почти похожий на взрослого или играющий во взрослого. Примеры тому можно найти среди работ А. Вишнякова, Ф. Рокотова и др.

Портрет мальчика работы И. Дрождина несколько более специфичен в понимании художественной задачи. Однако здесь сама «детскость» образа носит ещё несколько умозрительный декларативный характер: это воплощенная «чистая доска» просветительской философии. В портрете очень мало индивидуальных черт, а эмоции отсутствуют.

Детскому портрету работы Кипренского близок тропининский портрет сына Арсения. Образ последнего навеян, скорее сентименталистскими идеалами и сходство здесь не в принадлежности романтизму, от которого Тропинин более далек, чем Кипренский. Однако характерно, что задача создания детского портрета понята и здесь как отражение человеческой ценности юного возраста.

Типично для детского портрета начала XIX в. и более позднее, чем эти портреты, изображение мальчика Томилова работы Александра Григорьевича Варнека. Несмотря на некоторую сухость исполнения, присущую многим произведениям Варнека, здесь подкупает простота замысла художника, непосредственность передачи натуры и серьёзность выражения детского лица, в котором отчетливо выражены особенности возраста: блестящие, будто только что вымытые вишни на блюдце – удачно найденная деталь – сообщает образу своеобразную свежесть.

Художникам этой эпохи не чужда романтичность и в изображении женщин. Чтобы оценить по достоинству всю степень одухотворенности и лирической наполненности женских образов Кипренского, достаточно сравнить их с современными им женскими портретами работы А. Г. Варнека. Например, два превосходных портрета этого живописца: дочерей скульптора И. П. Мартоса и поэтессы Анны Петровны Буниной. Помимо мастерского исполнения мы находим в этих работах верность натуре, простоту композиционного замысла, симпатичность и изящество общего облика девушек, но в них совершенно отсутствует та внутренняя трепетность, которой наделены женщины Кипренского.

Романтическую героизацию мы наблюдаем не только в женских портретах Кипренского, но и в творчестве Варнека. В его ранних автопортретах, при всем эгоцентризме и самолюбовании изображенного в них человека, сквозила радость и полнота жизни: поздний автопортрет изображает художника усталым, небрежно одетым. Холодноватые «дневные» тона не скрывают поблекших красок его слегка обрюзгшего лица. Романтизированный образ уступает место прозаической правде жизни.

Романтическое утверждение поэтической цельности заменяется реалистическим взглядом на личность и её общественные связи, взглядом, порой свидетельствующим об опустошенности внутреннего мира самого художника. Характерен для этого времени интересный групповой портрет Кипренского – «Читатели газеты в Неаполе». Портрет типичен для романтизма своим замыслом. В отличие от группового портрета сентиментализма, который изображал обычно членов одной семьи, романтический групповой портрет объединяет единомышленников, связанных, прежде всего духовными узами. Портрет изображает русских или, по другой версии, поляков, читающих в Неаполе статью о революционных событиях в Польше 1830-1831 годов. Контраст между неподвижной сосредоточенностью слушателей и тем внутренним волнением, которое, несомненно, испытывает каждый из них, придает романтическую напряженность «атмосфере» портрета. Несмотря на то, что изображенные сгруппированы очень тесно и буквально «дышат друг другу в лицо», в каждом из них чувствуется какая-то замкнутость, сосредоточенность на своих собственных мыслях. Они не обмениваются ни словом, ни взглядом. Ощущение разъединенности усиливается ещё и подчеркнутой, почти осязаемой пластикой объемной формы, её замкнутостью. В «читателях газеты» хочется видеть не только людей, оторванных от родины в один из самых трагических периодов её истории, но людей последекабристского времени, выросших на гуманистических и просветительских идеалах начала XIX в. и ощутивших своё бессилие и одиночество в новых для них социальных и политических обстоятельствах.

Новая фаза в творчестве Кипренского как портретиста – и не только Кипренского – отразила черты нового, последекабристского периода русской культуры.

Одной из интереснейших, в большей мере самостоятельных областей портрета в это время был портрет карандашом. Как и пастельный, он сменил начинающие выходить из моды: миниатюру на кости и эмали, силуэт и гравюру. Рисунок был самым ярким явлением расцвета камерного, интимного портретного изображения, чрезвычайно распространенного в первой половине столетия. Именно в камерном портрете, где мысль художника развивается свободнее, наиболее непосредственно отразился и типичный для эпохи интерес к миру человеческих чувств, к духовной жизни человека.

Интересны портретные рисунки Орловского, Кипренского, Венецианова, раннего П. Соколова. Среди них бесспорное первенство принадлежит работам Кипренского. Они очень разнообразные по замыслу и выполнению. Здесь есть тщательно разработанные рисунки, приближающиеся, несмотря на отсутствие цвета, по своей законченности, по характеру трактовки образа к портретам, написанным маслом. Таковы например, «Мать с ребёнком» (портрет Прейс) или портрет П. А. Оленина.

Красочный и богатый событиями 20 век остался для потомков в произведениях искусства. Познать умонастроения людей прошлого столетия невозможно, если игнорировать сохранившиеся для нас картины. Количество ярких цветов или их отсутствие, манера написания полотен способны многое рассказать нашим современникам.

И для историков, и для любителей искусства большой интерес представляют картины, которые создали иностранные и русские художники 20 века. Имена творцов живы в истории и известны всему миру.

В. В. Кандинский (16.12.1866 — 13.12.1944)

Одним из самых известных живописцев прошлого века считается В. В. Кандинский. Художник открыл в себе талант достаточно поздно. Тягу к творчеству он ощутил после знакомства с полотнами Моне.

После этого момента Василий Васильевич отказывается от карьеры юриста и все чаще уединяется с этюдником, отправляется на природу и зарисовывает то, что его поражает. Он решает получить образование и отправляется в Мюнхен, где его талант был оценен. После того как курс обучения был закончен, Кандинский решил остаться в стране и преподавать. Считается, что этот период жизни стал для художника наиболее продуктивным.

По первым картинам живописца трудно было угадать, что скоро ему предстоит совершить революцию в мире искусства. Постепенно нашел свой путь Кандинский. Художник попробовал многое, прежде чем стать родоначальником абстракционизма.

Одним из первых полотен, созданным в данном направлении, является «Ущелье», написанное в 1914 году. также считается и одним из самых известных в творческой карьере Кандинского.

Начавшаяся Первая Мировая война вынудила художника вернуться в родную страну. Из-за произошедшей следом революции и гражданской войны на время пришлось отказаться от выставок. Только в 1916 Кандинский смог показать свои полотна в Швеции.

Обновленная Россия вдохновила живописца на создание картины «Красная площадь». После этого полотна Кандинскому снова пришлось оставить творчество. Ему приходилось выполнять большой объем работы, который не оставлял ни сил, ни времени для создания картин. Тогда было решено отправиться в Германию, чтобы там сосредоточить все внимание на любимом деле. Но новая страна встретила художника неприятным сюрпризом.

Как и многие художники 20 века, Кандинский некоторое время жил в бедности. В Германии и Франции Василий Васильевич создал много новых полотен, известных по всему миру. Среди них - «Круги в круге», «Интимное известие», «Каждый за себя».

Кандинский умер в 1944 году после тяжелой болезни.

А. Матисс (31.12.1869 — 03.11.1954)

Анри Матисс — один из самых известных художников прошлого века. Считается, что будущего живописца вдохновила взять кисть в руки его мать, которая занималась росписью керамики. Как и многие художники 20 века, Матисс не сразу нашел свой путь. Он знал, что ему нравится живопись, но основным способом заработка она стать не может. Потому будущий художник получил юридическое образование и некоторое время работал по профессии. Но при этом он находил время для уроков живописи. Лишь в 1891 году, невзирая на запреты отца, Матисс решает оставить юриспруденцию, отправиться в Париж и серьезно заняться живописью.

Спустя 5 лет его картины впервые оказываются перед широкой публикой. Полотно «Читающая» приобрело особую популярность, оно было приобретено для украшения кабинета президента Франции.

Матисс занимался не только живописью. Он увлекался скульптурой и посещал курсы. Но это не принесло ему столько известности. В начале своего пути Матисс, как и многие 20 века, испытывал денежные трудности, потому некоторое время ему вместе с семьей приходилось жить у родителей.

В 1905 увидела свет одна из самых известных - «Женщина в зеленой шляпе». Эта работа и ряд других заставили любителей искусства заговорить об Анри, начать интересоваться его творчеством.

Одним из первых поклонников таланта известного живописца стал русский коллекционер С. И. Щукин. Он вдохновил Матисса посетить Москву, где художник открыл для себя коллекции старых русских икон. Они поразили его и наложили отпечаток на дальнейшее его творчество.

Всемирно известным имя Матисса становится после создания цикла «Одалиски» и декораций для представления балета Стравинского.

40-е были очень трудны для живописца. Его жена, дочь и сын были арестованы гестапо за участие в движении Сопротивления, а сам он тяжело болел. Но Матисс продолжал работу. Несмотря на трагичные события в мире и в жизни художника, полотна остаются яркими, легкими, дышащими радостью.

Матисс продолжал работу до последних своих дней. Он умер от инфаркта в 1954 году.

П. Пикассо (25.10.1881 — 08.04.1973)

Все еще известны и популярны художники 20 века. Список их, однако, был бы неполным, если бы в нем не было упоминания о великом испанском творце Пабло Пикассо.

Этот удивительный человек еще в раннем детстве проявил тягу к живописи. Становлению таланта помогло и то, что его отец был учителем рисования и давал уроки своему сыну. Первая серьезная работа появилась, когда юному живописцу было всего 8. Та работа называлась «Пикадор». До конца своей жизни Пикассо не расставался с ней.

Родители художника часто переезжали, но в каждом новом городе Пикассо делал все для того, чтобы получить образование. Он удивлял своими умениями в столь юном возрасте.

В Барселоне Пикассо нашел единомышленников и друзей. Тогда развитие способностей художника вышло на новый уровень. Но большой удар по Пикассо нанесло самоубийство его друга. Последующие картины, которые принято относить к «голубому» периоду, пронизаны темой старости и смерти. В этот период появляются «Женщина с пучком волос», «Любительница абсента» и многие другие картины. Вдохновением для художника становятся низшие слои населения.

Затем внимание Пикассо привлекают артисты бродячих цирков. Розовый медленно вытесняет голубой с картин. Начинается «розовый» период. К нему относится картина «Девочка на шаре».

Все большее внимание живописца привлекает не цвет, а форма. Вместе со своим другом Пикассо создает совершенно новое направление в искусстве — кубизм. Появляются известные «Фабрика в Хорта де Эбро» и «Портрет Фернанды Оливье». Художник не перестает экспериментировать. Он использует разные материалы для создания полотен.

Работа в данном направлении закончилась с началом Первой Мировой войны. Тогда Пикассо пришлось расстаться со своим другом. Как и многие художники 20 века, Пабло был поражен красотой русского балета. Он соглашается создавать костюмы для артистов и декорации, вместе со своими новыми знакомыми отправляется на гастроли. Пикассо женится на русской девушке Ольге Хохловой. Она становится его натурщицей для многих полотен.

1925 год становится годом перелома в творческой биографии художника. Его полотна все более напоминают ребусы. Большое влияние на живописца оказывают поэты-сюрреалисты. В этот период были созданы «Девушка перед зеркалом», «Мужчина с букетом» и другие картины.

Многое изменилось перед началом войны. Разрушение до основания города страны басков заставило Пикассо создать известное полотно «Герника». Эта и последующие работы художника были пропитаны идеей пацифизма.

Счастье приходит к Пикассо с окончанием войны. Он женится, у него рождаются еще два ребенка. Вместе с женой художник переезжает. Молодая супруга и дети становятся вдохновением для Пикассо.

Н. К. Рерих (27.09.1874 — 13.12.1947)

Рерих Николай Константинович с раннего детства показал себя неординарным человеком. Ему без труда давались науки, он быстро проходил предложенную ему программу обучения. С легкостью он сдал экзамены и поступил в одну из самых лучших и самых дорогих гимназий Санкт-Петербурга. Круг интересов будущего художника был невероятно широк. И уже тогда его интересовала живопись.

Но по настоянию своего отца Рерих решает выучиться на юриста. Получая образование, он много читает исторических трудов, интересуется летописями и участвует в археологических раскопках. Как и многие художники начала 20 века, он не сразу приходит к мысли о том, что живопись должна стать его основным занятием. Осознать свой талант Рерих смог после общения с Куинджи, который согласился стать учителем молодого художника.

Увлечение историей нашло свое отражение в полотнах Николая Константиновича. Он создал серию картин «Начало Руси. Славяне». Рерих не пытался показать с помощью своих полотен какие-то ключевые моменты исторического развития. Он рассказывал о быте, повседневных моментах, которые, однако, кажутся современному зрителю практически сказочными.

Большую роль в жизни Николая Константиновича сыграла его жена, которая вдохновляла его и помогала ему в работе. Вместе с ней Рерих отправился в путешествие по древним городам России. Итогом его стала серия картин, отображающая памятники архитектуры.

Многие художники 20 века интересовались театром и создавали декорации. Не стал исключением и Николай Константинович. Его работы помогли создать атмосферу для многих представлений.

После революции Рерих Николай Константинович и его жена отправляются в путешествие, которое станет поворотным моментом в их жизни. Живописец исследует Центральную Азию, изучает Тибет, Индию, Алтай, Монголию, Гималаи. Результатом этой поездки стали не только картины, но и большой материал о традициях, обычаях и истории тех земель, где побывала экспедиция.

В последние годы жизни Рерих все чаще рисовал пейзажи. Он создал «Гималаи. Ледники», «Ступа Ладак», «Королевский монастырь. Тибет» и многие другие замечательные картины. Работы художника, его исторический труд были высоко оценены правительством Индии. Его считали русским другом этой загадочной и прекрасной страны.

Николай Константинович Рерих умер в Индии в 1947 году. Его сын привез в Россию картины своего отца.

К. С. Петров-Водкин (24.10.1878 — 15.02.1939)

Много замечательных работ оставили своим потомкам художники Серебряного века. Одним из самых известных живописцев, работавших в то время, стал Кузьма Сергеевич Петров-Водкин.

Будущий художник родился в семье, которая была далека от мира искусства. Если бы не местные купцы, которые помогали Кузьме Сергеевичу получать образование, он мог бы так и не раскрыть свой талант. Сначала он учился в классе живописи в Самаре, затем отправился оттачивать свои способности в Москву, где брал уроки у известного художника В. А. Серова.

Большое значение в биографии Петрова-Водкина имеет путешествие по Европе. Тогда он знакомится с полотнами творцов эпохи Возрождения. Картины художников 20 века также имели свое влияние: Петрова-Водкина поразили работы французских символистов.

Символизм захватывает живописца. Он начинает создавать картины в этом направлении. Самой известной из них становится полотно «Купание красного коня», созданное в 1912 году. Чуть менее известны картины «Мать» и «Девушки на Волге».

Петров-Водкин создал несколько портретов. Чаще всего на них изображены друзья художника. Большой популярностью пользуется созданный им портрет Анны Ахматовой.

Кузьма Сергеевич поддерживал революционные идеи. Участники Гражданской войны, поддерживающие идеи красных, предстают на его полотнах в роли героев. Широко известны картины «Поле боя», «Смерть комиссара».

Ближе к концу своей жизни Петров-Водкин написал несколько которые стали интересны не только поклонникам его таланта, но и всем любителям литературы.

К. С. Малевич (11.02.1879 — 15.05.1935)

Одним из самых известных художников прошлого века стал Казимир Северинович Малевич. Художник-авангардист произвел настоящий фурор в мире искусства и сделал свое имя известным на всей планете.

Никто не мог предположить, что мальчик из польской семьи, помогающий в свободное время жителям деревни разрисовывать печи, однажды станет великим. Деревенский быт поражал будущего художника. Он рисовал все то, что ему особенно запало в душу.

Семья часто переезжала. Когда Малевичи жили в Киеве, Казимир Северинович занимался в рисовальной школе. В Курске же он пытался заработать деньги на обучение в Москве. Очень долго ему не удавалось поступить. Точно не известно, но считается, что ни одна его попытка не увенчалась успехом. Однако в Москве Малевич приобрел много новых знакомств, а также увидел картины, которые оказали влияние на дальнейшее его творчество.

В городе Казимир Северинович нашел друзей, среди которых были художники России 20 века. Они желали привнести нечто новое в мир искусства, делились с Малевичем своими амбициозными идеями и видением будущего искусства.

Основой живописи сам Казимир Северинович считал цвет и чувство. Он мечтал изменить традиции живописи. Долгое время он никому не показывал свои работы. Наконец они появились на выставке футуризма. Незадолго до неё Малевич опубликовал брошюру, в заголовке которой впервые упоминается супрематизм.

На выставке футуризма впервые зрители видят легендарный «Черный квадрат», а также «Красный квадрат» и «Супрематизм. Автопортрет в двух измерениях».

Новшество, внесенное Малевичем, получило признание. У Казимира Севериновича появились первые ученики, с которыми он занимался сначала в Витебске, а затем в Петрограде. Слава Малевича проникла и в другие страны. Он отправился в Германию, чтобы организовать выставку собственных работ.

Картины Малевича были выставлены в Третьяковской галерее. Он готов был работать и дальше, но его здоровье с каждым днем становилось все хуже. Казимир Северинович умер 15 мая 1935 года.

С. Дали (11.05.1904 — 23.01.1989)

Самым неоднозначным художником прошлого столетия, вне всяких сомнений, является Сальвадор Дали. Очень рано в нем открылся талант живописца. Его родители были рады тому, что их мальчик любит рисовать, поэтому всячески поощряли его увлечение. У Сальвадора появился первый учитель, профессор Жоан Нуньес.

Дали был необычным человеком, он не готов был смириться с установленными правилами. Его выгнали из монашеской школы, чем был очень недоволен отец. Тогда Сальвадору пришлось ехать в Мадрид, чтобы там развивать свой талант и научиться чему-то новому.

В Академии Дали интересовался кубизмом и футуризмом. Тогда он создал картины «Приспособление и рука» и «Портрет Луиса Буньюэля». Но из Академии Сальвадора выгнали за его отказ подчиняться правилам заведения, эксцентричное поведение и неуважение к преподавателям.

Но это событие не стало трагедией. Дали уже тогда был известен и устраивал персональные выставки. Он попробовал себя не только в роли художника, он также создавал фильмы. Первой кинокартиной стал «Андалузский лес», следом за ним появился «Золотой век».

В 1929 году Сальвадор Дали встретил свою музу и будущую жену Елену Дьяконову, которая называла себя Гала. Она помогла своему возлюбленному, познакомила его со многими известными людьми, среди которых были и художники России, помогла ему найти свой собственный путь. Им стал сюрреализм.

Почти все следующие картины так или иначе были связаны с любимой женой Дали. Он создает «Постоянство памяти» и «Параноическое превращение лица Галы».

После начала Второй Мировой войны Дали вместе со своей супругой отправился в США, где выпустил автобиографию. Сальвадор очень много работал в этой стране. Он не только создавал картины, но также пробовал себя в роли дизайнера, ювелира, создателя декораций, главного редактора газеты.

После войны Дали возвращается на Родину. В этот период появляется во многих картинах художника. Среди них, например, «Носорогообразная фигура Илисса Фидия».

Настоящим ударом для Сальвадора Дали стала смерть любимой женщины, Елены Дьяконовой. Он был настолько подавлен, что не смог прийти на её похороны. Долгое время после этого Дали не мог создать ни одной картины. Однако он все еще оставался безумно популярным.

Последней картиной Дали стало полотно «Ласточкин хвост». После этого из-за болезни художник больше не мог работать. Он умер 23 января 1989 года.

Фрида Кало (06.07.1907 — 13.07.1954)

Одной из немногих известных на весь мир женщин-художниц прошлого века стала Фрида Кало. Она никогда ни в чем не хотела уступать противоположному полу, занималась спортом, даже увлекалась некоторое время боксом.

Как и многие художники России и Запада, Фрида не сразу выбрала свой путь. Она изучала медицину. Именно во время обучения она познакомилась со Диего Риверой, который потом станет её мужем.

Когда Фриде было 18, она попала в ужасную аварию. Из-за этого она долгое время провела в постели и уже никогда не смогла стать матерью. Лежа в кровати, не имея возможности подняться, Кало начала изучать живопись. Она смотрела на закрепленное вверху зеркало и рисовала автопортреты.

В 22 года Фрида продолжила получать образование, но живопись уже не смогла оставить. Она продолжала работу, все ближе сходилась с Риверой, а затем стала его женой. Но Диего нанес сильный удар по Фриде - он изменил художнице с её сестрой. После этого Кало создала картину «Всего-то несколько царапин».

Фрида была коммунисткой. Она общалась с Троцким и была очень рада, что тот жил в Мексике. Поговаривали, что их связывало нечто большее, чем просто дружба.

Кало мечтала стать матерью, но травмы, полученные при аварии, не позволяли ей сделать это. Главными героями её картин все чаще становились мертвые дети. Однако несмотря на страдания, Фрида любила жизнь, была светлым и позитивным человеком. Она интересовалась политикой СССР, восхищалась вождями. Привлекали её и художники России. Фрида хотела нарисовать портрет Сталина, но так и не успела закончить свою работу.

Тяжелые травмы не давали о себе забыть. Она очень часто вынуждена была лежать в госпитале, ей ампутировали ногу. Но после этого было светлое пятно в её жизни — первая персональная выставка.

Д. Поллок (28.01.1912 — 11.08.1956)

Одним из самых известных художников прошлого века стал Джеймс Поллок. Он был учеником Томаса Ханта Бенсона и, благодаря этому человеку, развивал и преумножал свои способности.

Ближе к концу 30-х годов Поллок познакомился с творчеством экспрессионистов. Полотна произвели на него неизгладимое впечатление. Даже несмотря на то что картины Поллока были оригинальны и самобытны, чувствовалось, что они вдохновлены Пикассо, идеями сюрреалистов.

В 1947 году Поллок создал свой собственный метод написания картин. Он выплескивал краски на холст, а затем создавал красочную паутину путем ударов веревкой. Такой способ вызвал большой интерес.

Джексон Поллок стал иконой для молодых художников-нонконформистов, которые также мечтали найти свой собственный путь и показать всему миру свое видение. Джексон стал символом новаторства в искусстве.

Э. Уорхол (06.08.1928 — 22.02.1987)

Даже спустя долгие годы остается модным и популярным художником. Первое образование он получил в Институте технологии Карнеги, он посещал бесплатные занятия по рисованию и развивал свой талант. Однако сразу после этого великим художником не стал.

Долгое время Уорхол рисовал иллюстрации для популярных модных журналов, создавал графические работы в области рекламы. Именно это сделало его имя известным. Он начал рисовать карандашом и создал одну из первых своих известных работ — бутылку "Кока-Колы".

Энди изображал то, что было популярно в мире в данное время. Он стал родоначальником нового направления, которое получило имя поп-арт. Легендарными стали его картины, изображающие Мэрилин Монро, Элвиса Пресли, Мика Джагера и многих других известных личностей.

Уорхол был не только художником, но и сценаристом, а также режиссером. Он создал большое количество фильмов, первые из которых были немыми и черно-белыми. Кроме того, он написал несколько автобиографий, был редактором телеканала и даже продюсером рок-группы.

Большое значение для мирового искусства имеют полотна живописцев прошлого века. Каждый из них привнес что-то новое и необычное. Достойное место в их числе занимают и художники России 20 века.